Во второй половине XIX века эти кварталы застраиваются сначала сравнительно небольшими доходными домами с дешёвыми квартирами, которые снимали мелкие чиновники, лавочники и студенты.

Но в начале ХХ века ситуация изменилась.

Рядом располагались знаменитые бани, на Семёновском плацу — ипподром, рядом — Царскосельский (ныне Витебский) вокзал, поблизости на Гороховой квартировал Григорий Распутин, плюс — казармы и офицерское жильё Лейб-гвардии Семёновского полка.

В общем, всевозможная «злачная» жизнь в этой районе закипела, что привело к преображению различным местных построек в огромные доходные дома с обильно украшенными фасадами.

В 1905 здание было перестроено в стиле модерн по проекту архитектора А. П. Шильцова – тогда был добавлен угловой корпус.

Изначально дом принадлежал купцу Семёну Зайцеву, а позже, сменив несколько хозяев, перешел во владение Федора Ивановича Кривдина.

Фасад дома украшают лепнина, барельефы. Оригинальны полукруглые балконы с ажурной изгородью.

На лестницах и в квартирах здания местами сохранились окна с фигурной расстекловкой.

В угловой парадной лестничный объем оформлен эркером со стороны двора.

Рамы деревянные, оригинальные.

Подлинная фурнитура не сохранилась.

The post Доходный дом Зайцева — Ф. И. Кривдина appeared first on Блог Милы.

Находится по адресу набережная Фонтанки, 92, возле Семеновского моста.

Петр I распорядился выстраивать в центре Петербурга дома «сплошной фасадой». Это позволяло экономить место при застройке. Так появились улицы с домами, стоящие очень близко друг к другу и целые кварталы со сплошным фасадом. Чтобы разместить больше постояльцев, владельцы доходных домов делали во внутренних дворах различные пристройки.

В 1822 году купец Устинов решил сделать не как все, а так чтобы прям красиво. Архитектору Иосифу Шарлеману было поручено построить во дворе доходного дома еще один, но с собственным внутренним двором и так, чтобы он не закрывал солнечный свет жильцам уже существующего дома. 

Архитектор не стал возводить еще один прямоугольный двор-колодец, а создал вот такое необычное круглое здание, образцом для которого, возможно, послужили жилища каменного века.

Дом действительно со своим внутренним двором, куда можно зайти через два входа. И он действительно круглый — достаточно посмотреть наверх.

На первом этаже с внешней части — каретные гаражи, обратите внимание на большие ворота.

В доме две парадные по четыре квартиры в каждом. А из двора входы в организации, разместившиеся на первом этаже.

У дома был один существенный минус — все комнаты в квартирах были проходными. То есть это было довольно скромное жилье. Между прочим, сразу после постройки в одной из квартир разместились отец, мать и сестра А.С. Пушкина, и они прожили здесь целых семь лет.

Если обойти дом вокруг, с одной стороны есть небольшой садик, где летом можно посидеть отдохнуть.

The post Дом-кольцо или круглый дом appeared first on Блог Милы.

Ротонда – это спрятанный за неприметной дверью подъезд (точнее – парадная) дома № 57 по Гороховой улице. Дом имеет форму буквы Г, и вторая его половина стоит на набережной Фонтанки, 81. Эта часть получила роскошный фасад в классическом стиле с портиком и колоннами.

Владельцы здания

Здание начал строить в конце XVIII века родоначальник одной из крупнейших российских промышленных династий Савва Яковлевич Яковлев, а закончил внук Яковлева — Николай Михайлович. В конце 1820-х годов его вдова Дарья Семеновна, урожденная грузинская княжна Бараташвили, решив поправить свои финансовые дела, перепланировала здание, устроив в нем доходный дом. После Яковлевых зданием владела семья Ротиных, которые открыли здесь гостиницу и трактиры. Затем дом достался Семену Григорьевичу Раменскому. А он продал его владельцу местного кирпичного завода Александру Фаддеевичу Евментьеву.

В наши дни он вошел в списки памятников архитектуры федерального значения под именами первого и последнего его хозяев: «Дом купца Саввы Яковлева – дом купца Евментьева».

Интерьер Ротонды

Ротонда находится на стыке двух частей дома.

Есть мнение, что эту красивую витую лестницу с колоннами и верхним освещением, дающую возможность кругового обхода и плавного восхождения в геометрически выверенном пространстве, построил в 1856 году архитектор Георг Иванович Винтергальтер.

По другой версии, в том же году лестницу спроектировал архитектор Евгений Ипполитович Ферри де Пиньи. Но в любом случае Ротонда появилась в доме уже после того, как его построили.

Изначально вход на спиральную лестницу вел с набережной Фонтанки. Теперь же место, где находилась дверь, наглухо заложено, войти в Ротонду можно только со двора.

На первом этаже лестницы расположен вестибюль с шестью колоннами. Затем лестница плавно огибает ротонду по стенам, а на третьем этаже вертикали пилястр завершаются куполом.

В центре ротонды можно увидеть чугунную пентаграмму. Под ней располагается подвал, где, по слухам, происходили некие леденящие душу жертвоприношения. Но еще в советское время подвал заложили даже надежнее, чем вход в парадную со стороны Фонтанки.

Кроме необычной формы и прекрасной чугунной лестницы у Ротонды есть и уникальная акустика. Если встать на одной стороне верхней лестничной площадки – а она совершенно круглая, с большим, огороженным перилами, отверстием посередине и с куполом над ним, – и очень тихо сказать что-то, то это ясно услышит человек на другой стороне площадки.

Ротонда и масоны

Ротонду уверенно связывают с масонами. Что же, масонский культ появился в России еще при Петре I вместе с модой на все европейское.

Не знаю, кто был самым влиятельным масоном в российской истории, но самым «царственным» стал, разумеется, Павел I. То есть масонство считалось передовым и практически легальным философско-мистическим течением. Больше всего оно было распространено в столице. Вот почему в Петербурге можно встретить так много зданий с таинственными помещениями, а также масонскими символами на фасадах и в интерьерах.

Если отвлечься от масонов и вернуться к истории Ротонды, мы узнаем, что после революции квартиры в доме на Гороховой, 57 разделили на коммуналки. Располагались они и на лестничных площадках необычного подъезда.

Жильцы относились к помещению вполне потребительски. Его загадочность и особенности акустики в полной мере оценили ленинградские «неформалы» в конце 1960-х – начале 1970-х годов.

Они ежедневно собирались в подъезде. Эти стены видели многочисленных хиппи, панков и слышали песни Гребенщикова, Кинчева, Цоя, а также других легенд ленинградского рока.

Легенды Ротонды

Именно в это время появилось самое известное суеверие, связанное с Ротондой. Если написать на стене подъезда свое желание, оно обязательно сбудется.

Вот почему многие десятилетия стены Ротонды были сплошь покрыты просьбами к высшим силам даровать взаимную любовь, удачу и богатство. Хотя самая крупная надпись Ротонды недвусмысленно гласила: «Оставь надежду всяк сюда входящий».

Периодически коммунальщики красили стены, но надписи и рисунки тут появлялись вновь.

Существовало поверье, что из Ротонды – словно в фильме «Окно в Париж» — можно попасть в иные миры. Во всяком случае, в другие временные измерения. Ходили слухи о студенте, зашедшем в Ротонду на 15 минут и вышедшим оттуда 70-летним человеком. А также о людях, которые и вовсе не вернулись из путешествия по параллельным мирам.

В последние годы Ротонда стала гораздо чище и ухоженнее, чем в советские годы. Она обзавелась консьержами, сюда водят экскурсии и приходят самостоятельные туристы.

Стены уже не покрыты сплошь надписями: для записи пожеланий установлен специальный стенд.

Периодически в самом мистическом подъезде Петербурга сдаются квартиры.

Словом, Ротонда стала просто красивой парадной и популярной туристической достопримечательностью, потеряв при этом значительную часть своей таинственности, но оставшись одним из главных архитектурных шедевров позапрошлого века.

The post Ротонда — самая мистическая парадная Питера appeared first on Блог Милы.

Обычно вяленые помидоры они продаются уже вымоченные в оливковом или подсолнечном масле со специями, поэтому в этом рецепте я не добавляла итальянскую смесь трав — орегано, тимьян, базилик. У вас могут оказаться и просто сушеные помидоры (особенно, если вы дачник). Тогда их надо замочить на несколько часов в масле с травами и чесноком. Гречка для этого блюда должна быть чуть недоваренной — как говорят итальянцы al dente.

Также вяленые помидоры дачники могут приготовить и самостоятельно — рецепт несложный.

Ингредиенты:

• Гречка — 1 ст.
• Вода — 2 ст.
• Вяленые помидоры — 100 гр.
• Твердый сыр — 50 гр.
• Соль по вкусу
• сушеные Итальянские травы (орегано, тимьян, базилик) (если в вяленых помидорах недостаточно приправ)

Приготовление:

Отварить гречку в подсоленной воде до полуготовности. Учитывайте, что она еще будет готовиться на сковороде. Помидоры нарезать небольшими кусочками.

На сковороде разогреть масло от помидоров и обжарить на нем гречку, затем добавить порезанные помидоры. Накрыть крышкой и готовить на маленьком огне минут 7-10.

Посыпать натертым сыром (в идеале — пармезаном), перемешать.

Итак, гречка с вялеными томатами готова. Приятного аппетита!

The post Гречка с вялеными томатами appeared first on Блог Милы.

В современных же подземных станциях преобладают эргономичный дизайн и принцип безопасности для пассажиров.

Вообще, сейчас петербургский метрополитен состоит из 72 станций. Из этого количества всего 8 станций не имеют эскалаторов. Общая протяженность линий составляет 124,8 километров. В эксплуатации — 5 линий.

Итак, 10 самых красивых станций метро Петербурга.

«Автово»

Линия: Кировско-Выборгская
Дата открытия: 15 ноября 1955 года
Почему так называется: раньше на этом месте была деревня Аутово

«Автово» — одна из самых живописных станций Петербурга. В 2014 году она попала в список 12 красивейших станций мира по версии английского издательства Guardian. Газета The Daily Telegraph назвала ее одной из самых красивых в Европе.

Именно в «Автово» прибыл первый поезд петербургского метрополитена. Также это первая в петербургском метро станция без эскалаторов. Так как заложили ее неглубоко — всего 15 метров от поверхности.

Станция создана в стиле неоклассической архитектуры. Тема оформления — героическая оборона Ленинграда во время Великой Отечественной войны, поэтому здесь повсюду военная символика:

светильники, люстры и орнаменты решеток украшают золоченые мечи, лавровые венки и другие знаки воинской доблести. На полу — красный, черный и серый гранит.

Торцевую стену центрального подземного зала украшает мозаичное панно «Победа», с изображением женщины с младенцем.

Перекрытие зала поддерживают 46 бетонных колонн, 16 из них облицованы литым стеклом с рельефным орнаментом. Стекло в качестве облицовочного материала в метро было применено впервые.

Внутренняя поверхность стеклянных панелей имеет гранёный рельеф, с углом граней 80 градусов. Благодаря такой огранке создается оптический эффект — свет отражается от граней прежде, чем достигает бетона, и прозрачное стекло перестаёт просвечивать. Поэтому становятся не видны опорные конструкции под стеклом, и все колонны кажутся стеклянными монолитами.

По первоначальному плану стеклянные колонны должны были светиться. По задумке архитекторов, станция должна была напоминать подземный дворец.

Для остальных колонн использовали мрамор: подрядчик не успел полностью выполнить отливку к сдаче объекта, и их временно облицевали камнем. А после этого к проекту не возвращались из-за плохого отношения Хрущева к «архитектурным излишествам».

«Кировский завод»

Линия: Кировско-Выборгская
Дата открытия: 15 ноября 1955 года
Почему так называется: рядом находится Кировский завод

Оформление «Кировского завода» посвятили индустриализации страны.

Павильон станции построили в классическом стиле и своей формой напоминает античное сооружение.

Купол поддерживает 31 пара колонн из искусственного белого мрамора. Потолок центрального зала украсили лепниной с эмблемой Кировского завода.

Архитекторы воплотили в жизнь эксклюзивную для тех времен идею — люверсное освещение. За толстым органическим стеклом спрятали лампы дневного света.

Чеканные горельефы отражают нефтяную,

каменноугольную,

металлургическую промышленности

и электрификацию.

При строительстве станции в вестибюле изначально хотели установить памятник Кирову, но в итоге появился бюст Ленина. Он стоит у торцевой стены.

«Нарвская»

Линия: Кировско-Выборгская
Дата открытия: 15 ноября 1955 года
Почему так называется: находится в историческом районе Нарвской заставы

«Нарвская» — единственная станция Петербурга, у которой есть путевое развитие, но при этом она не пересадочная и не конечная.

В проекте станция называлась «Площадь Стачек».

Сначала ее хотели оформить в честь Сталина, но потом выбрали тему трудовой славы советского народа.

Павильон оформили в красно-белых цветах и позолоте.

На потолках — хрустальные дугообразные светильники, — новаторское для тех времен решение.

На 22 пилонах подземного зала располагаются 48 барельефов людей разных профессий,

например метростроевцев, деятелей искусств, врачей, ученых.

Путевые стены украшают решетки с надписью «1955» — это год открытия станции.

Торцевую стену подземного зала изначально украшало большое мозаичное панно «Сталин на трибуне», но в 1961 году, после 22-го съезда КПСС, его закрыли мраморной фальш-стеной.

В отгороженном пространстве сначала был зал заседаний, а потом его использовали как линейный пункт машинистов депо «Автово» — там он находится до сих пор.

Павильон станции выполнен в неоклассическом стиле с купольным завершением.

Над эскалатором

установили большая скульптурная композиция «Слава Труду!», которая изображает группу рабочих, собравшихся на площади Ленина, которая смотрит на знаменосца в центре горельефа.

В первоначальном варианте в центре должен был находиться Сталин.

«Пушкинская»

Линия: Кировско-Выборгская
Дата открытия: 30 апреля 1956 года
Почему так называется: из-за близости Витебского вокзала, соединяющего Санкт-Петербург с городом Пушкиным (Царское Село)

Станция строилась в составе первой очереди метрополитена «Автово» — «Площадь Восстания», но из-за технических проблем при строительстве (затопление наклонного хода) была открыта позже других станций — 30 апреля 1956 года.

Это единственная станция первой очереди, спроектированная не ленинградскими архитекторами, а московским архитектором Л. М. Поляковым (проект также, в отличие от остальных станций, приняли на внеконкурсной основе).

Эту станцию на Кировско-Выборгской линии петербуржцы называют самой утонченной.

Внутренний декор выполнили в пастельных тонах, на полах — витиеватый узор из темно-красного гранита, в вестибюль проникает много дневного света. Гранит доставлялся в Ленинград с Украины.

В нишах установили чёрные металлические торшеры с хрустальными чашами, излучающими свет. Светильники декорировали позолоченными стилизованными щитами, копьями и другими отделочными деталями.

А главное украшения станции — памятник Александру Пушкину, выполненный скульптором Михаилом Аникушиным. Поэт расслабленно сидит на фоне Царскосельского парка (панно художницы М. А. Энгельке), задумчиво встречая гостей и жителей города. Панно подсвечивается снизу лампами дневного света.

«Площадь Восстания»

Линия: Кировско-Выборгская
Дата открытия: 15 ноября 1955 года
Почему так называется: рядом расположена площадь Восстания — бывшая Знаменская площадь

Это первая станция петербургского метро, оборудованная двумя выходами. Круглый павильон станции — один из символов петербургского метро. Его построили в классическом стиле и чем-то напоминает храм. Наверху здания находится ротонда со шпилем.

Тема оформления станции — Октябрьское вооруженное восстание 1917 года. Архитекторы совместили тему революции с богатым декором в классическом стиле.

По их задумке, станция должна была стать «парадной» для гостей города, которые прибывали на Московский вокзал.

Вестибюль украшают огромные люстры,

белоснежные арки, металлические детали,

лепные карнизы и бронзовые барельефы, которые иллюстрируют сюжеты событий 1917 года — «Выступление Владимира Ленина в Таврическом дворце», «Владимир Ленин у шалаша в Разливе», «Выстрел „Авроры“», «Штурм Зимнего дворца». Такого роскошного оформления нет ни у одной станции метро.

Так как петербургский метрополитен возводили еще при Сталине, все станции были украшали его портреты. Потом их убрали. Небольшой барельеф Сталина остался только на «Площади Восстания».

«Международная»

Линия: Фрунзенско-Приморская
Дата открытия: 28 декабря 2012 года
Почему так называется: находится в районе, улицы которого названы в честь освобожденных во время войны городов, — Пражская, Будапештская, Софийская

Вестибюль станции встроили в ТК «Международный».

На стадии проектирования ее оформление хотели посвятить дружбе народов, но в итоге выбрали тему рождения цивилизации.

Зал украсили мозаичным панно с одним из символов города — атлантом, который держит земной шар. Из-за своеобразной облицовки создается впечатление, что он держит весь свод «Международной».

Слева от панно располагается задел под переход на станцию Кольцевой линии в виде двух поднимающихся и упирающихся в стену лестниц с золотистыми латунными полуколоннами между ними и с перилами, как в центральном зале.

Центральный зал станции освещается полосами закарнизных светильников; в перронных залах используется только закарнизное освещение.

Для облицовки стен застройщики выбрали мрамор молочного оттенка, а для пола — гранит благородного серого цвета.

В северном торце станции располагается наклонный ход, содержащий 4 эскалатора.

В эскалаторном зале размещается мозаичное панно, изображающее фрагменты из жизни и мифологии различных древних народов — греков, вавилонян, римлян и т. п.

Кстати, к открытию станции изготовили именные жетоны станции.

«Обводный канал»

Линия: Фрунзенско-Приморская
Дата открытия: 30 декабря 2010 года
Почему так называется: рядом расположен Обводный канал

Когда-то на месте станции находился кинотеатр «Нордъ», где показывали фильмы даже в дни блокады Ленинграда. Затем там открыли Театр нерешенных проблем, где проходили концерты и выставки. В начале 2000-х здание опустело и простояло заколоченным несколько лет. В 2006 году кинотеатр снесли и начали работы по строительству станции.

«Обводный канал» построили еще в 2008 году, но у станции не было выхода на поверхность, поэтому поезда проезжали ее без остановки.

Наземный вестибюль доделали только в 2010 году: его встроили в 8-этажный торгово-развлекательный центр «Лиговъ».

Все три нефа станции и наклонный тоннель с эскалаторами являются элементами единой композиции. Станцию оформили в стиле промышленной архитектуры Петербурга конца 19 века — это своеобразный памятник тем временам.

Например, при строительстве зала использовали балки. Свод и декоративные дуги подземной станции создают оптическую иллюзию: пассажирам кажется, будто они находятся внутри трубы.

Стены перронов украсили стеклокерамическими панно с коллажами-панорамой Обводного канала — такого, каким он был в конце XIX века.

С одной стороны — набережная правого берега, с другой — левого. Общая длина композиции — 360 погонных метров, на которых не заложили ни одного места под размещение рекламы.

«Звенигородская»

Линия: Фрунзенско-Приморская
Дата открытия: 20 декабря 2008 года
Почему так называется: расположена на Звенигородской улице

Изначально станция должна была быть с колоннами, но в 1996 году работы приостановили и частично построенный тоннель станции деформировался. Поэтому в 2001 году часть колонн решили заменить глухими простенками.

Тема оформления станции — Семеновский гвардейский пехотный полк.

Его казармы располагались в этом районе. Путевые стены «Звенигородской» облицованы белым мрамором, темно-зеленым индийским мрамором и гранитом.

Вестибюль украсили мозаичным панно, которое изображает бой Семеновского полка. Его создали в Академии художеств. В торце зала установили еще одно панно, которое изображает первых семеновцев Петра Великого.

Станция является пересадочной с Кировско-Выборгской линией.

Конструкция сопряжения перехода со станцией уникальна для Петербургского метрополитена. В центральной части станции платформа среднего зала приподнята (продольные лестницы перед и после неё), и уже с этой платформы идёт лестница над путями, ведущая в переходные тоннели к станции «Пушкинская».

«Адмиралтейская»

Линия: Фрунзенско-Приморская
Дата открытия: 28 декабря 2011 года
Почему так называется: рядом расположено здание Адмиралтейства

Это самая глубокая станция в России и одна из самых глубоких в мире. Ее глубина — 86 метров, а протяженность — 162 метра. Время подъема по эскалатору — 3 минуты 14 секунд. Для сравнения: глубина «Пухын» в Пхеньяне — около 100 метров.

Станцию ввели в эксплуатацию 15 сентября 1997 года, но у нее не было платформы и внутренней отделки. Строительство «Адмиралтейской» возобновили только в 2005 году. Вплоть до 28 декабря 2011 года она была открыта, но не работала.

Сначала открытие откладывали из-за проблем с расселением дома, в котором планировали сделать вестибюль станции, потом — из-за прекращения финансирования. В общей сложности «Адмиралтейскую» строили 14 лет, из-за чего ее прозвали станцией-призраком.

Тематика оформления станции — основание российского флота Петром Великим.

Ее украсили витражами, мозаичными панно, решетками с изображением якоря

и медальонами с барельефами русских флотоводцев и адмиралов — Ушакова,

Макарова,

Нахимова,

Апраксина,

Григоровича

и Беллинсгаузена.

Потолок вестибюля украшает компас.

«Спортивная»

Линия: Фрунзенско-Приморская
Дата открытия: 15 сентября 1997 года
Почему так называется: рядом расположены крупные спортивные объекты — стадион «Петровский» и спортивный комплекс «Юбилейный»

В 1996 году Санкт-Петербург был городом-претендентом на проведение Олимпиады в 2004 году, поэтому станцию решили назвать «Олимпийской», а оформление вестибюлей посвятить спортивной теме, Греции и Олимпийским играм. Позже Санкт-Петербург отсеяли на голосовании и станцию переименовали в «Спортивную».

Тоннель эскалатора украсили мозаичным панно с изображением 12 олимпийских богов, а подземный зал — панно с профилями участников первых Олимпиад в Древней Греции.

Светильники на платформе стилизовали под олимпийские факелы.

«Спортивная» интересна еще одним фактом: это единственная в мире двухъярусная станция, которая может принимать четыре состава одновременно.

Это повышает пропускную способность и ощутимо экономит время для пересадки.

Верхний и нижний залы платформ соединили между собой эскалаторами.

27 мая 2015 года был ввели в эксплуатацию второй выход со «Спортивной», расположенный на Васильевском острове, по другую сторону Тучкова моста. Второй вестибюль соединили со станцией 300-метровым подземным пассажирским тоннелем под рекой Малая Нева. Переход снабдили уникальным для Петербургского метрополитена траволатором.

«Беговая»

Линия: Невско-Василеостровская
Дата открытия: 26 мая 2018 года
Почему так называется: рядом расположена одноименная улица

Станцию построили в преддверии чемпионата мира по футболу — 2018: рядом с ней стоит стадион «Газпром-Арена».

Архитектурное оформление «Беговой» посвятили памяти летчика-истребителя Александра Савушкина.

Станцию построили в стиле современного индустриального урбанизма.

Светильники символизируют пропеллеры самолета времен Великой Отечественной войны.

Полы изготовили из полированного серого гранита с коричневыми и черными полосами, стены облицевали керамическими панелями, колонны — пластинами из нержавеющей стали.

У станции четыре яруса, которые соединены между собой эскалаторами, траволаторами, служебными лестницами и лифтами.

Подземный зал украсили стеклянными художественными панно с 3D-эффектом: когда смотришь на них с разных сторон, изображение меняется. Над панно работали в Академии художеств, вдохновляясь конструктивистами, в частности Владимиром Татлиным.

P.S. На самом деле, подборка получилась из 11 станций. Кто заметил — молодец! Ниже схема метрополитена, на которой указаны 10 самых красивых станций метро Петербурга.

The post 10 самых красивых станций метро Петербурга appeared first on Блог Милы.

Ингредиенты:

• 3 ст. л. сметаны,
• 0,5 ст. л. соевого соуса,
• 1 зубчик чеснока,
• 2-3 веточки зелени (укроп, петрушка, базилик…)

Жирность сметаны не имеет особого значение, хотя сметана с меньшей жирностью будет более жидкой.

Приготовление:

В пиалу или мисочку положить сметану, влить соевый соус. Чеснок очистить и измельчить (мелко нарезать или пропустить через пресс для чеснока), добавить к сметане. Зелень мелко нарезать и добавить к остальным ингредиентам. Всё хорошо перемешать.

Итак, сметанно-соевый соус с чесноком готов. Приятного аппетита!

Кстати, если соус не съели за один вечер, то он превосходно сохранится и до следующего дня, только пиалу с соусом накройте пленкой или блюдцем и поставьте в холодильник.

The post Сметанно-соевый соус с чесноком appeared first on Блог Милы.

Среди привычных глазу дорожек, аллей и лавочек уютно устроились Царевна-лягушка, Ученый Кот и Золотая Рыбка. 4 сентября 2024 года здесь состоялось торжественное открытие.

Изначально здесь стояли заброшенные гаражи, росли аварийные деревья.

Деревья вырубили, а гаражи вывезли, и появилась площадка, которая превратилась в сказочный сквер.

Здесь появились герои русских и советских сказок, которые все мы знаем с детства и читаем своим детям.

Это и Двое из ларца, и Золотая Рыбка, и старик со старухой, и Царевна-лягушка, и Конек-Горбунок.

Автор сказочных персонажей — скульптор из Бердска Илья Давыдов.

Вместе с напарником Иваном Степанцовым сделали и лавки, и фигуры.

Над проектом работали около 2 месяцев, на изготовление одой фигуры могло уйти порядка недели.

Героев прорабатывали так, чтобы они подольше простояли и не ломались.

Их покрыли масло-воском, поэтому они могут прослужить не один десяток лет.

Между прочим, в Железнодорожном районе Новосибирска установлены уже более 20 работ мастера.

Скамейки в сквере

Кроме деревянных скульптур, на территории сквера появились и три резные скамьи.

Скамейки, конечно же, также выполнили в тематике русских сказок. Например, на скамье под названием «Вдохновение» установили спинку в виде волшебного пера, а также вырезали образ Кота ученого.

Гостей сквера также приглашают отдохнуть рядом с грустным Иваном Царевичем

и между трогательным Стариком и Старухой.

Кстати, в сквере посадили уникальные для Новосибирска виды деревьев. Из Донецкого ботанического сада прибыли можжевельники и гинкго билоба, из Санкт-Петербурга – редкая разновидность ивы. Саженцы перезимовали и прижились.

Муралы в Сказочном сквере

В планах также создать мурал на всех стенах местной ТПУ.

Пока что рисунок нанесли только с двух сторон. А нанесли на стены иллюстрации к русским сказкам знаменитого русского художника Бориса Зворыкина.

Между прочим, для мурала применили современную технологию Urban-фреска.

The post Сказочный сквер в Новосибирске appeared first on Блог Милы.

Если вы ни разу не жарили в своей жизни пельмени, то пришло время опробовать это вкусное блюдо с золотистой корочкой. Особенно ему будут рады мужчины – мелкие хрустящие пирожки с мясным фаршем просто сведут их с ума! Помните о том, что жарить нужно только замороженный продукт, иначе они слипнутся в сковороде между собой.

Ингредиенты:

• замороженные пельмени 15-20 штук (в зависимости от размера),
• растительное масло,
• вода

Приготовление:

Мороженные пельмени (покупные или слепленные собственноручно) выложить на сковороду с разогретым растительным маслом и поставить на огонь слегка меньше максимального ( я ставлю на 7 из 9).

Поджарить пельмени с обеих сторон до золотистого цвета (в течение 3-5 минут). В процессе надо перевернуть каждый пельмешек на другую сторону. Это очень кропотливая работа, но ее обязательно нужно выполнить, чтобы все пельмени равномерно прожарились и снаружи, и изнутри.

Налить на дно сковороды немного воды. Внимание! Заливая водой, сразу же закрыть крышку, так как будет сильно брызгать. Пропарить пельмени1-2 минуты, пока вода не испарится.

Подавать со сметаной, майонезом, кетчупом, аджикой, в общем кому как нравится. Или можно приготовить сметанно-соевый соус.

Итак, жареные пельмени готовы. Приятного аппетита!

The post Жареные пельмени appeared first on Блог Милы.

Презентация «Деревья Центрального парка»

Дуб черешчатый или обыкновенный

Дуб черешчатый. Его древесину используют в мебельном производстве, строительстве, судостроении; кору и листья применяют в народной медицине, а плоды в сельском хозяйстве.

Может дожить до 2000 лет, но обычно живёт 300–400 лет. Начинает плодоносить с 40–60 лет.

Береза повислая

Береза повислая. Почки и листья березы активно применяются в медицине. Кора берез имеет белый цвет благодаря смолистому веществу бетулину. Оно защищает дерево от неблагоприятных внешних факторов, в том числе от паразитов.

Семена березы исключительно легкие – 5000 семян весят около 1 грамма, поэтому легко разносятся ветром.

Рябина обыкновенная

Рябина обыкновенная. Является одним из самых морозоустойчивых деревьев, способных выдерживать очень низкие температуры.

Плоды рябины богаты витамином C и другими полезными веществами. Они используются в кулинарии и медицине. Выведены культурные сорта, которые почти не горчат.

Сосна кедровая сибирская

Сосна кедровая сибирская. Кедр способен доживать до 800 лет. Высота достигает 45 м при максимальном диаметре ствола – 2 м и более.

Кедровые орехи с научной точки зрения не являются орехами, поскольку голосеменные растения вообще не могут иметь плодов — это просто семена. Но такое название издавна закрепилось в народе, а затем и в кулинарии. Плодоносить начинают на 60-м году своей жизни, а чтобы плод полностью созрел, требуется не менее 15 месяцев.

Сосна обыкновенная

Сосна обыкновенная. Ценный камень янтарь — застывшая смола древних сосен. Может прожить до 500 лет и даже более.

Играет важную роль в очищении воздуха от загрязнений. . Ее древесина используется в строительстве, производстве мебели, бумаги, а также как источник древесного угля и смолы.

Ель обыкновенная

Ель обыкновенная. Вынослива к экстремально низким температурам зимой.Сильные снегопады для ели – не помеха. Её тонкие и гибкие ветви под тяжестью снега нагибаются… и стряхивают его!

Ель имеет свойство давать новые побеги-клоны из корней отмерших стволов. Возраст самой старой известной ели с учётом клонов достигает 9550 лет.

Лиственница сибирская

Лиственница сибирская. В высоту дерево может вырастать до 35-40 метров. Единственное из хвойных сбрасывает на зиму зеленый покров.

Славится своей способностью выдерживать сильнейшие морозы до -65°. Способно долго находиться в воде, становясь лишь крепче и тверже. На лиственничных сваях строились такие прекрасные города как Санкт Петербург и Венеция.

Вяз гладкий или обыкновенный

Вяз гладкий или обыкновенный. Доживает до 200–300 лет. Может быть хорошим ранним медоносом. Листву, цветки и кору вяза используют в медицине.

Вяз активно используют в защитном лесоразведении и сажают для озеленения городов. Пыльца дерева — сильный аллерген, а когда его плоды высыхают, то сильно засоряют улицы, дворы и парки.

Липа сердцевидная

Липа сердцевидная. Отличный медонос, дает самый полезный и душистый мед. За один день пчелы могут собрать с липы до 10-14 килограммов меда.

Из липы делают мебель и посуду, так как ее древесину легко обрабатывать. Ствол в диаметре достигает трех метров. В среднем живет до 120 лет, в 150 лет в стволах начинают образовываться огромные дупла. Узнать о возрасте дерева можно по коре: на молодом она темная, а на старом покрыта мелкими бороздками.

Сибирская ягодная яблоня

Сибирская ягодная яблоня. Самая морозостойкая в мире яблоня, прародительница ранеток и морозостойких сортов яблонь. При -56 °С она точно выживает.

Несмотря на то, что величина яблок у неё не превышает в диаметре 1 см, это всё-таки яблоня. Толстых и прямых стволов у этой яблони практически не бывает. Весной красивое и ароматное цветение, хороший медонос.

The post Презентация «Деревья Центрального парка» appeared first on Блог Милы.

Печенье получается не сильно сладким, сладкоежки могут добавить еще до 1/4 ст. сахара.

Сладости в критской диете

В народной крестьянской кухне сладкая выпечка была редкостью! Праздничные сладкие лакомства готовили только к определенным большим торжествам. Каждый праздник имел свой собственный сладкий вкус: “меломакаруна” (песочное печенье с оливковым маслом и медом) — в Рождество, ватрушки лампадки “кальцуня” — в Пасху.

В городской кухне было больше сладких лакомств, и люди чаще их ели. Варенья и джемы были самыми частыми сладкими угощениями в городских критских домах на протяжении последних десятилетий. Но на столах крестьянских семей сладкие десерты из фруктов и ягод были достаточно редки. Однако, за тем, чтобы мед и вареное сусло всегда имелись в наличии, хозяева следили ревностно. Их использовали так, как сегодня — сахар, но экономнее. Грецкие орехи с медом, сыр с медом или вареное сусло отличаются уникальным непревзойденным вкусом. Так же внимательно заботились, чтобы не переводились в доме сухофрукты, особенно инжир и изюм. Критский изюм всегда был великолепен. Он вместе с семенами граната и сухофруктами сопровождали дружеские беседы холодными зимними вечерами.

В традиционной кухне сласти были натуральными, ароматными, вкусными, без холестерола, и ими никогда не злоупотребляли.

Ингредиенты:

• 1/4 ст. оливкового масла,
• 1/4 ст. вареного сусла (пекмеза — виноградного, кэроба, шелковицы…)
• 1/8 ст. апельсинового сока,
• 1/4 ч. л. соды,
• 1 ст. л. коньяка,
• 1/2 ч. л. разрыхлителя,
• 1/2 ч. л. молотой корицы и гвоздики,
• 200-250 гр. муки,

Приготовление:

В оливковое масло добавить сусло (уваренный сок), апельсиновый сок, коньяк, корицу с гвоздикой и муку, смешанную с содой и разрыхлителем. Замесить эластичное тесто. Сформировать маленькие бублики. Я делила тесто пополам, потом снова пополам, пока у меня не получилось 32 кусочка. Затем раскатала колбаски и свернула их в бублик. В современных условиях можно раскатать тесто в пласт и вырезать фигурки формочкой.

Выложить на лист, застеленный бумагой для выпечки или смазанный маслом. Выпекать в заранее разогретой до 180 градусов духовке 20 минут.

Итак, Мустокулура — сусляное печенье (печенье из пекмеза) готово. Приятного чаепития!
moústou koulouri

The post Мустокулура — сусляное печенье (печенье из пекмеза) appeared first on Блог Милы.

В Новосибирске «Дом моделей» организован 22 сентября 1948 года решением Новосибирского городского исполнительного комитета. Но Новосибирск имел опыт в модельном производстве одежды ещё до появления «Дома Моделей». В годы Великой Отечественной войны существовало Ателье мод «Райпромкомбината» (1938 г.).

Первоначально НДМ находился по адресу ул. Красный проспект, 30 (сейчас это угол с Октябрьской магистралью). Из Москвы туда приезжают работать дипломированные модельеры московского техникума промышленности.

Был организован методический кабинет с уникальной библиотекой раритетных художественных изданий, среди  которых  «Описание всех обитающих в российском государстве народов…» (1794 г.), «Орнамент всех времен и стилей» (1898 г.), «История внешней культуры» (1911 г.).

Организуется основное производство (150) чел., налаживаются связи со смежниками. На Чаплыгина, 27 был открыт производственный экспериментальный филиал «Дома моделей». Были запущены показы новых коллекций одежды, как в городе, так и в селе при помощи автобуса для людей и лошади с телегой для багажа с костюмами.

Молодёжь работает с подшефным детдомом, детскими садами, собирает книги для сельских библиотек, организует художественную самодеятельность, спортивную работу, катания на лыжах и коньках, дежурит на охране общественного порядка, выезжает в совхоз на уборку урожая.

С 1956 года «Дом моделей» переехал в здание на ул. Советская, 7. Хотя производству и здесь было тесновато (приходилось работать в две смены), но зато значительно расширился демонстрационный зал.

Показы мод в Новосибирске превратились в настоящую городскую достопримечательность. Их организовывали специально для зарубежных гостей. Среди посетителей таких закрытых показов были супруга вице-президента США Тельма Никсон, иранские принцессы династии Пехлеви и многие другие иностранные гости.

Первых манекенщиц называли «демонстраторами одежды». Их находили как среди молодых актрис местных театров, так и среди модниц на стиляжном «Бродвее» (нечётная сторона Красного проспекта между ул. Ленина и Октябрьской).

Новосибирский «Дом моделей» (НДМ) заслужил репутацию благодаря своим высококвалифицированным художникам, конструкторам, технологам и портным. Среди художников, работавших в нашем «Доме моделей» с 1952 по 1957 годы, был и знаменитый Николай Демьянович Грицюк (жил в Стоквартирном доме), а его супруга (искусствовед) проводила модные показы.

Она представляла каждую модель, рассказывала о современных тенденциях и направлениях моды. Эта худенькая, элегантная женщина с простой прической и неяркой косметикой сама казалась эталоном моды и красоты. Надо ли говорить, как внимали её словам заинтересованные слушатели. Делали пометки в своих блокнотиках.

Валентина Эдуардовна пользовалась в коллективе большим уважением. Эта элегантная и обаятельная женщина была строга и одновременно совершенно спокойна. Например, как вспоминают коллеги, практиковала утреннею встречу манекенщиц. Уже в 8-30 она стояла на проходной с часами в руке. Опаздывать было не принято, но повышать голос начальнице не приходилось. Достаточно было одного взгляда.

Конец 1950-х годов ознаменовался бурным развитием моды. Если ещё несколько лет назад потребителю вполне хватало 600-800 моделей в год, то в 1960-м стало мало даже 1600. Ежегодный выпуск продукции составляет около 40 000 шт., внедряются конструирование, экспериментальные разработки.

«Дом моделей» даже выпускал сезонные «Альбомы мод Новосибирского Дома моделей», а затем и журнал с выкройками.

В 1956 году в Варшаве открылся VII Международный конкурс одежды. Для демонстрации моделей советских художников-модельеров было отобрано пять лучших манекенщиц домов моделей страны. Среди них – Галина Решетникова – 19-летняя манекенщица Новосибирского дома моделей. Тогда наш Дом моделей представил представил 4 платья и пальто.

Декабрь 1961 года ознаменовался открытием филиала НДМ — экспериментального цеха со штатом в 135 человек. Цех располагался по адресу: ул. Авиастроителей, 5 и 7. При нем сразу же открылось ателье, ставшее настоящей творческой лабораторией.

Здесь разрабатывались и производились интересные экспериментальные модели одежды для молодежи из популярных, в том числе спортивных, материалов. В год цех выпускал более 80 остро-модных изделий сериями от 20 до 300 шт. Даже если модель пользовалась успехом и шла нарасхват, не имели права выпускать партии свыше 300 единиц.

В сентябре 1966 года был оборудован новый зал для показов, а в 1969 году НДМ сменил адрес, переехав на Красный проспект, 49, и заняв помещения на Романова, 27 и 25.

С 3 января 1966 года по 22 мая 1975 года предприятие было частью структуры Управления швейной промышленности Западно — Сибирского совнархоза. НДМ на протяжении многих лет сотрудничал с Домами моделей и швейными фабриками Сибири и Дальнего Востока.

Более ста предприятий «Запсибшвейпрома», в числе которых фабрики им. ЦК Союза швейников, «Северянка», «Детская одежда», «Горнячка» (Прокопьевск), «Берёзка» (Новокузнецк), «Авангард» (Барнаул) и другие, получали техническую документацию от НДМ. «Дом Моделей» становится источником базовых выкроек новых моделей одежды и новых модных тканей для рядовых ателье.

В 1971 году была создана лаборатория, занимающаяся испытанием тканей.

Пуговицы и различную металлическую фурнитуру для НДМ поставляет Новосибирский завод радиодеталей.

В 1974 году организация стала региональным методическим центром в области проектирования одежды. Ежегодно в НДМ создавалось до двух тысяч и более моделей мужской, женской и детской одежды.

Это был крупнейший в Сибири центр школы моделирования, которую отличал хороший вкус и высокая культура, смелый поиск и сохранение традиций народного костюма. Подавляющее число моделей (более 95%) создавалось для массового производства.

Но, к сожалению, после запуска в серию потери были неизбежны. И ткани подешевле, и детали попроще.

НДМ имел и собственную сеть фирменных магазинов и отделов сети Ростекстильшвейторга, где продавалась его продукция: «Мода», «Молодёжный», «Мужская одежда», «Северянка», ЦУМ. В 1980-х применялась и торговля «массовкой» и через автолавки, приносящая «живые» деньги.

С 1973 года модели Новосибирского Дома Моделей демонстрировались в 18 странах мира, где были удостоены множества международных наград. И это были не только страны соцлагеря, а и Великобритания, Германия, Австрия, Франция, Япония, Канада и т.д. Началась практика проведения совместных показов с иностранными партнерами.

ВДНХ, главная выставка страны в Москве, неоднократно становилась площадкой для демонстрации коллекций Новосибирского Дома Моделей.

26 апреля — 26 мая 1988 года в Картинной галерее Новосибирска прошла выставка «От эскиза к модели», посвященная 40-летию Новосибирского Дома Моделей.

Производство всегда включало в себя и прогноз тенденций развития ассортимента одежды, создание опытных образцов от рабочей, повседневной, для спорта и отдыха до уникальных образцов.

И здесь активным пропагандистом современной моды, культуры одежды выступали, конечно же, показы моделей, которые собирали аншлаги в демонстрационном зале самого НДМ, в зале Дома быта, даже на предприятиях, в институтах и сёлах.

В год организовывалось до 130 показов. В Новосибирском Доме Моделей они проходили по понедельникам и средам в 18:30. Несмотря на высокую цену билета — 5 рублей, 70-местный зал всегда был полон, а иногда зрителям приходилось стоять. В середине 1970-х показы проходили даже под живую музыку. Остальные дни недели были предназначены для выездов.

В сентябре 1988 года Новосибирский Дом моделей стал частью Новосибирского промышленно-торгового швейного объединения. В его состав вошли:

• Новосибирская швейная фабрика им. ЦК Союза швейников
• НПШО «Детская одежда»
• Фабрика «Северянка»
• Фабрика «Соревнование»
• Барабинская швейная фабрика
• Болотнинская швейная фабрика
• Бердская швейная фабрика
• Татарская швейная фабрика
• Черепановская швейная фабрика
• Куйбышевская швейная фабрика
• Фирменные магазины «Одежда» и «Северянка»

В апреле 1992 года Новосибирский дом моделей перешел в частные руки после выкупа у областного комитета по управлению госимуществом администрации НСО и последующей приватизации.

В апреле 1995 года НДМ совместно с молодёжной волонтерской организацией YMCA, детской студией «Смайл» и молодежной газетой «Рост» провёл 1-й и единственный конкурс юных модельеров. К нам даже приезжала съемочная группа телерадиовещательной кампании «ВВС», чтобы сделать фильм о нашем Доме моделей.

В 2002 году смена собственника привела к реорганизации ОАО «Новосибирский дом моделей» и образованию четырех ООО: опытного производства, школы моделей, информационно-образовательного центра и центра индивидуальных модельных разработок.

В апреле 2003 года контрольный пакет акций НДМ приобрела ПКГ «РАТМ», а в бизнес пришла эра модельных агентств: Людмилы Селютиной, Виктора Буланкина, «Magic Models», «Flash Models», «Status»… К сожалению, после закрытия такого гиганта в 2002 году посыпалась вся швейная промышленность Сибири и Дальнего Востока — не стало лекал для шитья…

На основе материалов Библиотеки сибирского краеведения и лекции К. Голодяева в Музее Новосибирска На набережной.

The post Новосибирский Дом моделей appeared first on Блог Милы.

Брускетта с авокадо и вялеными томатами — это блюдо, которое следует подавать сразу после приготовления, чтобы сохранить свежий вид и избежать приунывшего, заветренного.

Ингредиенты:

• Багет — 1 шт.
• Сливочный творожный сыр — 150 г
• Авокадо — 1-2 шт.
• Вяленые помидоры — 50 гр.
• Свежая петрушка — пара веточек
• Чеснок — 1-2 зубка
• Масло растительное — 1-2 ст.л

Приготовление:

Нарезать багет ломтиками, сбрызнуть растительным маслом. Слово «сбрызнуть» всегда ставило меня в тупик, т.к. пульверизатора с маслом у меня нет, а прямо из бутылки ловко сбрызнуть вряд ли получится, поэтому я смазывала ломтики маслом при помощи силиконовой кисточки.

Поставить в разогретую до 190 градусов духовку и подсушить в течение 5-6-10 минут до красивого румянца.

Готовые ломтики багета нужно остудить. Только не складывайте их стопочкой друг на друга, чтобы багет остался хрустящим.

Нанести сыр на остывшие ломтики багета. Предварительно каждый ломтик багета натереть зубчиком чеснока для пикантности вкуса.

Сверху положить слой измельченной мелкими кубиками мякоти авокадо. Поверх авокадо положить мелко нарезанные вяленые помидоры. Остается только посыпать брускетты с авокадо и вялеными томатами измельченной петрушкой и подать к столу!

Итак, брускетта с авокадо и вялеными томатами готова. Приятного аппетита!

The post Брускетта с авокадо и вялеными томатами appeared first on Блог Милы.

Картины, фрески, десятки работ в разных художественных стилях и техниках. Уже много лет студенты направления «Монументальное искусство» выполняют на стенах боковых лестниц свои дипломные работы.

Там можно увидеть самые разные техники и сюжеты — от классических античных до современного арта. Это такой тренировочный полигон для художников-монументалистов.

Лестницы искусств в НГУАДИ

Экспозиции двух лестниц периодически обновляют.

На некоторых стенах живописные работы выполнены в несколько слоёв.

Никто эти слои, разумеется, не считал.

В экспозиции есть как учебные копии известных шедевров, так и оригинальные авторские работы.

Пожалуй, самой впечатляющей стал список фрески Микеланджело Буонарроти «Сотворение Адама».

Она находится на пятом этаже южной лестницы, под самым потолком. Если повезёт, то полотно можно увидеть с улицы. Когда на улице темно, а в помещении горит свет, полотно хорошо заметно.

Фрески

Кроме этой монументальной работы, северная и южная лестницы здания, отданные в качестве творческого полигона художникам-монументалистам, уже много лет хранят сотни фресок и мозаик.

Все эти темы написаны на классические сюжеты.

Техника флорентийской фрески по сырому.

Тут нужно работать очень темпераментно,

очень быстро.

Поскольку это южная лестница, освещённая солнцем, всё очень быстро сохнет.

Исправить потом ничего нельзя.

Довольно много экспонатов выполнено в технике сграффито. Это что-то среднее между росписью и рельефом. Автор сначала наносит на стену несколько слоёв грунта, а затем процарапывает изображение.

Эта техника появилась в средние века в Италии. Второе рождение пережила на рубеже 19-20 веков, в эпоху ар-нуво. В СССР пользовалась популярность для декора.

Мозаики

Много среди работ византийских мозаик.

Художники собирают из кусочков разноцветной смальты

как копии известных полотен,

так и авторские сюжеты — натюрморты, пейзажи, портреты.

Здесь же можно увидеть и произведения из более крупных элементов —

кусочков керамической плитки

и кермогранита

и даже кирпича

Витражи в НГУАДИ

Это уникальный и необычный вид искусства, который создается из разнообразных стеклянных деталей, объединенных в единую композицию. Они могут быть прозрачными, раскрашенными, с различными текстурами и фактурами, и всегда являются украшением любого интерьера.

Особенностью витражей является их яркость и красота, которые придают интерьеру особую атмосферу. Существует множество техник создания витражей, каждая из которых имеет свои особенности и преимущества.

Это своеобразный методический фонд университета,

его интеллектуально-творческий капитал.

В вузе ещё принято говорить такую фразу: „Стены учат“.

Стены учат работать с различными материалами,

видеть пространство и перенимать опыт предыдущих поколений студентов.

Галерея деревянных наличников

Самые старые оконные наличники с богатой резьбой бережно хранят в НГУАДИ. Археологи и этнографы говорят, что в России украшать жилые дома деревянной резьбой начали в 17 веке. Поскольку Новосибирску всего 130 лет, то у нас сохранились подлинные артефакты только прошлого столетия. Они находятся в коридорах университета архитектуры, дизайна и искусств.

Это мощные наличники со сложными растительными орнаментами. Когда-то они украшали купеческие особняки в центре города. Дома те давно снесли, и только по размеру оконных окладов мы можем представить себе, насколько серьёзными были постройки начала XX века.

В галерее представлены оконные наличники и фрагменты деревянной резьбы с утраченных домов, построенных в Новониколаевске в 1900-1910-е гг. Кронштейны, подзоры, солярные знаки.

Сохранились в НГУАДИ и солярные символы — круглые деревянные элементы, которые крепили на фасад под самый конёк крыши. Сейчас на сохранившихся в нашем городе старинных особняках ещё можно встретить такие «тарелки». Но большая их часть — имитация. Аутентичный декор, к сожалению, до наших дней мало где дожил.

Итак, мы пробежались по секретным лестницам.

Третьяковская галерея, музей античного и современного искусства в одном флаконе.

Фрески, мозаики, витражи…

Просто дух захватывает! Хочется сюда еще вернуться.

The post Лестницы НГУАДИ — Сибирская Третьяковка appeared first on Блог Милы.

А еще у меня есть рецепт апельсинового варенья.

Ингредиенты:

• Апельсины — 1 кг;
• Лимон — 1 шт.;
• Сахар — 300 гр.

Приготовление:

Апельсины и лимон вымыть, снять цедру и очистить от кожуры. Затем разрезать на дольки или кусочки и удалить косточки. С помощью блендера измельчить цедру и мякоть апельсинов и лимона.

Добавить сахар из расчета 1:2. То есть берем 500 грамм сахара на 1 кг апельсин. Если апельсины сладкие, то можно положить и меньше. Я не люблю приторные джемы, поэтому кладу как можно меньше сахара.

Перемешать сахар с измельченными фруктами и поставить кастрюлю на огонь. Посуда должна быть с толстым дном или антипригарным покрытием, чтоб джем не пригорел. Включить сразу сильный огонь, довести до кипения, а дальше варить на среднем огне до загустения, периодически перемешивая. Образующуюся пену снимать не нужно.

Уваривать джем 25-35 минут.

Итак, апельсиновый джем готов. Приятного чаепития!

The post Апельсиновый джем appeared first on Блог Милы.

Типография «Советская Сибирь»

«Советская Сибирь» — одно из крупнейших газетно-журнальных издательств СССР, основанное в Новосибирске в 1923 году. Оно было вторым в стране после издательства «Правда», да и сейчас тираж изданий превышает 2 млн. экземпляров — крупнейшая типография за Уралом.

За период своего существования издательство сменило множество мест дислокации, пока окончательно не «поселилось» в 1973-м году возле перекрестка улиц Сибиряков-Гвардейцев и Немировича-Данченко рядом с выработанным каменным карьером, наполнившимся водой и превратившимся в маленькое озеро.

Комплекс зданий полиграфического комбината построили по проекту архитектора В.А. Хандошко и инженеров И.П. Евсеенко, В.П. Петерса, которые в 1977 году были удостоены премии министров СССР за свой «архитектурный подвиг».

Помимо очень удачной встройки такого большого производственного здания в окружающий ландшафт (издательство и сейчас очень гармонично вписывается в  городскую застройку и инфраструктуру), примечательным является и декоративное оформление фасада полиграфического комбината совершенно потрясающей мозаикой, которую я и хочу вам показать.

Мозаика «Письменность и печать»

Гигантское панно «Письменность и печать» на фасаде здания издательства «Советская Сибирь» художник-монументалист Владимир Сокол создал в 1979 году. В этой картине переплетается множество сюжетов — прошлое и будущее, реальность и мифология. Здесь есть летописец, красноармеец, советский солдат, строитель коммунизма, космонавт, райская птица и Посейдон. Мозаика дошла до наших дней в хорошем состоянии.

Эпическое мозаичное полотно «Письменность и печать», изображенное на стене издательства «Советская Сибирь», можно изучать часами, представляя себя героем романа Дэвида Брауна. На нём много символов и разных знаков, которые могут нести некий сакральный смысл.

Эта работа Владимира Сокола — самый яркий в Новосибирске пример слияния позднего соцреализма с сюжетами русского фольклора и античных мифов.

В центре композиции расположен рабочий типографии с номером газеты «Советская Сибирь». А над его головой— названия других главных изданий страны. Фигура рабочего неуловимо напоминает иконописные образы (Богородица Знамение)

Вокруг изображены иллюстрации реалий того времени: строительства Байкало-Амурской магистрали (БАМ) и Саяно-Шушенской ГЭС, освоения космоса… При этом все образы связаны со сказками и мифами.

Так, строительство Саяно‐Шушенской ГЭС происходит в царстве Посейдона.

Гефест символизирует горную промышленность,

Орфей—искусство,

райская птица Алконост, вестница добра, олицетворяет советскую печать, космонавт (прячется за деревом) — освоение космоса.

В этой мозаике отражено много символов разных отраслей и событий тех лет. Наука, атомная промышленность, сохранение культурного наследия.

Помимо традиционных советских мотивов, прославляющих подвиги отечественной науки и техники,

Ленина и труд рабочих,

в мозаике можно разглядеть множество и других интересных деталей. Видите между буквами символ — белый круг с красным ободком и тремя красными точками внутри? Это не что иное, как Знамя Мира, придуманное великим русским художником Николаем Рерихом.

Не обошли вниманием и истоки славянской культуры.

Это фигура летописца и характерные орнаменты букв.

Материал мозаики

Материал, из которого сделана мозаика — смальта.

Стекло тщательно растирают в порошок и запекают при очень высокой температуре. Затем методом колки или резки придают различную форму элементам (модулям) смальты. Для ее расцвечивания добавляют красители.

Это самый непористый и износостойкий материал. Поэтому поверхность получается долговечная и морозоустойчивая.

Кстати, копия этой мозаики украшает стойку бара ресторана «СИБИРЬСИБИРЬ» в гостинице «AZIMUT Отель Смоленская» в Москве.

The post Мозаика Письменность и печать appeared first on Блог Милы.

Если у вас нет пасты тахини, ее можно приготовить самостоятельно из кунжута. Простой рецепт тахини здесь.

Ингредиенты:

• 1/2 ст. пасты тхины ( Sesame Paste, тахини)
• 1/2 ст. сахара
• 1 — 1 1/4 ст. муки
• 1 ч.л. разрыхлителя
• 100 гр. сливочного масла

Приготовление:

Размягчить сливочное масло. Растереть ложкой масло и сахар, добавить остальные продукты и замесить тесто. Тесто получается похожим на пластилин. Сделать из теста шарики размером с грецкий орех. Я делила тесто пополам, затем каждую половину еще пополам, пока у меня не получилось 32 штуки. Выложить заготовки на противень, застеленный бумагой для выпечки, не придавливая.

Печь в заранее разогретой духовке при температуре 180 С около 20 минут. Печенье должно быть бежевого цвета, не допускайте подгорания. В процессе выпечки печенье немного расплывается и трескается.

Печенье остудить на противне, осторожно переложить т.к. оно очень хрупкое.

Итак, рассыпчатое печенье из тахини готово. Приятного чаепития!

The post Печенье из тахини appeared first on Блог Милы.

Улица Колыванская присутствовала на карте города с момента его основания — существует она до сих пор. Ее история связана с иногородними ярмарками, гости которых из года в год останавливались в определенном месте. Там, где располагались жители Колывани, и возникла улица Колыванская.

На коротенькой улице Колыванской (около автовокзала) сохранился ансамбль из трех домов начала XX века.

Дом по улице Колыванская, 5

Здание признали памятником архитектуры регионального значения в 1976г.

Дом располагается во внутриквартальной застройке, главным южным фасадом выходит на красную линию застройки ул. Колыванской.

Здание имеет традиционное для своего времени объемно-планировочное решение. С северного фасада к основному, почти квадратному в плане, объему примыкает холодная каркасная пристройка, в которой располагаются лестничная клетка и хозяйственные помещения.

Первый этаж дома кирпичный, второй — рублен из бревен. Сруб обшит профилированной доской в нескольких направлениях — горизонтально, в елочку, вертикально. Выпуски бревен по углам и в местах врубок закрывают вертикальные доски, оформленные в виде филенчатых пилястр с накладным пропильным орнаментом, повторяющим характер декора фриза.

Завершает дом четырехскатная крыша с дополнительными скатами фронтона.

Окна первого и второго этажей имеют лучковое очертание. Декор первого этажа выполнен в технике лицевой кладки с использованием кирпичной пластики: два пояса сухариков на междуэтажном карнизе, рустованные пилястры, декорированные наличники с криволинейными сандриками — «бровками», профилированные ниши под оконными проемами. Сохранились фрагменты петель для ставен.

Оконные проемы второго этажа имеют лучковое завершение и обрамлены деревянными наличниками. Надоконная доска имеет килевидное завершение и украшена резьбой в виде растительного орнамента. Растительный орнамент присутствует и на подоконной доске. Боковые части наличников украшают декоративные детали токарной работы.

На западном фасаде всего одно окно. Возможно оно появилось позже в результате реконструкции дома.

Деревянный декор отражает традиции народной архитектуры. Карниз, украшенный тремя ярусами подзоров пропильной резьбы, опирается на резные кронштейны.

По центру главного фасада располагается треугольный щипец, декорированный розеткой-«солнышком».

Габариты здания в плане: 12,6×12 м.

The post Дом по улице Колыванская, 5 appeared first on Блог Милы.

Его хозяин — Дмитрий Егорович был владельцем магазина скобяных товаров, избирался гласным (депутатом) Ново-Николаевской городской думы.

Дмитрий Егорович Барабанов родился в 1869 году в городе Белебее Уфимской губернии. В 1898 году Барабанов приехал в Ново-Николаевский поселок, где работал кузнецом. Позже Дмитрий Егорович наладил торговлю скобяными изделиями, открыл магазин скобяных и москательных товаров на Базарной площади (в районе современной площади Ленина). Барабанов состоял в рядах городской пожарной дружины и избирался гласным Городской думы. В 1937 году Дмитрия Егоровича арестовали по ложному обвинению и осужден. В 1956 г. его полностью реабилитировали из-за отсутствия состава преступления.

Дом Д. Е. Барабанова имеет историко-культурную ценность по ряду причин. Во-первых, здание сохраняет историко-градостроительную среду Ново-Николаевска начала ХХ века, фиксируя исторический створ ул. Потанинской. Во-вторых, дом Д. Е. Барабанова – одно из немногих сохранившихся полукаменных зданий дореволюционного периода, являющееся ярким примером применения приемов народного деревянного зодчества в архитектуре сибирских городов. В-третьих, владелец здания Д. Е. Барабанов связан с историей Ново-Николаевска как предприниматель, гласный Городской думы и активный общественный деятель.

Дом по улице Потанинская, 14

Дом Д. Е. Барабанова — 2-этажное полукаменное здание, прямоугольное в плане. Как видно из страхового плана строений усадьбы, к южному фасаду здания примыкал пристрой черного хода. В настоящее время со стороны южного фасада также имеется пристройка, однако относящаяся к более поздним наслоениям. Здание перекрывает четырехскатная вальмовая крыша, лаконичное оформление карниза и фриза выполнили из досок.

Первый этаж выполнен из окрашенного красного кирпича. Стены первого и второго этажа разделены широким карнизом, состоящим из прямолинейных профилей, поддержанных рядом ступенчатых «зубчиков». Оконные проемы первого этажа имеют лучковое завершение с замковым камнем и профилем «валик с полочкой». На окнах первого этажа стоят одно- и двухстворчатые дощатые ставни.

Второй этаж дома Д. Е. Барабанова выполнили из бревен, обшитых профилированными калеванными досками. Углы второго этажа акцентируют филенчатые лопатки. Главным декоративным элементом здания, безусловно, являются наличники, обрамляющие окна второго этажа.

Деревянные наличники выполнили с использованием рельефной, объемной и сквозной резьбы. Надоконная доска наличника завершается профилированным карнизом с «зубчиками», над которым располагается разованный фронтон. По центру фронтона, а также по его бокам размещаюься токарные элементы. Поле надоконной доски украшает накладной сквозной элемент.

По бокам надоконной доски располагаются накладные призматические элементы, ниже которых можно видеть стилизованные капители полуколонок, выполненных в технике токарной накладной резьбы. По всей высоте вертикальных элементов наличника — внизу, вверху и в середине — размещаются «ушки», выполненные в технике пропильной резьбы.

В основании полуколонок располагаются прямоугольные элементы, завершенные свесами в виде кистей. Подоконная доска обрамлена пропильной резьбой. Лобовую доску наличника, его вертикальные элементы, а также подоконную доску украшают накладные ряды пояса «бус».

The post Дом по улице Потанинская, 14 appeared first on Блог Милы.

Деревянный одноэтажный жилой дом в привокзальной части Новониколаевска выполнен в традициях крестьянского круглого дома, является образцом городской застройки начала XX века. Первым домовладельцем усадьбы был машинист Кузьма Артамонович Самохин.

Дом по улице Дмитрия Шамшурина, 100

Дом занимает угловое положение в жилом квартале на пересечении улиц, главным западным фасадом выходит на красную линию застройки ул. Шамшурина (бывшей ул. Вокзальной), торцевой южный фасад ориентирован на ул. 1905 года (бывшую ул. Переселенческую).

Дом имеет прямоугольную форму плана, образованную срубом «в обло» и прирубленными с восточного дворового фасада верандой-сенями со входами под односкатной крышей. Дом стоит на кирпичном цоколе, четырехскатная крыша стропильной конструкции с металлической кровлей. Карниз и фронтоны украшают три яруса подзоров. Карниз большого выноса поддерживается резными кронштейнами.

Характерный силуэт зданию придают четыре кирпичных трубы.

Горизонтальная линия карниза западного фасада прерывается двумя треугольными фронтонами. На торцевых фасадах по одному аналогичному фронтону. Тимпан декорирован пропильной розеткой — «солнышко». Фриз по стенам фасадов составлен из пропильных ленточных орнаментов с геометрическими и растительными мотивами резьбы.

Прямоугольные окна дома обрамлены наличниками, закрываются двойными филенчатыми ставнями. Килевидная надоконная доска с рельефным обрамлением и накладной пропильной резьбой растительного орнамента. Подоконную доску сложного очертания украшают токарные детали и плоская накладная резьба растительного орнамента.

Один из входов в здание расположился со стороны ул. 1905 года.

Оформление наличников северо-восточного фасада упрощенное.

С северо-восточной стороны находятся еще два входа в здание. Над входами устроили навесы, поддерживаемые деревянными столбами.

Столбы дополняются резными кронштейнами.

Габаритные размеры в плане: 14,3×11,0 м.

The post Дом по улице Дмитрия Шамшурина, 100 appeared first on Блог Милы.

К тому же этот салат можно употреблять и в пост. В его составе присутствует минимальное количество жира и такой необходимый организму йод. А помидоры и листья салата послужат для организма источником незаменимых витаминов и микроэлементов.

Кроме того, на приготовление данного салата вы затратите так мало времени, что совсем не устанете.

Ингредиенты:

• Креветки – 15 шт. средние
• Масло оливковое – 2 ст. л. для поджаривания креветок
• Чеснок – 1 зуб. небольшой
• Перец красный жгучий – по вкусу
• Сок лимонный – 1 ст. л. для креветок
• Соль – по вкусу
• Перец черный – по вкусу
• Салатные листья (например, руккола) – 100 гр.
• Помидоры черри – 10 шт.

Заправка:

• Уксус бальзамический– 1 ст. л.
• Масло оливковое – 2 ст. л.
• Сок лимонный – 1 ст. л.

Приготовление:

Для того, чтобы быстро и щадяще разморозить креветки — мы ведь хотим их получить сочными и ароматными, а не «резиновыми» — пакет с креветками (желательно в герметичной упаковке) поместить минут на 10 в миску с теплой водой (ни в коем случае не с горячей!). В зависимости от величины креветок, возможно, придется эту процедуру повторить, т. е. поменять воду, слив остывшую и добавив опять теплую.

Размороженные креветки очистить от панцирей и головы, если они сразу продавались не очищенные.

Чеснок очистить, разрезать пополам и вынуть проросшую серединку, мелко нарезать. Взять желаемое количество острого перца, разрезать пополам, удалить семечки и тоже мелко нарезать.

Поджарить в разогретом масле чеснок с перцем до приятного чесночного запаха и золотистого цвета. На это уйдет примерно полминуты.

Добавить креветки и лимонный сок. Ориентируясь на свой вкус — посолить и поперчить. Постоянно помешивая и переворачивая, креветки поджаривать около минуты, но не больше!

Листья салата помыть и высушить с помощью кухонной салфетки. Выложить на сервировочную тарелку. При необходимости порвать на кусочки нужной величины.

Нарезать помидоры-черри пополам. Салат получится еще и очень красивым, если взять помидоры разных цветов. Помидоры покрупнее нарезать кубиками.

Поверх листьев салата выложить нарезанные помидоры и жареные креветки.

Заправить смесью оливкового масла, бальзамического уксуса и сока лимона.

Итак, салат из креветок с помидорами готов, сразу подать его к столу. Приятного аппетита!

The post Салат из креветок с помидорами appeared first on Блог Милы.

Размеры: длина перчатки 26 см, ширина ладонной части 8 см. У меня также есть описание вязаных перчаток для детей

Материалы:

Пряжа пряжа Amara marl (400 м / 100 гр, 75% вспушенный кашемир, 25% шелк) 40-50 гр., спицы чулочные 4.0 мм, 3 булавки для вязания (или дополнительные спицы, или бросовая нить).

Плотность вязания:

16 петли и 32 ряда = 10х10 см лицевой гладью на спицах 4.0 мм

Описание работы:

Левая перчатка.

Вязать по кругу нитью в два сложения.

На спицы 4.0 мм набрать 32 петли и вязать резинкой 2*2 на высоту 7 см — манжета

Перейти на вязание лицевой гладью и начать прибавления для клина большого пальца.

Выполнять прибавления по 1 п. по обе стороны от последней петли круга с помощью накидов, в следующем кругу эти накиды вязать лицевыми скрещенными петлями.

Повторить круг прибавлений в каждом 2-ом кругу еще 3 раза = 40 петель. Продолжить вязание без прибавлений.

Через 14 см от наборного края перенести 9 петель большого пальца на бросовую нить или булавку для вязания и вместо них набрать 1 новую петлю = 32 петель.

Через 17 см (8 рядов от большого пальца) в след. кругу перенести первые 15 п. круга на 1 доп. спицу (верхняя часть перчатки), провязать след. 7 п. и перенести оставшиеся 10 п. на вторую доп. спицу (нижняя часть перчатки).

Мизинец.

Вязать на 7 п. + набрать 3 новые петли со стороны безымянного пальца.
Вязать лицевой гладью.
Через 6 см (высота мизинца) провязать по 2 п. вместе лиц. на всех петлях и закрепить оставшиеся 5 п. на спицах.

Ладонь.

Перенести отложенные петли на спицы и поднять у мизинца еще 3 новые петли = 28 петель.

Провязать 3 круга.

Безымянный палец.

Далее оставить на спицах 3 новые петли + 4 п. верхней части + 3 п. нижней части. Остальные петли отложить на доп. спицу.

Вязать на 10 п. + набрать 2 новую петлю со стороны среднего пальца = 12 п.

Вязать 8 см (высота безымянного пальца) по кругу лицевой гладью и потом в след. кругу — по 2 п. вместе лиц. на всех петлях.

Закрепить оставшиеся 6 п. на спицах.

Средний палец.

Перенести 5 п. с верхней части + 3 п. с нижней части + поднять еще 2 п. со стороны безымянного пальца + набрать 2 новую петлю со стороны указательного пальца = 12 петель.

Вязать лицевой гладью по кругу и через 8,5 см (высота среднего пальца) закончить вязание как для остальных пальцев.

Указательный палец.

Перенести оставшиеся 10 п. + поднять 3 п. со стороны среднего пальца = 13п.

Вязать по кругу по рисунку и через 8 см (высота указательного пальца) закончить вязание.

Большой палец.

Перенести отложенные 9 п. на спицы + поднять еще 5 п. по краю большого пальца =14 п.

Вязать лицевой гладью 6,5см (высота большого пальца), закончить вязание.

Правая перчатка.

Правую перчатку вязать симметрично левой, т.е. связать манжету, перейти на вязание лицевой гладью, делая прибавления для большого пальца.

Прибавления для большого пальца выполнять по обе стороны от 1-ой петли круга.

После этого вязать мизинец след. образом:
перенести первые 10 п. на доп. спицы (нижняя часть) + след. 7 п. провязать, послед. 15 п. отложить на доп. спицу (верхняя часть).

Итак, вязаные перчатки спицами для взрослых готовы.

Можно собираться на прогулку!

The post Вязаные перчатки спицами для взрослых appeared first on Блог Милы.

Ингредиенты:

• 500 гр. кальмары
• 250 — 300 гр перец
• 80 — 100 гр репчатый сладкий лук (например, ялтинский)
• 2 ст. л. рисовый уксус (или яблочный)
• 1 ст. л. лимонный сок
• 1 ч. л. сухой чеснок
• 1 ст. л. оливковое масло для жарки
• 2 ст. л. оливковое масло
• 50 гр. руккола
• Лимон
• Свежемолотый черный перец
• Соль

Приготовление:

Нарезать тонко лук, положить его в тарелку, залить рисовым уксусом и лимонным соком, добавить щепотку цедры лимона, перемешать хорошенько и оставить мариноваться, пока готовим остальные ингредиенты. Если лук острый, то добавить в маринад 1 ч. л. сахара.

Кальмары разморозить, почистить, вымыть и нарезать произвольно: кольцами, квадратиками или соломкой — как вам заблагорассудится.

Посыпать кальмары солью, свежемолотым черным перцем, сухим чесноком, перемешать и положить в разогретую сковороду. Обжарить кальмары 2-3 минуты, не дольше, иначе станут резиновыми.

Положить в большую миску готовые кальмары, маринованный лук, добить нарезанный соломкой перец, оливковое масло, соль, перец и перемешать. Оставить минут на 10-15, чтобы все соки смешались между собой.

При подаче на стол разложить салат по тарелочкам и добавить рукколу.

Итак, салат с кальмарами, перцем и маринованным луком готов. Приятного аппетита!

The post Салат с кальмарами, перцем и маринованным луком appeared first on Блог Милы.

Улица Колыванская присутствовала на карте города с момента его основания — существует она до сих пор. Ее история связана с иногородними ярмарками, гости которых из года в год останавливались в определенном месте. Там, где располагались жители Колывани, и возникла улица Колыванская.

На коротенькой улице Колыванской (около автовокзала) сохранился ансамбль из трех домов начала XX века.

Дом по улице Колыванская, 7

Дом признали памятником архитектуры регионального значения в 2000 г. В настоящее время используется как жилой дом.

Прямоугольный в плане рубленый «в лапу» дом на кирпичном цоколе завершается четырехскатной крышей стропильной конструкции, крытой железом. Торцы бревен сруба подчеркиваются вертикальными досками с накладной вязью мелких пропилов растительного орнамента.

Оконные проемы с лучковым завершением обрамлены наличниками, закрываются двойными ставнями. Лобовая доска наличников с рельефным волютным очертанием по оси симметрии замкнута рельефом пальметты. Поле волнисто очерченной подоконной доски заполняют накладные пропилы растительного орнамента.

Большой свес карниза украшает ленточный пропильный орнамент с геометрическими мотивами резьбы. Фриз с ритмом резных кронштейнов состоит из пропильных ленточных геометрических орнаментов. Дощатый забор и полотно ворот усадьбы украшают накладными пропилы, рисунок которых повторяет декоративные элементы убранства дома.

Габариты основного сруба в плане: 7,8×3,9 м.

The post Дом по улице Колыванская, 7 appeared first on Блог Милы.

Творчество Архипа Ивановича Куинджи (1842–1910) занимает особое место в истории русской пейзажной живописи второй половины XIX — начала XX века. Художник увидел в природе таинственную, притягательную красоту и сумел найти оригинальные живописные средства для ее воплощения.

Будущий художник окончил лишь городское приходское двухклассное училище и на протяжении всей жизни занимался самообразованием. В 1868 году, вероятно, по рекомендации И.К. Айвазовского, в частной мастерской которого он обучался, Куинджи поступил в качестве вольнослушателя в Императорскую Академию художеств. В 1878 году он получил звание классного художника 1-й степени, но при этом так и не сдал экзаменов по научным предметам.

Одна из ранних работ на выставке «Осенняя распутица» (1870) – была представлена Куинджи на соискание звания классного художника первой степени в 1872 году. Она отмечалась в прессе как «самобытная вещь, обнаруживающая большое чутье к явлениям северной природы». Тяготение к грустным, суровым, серым тонам, избегание всего экспансивно-яркого, радостного, красочного — все это соответствовало эстетике эпохи «передвижничества». Этическая направленность этой картины, выраженная в ней тенденция социальной оценки мира нашла отклик у передвижников.

В 1875 году Куинджи приняли в члены Товарищества передвижников, однако уже со следующего года живописец отказался от воплощения идей передвижничества в своих картинах. Главным для него стало стремление не истолковывать жизнь, а наслаждаться ею, ее красотой. Он обозначил свою миссию увести пейзаж от протокольности и бескрылости натурализма, внести в него свет, богатство тонов, пространство и лиризм.

О выставке «Архип Куинджи»

На выставке экспонируются не только законченные произведения, но и этюды с эскизами, созданные в период затворничества (1882–1910), когда живописец прекратил официальную творческую деятельность. Первое знакомство зрителей с ними произошло лишь на посмертной выставке, организованной Обществом имени А.И. Куинджи в 1913–1914 годах В Петербурге и Москве.

Произведения представлены в трех залах: «Магия света», «Тайна красочной палитры», «Торжество природы». В каждом из них они объединяются условной темой, отражающей творческие устремления мастера.

Демонстрируемые на выставке пейзажи написаны художником в разных живописных манерах: реалистической («Кипарисы на берегу моря. Крым», 1887; «Сосновый лес с речкой», 1878), пленэрно-импрессионистической («Облако. Закат», 1890-е; «Казбек вечером», 1900-е; «Степь. Пасмурный день», 1890-1895), с элементами стилистики модерна и символизма («Сумерки», 1890-1895; «Роща», 1900-е; «Солнечные пятна на инее. Закат в лесу», 1876-1890; «Дубы», 1900–1905; «Березовая роща», 1879 — эскиз-вариант одноименной знаменитой «Березовой рощи», хранящейся в Государственной Третьяковской галерее).

Создавая эти произведения, Куинджи ставил перед собой разные творческие задачи. В «Березовой роще» художник хотел передать иллюзию слепящего, хотя и не изображенного на полотне, солнца. Эту непростую живописно-пластическую задачу мастеру удалось решить с помощью новаторских приемов. Он смело фрагментирует композицию, подбирает точные красочные сочетания, варьирует фактуру мазка, использует богатые возможности цветового пятна и подмалевка.

В работах «Лунная ночь» (1890-е), «Сумерки» (1890-1895), «Лунная ночь на море. Крым. Этюд» (1876-1890), «Лунная ночь. Раздумье» (1876-1890), «Ночь на Днепре» (1890-е) Куинджи разрабатывает эффекты ночного освещения от ярких сполохов света закатного неба через их плавное затухание в сумерках к чарующим ночным краскам. Художник пытается раскрыть в подобных картинах таинственность Вселенной или то взволнованное состояние, которое испытывает человек, находясь ночью или поздним вечером наедине с природой.

Все работы на выставке подобраны таким образом, что они позволяют проследить широту тематических интересов мастера, его устремленность ввысь, от изображения земных просторов к небесным пространствам. Произведения «Днепр» (1901), «Лесные дали» (1900–1910), «Туман на море» (1905–1908), «Лесистая балка. Этюд» (1900-е) написаны словно с высоты полета. Кажется, что художник сам, преодолевая силу земного притяжения, проникает в небесное пространство, чтобы оттуда, сверху, постичь необъятный мир. Существует легенда о том, что мастер разрабатывал летательный аппарат и лелеял надежду подняться в небеса. В действительности художник силой своего воображения сумел передать в произведениях и эффект парения в воздухе, и чувство высоты, и космическую мощь земли. И не случайно он вместе со своими учениками Богаевским, Борисовым, Рерихом включен исследователями русского космизма в круг деятелей этого направления.

Куинджи очень остро ощущал единство человека и окружающего его удивительного мира природы. Во многих своих произведениях, будь то «Облака» (1900-1905), таинственные горные вершины «Эльбрус днем» (1900–1910) или сияющая в небесах мистическим светом «Радуга» (1900–1905), он пытался воплотить вселенский, сокровенный ее смысл.

Экспозиция дополнена фотографиями и репродукциями произведений, создавших Куинджи славу на академических и передвижных выставках, цитатами из высказываний художников и искусствоведов об этой оригинальной личности живописца, педагога, благотворителя, коммерсанта, завещавшего весь свой огромный капитал на развитие русского искусства.

Магия света

Осенняя распутица. 1872. Холст, масло. 70×110 см

У Архипа Куинджи не много безрадостных картин, но «Осеннюю распутицу» можно назвать одним из самых безрадостных и безнадёжных сюжетов.

Выбор социальной темы был обусловлен стремлением начинающего живописца примкнуть к Товариществу художников-передвижников, которые ратовали не только за знакомство с изобразительным искусством более широких масс, но и за социальность самого искусства – проблема неравенства, тяжёлая жизнь бедных слоёв населения проходили основным лейтмотивом в картинах многих представителей Товарищества.

Что же изображает эта мрачноватое полотно? Неприглядную обыденность русской деревни. По размокшей дороге едет повозка. Мы видим худую запряжённую лошадь. Четыре колеса оставляют глубокие слякотные борозды, демонстрирующие то, что дорога больше напоминает просто грязь. Слева от дороги видны следы – одни побольше, другие поменьше. Это женщина с ребёнком, согнувшись от тяжёлой сырости, уходит в сторону деревушки, которую едва заметна из-за серо-голубого тумана. Голое, абсолютно одинокое дерево, выглядит как завершающий штрих к этому грустному пейзажу.

Некоторые исследователи усматривают в образе длинной дороги аллегорический смысл – бесконечная дорога символизирует бесконечное людское терпение.

Эта одна из самых ярких, реалистических работ Куинджи. Причём сильный эффект обусловлен не только характером сюжета, композиционным построением, но и цветовым наполнением. Коричнево-зелёная земля, чёрные борозды от колёс, тёмное сине-серое небо, и всё это укутано густым и тяжёлым туманом. Разорение и нищета – вот, что показывает нам Куинджи сквозь хмурый осенний пейзаж.

Полотно поразительно передаёт влагу и, кажется, можно почувствовать на себе холодные капли промозглого утра, сырость и хлюпающую грязь под ногами. Удивительный осязательный эффект, говорящий о величайшем таланте молодого живописца.

Кажется, что светлая полоса у горизонта должна повлиять на общее настроение, но этого не случается. Светлая безоблачная даль только подчёркивает мрачную действительность, играя на контрасте с серостью переднего плана.

Таких реалистичных и щемящих работ у Куинджи немного. Очень скоро Архип Иванович окреп, набрался уверенности, и смело покинул общество передвижников. Сохранив со многими членами Товарищества дружеские отношения, Куинджи пошёл своей дорогой – отказавшись от социальных тем, он стал мастером поэтического пейзажа, создав в этом жанре настоящие бессмертные шедевры.

«Куинджи еще ищет свой путь в искусстве, следуя пока что сложившейся традиции пейзажа-рассказа. Но его картина немногословна. Смутно различимая во влажной дымке изба на холме, голое деревцо, три закутанные с головой фигуры, повозка на дороге и еле видимый в тумане обоз таковы немногочисленные подробности запечатленного вида, столь характерного по своему печальному настрою для русской обличительной живописи 1860-х годов. Написанная осязаемо чувственно в насыщенной коричневато-серой гамме вздувшаяся земля, прорезанная колеями и воронками, заполненными водой, главенствует в картине. Фатальная жизнь земли сама по себе волнует его и в этой ранней работе. Другим важным компонентом образа является затянутое облаками серо-свинцовое небо со светлой полоской у горизонта, направляющей взгляд зрителя вдаль.» И. Шувалова

Городской пейзаж Куинджи

Архип Иванович Куинджи был мастером изображения природы. Однако немногие знают, что он создавал и замечательные городские пейзажи.

На выставке «Архип Куинджи» представлены работы, написанные художником в этом жанре.

Безграничная любовь мастера к природе не мешала ему вдохновляться городом. Современники отмечали, что художник ежедневно кормил птиц на крыше своего дома, там же он рисовал узнаваемые петербургские кровли и панорамы городской жизни.

Так, в этюде „Крыши. Зима“ (1876) в общую цветовую структуру произведения, построенного на оттенках сиреневатого, серого, желтоватого цвета, художник умело вводит участок незакрашенного охристого грунта.

В своих произведениях мастер умело сочетает изображение природы и цивилизации. Архип Иванович любуется красотой архитектуры, обогащая пейзаж декоративными деталями.

Москва. Вид на Кремль со стороны Замоскворечья. Этюд. 1882. Холст на картоне, масло

В картине „Москва. Вид на Кремль со стороны Замоскворечья“ панорама Кремля дана в некотором отдалении. Работа не совсем окончена. На ней видны следы предварительно нанесенного карандашом рисунка. Взметнувшаяся ввысь колокольня Ивана Великого, Архангельский и Успенский соборы эффектно выделяются на фоне темно-синего неба. Их оттеняет обобщенно трактованная зелень за кремлевской стеной. Большими цветовыми пятнами решен ближний план с Каменным мостом. Солнечный свет золотит купола, оставляет светлые полосы на стенах.

Не закрашенный кое-где грунт органично входит в общую цветовую систему. Куинджи любуется красотой кремлевского ансамбля, обогащая свой цветонасыщенный пейзаж элементами декоративности.

Солнечные пятна на инее. 1876-1890. Клеенка, масло. 24 х 27 см

Живопись Куинджи – это яркий и выразительный пример типично русского импрессионизма. Северная российская природа, отсутствие кричащих «тропических» красок и особое, неповторимое ощущение покоя, спокойствия, которым просто веет от полотна – вот чем отличается эта картина от родственных ей образцов в том же живописном жанре.

На полотне изображен фрагмент заснеженного леса – хотя на картине нет никаких знаков, позволяющих опознать местность, понятно, что такая природа характерная для нашего климата. Ощутимо тяжелые снежные глыбы просто придавили ветки деревьев к земле. К этой картине можно применить образную цитату Михаила Афанасьевича Булгакова «город накрыло шапкой снежного генерала», только здесь город нужно заменить лесом.

Деревья на картине спят, укутанные толстым слоем снега. На его поверхности лежит тонкий слой инея, отражающий солнечные лучи и дающий очень яркие пятна белого цвета. Резкий контраст придает полотну объемность и выразительность. Из-за косых солнечных лучей на плотном слое снега появляются контрастные тени, а проглядывающие кое-где ветви и стволы деревьев, хвоя, кажутся очень темными, почти черными.

Композиционно картина построена так, что зритель ощущает себя находящимся на небольшой полянке или прогалине в гуще зимнего леса. Это впечатление создается благодаря расположению деревьев в снегу – они словно обрамляют полотно по сторонам. На переднем плане оказывается открытое пространство, заполненное пятнами солнечного света, а дальше взгляд зрителя упирается в наглухо заснеженные, просто засыпанные снегом по самую «макушку» невысокие деревья. Вдали, в сизоватой дымке угадывается продолжение леса, который становится очень густым, а из-за нетронутого снега выглядящим сплошным цветовым пятном. Оттенок, которым его изобразил художник, перекликается с цветом неба – высоким и чистым, но с характерным для зимы свинцовым оттенком. Ему еще очень долго ждать до появления настоящей голубизны.

Эта небольшая, но очень эффектная картина без особого сюжета и персонажей западает в душу именно благодаря тому ощущению, которое она производит. Глядя на нее, зритель ощущает эффект присутствия в этом глубоко спящем лесу, закутанном в толстую снежную шубу. Там царствует тишина и невыразимый покой, который пока что не могут разбудить даже яркие солнечные лучи. До весны еще далеко, очень далеко…

Березовая роща. 1880-е. Бумага на холсте, масло. 53 x 39

Роща, 1900-е годы. Бумага на картоне, масло

Критик и живописец Александр Бенуа, не видевший ещё многих картин Куинджи эпохи затворничества, в 1903 году написал, что роль Архипа Ивановича очень созвучна роли Клода Моне. Он открыл русским живописцам тайну красочной палитры, её многообразие, повернул сознание многих живописцев к изображению красоты природы, использованию ярких, звучных, контрастных красок.

Лунная ночь Куинджи

На выставке «Архип Куинджи» представлен вариант знаменитой картины «Лунная ночь на Днепре» из собрания Русского музея. Первая работа произвела сенсацию среди современников. Написав произведение в 1880 году, художник организовал выставку одной картины, и перед входом выстраивались очереди людей, желающих ее увидеть.

Стремясь понять секрет картины, некоторые заглядывали за полотно, думая, что за ним спрятана лампочка. Другие предполагали, что художник пишет на перламутре, третьи видели разгадку в использовании фосфора.

На самом деле причина сияния лунного света – в определенных колористических сочетаниях, которые художник открыл эмпирическим путем.

«Лунная ночь на Днепре» неоднократно повторялась и варьировалась Куинджи, одна из таких картин вошла в собрание Новосибирского художественного музея, как и в коллекцию Русского музея.

На выставке «Архип Куинджи» представлены две «Лунные ночи» автора.

«В лаконично решенном пейзаже „Лунная ночь на Днепре“ (1890-е, вариант картины 1880) – полоса фосфоресцирующей изумрудно-зеленой воды резко выделяется на фоне почти черного неба. Чуть освещенные лунным светом крыши хат оживляют погруженный в темноту передний план.» Ирина Шувалова

Картина «Лунная ночь» находится в собрании НГХМ и обычно представлена в постоянной экспозиции музея. Там она висит в простенке между окнами и выглядит очень темной. А на выставке свреди темных стен и с правильной подсветкой картина заиграла. Даже стал виде второй огонек костра на берегу.

Архип Иванович успешно экспериментировал с красками; бывало, люди не верили, что освещение на картине передано лишь изобразительными средствами, и искали, куда же художник вмонтировал лампочку. Отрицательная сторона этих экспериментов – в том, что краски, созданные им, были недолговечны и довольно быстро тускнели. Крамской заметил потемнение цвета на работах Куинджи и призвал современников фиксировать впечатления, которые они получают, наблюдая за неповторимой игрой освещения, потому что в будущем часть привлекательности картин будет утрачена.

Лунная ночь. Раздумье. Между 1876 и 1890. Холст на картоне, масло. 25 x 40,5

Чуткий к новым веяниям в искусстве художник не прошел и мимо символизма. Одна из работ, в настроении которой ощутимы реминисценции беклинских образов, овеянных чувством тоски и одиночества, – „Лунная ночь. Раздумье“ (1876—1890). Фигура задумавшегося мужчины, сидящего на каменной скамье у входа в заброшенный парк с развалившимися воротами, нежилой дом с заколоченными окнами, интенсивный зеленый лунный свет, прорезающий глубокую ночную синеву, – придают сцене печальное и тревожное в своей недосказанности настроение.

Сумерки. Между 1890 и 1895. Бумага на холсте, масло. 38,7 x 55,5

«Таинственная и сокровенная жизнь природы, погруженной в полутьму, – близкий символистам мотив одного из самых проникновенных пейзажей Куинджи поздних лет „Сумерки“ (1890—1895). Декоративность художественного строя усиливает выразительность произведения. Темный холм с еле видимым во мгле покосившимся крестом и змеящимися дорогами, обобщенные пятна хат, причудливым силуэтом выступающие на фоне оливкового звездного неба, тонкий лунный серп среди лиловых туч – все это полно меланхолической поэзии. Пронизанный пантеистическим чувством пейзаж несет философскую мысль о бренности человеческой жизни, мерцающей маленьким огоньком рядом с великим миром Природы.» Ирина Шувалова.

Тайна красочной палитры

Солнечный свет в парке. Бумага на холсте, масло. 53.2 x 39.3 см

Способность автора передавать мельчайшие подробности освещения с годами только развивалась. Симпатия живописца к импрессионизму проявлялась в его любви к свету.

Кропотливое выписывание видимого в реальности не было его подходом. Куинджи, как и импрессионисты, знал, что многое из того, что мы видим своими глазами, объясняется особенностями освещения. Одно верное движение кисти, направляемой таким пониманием, заменяет длительный усердный, но бездумный труд по копированию окружающего мира.

Это проявлялось и в преподавательской деятельности А. И. Куинджи (все отмечали его несомненный педагогический дар, то, что он мог мгновенно и непринужденно передать ученикам художественные истины, до которых сам дошел долгим, упорным и вдохновенным трудом).

И. А. Владимиров, российский и советский художник, вспоминал, как Архип Иванович раскритиковал работу ученика, «испачкавшего» темной краской горизонт на ночном пейзаже. Мастер сказал, что эффект потемнения объясняется контрастом между небом и отраженным лунным светом и специально добиваться его не нужно: если все сделать правильно, он проявится сам.

Эта особенность творчества Куинджи отчетливо видна на полотне «Солнечный свет в парке». Стволы берез прижимаются друг к другу поближе – они чувствуют близость, похожую на знакомое нам, человеческое родство, без которого жизнь была бы бесцветна, как роща без солнечного света.

Кроны тянутся друг к другу, как бы стремясь соединиться в объятиях. Хотя солнечный свет не может пробиться через их тугое сплетение, он находит обходные пути и все-таки освещает дорожку, пролегающую между рядами влюбленных берез.

Видение этой картины не просто переносит зрителя на ту самую тропинку, где можно насладиться возвышающимися деревьями и игрой света, не только заставляет забыть о том, что видимое – не реальность, а лишь изображение, — кажется, как будто картина выше, лучше того, что встречается в повседневной жизни.

Это впечатление ложно, но объяснимо: художник акцентирует внимание на деталях, которые скрываются от нашего обыденного взгляда; мы как будто видим что-то новое и незнакомое, хотя и наблюдали это же не раз.

Березовая роща. Эскиз-вариант одноименной картины. 1879. Бумага на картоне, масло. 21 x 33,5

Эскизы картины «Березовая роща», принадлежащие Русскому музею, помогают понять творческий метод Куинджи, увидеть, в каком направлении шла работа над произведением. Первый многоцветный пленэрный эскиз отмечен печатью конкретных натурных впечатлений. Свободно расположенные на лесной поляне березы, легкие тени, солнечный свет, скользящий по траве и обильной листве деревьев, внимательно прослеженные в натуре цветовые градации и светотеневые переходы, свободная, динамичная манера письма – все это создает ощущение полной жизни летней природы.

Березовая роща. 1880-е. Бумага на холсте, масло. 24 x 27,5

Сосновый лес с речкой. 1878. Холст на картоне, масло. 25,6 x 33,4

В отличие от большинства работ, написанных обобщенно, широкими мазками, на этой картине сосновая крона выписана с большой детализацией и тщательностью.

Степь. Пасмурный день, между 1890 и 1895 годами. Бумага на холсте, масло

Архип Куинджи написал несколько картин с туманными пейзажами: море, степи, лес. Даже несмотря на то, что в таких пейзажах нет ярких красок, они потрясающие и восхитительные. С помощью полутонов, тончайшей нюансировки бледного розового и перламутрового цветов Куинджи добивался цветовой вибрации воздушной среды. Впечатление, что эти картины написаны не красками, а самим туманом…

Солнечные пятна на инее. Закат в лесу. Между 1876 и 1890. Бумага на картоне, масло. 18 x 11,2

Зима. Березы. Этюд. Конец XIX — начало XX века. Картон, масло

Из колеекции Новосибирского государственного художественного музея.

Лунная ночь на море. Крым. Этюд. Между 1876 и 1890. Бумага на картоне, масло. 21 x 35

«Влечение к лунному свету проходит через все творчество Куинджи. Немало работ затворнического периода посвящено этому романтическому мотиву. Необычность эффектов, красота и поэзия лунного света вдохновляли художника и на экспериментирование с красками в поисках новых средств художественной выразительности в маленьких, своего рода лабораторных эскизах, и на создание работ картинного плана, в которых мастер стремится передать не только иллюзию света, но и его таинственное очарование.»Влечение к лунному свету проходит через все творчество Куинджи. Немало работ затворнического периода посвящено этому романтическому мотиву. Необычность эффектов, красота и поэзия лунного света вдохновляли художника и на экспериментирование с красками в поисках новых средств художественной выразительности в маленьких, своего рода лабораторных эскизах, и на создание работ картинного плана, в которых мастер стремится передать не только иллюзию света, но и его таинственное очарование.

В маленьком эскизе „Лунная ночь на море. Крым“ (1876—1890) – на черно-синем небе желтый диск луны, бросающий полосы желтого цвета на темную воду.» Ирина Шувалова.

Лунная ночь. 1890-е. Бумага на холсте, масло. 34,5 x 60,6

«Выразителен отличающийся гармоничным сумрачным колоритом пейзаж „Лунная ночь“, исполненный в свободной эскизной манере. Как и в других поздних работах, Куинджи добивается здесь предельного обобщения форм и цветовых масс, придавая обычному и преходящему ощущение чего-то необыкновенного и вечного.» Ирина Шувалова

Горная долина. Крым. 1890-е. Бумага на картоне, масло. 18 x 11,5

«В 1886 году художник приобрел в Крыму близ Симеиза большой участок, спускающийся к берегу моря с красивой скалой Узун-Таш и ежегодно проводил там много месяцев. В собрании музея имеются десятки этюдов, посвященных близкой ему по духу южной природе. Среди них выделяются пейзажи, где эмоциональное восприятие действительности, соединенное с внимательными натурными наблюдениями, получило выразительное решение в чисто живописных категориях.» Ирина Шувалова

Эльбрус днем. Бумага, масло. 1900-1910. 20 x 27.2 см

В Русском музее – двенадцать горных пейзажей Кавказа. Большинство из них, трактованных обобщенно и лаконично, создано в начале 1900-х годов.

Множество полотен автора изображает гору Эльбрус в разное время дня и с разных ракурсов.

Почти не меняя в большинстве кавказских работ композицию с приближенным к зрителю краем скалы, обрывающейся в долину, и замыкающим пространство Эльбрусом, Куинджи варьирует свето-цветовое решение увлекшего его образа – величественной горы, то озаренной солнечными лучами, то тонущей в тонко разработанной голубоватой воздушной среде.

Сочетая натурность световой иллюзии с известной условностью композиционно-декоративного построения, художник стремится к синтезу реалистического и романтического начал. Высокие нагорья увлекают мастера близостью к небу, дают ощущение единства мироздания, отвечают его концепции возвышенно-романтического пейзажного образа.

Кипарисы на берегу моря. Крым. Бумага, на картоне, масло. 10.8 x 17.3 см

С 1880 до 1900 года длится «период молчания» Куинджи. До сих пор непонятно, что вынудило Архипа Ивановича уйти из публичной жизни на вершине популярности. Вероятнее всего, он считал, что известность мешает ему развиваться как художнику.

Во время затворничества мастер не перестает заниматься живописью, он продолжает воспевать красоту окружающей его природы с не меньшей проникновенностью, чем раньше. Особенно его вдохновляет Крым. В 1880-х годах Куинджи приобрел участок в поселке Кикинеиз, а также дачу в балке Тартир. Дача представляла собой километровую полосу пляжа и покрытый зарослями склон, посреди которых художник на лето собирал небольшой дом. Ниже находился обрыв, а под ним – море, за игрой которого так любил наблюдать Архип Иванович.

Небольшая по размеру, но интересная по цветовому решению картина «Кипарисы на берегу моря. Крым» написана в 1887 году. Создается впечатление, что это Бог водил рукой пейзажиста, показывая, как золотить солнечными красками заросшую травой поляну, сколько лучей брызнуть на подтянутые и атлетичные стволы и на налитую соком молодую зеленую листву.

Не все на полотне освещено ярким солнцем, часть охвачена тенью, но на фоне нее центр композиции еще более обильно сочится цветом. Позади сквозь кроны деревьев видно море пронзительной, кричащей синевы и тихое, робко голубое небо. Зрителю кажется, будто он на самом деле оказался на поляне посреди благородных и величественных кипарисов.

Кипарисы растут на Крымском полуострове уже давно: впервые их туда завезли греки еще в античности. Вначале эти благородные деревья не росли там повсеместно. Уже намного позже, в XVIII веке их стали высаживать по распоряжению Потемкина, и тогда они распространились в Крыму очень широко. Росли они и в восточной части бывшего имения генерала Ревелиоти, купленной Архипом Ивановичем Куинджи.

Лужайка в лесу, 1890-е годы. Бумага на картоне, масло.

Созданию картины «Дубы» предшествовало написание многочисленных рисунков и этюдов. В них отразился процесс поиска формы и силуэта, построенных на обобщении и стилизации.

Лесистая балка. 1900-е. Бумага на картоне, масло. 10,8 x 17,4

Лесные дали. 1900-е. Бумага на картоне, масло. 30,5 x 25

Днепр. Начало 1900-х. Бумага на холсте, масло. 36,5 x 55

Парусник в море. Между 1876 и 1890. Холст на картоне, масло. 38,4 x 26

Облако. Закат. 1890-е. Бумага на холсте, масло.

Торжество природы

Снежные вершины. 1900-е. Бумага на картоне. 20 x 27.2 см

Специфический свет и невероятное ощущение простора, столь свойственное горам, нашли свое отражение во многих полотнах мастера, посвященным Кавказским горам. Одна из них – небольшая картина, написанная в необычной технике – масляными красками на листе бумаги.

Несмотря на то, что размеры у полотна очень скромные, изображает оно величественную гору Эльбрус, легендарные снежные вершины которой привлекали множество различных людей. Для Куинджи изображение гор обладало особой привлекательной и притягательной силой. Они впечатляли его своим величественным видом и невероятно красивыми цветовыми и световыми вариациями.

В этой картине мастер использовал насыщенные, почти открытые цвета, которые удивительно точно передают холодное пространство и особый, звенящий от чистоты воздух. Голубые дали и насыщенные синие цвета отлично демонстрируют прохладные горные тени. В то же время, освещенные косыми, солнечными лучами участки выглядят свежими, зелеными и теплыми.

Красавец Эльбрус лежит вдалеке, занимая все пространство на горизонте. У его подножия раскинулась зеленая плодородная долина, по которой тонкой, синей змейкой вьется река. С общей холодной гаммой полотна резко контрастирует выступ скалы, залитый теплым солнечным светом на переднем плане. В отличие от остального изображения, выполненного крупными, размашистыми мазками широкой кистью, этот небольшой участок тщательно проработан. Он выполнен при помощи большого количества различных оттенков. Можно буквально физически ощутить скудную, но зеленую траву, отчаянно цепляющуюся за тощую почву в трещинах скал.

Именно с этого возвышенного участка художник и писал свою бессмертную картину. Только этот небольшой фрагмент кажется теплым и уютным, все остальное изображение, расположенное вдали, выглядит очень чистым, нежилым и очень возвышенным, как будто в горах на самом деле становишься намного ближе к небесам и богу.

Казбек вечером. 1900-ею Бумага на холсте, масло. 39,3 x 53,3

В Русском музее – двенадцать горных пейзажей Кавказа. Большинство из них, трактованных обобщенно и лаконично, создано в начале 1900-х годов. Среди них – картинно завершенный, залитый алым закатным светом эффектный пейзаж „Казбек вечером“ 27 (1900-е) с видом плоскогорий, разработанных в градациях красно-коричневого.

Прибой в дождливый день. 1890-е. Бумага на картоне, масло. 58 x 36,5

«Об удивительной остроте зрения Куинджи, его чуткости к тонким нюансам тонов свидетельствуют работы, в которых он варьирует мотив прибоя. К лучшим среди них относится небольшая вертикального формата картина „Прибой в дождливый день“ (1890-е). В ней убедительно передано мягкое ритмичное чередование набегающих на берег слегка пенящихся волн в пасмурную погоду. Свободное, легкое письмо органически сочетается здесь с безупречной выверенностью тонов, объединенных в общем полифоническом звучании.» Ирина Шувалова.

В конце 1880-х годов художник приобретает большой участок земли в диком уголке Южного Крыма (близ мыса Кикенеиз) и по нескольку месяцев в году жил там, занимаясь живописью. Имея возможность наблюдать стихию моря в любое время суток при любой погоде, Куинджи ставит всегда новую задачу в каждой своей работе. «Прибой в дождливый день» почти лишен изобразительности. Чуть обозначена округлая галька, густой синей полосой проведена граница воды на горизонте.  Легкие прикосновения кисти передают упругость набегающей невысокой волны. Художник решает пленэрные задачи: передача глубины, пространства, свето-воздушной среды, особенности освещения в дождливый, неяркий день. При всей простоте мотива это сложное произведение. Оно обладает лаконичностью образа и масштабностью, грандиозностью изображенного. Живопись этого пейзажа рождает музыкальные ассоциации. Пустынный пейзаж объединил три стихии: земную твердь, безбрежную воду и воздух. Грандиозная тема мироздания в небольшой работе Куинджи создает впечатление драгоценности живописи.

Туман на море. 1900-1905. Холст, масло

«Туман на море», на мой взгляд — одна из самых «больших» вещей, среди оставшихся после Куинджи… Этот широкий медленный стилизованный в прямых линиях — прибой, который посылает из своей бесконечности море, и эта безгранная масса воды, и небесный простор над нею
все, видимое сквозь туман и пелену белой краски, производят сильное и совершенно своеобразное впечатление… И уж нигде так неуместно слово космический, как для характеристики аккорда
этой вещи…

М.П. Неведомский

Дубы. 1900-1905. Холст, масло. 83 x 164

Полотно «Дубы» отражает истинную российскую природу. Она поражает деталями очертаний и конфигураций. На переднем плане полотна – группа мощных деревьев, отличающихся густотой кроны и обремененных сочной непроницаемой листвой. Они сливаются в одну кущу, образуя увесистый внушительный контур. Спереди от них ложится густое затенение. По лучистому небосклону изредка проплывают невесомые просвечивающие облака.

На холсте бесспорно романтическое мировосприятие природы.

Художник с характерной для него проницательностью и верностью зрения замечает в ней изысканные отличия оттенков и поразительно искусно их представляет. Это видно и в воспроизведении невесомого прозрачного неба, и в лучезарном сиянии, наполняющем полянку, и в свежей мураве, полутона которой меняются от светло – до темно-зеленых оттенков. На холсте Куинджи отсматривается композиционное сопоставление с работой Шишкина «Дубы. Стадо». Но если в своем детище Шишкин акцентирует внимание на деталях пейзажа, то Куинджи, напротив, синтезирует формы, создавая искусную художественную метафору.

Куинджи устремлялся в своих произведениях к предельным обобщениям, чтобы выявить главное, передать настроение пейзажа. Он искал собирательный тип дерева, и этот отбор привел его к своего рода громоздкому, оригинальному образу огромного дуба. Так художник будто соединяет реальные земные природные предметы с небесными, неземными. Листва на верхушках деревьев, напоминающая тучу, смотрится грандиозно, величаво. Это создает впечатление роскоши потрясающей природы, насыщенной живительными напитками и воплощенной в фантазии живописца в нечто божественное, неземное и важное.

Мощные деревья как бы выразили духовность Руси. Они такие же долгожители, славны своей простотой, красотой и силой. Синева неба, зелень полей, небольшие деревца и кустарник, слегка пожелтевшая трава служат реальными деталями, указывая на лето. Пейзаж совмещает реальность и аллегорию.

«Куиндживские дубы не просто стоят на земле, торжествуя во всей своей естественной красоте, как у И.И. Шишкина, но становятся центром Вселенной, одним из важных ее элементов. В произведении ощущается особый интерес к живописно-пластическим проблемам, свойственный искусству рубежного периода. Обобщенность форм, цветовой и композиционный ритм являются носителями эмоционального содержания. В трактовке дубов, кроны которых, сливаясь вместе, напоминают фантастическое, упирающееся в небо растение, ощущается скрытая напряженность, свойственная целому ряду работ Куинджи позднего времени.»

И. Шувалова

Облака. 1900-1905. Холст, масло. 194×140 см

Настойчиво добиваясь в поздних работах все большего обобщения форм, особой выразительности контуров, композиции в целом, художник создает неожиданно оригинальные по своему образному строю работы. К их числу принадлежит долго не привлекавший специального внимания исследователей неоконченный пейзаж „Облака“ (1900—1905). Это большое полотно, отмеченное чертами декоративности и монументальности, близко по своей поэтической интонации „Дубам“. С давних пор принятая мастером концепция романтически приподнятого пейзажного образа нашла здесь своеобразное претворение.

На беспредельно высоком небе (впечатление усиливают композиционная вертикаль и низко взятый горизонт) вознеслось ввысь и торжественно застыло огромное облако, напоминающее некое космическое существо. Оно воспринимается и как реальная данность, и как форма существования высшей материи. Гипербола, к которой прибегает Куинджи, является не только художественным приемом, но и особенностью его мироощущения, оказавшегося созвучным космическому, масштабному восприятию природы у ряда художников начала ХХ века.

Небесная сфера, небесные светила, облака постоянно влекли к себе Куинджи. Он не только с восхищением наблюдал за ними, будь то на крыше петербургского дома или в специально устроенном им «гнезде» на дереве в Крыму, но и лелеял надежду полетать над землей. Недаром в 1898 году в Париже он рискнул подняться (вместе с учениками) на воздушном шаре.

В Русском музее непосредственно облакам посвящены пятнадцать произведений. Последним из них явилась смело-новаторская картина, в которой нашли отражение поэтика и стилистика позднего творчества Куинджи, когда усилилось стремление мастера к упрощению формы, подчеркиванию роли силуэта и лаконизму художественного языка. Отталкиваясь от реальных впечатлений, он наделяет теперь облако особым смыслом, трактуя его как символ небесных сил, как выход к другим космическим мирам.

И. Шувалова

Радуга . 1900-1905. Холст, масло. 110х171

Картина «Радуга» запечатлевает одно из поразительных природных состояний, описанных в Библии. На еще пропитанном влагой от прошедшего дождя небе, прямо на облаке, высвечиваются разноцветные полоски радуги. Тема вечного и прекрасного света, непостижимости Вселенной, таинственности мироздания и всего сущего на земле составила главное направление творческих поисков Куинджи.

Мастер не скрывал почти математической выверенности своих пейзажных композиций, его не смущали яркие цветовые и световые контрасты, усиливающие эффектность полотен. Куинджи, не умаляя естественной красоты природы, подчеркивает насыщенность цветов сочной зелени, яркой, почти гротесковой синевы неба, тем самым вводя в свою живопись декоративный элемент и придавая пейзажу «картинный» вид.

«Выбрав весьма несложный, даже нарочито упрощенный мотив, Куинджи показывает природу в своего роде очищенном, идеальном виде. Этому способствуют и подчеркнутая декоративность колорита, построенного на широких цветовых пятнах, и пространственное развитие композиции с высоким небом и извивающейся дорогой, создающее ощущение торжественного простора. Одно из чудесных явлений природы — сияющая многоцветьем радуга, раскинувшаяся над омытой дождем ослепительно зеленой равниной, — словно символ космического всеединства большого, яркого и чистого мира природы, иллюзорно-реального и вместе стем романтически возвышенного.»

И. Шувалова

The post Архип Куинджи. Из коллекции Государственного Русского музея appeared first on Блог Милы.

Для салата обязательно выбирайте спелое авокадо. Придя в магазин, возьмите авокадо, удалите черенок и посмотрите на маленький круглый след под ним. Если место жёлто-зелёного цвета, а авокадо на ощупь твёрдое — фрукт неспелый. Ну а если след от черенка тёмно-зелёный, даже с прожилками коричневого цвета, а мякоть пружинит, значит, это идеальное авокадо.

Ингредиенты:

• 2 авокадо;
• 2-3 помидора;
• 125 гр. моцареллы;
• 1–2 чайные ложки оливкового масла;
• приправа «Итальянские травы» — по вкусу;
• соль — по вкусу;
• молотый чёрный перец — по вкусу;
• несколько веточек базилика;
• немного бальзамического соуса — по желанию.

Приготовление:

Авокадо нужно разрезать пополам, удалить косточку и не очищать от шкурки. Из половинок авокадо ложкой извлечь мякоть. Нарезать её кубиками и выложить в миску. Добавить помидоры, нарезанные кубиками, кубики моцареллы. Заправить маслом, смесью «Итальянские травы», солью и перцец и перемешать.

Разложить салат по корзинкам из авокадо. Украсить рубленым базиликом. При желании полить корзинки бальзамическим соусом.

Итак, салат с помидорами и моцареллой в лодочках из авокадо готов. Приятного аппетита!

The post Салат с помидорами и моцареллой в лодочках из авокадо appeared first on Блог Милы.

Выставка «Густав Климт. Золото модерна» из московской галереи VEKARTA носит образовательный характер. Поэтому все работы будут снабжены историческими комментариями. Это позволяет глубже погрузиться в смысл и сюжет каждой работы.

Климт является одним из основоположников европейского модерна. В его творчестве удивительным образом сочетаются красочный декоративизм изображения и глубочайшая эмоциональная наполненность. Монументально-декоративные и живописные произведения художника отличает стилизация, символизм и эротизм.

Густав Климт (14 июля 1862, Баумгартен, Австро-Венгрия – 6 февраля 1918, Вена, Австро-Венгрия) – австрийский художник, один из основоположников европейского модерна.

Что такое жикле?

Что такое ЖИКЛЕ? Термин жикле возникает, когда речь идёт о художественной печати. Жикле (от французского ‘отсее» — распыление, разбрызгивание) — эксклюзивные цифровые, художественные репродукции шедевров живописи на холсте, по качеству исполнения и цветопередачи не уступающие оригиналу. С помощью ее удается идеально воспроизвести малейшие нюансы оригинала таким образом, что отличить оригинал от копии невооруженным глазом становится практически невозможно. Для изготовления копий используются микроскопические капли краски, различного размера и плотности. Это позволяет воссоздавать тончайшие нюансы тонов и деталей картины. К примеру: копия средних размеров содержит около 15 миллиардов микроскопических точек.

Художественные копии, выполненные маслом на холсте, все же — имитация. Этого не скажешь о цифровой художественной репродукции жикле, которая является точным, факсимильным воспроизведением подлинника.

Благодаря технологии «жикле» многие музей мира имеют возможность показать почитателям искусства шедевры живописи, дошедшие до нашего времени. Многие коллекционеры и дизайнеры интерьеров также используют в своих предпочтениях картины, выполненные именно в этой технике.

Сегодня «жикле» входят в постоянные экспозиции музея Метрополитен (Нью-Йорк) и в других музеях и галереях Америки. Также цифровые отпечатки работ великих художников представлены в Лувре и Эрмитаже.

Зрительный зал в старом Королевском театре, 1888г.

Ранняя гуашь Климта «Зрительный зал старого Бургтеатра». Городской совет Вены поручил Климту и Матчу запечатлеть старое здание городского театра перед его сносом.

Художнику предстояло изобразить публику во время представления в старом Королевском театре. Когда новость о будущем полотне распространилась среди венского высшего общества, к художнику выстроилась целая очередь из желающих, чтобы он запечатлел их на картине. Художник изобразил около 200 человек, у большинства из которых были реальные прототипы. Картину «Старый Королевский театр» вряд ли можно назвать шедевром. Но она стала для Климта прекрасным рекламным ходом, принеся ему еще больше популярности и вторую императорскую награду. Многие из изображенных на картине пожелали иметь ее копию у себя. Благодаря этому Климт стал вхож во многие влиятельные дома Вены.

Сказка, 1883г.

Картина «Басня» или «Сказка», казалось бы, абсолютно безобидное произведение. Оно было создано автором в возрасте 21 года, но уже имело скрытый подтекст. Теплое и убаюкивающее название предполагает такой же сюжет. Да, здесь есть герои представители классического повествования. Откормленные пышные аисты, дремучий спящий лев, всклокоченный лис с колбой, мышиная мелюзга на тонких ветвях. Такое собрание может иллюстрировать любую басню Эзопа или даже Ивана Крылова. Однако образ юной женщины сбивает с толку и пленит взгляд и помыслы, уводя зрителя далеко от задумки картины.

Картина написана Густавом Климтом в период, когда его полотна еще дышали классической школой живописи. Поэтому в ней живы и краски, и тепло, и степень контраста, такая близкая караваджинской манере письма. Латунно — бистровые оттенки вперемешку с медовой палитрой наделили картину эмоциями, характерными для барочных сюжетов. Никто не мог подумать, что «золотой» период автора будет далек от «Басни».

О чем хотел рассказать Климт в своей картине? Она представляет собой собрание персонажей из разных сказок, конкретики нет. Однако девушка, быть может, и есть сама басня — сказка, как ее олицетворение? Такой прием часто используют баснописцы в комичных произведениях. Басня-женщина Густава хороша собой и не высмеивает пороков. Прозрачное полуобнаженное тело намекает на обнаженные и не скрытые людские пороки, высмеиваемые в литературе. Свиток бумаги в ее ладони уже исписан, но текст спрятан и не прочитан. Но скоро, вот-вот, буквы сольются в стройные куплеты, и писатель опубликует свою сказку.

Картина лаконична и сказочна, необычна набором персонажей и лишь автору понятными акцентами. Ее можно читать так же как любой текст, улавливать намек, домысливать и любоваться живописью Климта, еще понятного, еще молодого, но уже знаменитого.

Эскиз к Аллегории музыки (органист), 1884 г

Этот ранний этюд представляет собой эскиз одной из девяти больших росписей на потолке Городского театра в Фиуме (Риека), выполненный студией братьев Климта и Франца Мачей в 1885 году. Заказ на украшение театра, построенного архитекторами Гельмером и Фельнером, вероятно, был получен в течение 1884 года. Как обычно, художники не рисовали на месте. Они создавали большие холсты в своей венской студии на Сондвиртгассе, 8. Данная работа представляла собой цикл аллегорий на разные жанры музыки. Густав Климт и Франц Мач создали по три больших овальных потолочных картины. Эрнст Климт — картину над авансценой и две картины меньшего размера над коробками авансцены. После концертного зала в Курсалоне в Карлсбаде и Городского
театра в Райхенберге заказ был уже третьей возможностью реализовать большие потолочные росписи для театральных зданий Helmer& Fellner.

В дизайне Климта для «Аллегории (священной) музыки» изображен органист в дорогом синем шелковом одеянии. Что особенно необычно, ток это то, что она стоит на коленях перед инструментом. Таким образом, орган становится алтарем, который также символизирует священный аспект музыки. Это также соответствует преображенному взгляду, устремленному к небу. Фигуру сопровождает ангел в белом одеянии, играющий на цитроне, парящий прямо за ее головой. А таккже несколько поющих херувимов в облаках на правом краю картины.

Композиционно замысел в точности соответствует исполненному варианту. Хотя эффект совершенно другой из-за живописной детализации исполнения Из-за свободных мазков и более теплого цветового тона дизайн кажется гораздо более барочным. Он напоминает образец для подражания Ганса Макарта, который умер в 1884 году на пике своей славы.

ПОСЛЕ ДОЖДЯ, 1898 г.

Регулярные летние выезды за город послужили важным источником вдохновения для художника. Проводил выезды Климт в компании семьи Флёге. Первое совместное пребывание состоялось в 1898 году в Санкт-Агате на Гальштеттерзее.

Фруктовые деревья расположены в шахматном порядке друг за другом. А слегка возвышающийся лесистый холм на фоне пейзажа создает впечатление постоянно раскрывающейся глубины. Однако Климт постепенно опускает цветовую растушевку дальше вдаль и для полного образа использует равномерный туманный серовато- зеленый цвет. Как и в картине «Фруктового сада», завершенной примерно в то же время, он соединяет верхушки деревьев в единую плоскую часть с помощью разноцветных мазков краски, которые также кажутся находящимися в той же плоскости, что и луг на переднем плане. Даже стволы деревьев свидетельствуют о пространственности «реального» мира, несмотря на их близость к силуэтам.

Утро на пруду в парке дворца Каммер, 1899 г

Климт проводит лето 1899 года в Голлинге под Зальцбургом вместе с родственниками и членами семьи Флёте. Это место и запечатлено на картине. Это первый квадратичный ландшафт Климта. Только в ранние утренние часы свет на пруду отражает берег на поверхности воды. Картина была впервые представлена гп седьмой выставке в Сецессионе в Вене в 1900 году.

Озеро Аттерзее, 1900 г

Пейзажи были еще одной страстью Густава Климта — мозаичные полотна из точек и узоров. Стиль, в котором написаны его пейзажи, иногда называют неопуантилизмом: картина складывается из разноцветных мазков-точек. Уже в первых реалистичных пейзажах Климта угадываются будущие мозаики. Позднее этот стиль выходит на первый план.

Местом силы Климта стало озеро Аттерзее. С 1900 года художник проводит здесь каждое лето. Компанию в поездках на озеро художнику часто составляла его верная подруга — Эмилия Флёге. В настоящее время на озере Аттерзее проводят пешие и водные экскурсии «по местам Климта».
Почти все пейзажи Климта написаны на квадратных холстах. Художник считал, что такая форма помогает бесконечно расширять пространство во всех направлениях. На картине завышена линия горизонта, что почти превращает ее в абстрактный пейзаж.

Буковая роща I, 1902г.

Картина написана в 1902 году в Лицльберге на озере Аттерзее.

Большой тополь II (Надвигающаяся гроза), 1903 г.

Между 1900 и 1907 годами Густав Климт проводил летние месяцы с семьей доме Лицльберга и пивоварне. В окрестностях Лицльберга величественный тополь, примыкающий к часовне, вызвал его интерес. Его он написал дважды. В конце концов в 1928 году в тополь попала молния и его срубили.

Представленный вибрирующая поверхность, состоящая из разноцветных «форельных точек» отличаюающих пуантилизм, дерево в картине рукотворной башней поднимается к небу. Когда картина была впервые показана на сольном показе Климта в Сецессионе в 1903-1904 годах, арт-рецензенты сразу заметили мрачный оттенок картины.

Траснформация творчества Климта

В 1892 году в жизни Климта произошли подряд два трагических события, оказавших влияние и на его творчество, и на жизнь в целом. Сначала ушел из жизни его отец, а вскоре после этого скончался брат художника Эрнст. После кончины отца на плечи Климта полностью легли заботы о благополучии семьи. А смерть брата нанесла художнику сокрушительный удар. Эрнст был для Густава не только родственником, но и коллегой, и одним из самых близких друзей. Они вместе с детства учились живописи, вместе работали над заказами и добились огромной популярности в Вене.

После смерти отца и брата Климт надолго впал в депрессию. В эти годы главной его поддержкой стала Эмилия Флёге. И в это же время постепенно начинает трансформироваться и меняться его творчество.

Музыка I, 1895г.

Николаус Думба, греческий магнат и покровитель искусств, поручил Густаву Климту и Франсу Матчу украсить две комнаты в его Дворце Думбы в Вене. Позднее, в 1937 году, после смерти жены Думбы дворец был ликвидирован и распродан. Эскиз «Музыки» предназначался для размещения над дверью в музыкальной комнате.

Эту работу можно считать отправной точкой в творчестве Климта и предтечей самых знаменитых работ художника, которые он создаст в годы «Золотого периода». Идея изобразить на картине саму Музыку была довольно амбициозной. Но Климт был уже достаточно знаменитым в Вене художником, чтобы позволить себе это. К тому же, в будущем он не раз докажет, что мнение критиков его абсолютно не волнует.

Климт был страстным поклонником старины и древних искусств. Это увлечение позволило ему создать особенно яркие, поражающие воображение и выполненные с почти фотографической точностью работы, украсившие стены Художественно-исторического музея в Вене. Но если в оформлении музея упор был сделан на Древний Египет, то в картине «Музыка» безраздельно властвует Эллада. Главная героиня полотна, совсем юная девушка, почти ребенок, держит в руках лиру – инструмент, воспетый в древнегреческом изобразительном искусстве. В правой части художник изображает сфинкса, который, кроме прочего, считается символом свободы творчества и личности в целом. Эту картину от ранних работ Климта отличает отказ от традиционной перспективы и классических сюжетов в пользу символизма, ярко выраженная декоративность и характерная для ар-нуво «уплощенность», двухмерность изображения. Но художник не спешит отказываться от привычного изображения людей. Это придает полотну сходство со слегка размытой старой фотографией.

Женщина в кресле, 1898 г.

Dame in Fauteuil («Женщина в кресле») — захватывающий пример революции, происходившей как в творчестве Густава Климта, так и в основах различных дисциплин в искусстве Fin de Siecle Vienna.

Эта работа, написанная в 1897-1898 годах, является редким образцом раннего портрета Климта. С первых дней своей художественной карьеры Климт зарекомендовал себя как портретист, написав как портреты по заказу, в основном представительниц венского высшего общества, так и более интимные портреты своей спутницы Эмили Флёге. Климт также выполнил ряд аллегорических композиций, обрабатывая человеческую фигуру с теми же стилизованными и декоративными качествами, которые преобладают в его портретах.

Dame in Fauteuil (Женщина в кресле) показывает принадлежность художника к художникам-символистам конца девятнадцатого века. Женщина-натурщик богато закутана в соответствующее красное платье и шляпу. Ее узкая талия опоясана темно-зеленым поясом. Она сидит в узорчатом кресле на абстрактном коричневато-красном и серо-коричневом фоне. Безмятежность и нежная бледность ее лица перекликаются с призрачностью двух очерченных голов в верхнем левом углу композиции.

Афина Паллада, 1898г.

В 1889 году в столице Австрии состоялась первая выставка Венского сецессиона. Вслед за немецкими коллегами австрийские живописцы отделились от официозного Дома художников. Они организовали собственное объединение, чтобы иметь возможность создавать и демонстрировать публике произведения искусства, выходящие за рамки господствовавшего консервативного стиля. Как и мюнхенские сецессионисты, венские художники сделали своим символом и покровительницей Афину Палладу. И на первой же выставке в Вене президент сецессиона Густав Климт представил картину, изображающую воинственную греческую богиню.

«Афина Паллада» разительно отличается от других женских портретов Климта. Утонченные, пронизанные чувственностью, откровенно сексуальные роковые красавицы стали визитной карточкой художника. В отличие от них Афина излучает силу и властность, она полна воинственного магнетизма. Ее сверкающий шлем, золотой нагрудник и поразительно живые, горящие огнем глаза стали не только символом борьбы сецессионистов за свободу самовыражения (полотно настолько впечатлило критиков, что Афину стали называть «демоном сецессиона»), но и некой отправной точкой в творчестве Климта. Именно с этой картины начался новый виток в творчестве художника. Его назвали «золотым периодом», он подарил миру самые знаменитые картины Климта, написанные в неподражаемом стиле.

В Афине, которую сецессионисты избрали своей покровительницей, художника интересовала по большей части ее божественная сущность, а не сексуальность. И это не удивительно, учитывая ее половую неоднозначность в греческих мифах. Дело в том, что, несмотря на внешнюю принадлежность к женскому полу, Афина наделена по большей части мужскими качествами. По мнению некоторых исследователей, в этой работе Климт намекает на известную теорию о тесной связи жажды власти с сексуальным желанием. Как бы там ни было, почти асексуальная богиня Афина Паллада стала одним из самых сильных женских образов в творчестве Климта.

Юдифь и Олоферн, 1901г.

Библейская история о молодой израильской вдове Юдифи, которая соблазнила и обезглавила ассирийского полководца Олоферна, во все времена была популярным сюжетом среди живописцев. Юдифь служила символом мудрости, храбрости и добродетели, одерживающей победу над пороками нечестивцев. Но в 1901 году Густав Климт предложил собственное толкование знаменитой истории и свое видение главной героини. Слово «скандальный» можно применить практически ко всем признанным шедеврам художника, и картина «Юдифь и Олоферн» не стала исключением.

Моделью для полотна стала знаменитая «золотая» Адель Блох-Бауэр. Её узнаваемые черты лица породили волну слухов о любовной связи между художником и натурщицей. Картина Климта, пропитана откровенной чувственностью. Она была совсем не похожа на изображающие ту же сцену полотна Джорджоне, Боттичелли и Караваджо. Экстатическое выражение лица Юдифи, ее напряженные пальцы, страстно сжимающие отрубленную голову Олоферна, ее бесстыдно обнаженное тело повергли жителей Вены в шок. В их понимании эта дерзкая фам-фаталь, явно получающая удовольствие от хладнокровного убийства, никак не вязалась с образом добродетельной вдовы, рискнувшей принести в жертву свое целомудрие, чтобы спасти родной город от вражеской армии.

Ее лицо запечатлено в момент оргазмического восторга. Ее глаза полузакрыты, губы нежно раздвинуты. В руках она держит отрубленную голову своего врага и, кажется, почти вздрагивает от удовлетворения своей победой.

Неоднозначность полотна и неприкрытая сексуальность его героини настолько смущала венскую публику, что… было решено считать, что на нем изображена вовсе не Юдифь, а другая известная библейская личность – коварная Саломея с головой Иоанна Крестителя. Поэтому долгое время, несмотря на название картины, написанное на раме, она была известна как «Саломея». К слову, старые мастера, чтобы отличить Юдифь от Саломеи всегда изображали рядом с ней ее служанку, которая помогла вдове пробраться в лагерь ассирийцев и осуществить убийство Олоферна.

Портрет Эмили Флёге, 1902 г

Владелица венского дома моды и кутюрье Эмилия Флёге оставалась единственной постоянной спутницей любвеобильного Густава Климта более двадцати лет. Этот факт не вызывает сомнений. А вот характер их отношений — предмет споров и дискуссий со времен начала ХХ века. Взаимное притяжение и эмоциональную зависимость творческая пара скрепила негласным дружеским союзом, приправив его долей романтики. Альянс оказался сильнее уз брака и стал их неразгаданной формулой любви.

Среди исследователей жизни Климта до сих пор продолжается полемика, оставались ли отношения художника и Эмилии только платоническими. Ответ может подсказать портрет Эмилии 1902 года. В нем венский Казанова раскрывает свои чувства.

Величественная, чувственная и хрупкая Эмилия — не только дама, бросившая вызов обычной роли, приписываемой обществом. Она — Богиня. Как невозможно приблизиться к божеству и властвовать над ним, так для художника возвышающаяся во весь рост Эмилия со стилизованным нимбом остается недосягаемой святыней и его повелительницей.

Эмилии и ее семье портрет не понравился. Она отказалась его принять, и в 1908 году картину приобрел Венский исторический музей.

Дафна. Девушка с голубой вуалью, 1902-1903 гг.

В этой работе очень много внимания художник уделил волосом модели. Он тщательно проработал их, а цвет фона и вуали прекрасно контрастирует с цветом волос. Они — главное украшение девушки. Несмотря на открытое тело, картина получилась в меру выдержанной, не откровенно эротичной. Есть предположение, что натурщицей выступила модель Герма, знакомая нам по картине «Надежда I».

Ток же исследователи склоняются к мнению, что на этой работе Климтом изображен персонаж древнегреческой мифологии, прекрасная нимфа Дафна. Наиболее известен миф о ней и Аполлоне — преследуемся им, охваченным к ней страстью, она — давшая обет целомудрия, взмолившись, была преврощена в лавровое дерево, ставшее священным у Аполлона.

Однако существует много аргументов против этой теории. Почему нет Аполлона, где намек на превращение Дафны в лавровое дерево? Где ветки на ее руках и листья, растущие из головы? Именно эти компоненты были частью стандартного репертуара в исторических изображениях Аполлона и Дафны.

Но это загадочное изображение действительно можно проследить до самых деталей. Хотя и очень необычным образом — из самого известного источника мифа об Аполлоне и Дафне, «Метоморфозам» Овидия. Климт концентрируется на психологическом состоянии молодой женщины непосредственно перед тем, как она превратится в дерево. Ее внешний вид во многом соответствует тексту Овидия. Распущенные, развевающиеся волосы; покрывало, сползающее с ее тела и раздуваемое ветром, конец которого оно прижимает к себе левой рукой; полуобнаженное тело и особенно ее «нежную грудь». которую описывал Овидий и похотливо подчеркивали многие живописцы.

Ее единство с природой отражено не только в цветущем лугу, окаймленном сверху лесом, но и в двух маргаритках в волосах. Нежные синие параллельные полосы вуали, вздутые в абстрактную геометрическую форму, напоминают текущую воду характерным символистским образом. Это, в свою очередь, нопоминает речного бога. И кажется, что Дафна поворочивается к нему, ее рот открыт, как будто она что-то говорит. Завеса, как поток воды, и цветущий луг покрывает большие плоскости изображения и номекает на стихии воды и земли, символизируя, таким образом, мифологических родителей несчастной нимфы

Водяные змеи II, 1904 г.

«Водяные змеи» — яркий образец эпохи модерна и своеобразная визитная карточка автора. Климт, как обычно, аллегоричен, он изображает обнаженных женщин в образе водяных жителей, женщин-змей. Образы женщин собраны в длинные гирлянды — кто-то плывет по течению, одна же, жгучая брюнетка, как будто, плывет наперекор воде.

Климт наделил своих женщин холодной красотой, бледной кожей и славянскими чертами. Украшением каждой женщины являются пышные шевелюры с вкраплением ракушек и цветных камней необычных водорослей, стилизованных художником.

Работа впечатляет необычным колоритом с необычным оттенком морской воды и водорослей, тех, что легли мягкой прослойкой между двумя красавицами, а черные края картины намекают на водные глубины, опасности и тайны, которые они могут содержать. Климт по своему неугомонен в красках, необычной для такого сюжета палитрой, контрастом и декоративностью создаёт неповторимое впечатление от этой работы. Несмотря на размеры полотна, Климт отлично чувствует его пространство, создает плотную компоновку, не оставляя пустот.

Многослойность деталей уничтожает скуку которая могла бы жить в повествовании о жизни подводных обитателей, а их олицетворение с женщинами — тем более.

Портрет Фритцы Ридлер, 1906 г

Наступление нового, «золотого» периода в творчестве Климта было спровоцировано его путешествиями по Европе. Побывав по Флоренции и Риме, он вдохновился техникой итальянских мастеров и привнес ее черты в свое творчество. Первой картиной, на которой художник опробовал метод, стал портрет Фрицы Ридлер, написанный в 1906 году. Позолота, подчеркнутая декоративность и рельефные орнаменты станут фирменным почерком Климта на ближайшие несколько лет.

Густав Климт, тонко чувствовавший внутренний мир модели, дополнял обычные женские образы символами эротического характера, с виду оказавшимися «невинным» орнаментом. На картине «Портрет Фрицы Ридлер» зритель «встречается» не с женой государственного чиновника, коей на самом деле была эта женщина, а скорее, со жрицей любви.

Голова модели находится на уровне орнаментального окошка, может быть, для того, чтобы получилось сходство с головным убором Марии Терезии, кисти Веласкеса. Только самые внимательные обнаружат, что сексуальная символика — «павлиньи глаза», образуют кресло, на котором восседает героиня, и с трансформацией этого предмета в орнамент исчезает его глубина и форма. Акцент золота, исчезнувший было из картин, проявился с новой силой.

Сложно определить, что эротического нашел художник в этой элегантной, но несколько разочарованного вида даме, да и искал ли он его вообще, но зрителя как бы зовут подсмотреть за героиней с помощью этих таинственных глаз. Может быть, психолог Климт разглядел во фрау Ридлер не столько спутницу важного чиновника, игравшую в его жизни роль «декора», а всего лишь женщину, истосковавшуюся по романтическим отношениям.

Портрет Адели Блох-Бауэр (Золотая Адель), 1907 г.

«Золотая Адель» долгие годы была самым настоящим национальным символом Австрии. По популярности и тиражируемости она ничуть не уступала другой знаменитой картине Климта — «Поцелую». Когда Австрии пришлось расстаться с картиной, это событие стало трагедией национального масштаба. Провожая «Золотую Адель» в США, многие австрийцы плакали, не стесняясь. На протяжении всего существования этого полотна его сопровождали интриги и скандалы.

Существует легенда, согласно которой Фердинанд Блох-Бауэр заказал Густаву Климту портрет своей жены Адель, узнав об их романе. Оскорбленный и униженный мужчина придумал идеальный план мести неверной супруге и ее любовнику. Он пообещал художнику астрономическую сумму за уникальное полотно, во время работы над которым Климту приходилось бы проводить вместе с Адель так много времени, что вскоре она ему бы просто опротивела. Блох-Бауэр был наслышан о многочисленных любовницах художника и о том, что ни одна из них не задерживалась рядом с Климтом надолго. В итоге «Портрет Адели Блох-Бауэр» стал не только выгодным капиталовложением, но и прекрасным способом отомстить жене, которая вынуждена была каждый день наблюдать, как угасает страсть ее любовника.

Когда в 1938 году Германия вторглась в Австрию, практически всем имуществом семьи Блох-Бауэр завладели нацисты. В годы Второй Мировой портрет ‘Адели скрывали от публики из-за явного еврейского происхождения модели, но после войны она заняла место в Галерее Бельведер. Единственная оставшаяся в живых представительница семьи Блох-Бауэр, племянница Фердинанда и Адели Мария Альтман, сбежавшая от преследования нацистов и ставшая гражданкой США, лишь в 1998 году узнала, что по завещанию дяди именно она является владелицей портрета. Так началась 8-летняя судебная волокита, ставшая причиной международного скандала. В конце концов, Марии Альтман удалось вернуть себе и «Золотую Адель».

Даная, 1907 г

В ряду мифологических произведений Климта картина «Даная» далеко обошла по популярности остальные работы.

Согласно мифической легенде прекрасная девушка Даная, ограждаемая царствующим отцом от любой возможности стать матерью, находится в заточении. Так повелел её отец, которому оракул предсказал смерть от руки внука. Однако Зевс‚плененный красотой Данаи, проник в ее темницу золотым дождем.

Критики, впервые увидевшие «Данаю», усердно подбирали самые язвительные выражения, считая картину олицетворением безнравственности, но у зрителя, даже с повышенными моральными требованиями, не возникает протестных настроений, появляющихся при виде данной картины. Большинство ценителей искусства даже отмечают чувство умиротворения, наступающее при созерцании запечатленной сцены.

Поцелуй, 1908 г

Густав Климт крайне редко покидал Вену. Его поездки в Париж можно буквально пересчитать по пальцам. Что же касается остальной Европы, казалось, она вообще мало интересовала художника. Исключением оказалась лишь Италия, а точнее — Равенна, откуда Климт в 1903 году привез свое страстное увлечение византийскими мозаиками. Использование золота и разнообразные орнаментальные узоры в работах старых мастеров нашли отражение в самом продуктивном и ярком «Золотом периоде» творчества Климта, в зрелом периоде, подарившем миру самые известные из его картин, в том числе и «Поцелуй».

Орнаменты, которые художник использует для изображения слившейся в любовном объятии пары, не случайны. На протяжении практически всего своего творческого пути Климт пытался донести до публики свое видение двойственности любви. Здесь он передает это ощущение, в частности, через разграничение мужского и женского. ‘Одеяние героя картины расчерчено четкими квадратами и прямоугольниками, в то время как наряд его возлюбленной украшен орнаментом, в котором преобладают более мягкие и «женственные» круги и спирали.

Интересны в «Поцелуе» и еще две детали. Во-первых, как и в большинстве других своих зрелых работ, художник не позволяет зрителю увидеть лицо героя. И во-вторых, примечательно то, что Климт изобразил на полотне не сам поцелуй, а лишь его ожидание, предвкушение. По одной из версий, картину заказал ему некий граф. Он дал художнику медальон с изображением своей возлюбленной и попросил изобразить их вместе. Но во время работы над картиной Климт неожиданно для себя самого влюбился в девушку с медальона. И поэтому вместо графа изобразил рядом с ней самого себя, скрыв лицо. И поэтому же пара на полотне не сливается в поцелуе, а пребывает в страстном любовном томлении.

Кусты роз под деревьями, 1905 г.

Розовые кусты под деревьями были созданы, как и большинство пейзажей Климта, во время летних каникул 1904 и 1905 годов, когда он остался в Лицльберге. Холст покрыт точками цвета и мелкими мазками кисти в стиле декоративного мотива или мозаики. Климтские пейзажи становились все более абстрактными, хотя он продол жал писать с натуры.

То, что наблюдал художник, просто служило стимулом. Настоящим предметом картины является сама живописная структура.

Основу композиции составляет листва над узкой горизонтальной полосой луга. По всей картине Климт распространил сеть небольших мазков краски от светло-зеленого до темно-зеленого с контрастными тонами розового, лилового и желтого. Это масса пятен растворяет элементы ландшафта до рудиментарных черт предлагаемые стволы деревьев и вариации цвета различных типов листьев позволяют опреде лить сцену как сад фруктовых деревьев. Небо только мелькает сквозь крошечные промежутки в верхнем, левом правом углах.

В отличие от импрессионистов, Климт не интересовался атмосферными переменами. Он предпочел черпать вдохновение из пластических решений нео-импрессионистов, используя свои знания французской живописи, чтобы развить очень личный, формальный язык. Наконец, его декоративная манера покрывает и заслоняет пейзаж нарочитым решетом, будто он был движим глубоко укоренившимся ужасом пустоты.

ЦВЕТОЧНЫЙ САД, 1905-1907 гг.

Хотя с самого начала своей карьеры Климт был широко известен своими аллегорическими композициями и женскими портретами, в 1890-х годах и позже пейзажная живопись становилась все более важным источником творчества Климта, в конечном итоге составив почти четверть его творчества. Этот сдвиг был частично вдохновлен крупной выставкой картин Ван Гога в галерее Митке в Вене, которую Климт посетил и которой очень восхищался. Увидев способность Ван Гога создавать яркие цветные пейзажи, используя чистую краску и несколько традиционных техник, Климт воодушевился, и он начал использовать гораздо более толстую кисть.

На этой картине мы видим крупным планом цветочный сад с его узкой перспективой и акцентом на окрашенной поверхности — что является проявлением любви Климта к узорам и дизайну. Буйство красок напоминает фоны некоторых из его монументальных фризов, таких как «Фриз Бетховена» (1902), выставленных здесь в преувеличенном изобилии. Пирамидальная структура придает форму интенсивности узоров, которые, кок и другие пейзажные работы Климта, играют на
поляризационном эффекте преобладающей оппозиционной красно-зеленой палитры. Тем не менее, Климт помещает странную ноту синего цвета в сердце этой композиции, чтобы она выступала в качестве фокуса в цветовой путанице.

“Цветочный сад” был продан за 59,3 миллиона долларов (48 миллионов фунтов стерлингов) на аукционе Sothbey’s произведений импрессионистов, модернистов и сюрреалистов в Лондоне 2 марта 2017 года — это рекордная аукционная цена за пейзаж художника.

Подсолнух, 1908г.

«Подсолнух» (нем. Die Sonnenblume) — пейзаж австрийского художника Густава Климта. Считается одним из лучших лирических произведений художника, посвящённых природе. Художник строго разделял портретный и пейзажный жанры, поэтому антропоморфный «Подсолнух» — самый яркий образец смешения жанров в творчестве художника.

Климт поместил возвышающийся на широком пьедестале из луговых цветов подсолнух на фоне плотного цветущего ковра близко х переднему краю картины так, чтобы он занимал всю её центральную часть. Приближенный к зрителю компактный задний план придаёт подсолнуху дополнительную монументальность. Помимо необычной композиции Климт применяет новую для себя живописную технику: тёмные краски насыщенных зелёных и красных оттенков нанесены густо и перекрывают друг друга, цветки оформляются не одним движением руки, с несколькими мазками.

Климт был знаком с «Подсолнухами» Ван Гога, которые участвовали в выставке импрессионистов, подготовленной Венским сецессионом в 1903 году. Но если Ван Гога интересовали цветовые изменения увядающих цветов, то Климт на вершине «золотого периода» в технике живописной мозаики написал величественный портрет гордого растения на золотистом фоне под стать его дамским портретам. Под влиянием «Подсолнуха» Климта молодой Эгон Шиле в 1909 году написал свой антропоморфный «Подсолнух», у которого климтовский гордый пафос растения сменился вялой безнадёжностью.

Усеянный золотыми искорками «Подсолнух» был написан в зените «золотого периода» в творчестве Климта специально для Венской художественной выставки 1908 года, где он демонстрировался в одном ряду с ещё незаконченным «Поцелуем» и «Золотой Аделью». В 1909 году «Подсолнух» участвовал в Х Международной художественной выставке в Мюнхене, в 1910 году — в [Х Венецианской биеннале, в 1914 году — выставке Союза чешсконемецких художников в Праге. До 1912 года пейзаж принадлежал сталелитейному магнату Карлу Випенштейну, затем его приобрёл советник по строительству Генрих Майер, которому наследовали супруга Парцер. В 2012 году «Подсолнух» был передан в дар галерее Бельведер по завещанию их сына, коллекционера Петера Парцера вместе с ещё одной работой художника — картиной «Семья».

3AMOK KAMMEP HA ATTEP3E I, 1908 г.

Данная картина является первой из четырёх картин под этим названием, созданных 1908-1910 годах на на вилле «Олеандр» в летнем загородном отдыхе Шерфлинг-ам-Аттерзе. Её Климт с семейством Флёге снимал у владелицы замка Каммер графини Кефенхюллер. «Замок Каммер на Аттерзе » отражает изменение живописи Климта, выразившееся в укреплении композиции и строго параллельной структуре картины.

Климт выбрал для пейзажа замка вид с мостков прилегавшей к вилле лодочной пристани, откуда за отражающей берег водной гладью озера Аттерзе через высокие пирамидальные тополя проглядывал кубический фасад Каммера. Художник сконструировал окрестности замка на пейзаже без учёта реального пространства. Узнаваемая церковная колокольня, которая возвышается на пейзаже рядом с замком, в действительности находится в Зевальхене. Её от замка отделяет дистанция около восьми сотен метров по воде, что художник скрывает бесконтурным изображением лесов и наложением сюжетных мотивов. Пейзаж впервые демонстрировался публике на Венской художественной выставке 1909 года. В ее отзывах он был назван «главным и блестящим произведением». В 1910 году пейзаж принимал участие в выставке Союза чешсконемецких художников в Праге. Там он был выкуплен у автора.

ДВОРЕЦ КАММЕР НА АТТЕРЗЕ III, 1910

Это полотно является третьим из серии картин о дворце Коммер. Замок просматривается с воды, чтобы создать яркую зернистую роботу с мутными желто-зелеными бликами.

Вначале Климт выходил на воду, чтобы рисовать. Но в последующие годы он стал одним из первых, кто владел лодкой, что вызвало местный резонанс. Он рисовал прямо на холсте, наслаждаясь свободой и сосредоточивался но выбранной сцене, глядя через бинокль.

Благодаря движениям лодки вдоль передней части стен замка создается прекрасное мимолетное ощущение, как будто мы можем только мельком увидеть великолепный дом между деревьями, пока лодка скользит по мерцающей воде, великолепно изображенной но переднем плане картины. Введение желтой крапчатости выступает доминирующим противовесом его обычной огромной палитре зелени, с которой теперь умело обращаются после многих лет исследований в области ландшафта и студийной роботы.

Надежда II, 1908 г.

Надежда II — картина Густава Климта, сделанная в 1907-1908 годах. Это вторая работа Климта, посвященная беременной женщине, изображающая Герму, одну из его любимых моделей. Первоначально названа «Видение Климта», но известна как «Надежда II» после более ранней работы «Надежда».

Климт написал тяжело беременную Герму в «Надежде I» в 1903 году, в которой она была изображена обнаженной. В «Надежда II» она носит длинное платье или плащ, украшенный геометрическими фигурами. У нее длинные каштановые волосы и закрытые глаза, голова склоненная к ее обнаженной груди и расцветающему животу. Неуместный человеческий череп появляется на передней части ее одежды — быть может, символ опасности родов или, возможно, скорой смерти (в Надежде I она также сопровождается черепом и несколькими смертоносными фигурами). В нижней части картины три женщины также склонили головы в молитве или же в скорби.

Семья (Мать с двумя детьми), 1910г

На картине изображен сюжет, многократно исследуемый в мировой живописи. Молодая женщина прижимает к себе своих детей, видимо, сына и дочку. Картину можно было бы назвать «Нежность», ведь столько умиротворения и спокойствия в этих бледных лицах. Но общая колористика картины заставляет зрителя подозревать нечто совершенно другое.

Основные цвета картины темные, если не сказать, мрачные. В этой массе темного цвета сложно различить фигуры, они сливаются в единый объем, слабо обозначенные отенками и полутонами. На щеках у детей румянец. При минимальном присутствии изобразительных элементов, Густав Климт дарит зрителю множество подсказок для понимания сюжета своей картины.

Портрет Адели Блох-Бауэр II, 1912г.

«Адель Блох-Бауэр II» называют вторым из величайших портретов Густава Климта, хотя
эта картина и менее знаменита, чем её «старшая сестра» — «Золотая Адель». Адель
Блох-Бауэр была одной из немногих, чей портрет Климт написал дважды. Если первый был
вершиной его роскошного «Золотого периода», то следующий представляет собой более
простую и красочную работу маслом на холсте. Художник изобразил героиню в полный рост
в широкополой шляпе и с волосами цвета воронова крыла. На ней светлое платье с синим
поясом и сложным узором на юбке. Пол под ногами Адель украшен пурпурным орнаментом,
а красочные панели за спиной состоят из розовых и зелёных цветочных паттернов в центре и
восточных мотивов вверху. Такой фон предполагает богато декорированный интерьер и
свидетельствует о высоком социальном статусе модели. Она предстаёт как гранд-дама, но в
её глазах таится меланхолия. Несмотря на богатство и привилегированное положение,
судьбу Адель Бауэр вряд ли можно назвать лёгкой.

Она была дочерью директора банка и железной дороги, а также женой сахарного
магната Фердинанда Блоха, который был на 17 лет старше её. Это был брак по договорённости, и он был бездетным после двух выкидышей и смерти ребёнка. Мария Альтман вспоминала свою тётю как «довольно холодную, интеллектуальную женщину», которая разбиралась в политике и была социалисткой. По своей инициативе Адель изучала немецкую, английскую и французскую классическую литературу. «Я помню её очень элегантной, высокой, темноволосой и тонкой. Она всегда одевалась в шёлковые белые платья и курила через длинный золотой мундштук», —
рассказывала Мария.

Адель обладала значительной социальной и интеллектуальной властью, будучи хозяйкой
своего еженедельного салона. Его посещали композиторы Густав Малер и Ричард Штраус,
писатель Стефан Цвейг. Адель Блох-Бауэр умерла от менингита в 1925 году всего 43-х лет от
роду. Когда Австрию в 1938 году аннексировали немецкие национал-социалисты, коллекция
Блох-Бауэров была конфискована. Оба портрета кисти Климта стали собственностью
галереи Бельведер в Вене, где оставались до 2006 года, пока не вернулись к Марии Альтман
— племяннице Фердинанда и Адели. Новая владелица выставила картины на аукцион в 2006
году. «Адель Блох-Бауэр II» купила телеведущая Опра Уинфри за 88 миллионов долларов.

АЛЛЕЯ К ЗАМКУ КАММЕР, 1912 г.

Густав Климт увековечил очаровательный замок Каммер на Аттерзее в нескольких картинах. На этой картине он решил изобразить вид на длинную аллею деревьев, ведущую ко входу в замок. Благодаря ракурсу ряды деревьев по обе стороны сильно привлекают зрителя и создают глубину. Это было необычно для одной из пейзажных картин Климта, которые вместо этого были в основном плотными и плоскими.

Однако Климт возвращается к своему типичному двумерному изобразительному стилю в изображении могучих верхушек деревьев. Они изображенх бесчисленными маленькими мазками цвета почти в пуантилистической манере, в сетчатой структуре без пространственной дифференциации. Пространственность и плоскостность помещены как бы в своего рода подвешенное состояние.

Цветовая палитра, выбранная Климтом для верхушек деревьев, весьма изысканна. Затененные области обычно имеют приглушенный синий цвет. Тогда как освещенные солнцем участки светятся приглушенным желтовато-зеленым цветом. Климт, очевидно, перенял это поразительное сочетание синего, желтого и зеленого, которое в то время редко использовалось в Вене, у французских импрессионистов и их предшественников. Новаторским текстом для распространения французских теорий цвета по всей Европе стала работа Эжена Шеврёля о «цветовых гармониях», ранее опубликованная в 1878 году в немецком переводе Фридриха Яннике.

Город Лицльберг на озере Аттерзее, 1914 г.

Климт отправил открытку 30 августа 1914 года своему племяннику Юлию Зимпелю, иллюстрирующую тот же мотив, что и в этой картине. Вид на Лицльберг с домами пивоваренного завода и Майр-Хоф возможен только с озера. Поэтому предполагается, что этот пейзаж был завершен в его студии в Вене, используя современную фотографию.

Портрет Фредерики Марии Беер, 1916г

Фридерика Мария Беер-Монти — американская галеристка австрийского происхождения, известная по портретам работы Эгона Шиле и Густава Климта.

На портрете Климта она одета в платье со стянутым шнуровкой подолом из шёлка понже «Марина» дизайна Дагоберта Пехе, опять же для Венских мастерских, и жакет из хорькового меха, её обновку той же марки. По настоянию Климта Фридерика Беер надела меховой жилет наизнанку, чтобы он мог запечатлеть на картине великолепную подкладку из цветного шёлка «Флора» дизайна Лео Блондера.

До этого Фридерике пришлось перемерить множество восточноазиатских костюмов, хранившихся в мастерской Климта. По словам портретируемой, рисунок фона с крупными фигурами и растительным орнаментом портрета Климт позаимствовал с имевшейся в его коллекции азиатской вазы. На картине и платье, и жакет, и фон конкурируют друг с другом. Глазу зрителя можно отдохнуть только на зелёном ковре в нижней части картины и чёрных волосах Фридерики, обрамляющих её лицо.

Девы, 1913г.

Картину «Девы» можно отнести к последнему периоду творчества Климта. Уже тогда художник стал отходить от о вычурного собственного декоративного стиля. От картины веет спокойствием и умиротворением.

На картине мы видим девушку, окруженную шестью обнаженными женщинами. Работа имеет несколько различных интерпретаций, касающихся основной фигуры. В основном эксперты сходятся на том, что Климт изобразил процесс превращения в женщину юной девы. Об этом свидетельствуют спирали на драпировке, символизирующие плодородие, и прикрытые ноги, указывающие на половую зрелость.

Сон спящей девушки, которую автор поместил в центре композиции, чист. И плоть пока не будоражит его своими взрослыми фантазиями. Поза, в которой она спит, выглядит сексуально. Но по лицу заметно, что девушка вряд ли грезит плотскими утехами.

Юный возраст героини тонко подчеркнут еле заметными краями ночной рубашки, выглядывающими из-под орнаментальной накидки-одеяла. Приходит период взросления, а с ним, и «взрослые» сны, переданные Климтом через полуобнаженных, явно более искушенных женщин.

Изображенные женщины парят на ложе, как облаке из сплетенных цветов, они фантазия и сновидения девушки. Чувства пробудились, и ряды женского мира пополнились еще одной новой, и непостижимой «загадкой». Вход в этот мир для мужчины закрыт. Да он и сам бы там долго не выдержал.

Привлекательность плоти создана автором за счет контраста между розовыми оттенками тел, тщательно и изящно выписанных, и «грубой» тканью, с ярким, но довольно примитивным рисунком.

Для Климта женщина — источник и символ вечной жизни. Обратите внимание, что Климт в росписи покрывала использует спирали , которые являются символом бессмертия, бесконечности и плодородия , а прикрытые ноги символизируют половую зрелось. По крайней мере, именно так эксперты оценивают эти знаки.

Смерть и Жизнь, 1908-1916 гг.

«Жизнь и Смерть» — аллегорическое произведение, на создание которого Густав Климт потратил 8 лет, с 1908 по 1916 гг. Оно повествует нам о вечном противостоянии между жизнью во всех ее проявлениях и смертью, ждущей своего часа поодаль. Вся композиция состоит из трех условных частей. На левой стороне художник поместил фигуру Смерти, на правой — группу людей, символизирующих собой Жизнь. Темное пространство между левой и правой частью картины отделяет их друг от друга, словно удерживая мрачного жреца и не давая ему раньше времени приблизиться к живым.

Для противопоставления своих персонажей Густав Климт использует как цвет, так и форму. Жизнь и Смерть на его картине узнаваемы с первого взгляда. Правый угол полотна сияет всеми цветами радуги, оттененными золотом. В этом своеобразном лоскутном коконе, символизирующем Жизнь, зритель видит лица безмятежно спящих детей и матерей, умиротворенно прижимающих их к себе, фигуры мужчины и женщины, слившихся в объятии, а также старуху, погрузившуюся в свои мысли. Преемственность поколений — то, что делает Жизнь победителем в этой извечной схватке.

Смерть на картине Климта «Жизнь и Смерть» представлена одинокой, чуть сгорбленной фигурой, наблюдающей за праздником Жизни со стороны. Ее скелет скрыт под бесформенным одеянием, украшенным черными крестами, кругами и прямоугольниками темно-зеленого и фиолетового цвета. Зрителю виден лишь череп, который слегка подался вперед, будто Смерть смотрит на происходящее с интересом и не прочь принять в этом участие. Ей известно, что однажды настанет ее час и она постепенно заберет всех — и молодых, и старых. Но пока она может лишь выжидать, угрожающе занеся свой смертоносный жезл.

Сегодня картину Климта «Жизнь и Смерть» можно увидеть в Музее Леопольда в г. Вена (Австрия).

Портрет женщины, 1917 г

«Портрет женщины» или «Портрет дамы» или «Женский портрет» был написан Густавом Климтом между 1916 и 1917 годами. Является единственной известной на сегодняшний день «двойной работой» художника. Изначально на ней была изображена женщина в широкополой шляпе, затем Климт переписал её.

С 1925 года полотно хранилось в Галерее современного искусства Риччи-Одди в городе Пьяченце (Италия). В 1997 году оно было похищено во время ремонта здания. После кражи картину называли «одним из самых разыскиваемых произведений искусства». С момента кражи периодически появлялась информация об её обнаружении, но найденные картины оказывались подделками. В декабре 2019 года оригинальное полотно было найдено музейными работниками в тайнике на территории самой Галереи. В январе 2020 г. его подлинность была подтверждена. На текущий момент стоимость картины оценивается в 66 млн долларов США.

В 1996 году 18-летняя студентка Клаудиа Мага, специализирующая по истории искусств, обратила внимание на схожесть поз женщин на картине «Портрет женщины» и на другой, считавшейся утраченной картине 1910 года. Она сделала фотокопии обеих работ, а затем с помощью кальки наложила друг на друга. Силуэты женщин идеально совпали. Свою догадку Мага озвучила директору музея, который решил провести рентгеновское исследование картины. После изучения полученных снимков, догадка студентки была подтверждена.

Портрет Иоганны Штауде (незавершенное), 1917 г

Одна из последних робот Густава Климта — портрет Йоханны Штауде. В частности, дизайн платья свидетельствует о том, что Климт не завершил картину.

Портрет, возможно, не был портретным заказом в традиционном смысле. Климт дружил с госпожой Штауде. И она, вероятно, позировала ему несколько раз, точно так же, как позировала Эгону Шиле.

Йоханна Штауде называла себя художницей, хотя мы не знаем ни о каких ее работах. О ее занятости известно немного. Что мы знаем, так это то, что какое-то время она работала в доме известного писателя Петера Альтенберга.

Так же видно, что Йоханна явно обладала определенным художественным чутьем. На это указывало ее экстравагантная внешность, особенно ее модная короткая прическа, и платье из ткани Wiener Werkstatte. Для Климта, который очень интересовался продукцией Wiener Werkstatte, рисунок ткани был достаточно важен, чтобы его можно было воспроизвести как можно точнее. Фон портрета он покрасил в оранжевый цвет, видимо, чтобы усилить эффект синей ткани блузки

Глаза мадам Стоуде сияющие, ярко-голубые. Только рот явно незакончен. Когда модель спросила, почему Климт так и не закончил эту картину, мастер якобы ответил: «Потому что ты никогда не вернешься в мастерскую».

Дама в белом

Девушка на картинке — эстрадная танцовщица? А может актриса? Никто не знает, но ее макияж намекает на такую интерпретацию

Картина, разделенная на темную и светлую треугольные области, является одной из последних работ художника. Тот факт, что Климт в разгар Первой мировой войны занимался только темами женской эротики и идиллических пейзажей, часто воспринимается как декадентство. На самом деле, однако, он хочет противопоставить мрачной реальности видение гармонии и любви, которое также можно понять как декларацию мира.

Юдифь II, 1917 г

В 1909 году Густав Климт принял решение написать еще одну картину с прекрасной Юдифь. Первый раз он изобразил её в своей картине «Юдифь и голова Олоферна». Первая картина имела не самые хорошие отзывы. Но художник решился на написание еще одного полотна с таким же сюжетом. Данная картина написана все в том же стиле, пропитанном эротизмом.

В полотне «Юдифь II» Климт показывает, какими сильными могут быть хрупкие представительницы слабого пола. В те годы, когда создавалось это произведение, Густав был любовником Адели Блох-Бауэр, именно её черты прослеживаются в героине этой картины.

Климта не сильно волновали плохие отзывы и скандалы, порожденные его первой версией Юдифи. Хотя она обидела как представителей еврейского общества, так и христиан. В этот раз он решил не делать подписи к этой картине. Он надеялся, что все и так поймут, кто же изображен на этом полотне. Прошлая же картина была оформлена в красивую раму с гравировкой ее названия. Из-за отсутствия названия тогда люди решили, что эта женщина не Юдифь, а Саломея, которая танцует для Иоанна Крестителя.

Созерцателям картины пришлось долго терпеть и ждать, когда же им покажут настоящее ее название. Довольно часто эта работа встречалась с именем Саломеи, но, когда народ узнал, что на картине изображена Юдифь, благочестивая дева, спасительница, в очередной раз представленная Климтом в порочном образе, в обществе снова пошли накал и агрессия.

Климт никогда не обсуждал свои картины, так же как и свою жизнь. Видимо, он доверял каждому по-своему трактовать детали картин, так же кок и их сюжет. До сих пор остается загадкой, что же общего видел Климт между настоящей Юдифь и образами, которые он для нее создавал.

Младенец, 1917 г

В письме от 11 августа 1917 года Эмилии Флёге Климт упоминает, что он начнет писать детский портрет. Только через два дня он сообщает Эмили, что портрет уже сделан, он закончил его сегодня. Портрет был написан для выставки в Стокгольме в сентябре 1917 года.

Эта картина — одна из немногих более поздних портретов Климто, в которых объект не встает. В его ранних работах изображаемый персонаж сидит в различных креслах. В тех работах, что были написаны после 1908 года, персонажи стоят. Картина лежачего ребенка позволила Климту поэкспериментировать с совершенно новой композицией. Он помещает одну геометрическую форму внутри другой. В квадратном формате большой треугольник, с головой ребенка на вершине.

Фон по обе стороны от него оброзует еще два треугольника. Покров ребенка — это масса узоров, в котором размахнулся изобретательный гений Климта. С цветами, спиралями, зигзагами и радужными арками контрастных оттенков. Он также разместил контрастные цвета рядом друг с другом. Оранжевый соседствует с синим, красный с зеленым и желтым с фиолетовым.

Портрет Мады Примавези, 1912 г

Мада Примавези была дочерью банкира, промышленника и мецената Отто Примавези и актрисы Евгении Примавези, которую Климт написал в 1913 году. Ряд предварительных карандашных эскизов к портрету Мады, теперь в публичных и частных коллекциях, показывают, что композиция развивалась, когда художник экспериментировал с альтернативными позами и фонологическими мотивами.

Климт был частым гостем на вилле семьи Примавези в Олмуц (Моравия). Очевидно, там и родилась идея написать портрет Мады и Евгении. Густав начал работу над портретом Мады 18 февраля 1912 года, и закончил под рождество 1913 года. Няня Мады вспоминала, как все начиналось. Климт сообщил из Вены открыткой, что заказал для девочки платье у дизайнера и своей подруги Эмилии Флёге. Она разрабатывала одежду и для детей. Когда же начались сеансы, Мода была, пожалуй, единственным ребёнком, которому разрешалось двигаться во время этих долгих визитов в студию. Так как девочке было всего девять лет, она, естественно, очень быстро уставала. Сама Мада вспоминала, что когда ей было скучно, она играла, заворачиваясь в китайские ткани, которые были во множестве вокруг. Много позже, когда её спрашивали о количестве набросков, она отвечала «Их было сотни!».

В 1987 году Мада приезжала в Метрополитен музей в Нью-Йорке, где хранится её портрет.

Портрет Амалии Цукеркандль (незавершенное), 1918 г.

Амалия Цукеркандль была женой Отто Цукеркандла, известного уролога. Его брат был женат на журналисте Берте Цукеркандл, которая была великим сторонником Густава Климта.

The post Выставка «Густав Климт. Золото модерна» appeared first on Блог Милы.

Удобно приготовить тунцовую «намазку» с вечера, убрать ее в холодильник, а утром вкусно позавтракать.

Конечно, такой бутерброд не дашь ребенку в школу и не возьмешь на работу или в дорогу, но дома вполне можно им насладиться.

Особое внимание следует обратить на качество консервированного тунца — от его вкуса зависит вкус готового блюда. Рыба должна быть либо в масле, либо в рассоле или воде. Если взять консервированного тунца в пряном соусе, вкус будет иной.

Ингредиенты

• Тунец консервированный — 1 банка
• Лук репчатый — 1/4 гол.
• Помидоры вяленые — 3-5 шт.
• Майонез или сметана — по вкусу
• Перец черный молотый — по вкусу
• Лук зеленый — по желанию
• Хлеб тостовый — 4-6 шт.

Приготовление:

Из банки с рыбой слить жидкость, а рыбу размять вилкой. Лук очистить и очень мелко нарезать. Помидоры достать из масла и тоже очень мелко нарезать.

К тунцу добавить нарезанные лук и помидоры. Приправить майонезом (или сметаной), добавить свежемолотый перец.

Я не солю. Есть желание посолить — не возбраняется.

Все перемешать.

Получается очень вкусная масса!

Хлеб, при желании, можно подсушить в тостере, поджарить в духовке, или на сковороде, обычной либо на сковороде-гриль.

На хлеб выложить тунцовую массу. Присыпать нарезанным зеленым луком.

Итак, бутерброды с тунцом и вялеными помидорами готовы. Подавать сразу же, чтобы хлеб от сочной начинки не размок. Приятного аппетита!

The post Бутерброды с тунцом и вялеными помидорами appeared first on Блог Милы.

Преимущества спокойной жизни у моря по достоинству оценили его знакомые, и спустя всего полвека в Борнмуте начала кипеть жизнь.

Описание пляжа Борнмута

Окруженные холмами пляжи Борнмута протяженностью 11 км покрыты мелким светлым песком. Доступ к берегу обеспечивается по лестницам, обустроенным в скалах.

Спуск в воду пологий, дно песчаное. Характерны длинные отмели, удобные для купания детей. Песок на пляжах и в воде чистый и комфортный.

Доступ с собаками разрешен не на всех участках пляжа.

Вдоль берега можно увидеть множество крошечных разноцветных домиков или пляжных хижин (beach huts) — специфическую особенность британских пляжных курортов.

В них отдыхающие хранят инвентарь — зонты, шезлонги, коврики, полотенца. Можно оставить здесь посуду и продукты с длительным сроком хранения. Некоторые пляжные хижины оснащены мини-кухнями. Домики сдаются в аренду на несколько часов или на весь купальный сезон.

По всей береговой линии обустроены душевые, туалеты, палатки, торгующие фастфудом и напитками, бары, кафе. Работают станции проката лодок, катамаранов, снаряжения для дайвинга, парасейлинга, виндсерфинга.

Борнмут пользуется огромной популярностью у людей разных возрастных групп и увлечений. Летом на пляжах многолюдно, несмотря на большую протяженность.

Сюда съезжается все Соединенное Королевство. Контингент отдыхающих увеличивается за счет туристов из всех стран мира.

Невзирая на холодную воду, которая редко прогревается до +18°C и выше, количество отдыхающих неизменно растет.

Пирс Борнмут

Bournemouth Pier — это прекрасное место для отдыха и расслабления. Он расположен в центре города и является одной из самых красивых достопримечательностей Борнмута. С пирса открывается великолепный вид на пляж и интересный обзор на город. Пирс также подходит для любителей рыбалки и тех, кто хочет насладиться свежим морским воздухом, наблюдая за закатами или рассветами.

На пирсе есть кафе, где можно отведать вкусные блюда и насладиться прекрасным видом на море. Пирс Борнмута — это идеальное место для приятных прогулок в любую погоду.

Здесь всегда свежий ветер с моря, смешивающийся с ароматом выпечки из кафе, создающий романтическую атмосферу. Набережная пирса всегда радует гостей своим уютом и приятной атмосферой. Это место, которое стоит посетить во время вашей поездки в Борнмут.

Когда лучше ехать

Купальный сезон в Великобритании официально начинается 5 мая и заканчивается 30 сентября, но лучше отправиться в путешествие по британским пляжам в конце июня, когда температура воздуха прогреется до +25°C.

Вода в акватории королевства всегда холодная для купания — около +17°C, а в лучшем случае не выше +22°C в самых теплых местах, где протекает Гольфстрим.

Даже когда наступает аномальная для страны жара, моря вокруг островов остаются холодными. В сентябре погода может испортиться, несмотря на календарный бархатный сезон.

Чем заняться

Не слишком комфортная для купания вода не ограничивает отдыхающих в развлечениях. Можно кататься на катамаране, яхте, гидроцикле, водных лыжах. Ветер и высокие волны привлекают в Борнмут виндсерферов.

У пирса на набережной расположен Океанариум с огромным количеством рыб, морских млекопитающих, земноводных. Стоимость входа — £14.5 для взрослого, £10 для ребенка.

В районе пирса также находится Большое колесо Борнмута. Оно работает с 10:00 до 22:00 ежедневно. Как и следовало ожидать от сооружения высотой более 100 футов (30 м), с колеса открывается потрясающий панорамный вид на пирс, пляж и Нижние сады.

Самое заманчивое развлечение курорта — полеты на воздушном шаре «Борнмутский глаз». С высоты более 100 метров открывается восхитительная перспектива города, садов, горных склонов, поросших лесом, и золотистой береговой линии Ла-Манша. Цена полета — £12.5 для взрослого и £7.5 для ребенка.

The post Пляж Борнмута appeared first on Блог Милы.

Квинс-хаус — важный исторический, архитектурный и культурный памятник. Его включили в список всемирного наследия ЮНЕСКО, он находится под особой охраной.

История Queen’s house в Гринвиче

Дом возвели в 1614–1617 годах по проекту архитектора Иниго Джонса для супруги короля Якова I Анны Датской. После её смерти в 1635 г. Иниго Джонс перестроил дворец для новой королевы Генриетты-Марии, супруги Карла I. В 1642 году во время Гражданской войны королева вынуждена была уехать во Францию. Квинс-хаус разграбили, вынеся оттуда все ценные вещи.

Первоначально Гринвичский дворец закрывал вид на реку из дома Королевы. Однако во время Гражданской войны старый дворец Тюдоров пришел в упадок. Планы Карла II построить на его месте грандиозный новый дворец так и не были реализованы. Вместо этого в 1690-х годах на этом месте разместился Королевский госпиталь для моряков, благотворительное учреждение для ветеранов Королевского флота.

Королева Мария II поручила архитектору сэру Кристоферу Рену, чтобы новое здание не загораживало вид из Дома Королевы. Решение Рена, состоящее из расположения куполов и колоннад по обе стороны от центрального открытого двора, поместило Дом Королевы прямо в центр вида с реки. Двойные купола зданий, ныне известных как Старый Королевский военно-морской колледж, идеально обрамляют Дом Королевы, а вдалеке — Королевскую обсерваторию на холме.

Сама Мэри не проводила время в Доме Королевы. Однако ее решение определило этот участок Гринвича, создав один из самых красивых видов Лондона. Сам берег реки мало изменился с 18 века. Но вид на Темзу радикально поменялся со строительством и развитием Кэнэри-Уорф.

В XVIII—XIX веках Квинс-хаус использовался для нужд Адмиралтейства, в частности, здесь размещался военно-морской колледж. В 1807 г. дворец был соединён с фланкирующими его постройками Рена низкими колоннадами. Колоннады, простирающиеся по обе стороны от Дома Королевы, обозначают то, что изначально было главной дорогой из Лондона через Гринвич.

Последняя реставрация здания прошла в 1986–1989 годах.

Архитектура Queen’s house

Что касается архитектуры особняка, то она действительно уникальная. Квинс-хаус считается образчиком палладианского стиля (одной из форм классицизма). Это одно из первых зданий в Великобритании, построенное из белого кирпича. Четкое следование симметрии, нет излишеств и лепнины — в этом и заключается особенность палладианского стиля.

Благодаря своей симметричной форме и белому фасаду королевская резиденция резко контрастировала с дворцами из красного кирпича того времени.

Главной «изюминкой» особняка стала витая белоснежная Тюльпановая лестница, у которой нет центрального столба. Построили ее в 1635 году.

Балюстраду лестницы украшают цветы. Некоторые считают, что это не тюльпаны, а лилии — геральдический символ династии Бурбонов.

Сегодня большая часть оригинального декора и интерьера Квинс Хауса утрачена. Когда-то интерьер Дома Королевы украшали росписи Орацио Джентлески, но их перенесли в Мальборо-Хаус. Осталась только изящная винтовая лестница и некоторые элементы настенной живописи.

Галерея Квинс-хауса

Сейчас в Квинс-хаусе находится картинная галерея Морского музея, где хранятся уникальные произведения искусства.

Коллекция насчитывает более 450 картин,

в том числе произведения из студий Гольбейна, Ван Дейка и Ван де Вельдеса, а также современные произведения Кехинде Уайли, Кристи Симингтон и многих других.

Здесь вы можете увидеть такие полотна: «Вид электростанции Дептфорда из Гринвича» Лоури, «Прощальные возгласы» Генри О’Нила, портрет Елизаветы I — «Непобедимая армада», «Трафальгарское сражение» кисти Джозефа Уильяма Тёрнера и другие.

Основная тема всех полотен — море и история Англии.

Кстати, море вы сможете увидеть почти на каждом произведении.

Сожжение «Ройял Джеймса» в битве при Солебее, 28 мая 1672 г.

На этом монументальном гобелене изображена кульминация битвы при Солебе в мае 1672 года — безрезультатного морского конфликта между голландским флотом и объединенными силами английских и французских кораблей.

Гобелен Солебей, обрамленный сложной рамкой, изначально был частью серии гигантских гобеленов, заказанных королем Карлом II для записи битвы. Чтобы объединить серию, Чарльз задействовал талант художника-мариниста Виллема ван де Вельде Старшего, присутствовавшего при конфликте. Работая в своей мастерской на первом этаже Королевского дома, Ван де Вельде использовал свои рисунки для создания «мультфильмов» – крупномасштабных бумажных рисунков – которые служили руководством для ткачей, создающих гобелены.

«Армадный портрет» Елизаветы I.

Королева Елизавета I в инкрустированном жемчугом платье и с рукой, опирающейся на земной шар, изображается как зрелище женской силы и величия. Хотя личность художника неизвестна, картину написали в память о разгроме испанской армады в 1588 году — самом известном конфликте правления Елизаветы. Слева от Елизаветы виден английский флот и приближающаяся испанская армада. Справа от нее во время шторма терпит крушение Армада.

Генрих VIII, 1491–1547 гг.

Этот впечатляющий портрет Генриха VIII, излучающий власть и величие, стал абсолютным подобием знаменитого монарха Тюдоров. Генрих, созданный мастерской Ганса Гольбейна Младшего, изображен в вышитом золотом камзоле, красном пальто с меховой отделкой и черной шляпе, украшенной драгоценностями. На шее он носит кулон с изображением Святого Георгия и Дракона – символа национальной идентичности.

На этой работе Генриху около 40 лет, примерно в то время, когда он женился на своей четвертой жене, Анне Клевской, в Гринвиче. Генрих родился в Гринвичском дворце и за свою жизнь значительно расширил его.

Мария I Английская, 1516–1558 гг., и Филипп II Испанский, 1527–98 гг.

На этом портрете, приписываемом фламандскому художнику Лукасу де Хере, богато одетые в черные одежды королева Англии Мария I и король Испании Филипп II сидят отдельно. В 1553 году Мария I стала королевой Англии и Ирландии. Год спустя она вышла замуж за своего двоюродного брата Филиппа. Ее советники выступили против этого союза.

На этом портрете Филипп носит орден Подвязки, а Мария держит розу, что является отсылкой к геральдическому символу Тюдоров. Через открытое окно можно увидеть собор Святого Павла и Темзу.

Прощальное приветствие

В этой картине XIX века художника Генри Нельсона О’Нила сочетаются скорбь и ликование. Сцена, действие которой происходит на Темзе, изображает отплытие корабля (скорее всего, направляющегося в Северную Америку). Он оставляет позади скорбящих семей и друзей. На протяжении викторианской эпохи миллионы британцев эмигрировали, чтобы начать новую жизнь в таких странах, как США, Канада, Австралия и Новая Зеландия.

На набережной собираются группы представителей всех социальных слоев. Молодой уличный продавец фруктов сжимает в руках корзину апельсинов и задумчиво смотрит на корабль, а женщина в фиолетовой шали утешает вдову в черном траурном платье.

Чувство синевы

«Чувство синевы» — это новая работа современного искусства для Дома Королевы. Теперь она теперь висит в Зале Присутствия Королевы напротив Портрета Армады. Он был создан многопрофильной художницей Альбертой Уиттл и Dovecot Studios в Эдинбурге. Гобелен имеет более 150 различных цветовых комбинаций. Он включает такие материалы, как веревка и жемчуг, а также хлопок и лен.

Конвой, 1918 год.

На этой картине с пенящимися волнами и глубоким синим небом художник Джон Эверетт изобразил конвой торговых судов во время Первой мировой войны. Корабли покрыты «ослепительной росписью» — разновидностью камуфляжа, разработанной художником-маринистом Норманом Уилкинсоном. Это включало в себя окраску кораблей в контрастные цвета и геометрические формы, расположенные в виде зебровых узоров, чтобы создать эффект искажения. Это могло бы сбить с толку вражеские суда относительно размера, очертаний, курса и скорости корабля.

После своей смерти в 1949 году Эверетт завещал Национальному морскому музею более 2000 своих морских картин, от морских пейзажей до сцен на палубе.

Рабочие лодки со всего британского побережья

Эта яркая фреска художника Алана Эрнеста Соррелла была создана для бара авианосца HMS Campania. В 1951 году корабль совершил поездку по британским портам в рамках выставки Фестиваля Британии. Эта фреска, состоящая из пяти панелей, прославляет рыболовные сообщества Великобритании. Стая чаек связывает сцены вместе, держась за декоративную веревку.

Вывод из Дюнкерка, июнь 1940 г.

На этой панорамной картине, написанной с точки зрения низколетящего самолета, изображена эвакуация из Дюнкерка во время Второй мировой войны. В период с мая по июнь 1940 года более 338 000 британских и союзных солдат были эвакуированы из Дюнкерка на севере Франции в Англию, спасаясь от вторжения немецких войск.

Для создания этой картины художник Рихард Эрнст Эйрих использовал эскизы и фотографии спасения, а также свидетельства очевидцев. Он ярко изображает разрушения и ужасы войны: клубящиеся столбы дыма возвышаются над горизонтом, а очереди солдат на переднем плане забираются в лодки.

Вице-адмирал сэр Сэмюэл Корниш, капитан Ричард Кемпенфельт и Томас Парри

На этой работе художника Тилли Кеттл запечатлена встреча двух морских офицеров и клерка на британском военном корабле XVIII века. Сидящий справа от работы вице-адмирал сэр Сэмюэл Корниш отдает приказ поднять флаг капитану Ричарду Кемпенфельту, который стоит слева. Между ними сидит секретарь Корниша и заказчик этой картины Томас Парри, держащий в руках перо.

Эта работа, созданная в 1768 году, считалась шедевром Кеттла. После попыток пробиться на лондонскую художественную сцену Кеттл перенес свой бизнес в Индию. Там он стал первым британским художником, который начал прибыльную практику.

Вход в галерею бесплатный, но желательно забронировать билет онлайн, особенно в высокий сезон.

Музей Queen’s house открыт с 10.00 до 17.00 ежедневно, кроме некоторых праздников.

The post Дом королевы в Гринвиче (Queen’s house) appeared first on Блог Милы.

Ингредиенты:

• Молодая капуста — небольшой кочан (1 кг)
• Прованские травы — 1 ч. л.
• Орегано — 1 ч. л.
• Оливковое масло — 100 мл
• Чеснок — 3-4 зубчика
• Перец красный молотый или паприка — по вкусу
• Соль, черный перец — по вкусу

Приготовление:

Обратите внимание на небольшие кочаны, примерно 1-1,5 кг — так их удобнее будет резать на кусочки, и они не будут сильно разваливаться.

Вначале следует подготовить соус для пропитки стейков. Смешать оливковое масло с сухими специями. Очистить и измельчить чеснок (мелко нарезать или пропустить через пресс). Добавить в соус чеснок и перемешать. Также можно добавить паприку или щепотку жгучего перца.

С молодой капусты снять верхние листья, затем нарезать крупными кусками — стейками, толщиной 2-3 см. Кстати, вместо молодой капусты можете использовать осенние сорта, тогда время запекания надо увеличить на 10-15 минут.

Перед тем как выкладывать стейки на противень, застелить его фольгой, так запекание будет происходить более равномерно. Выложить стейки на противень или в форму для запекания, посолить и поперчить по вкусу. Стейки хорошо смазать пряным соусом и дать пропитаться в течение 10 минут.

Запекать стейк из капусты в предварительно разогретой духовке 25 минут при 200°С — так она подрумянится. Сразу подавать готовые стейки из капусты к столу. Аромат исходит потрясающий.

Итак, стейк из капусты в духовке готов. Приятного вам аппетита!

The post Стейк из капусты в духовке appeared first on Блог Милы.