Лондонская национальная галерея — музей в Лондоне на Трафальгарской площади, содержащий более 2000 образцов западноевропейской живописи XIII — начала XX века. Картины в галерее экспонируются в хронологическом порядке.
Сегодня картины голландских художников, в том числе Рембрандта.
Букет в глиняной вазе, Ян Брейгель-Старший (1568-1625)
Около 1609 г.
Ян Брейгель Старший считается отцом-основателем жанра цветочных натюрмортов, в которых цветы являются не просто декоративными или аллегорическими аксессуарами, а единственным центром картины. Этот главный пример новаторских натюрмортов Брейгеля показывает впечатляющий букет с высокой точки зрения, чтобы все тщательно прорисованные цветы и насекомые были хорошо видны.
Натюрморт с куропатками, Виллем ван Алст (1627-1683)
1671 г.
Цветы в стеклянной вазе с цветами, Рэйчел Рюйш (1664-1750)
1716 г.
Цветочные картины Рюйша полны движения. Она сочетает в себе мельчайшие детали с ощущением букета как органического целого. Здесь цветы вот-вот распустятся, полосатая канареечник колышется, а жимолость, кажется, наклоняется к зрителю. Эти эффекты стали более выраженными в течение долгой карьеры Рюйша. Великолепный тюльпан венчает вершину этого красочного сооружения. Глубокая светотень напоминает о более ранних работах Рюйш. Но главное отличие этой картины от « Цветов в вазе » заключается в характерном для более поздних работ художницы ощущении обилия. В 1708 году ее исключительный талант был вознагражден престижным назначением придворной художницы курфюрста Палатина в Дюссельдорфе.
Цветы в вазе из белого камня, Дирк де Брей (1635-1694)
1671 г.
Для этого букета де Брей отобрал только цветы, цветущие в одно и то же время года, в начале лета. Таким образом, целью художника было нарисовать естественный букет, а не воображаемый. Суровая красота этого букета сильно отличается от более типичных, густонаселенных композиций.
Де Брей мастерски сбалансировал высоту пиона с висячими ипомеями. Палитра резко ограничена, красные и белые лепестки резко контрастируют с темным, непроницаемым фоном. Эти цветовые акценты искусно расставлены. Как, например, божья коровка , ползущая по мрамору, которая создает умный красный контрапункт среди синих нот. Этой картине присуще тихое, мистическое качество, переданное такими деталями, как шмель, тихо спрятавшийся за горшком.
Стеклянная ваза с цветами, маком и гнездом зяблика, Ян ван Хейсум (1682-1749)
Розы на переднем плане этой картины, изображенные на разных стадиях развития, и маковые анемоны разных оттенков, возможно, были выращены в собственном саду ван Хюйсума в Амстердаме, который был предоставлен цветоводами из близлежащего Харлема. Обратите внимание, как свет проходит через букет, создавая беспрецедентное ощущение пространства. Вдоль главной диагональной оси, идущей из нижнего левого угла в верхний правый, цветы демонстрируют тонкие различия цвета и текстуры с вариациями белого и розового цветов. Любовь Ван Хюйсума к своей работе прекрасно проявляется в оттенках зеленого на молодых и старых листьях, а также в прозрачных каплях воды, которые нарисованы на листьях. Точное изображение художником каждого экземпляра гарантирует, что даже мох в гнезде можно идентифицировать.
Цветы в стеклянной бутылке на мраморном постаменте, Ян Давидс де Хем (1606-1684)
Около 1670 г.
Самый знаменитый художник- натюрморт своего времени, де Хем внес ряд новшеств в искусство цветочной живописи. Здесь из его букета вырываются стебли и усики, добавляя композиции движения и динамичности. Цветы обращены в разные стороны и выходят из вазы, что резко контрастирует с более ранними, более статичными композициями , в которых все цветы были обращены к зрителю. В этой композиции де Хем подчеркивает округлость, от мраморного пьедестала и стеклянной вазы, отражающей окно студии, до пышных цветов и изогнутых стеблей хмеля и пшеницы. Этому эффекту способствуют даже формы улитки, шмеля и крестовика на краю плинтуса. Яркие цвета цветов искусно распределены. Красный цвет тюльпана и мака вверху справа, например, находит аналог в красной смородине внизу слева, а богатая охра подсолнуха вверху уравновешивается жимолостью и колосом пшеницы внизу справа.
Концерт, Хендрик тер Брюгген (1588-1629)
Около 1626 г.
Кажется, мы подобрались на расстояние соприкосновения с этой небольшой группой музыкантов, которые с удивлением поворачиваются к нам. Тщательно сфокусированный источник света создает резкие блики, интенсивные тени и ощущение драмы и интимности. Драматические световые эффекты, подобные этому, сейчас распространены, но в 1620-х годах это был революционный способ рисования. Человеком, ответственным за эту революцию, был Микеланджело Караваджо, работавший в Риме между 1597 и 1607 годами.
Тер Брюгген был первым важным голландским художником, который вернул идеи Караваджо в Голландию, и эта композиция раскрывает его влияние другими способами. Поясные фигуры, сглаженные внутри композиции и заполняющие живописное пространство – вплоть до краев кадра, типичны для итальянского художника, как и четкость и реалистичность изображения винограда на переднем плане.
Мужчина играющий на лютне, Хендрик тер Брюгген (1588-1629)
1624 г.
Картины одиноких музыкантов, написанные в пояс, были особой специализацией группы художников, базировавшейся в Утрехте в 1620-х годах. Они были известны как «голландские караваджисты», потому что жили и учились в Риме и находились под сильным влиянием характерного драматического стиля Караваджо и его последователей.
Натюрморт с оловянным кувшином и двумя чашами Мин, Ян Янс Трек (1605-1652)
1651 г.
Здесь Ян Янс Трек взял на себя задачу воссоздать блеск и искаженные отражения в серебре, олове, стекле, фарфоре и яичной скорлупе, а также сложные тени на скомканной льняной ткани. Это был очень ценный навык в голландской живописи натюрморта, и этот довольно красивый образец жанра имеет особенно спокойную эстетику.
Общая цветовая гамма приглушенная, преобладают серые, зеленые и коричневые оттенки, выделяются только ярко-красные ягоды. На наш взгляд, выбор предметов также кажется довольно обыденным: это последствия еды, когда тарелки, блюда и кувшин временно отодвинуты в сторону вместе с выброшенной салфеткой. Но две бело-голубые тарелки — это не обычная домашняя посуда. Это очень дорогой китайский фарфор позднего периода Мин. Это были экзотические и очень желанные товары, а эта картина — торжество роскоши.
Натюрморт Ванитас стиль, Ян Янс Трек (1605-1652)
1648 г.
Сложная, но мрачная картина Трека представляет собой vanitas , тип натюрморта, который несет моральное послание. Натюрморт часто представляет в элегантной композиции дорогостоящие предметы, которыми зритель может любоваться и обсуждать, как, например, музыкальные инструменты, лаковая шкатулка, рейнский кувшин и платок, выполненный золотыми и серебряными нитями.
Ванитас нарушает безмятежность , вводя предметы с символическим значением: жизнь коротка, а роскошь и жадность – ношение гламурных одежд, распитие вина и курение – ничего не стоят перед лицом неминуемой смерти. На картине Трека это череп, перевернутые песочные часы, соломинка для выдувания пузырей, которые лопнут и исчезнут, и использованная трубка, рядом с которой еще тлеют угольки. Тем не менее, хотя картина напоминает нам о тщеславии всех человеческих усилий, она также подчеркивает, что искусство — и живопись Трека — выживет.
Натюрморт с рогом, Виллеи Калф (1619-1693)
Около 1653 г.
Этот натюрморт — один из самых популярных жанров в Голландии семнадцатого века — воспевает трудности изображения игры света на различных поверхностях и текстурах. Посмотрите на тонкие блики на переплетении турецкого ковра, блеск и блеск серебра и стекла, влажную мякоть лимона и восковую текстуру его кожуры. Выбранные предметы также напоминают о роскошном образе жизни. Омар был роскошным блюдом, а лимоны были редкими и дорогими, как и тонкое стекло, восточный ковер и серебряная посуда. Вероятно, его заказали члены Гильдии лучников Святого Себастьяна в Амстердаме. Основание серебряной подставки, на которой держится рог для питья, изображает мученичество святого Себастьяна — его связали и прострелили стрелами. А на опоре под столом вырезана фигура римского бога Купидона, известного своими стрелами любви.
Иаков упрекает Лавана, Хендрик тер Брюгген (1588-1629)
1627 г.
Двое мужчин, один старый, другой молодой, с поднятыми руками и указующими пальцами, кажется, спорят. Нам показывают ключевой момент истории, но, поскольку у картины нет сохранившегося названия, мы должны сделать обоснованное предположение о том, что это такое.
Наиболее вероятным кандидатом является описание брака Иакова в Ветхом Завете. Иаков влюбился в свою кузину Рахиль. Чтобы заработать ее руку в браке, он согласился работать пастухом у ее отца, Лавана, в течение семи лет. Но когда время истекло, Лаван заменил Рахиль своей старшей дочерью Лией. Иаков был горько разочарован обманом, но согласился работать еще семь лет, чтобы жениться и на Рахили. Итак, здесь мы видим наставление Иакова Лавану на следующее утро после свадьбы, с Лией в голубом и Рахилью на заднем плане.
Мальчик и девочка с кошкой и угрем, Джудит Лейстер (1609-1660)
Около 1635 г.
«Тот, кто играет с кошками, тот царапается» — другими словами, тот, кто ищет неприятностей, получит их. Это старый голландский девиз, который, по-видимому, является возможным источником для веселой картины Джудит Лейстер, и высказывается предположение, что картина задумывалась как восхитительное развлечение и предупреждение.
В других голландских моральных картинах того времени ожидалось, что маленькая девочка подаст хороший пример; у этой есть старший брат, чтобы сбить ее с пути. В глазах у нее злобный огонек, а пальцы ее руки обвивают кошачий хвост, готовый его дернуть. Лейстер уловила полувиновное, полубесстыдное выражение лица мальчика, когда он дразнит кошку — кажется, он проверяет, как далеко он может зайти.
Сцена в таверне, Адриан Брауэр (1605-1638)
Около 1635 г.
Мы находимся в грязной таверне с небольшой толпой пьяниц и курильщиков, сидящих на корточках на низких деревянных табуретах и стульях. В центре их внимания — и нашего — драка, происходящая между мужчиной и молодой женщиной в левой части картины. Изображение на редкость непристойное. Мужчина в расстегнутых спереди брюках раздвигает коленом ноги женщины и засовывает руку ей под юбку. Она сопротивляется, пытаясь оттолкнуть его руку и решительной хваткой дергая его за волосы. Резкий крик боли, исказивший его лицо, привлек внимание его товарищей по выпивке. Наблюдаем ли мы, как проститутка отбивается от пьяного клиента, сексуальное насилие над барменшей или просто наблюдаем за размолвкой любовников, не раскрывается.
Юнона застает Юпитера с Ио, Питер Ластман (1583-1633)
1618 г.
Истории о злодеяниях греческих и римских богов были популярными сюжетами для картин в семнадцатом веке. Питер Ластман был в Риме и видел новаторские картины Караваджо и его последователей. Он использует их использование светотени — драматическое использование света и тени — и выразительное движение, чтобы рассказать об этом моменте открытия в истории Ио, взятой из « Метаморфоз» Овидия .
Юпитер, глава римских богов, соблазнил Ио, молодую человеческую женщину. Прерванный Юноной, его женой, он поспешно превратил Ио в корову. Ластман показывает, как Юпитер смотрит испуганными глазами на разъяренную Юнону. Ее сопровождают павлины, являющиеся ее атрибутом. Две фигуры стягивают бордовую ткань с головы трансформированной Ио. Один из них — Купидон, мальчик-бог любви с луком у ног. Другой — аллегория Обмана, в соответствующей маске.
Суд Париса, Иоахим Втеваль (1566-1638)
1615 г.
Роскошная картина Втеваля, наполненная мягкими, тонкими красками, изображает предвестник мифологической Троянской войны. Юпитер, правитель богов, послал Эриду (олицетворение раздора), чтобы спровоцировать спор о том, какая богиня красивее: Минерва, богиня войны, с ее шлемом и копьем; Юнона, жена Юпитера, ее павлин на деревьях; или Венера, богиня любви, с жемчугом в волосах. Пастух Парис, на самом деле троянский принц, был избран судьей; он протягивает Венере золотое яблоко с надписью «Прекраснейшей». Венера предложила ему Елену, жену царя Менелая Спарты и самую красивую женщину в мире, в качестве взятки, посеяв семена войны. Но на данный момент стадо Париса и его собака лежат посреди мира и изобилия — мех прижимается к плоти, шелк к лепесткам и сочные раковины среди перьевых трав.
Лот с дочерьми, Авраам Блумарт (1566-1651)
1624 г.
Эта картина является ярким примером позднего стиля Авраама Блумарта, одного из самых влиятельных голландских художников семнадцатого века. На нем изображен момент из ветхозаветной истории Лота и его дочерей, в котором рассказывается, как Лот и его семья бежали после разрушения безнравственного города Содома. После того, как жена Лота была превращена в соляной столб за неподчинение Божьему повелению не оглядываться на горящий город, две дочери Лота поверили, что только они остались живы на земле, и пошли на отчаянную меру, соблазнив собственного отца, чтобы обеспечить продолжение человеческого рода.
Монументальный стиль полотна привел к тому, что на протяжении многих лет его приписывали нескольким художникам, в том числе Питеру Паулю Рубенсу. Однако обнаружение подписи Блумарта и даты 1624 года во время реставрации картины в 2004 году показало, что это прекрасный образец произведения, написанного на пике художественной зрелости художника.
Воскрешение Лазаря, Иоахим Втеваль (1566-1638)
Около 1605-1610 гг.
Согласно Новому Завету (Иоанна 11), Лазарь был мертв уже четыре дня, когда Иисус посетил его могилу и чудесным образом вернул его к жизни. Драма воскрешения Лазаря дала Втеваэлю возможность изобразить взволнованные фигуры в скрюченных позах, используя динамичные жесты рук.
Недавняя реставрация этой картины в Национальной галерее принесла много интригующих открытий. Картина послужила образцом для нескольких копий, сделанных Втевалем и его мастерской. Втеваль, кажется, вернулся к картине позже и внес ряд изменений, таких как увеличение размера корзины на переднем плане и изменение цвета некоторых предметов одежды для эстетического эффекта.
Святой Себастьян, Геррит ван Хонтхорст (1592-1656)
Около 1623 г.
Четыре кровавые стрелы пронзают, казалось бы, безжизненное тело Святого Себастьяна. Один проткнул ему ногу, и кажется, что из ее кончика в наше пространство вливается струйка крови. Святой был римским центурионом, принявшим христианство, и в наказание римский император Диоклетиан приказал однополчанам Себастьяна привязать его к столбу и расстрелять стрелами.
Хонтхорст, должно быть, видел много изображений мученичества святого в период своей работы в Риме, но, вероятно, он написал эту работу через несколько лет после того, как вернулся в свой родной Утрехт в 1620 году. После чумы 1624 и 1626 годов Себастьяна почитали, как «чумного святого», который, как полагали, защищал от смертельной и очень заразной болезни.
Христос перед Первосвященником, Геррит ван Хонтхорст (1592-1656)
Около 1617 г.
Эта большая, атмосферная картина, скорее всего, изображает момент суда над Христом в Синедрионе (еврейском судебном органе). Композиция симметрично сбалансирована вокруг зажженной свечи на центральном столе: мерцающее пламя освещает лица Христа и сидевшего лицом к нему человека, вероятно, священника Каиафы, но не более того. Картина намекает на то, почему, когда он работал в Риме между 1610 и 1620 годами, Хонторста прозвали Герардо делла Нотте (Герардо ночи).
Хотя по форме картина напоминает алтарь, картина, вероятно, была написана для хранения во дворце маркиза Винченцо Джустианиани, важного покровителя Геррита ван Хонтхорста. Джустиниани принадлежала еще одна картина того же сюжета, написанная после 1570 года генуэзским мастером Лукой Камбьязо. Ван Хонтхорст за десять лет пребывания в Риме впитал стили итальянских мастеров, а стилистическим источником стали такие художники, как Камбьязо и Караваджо, в результате чего появились скудно освещенные композиции, лишенные ненужных деталей.
Портрет Эче Класдр, Рембрандт (1606-1669)
1634 г.
Оптическая иллюзия, созданная этой картиной, очень мощная. Рембрандт использовал контрасты между светом и тьмой — например, черный и белый цвета одежды натурщицы, блики на ее носу и тяжелую тень под ее подбородком — для создания очень убедительного трехмерного эффекта. Голова пожилой женщины, кажется, выступает за пределы картины. Не только световые эффекты делают этот портрет таким реалистичным. Рембрандт изобразил пятнистую, испорченную и дряблую кожу пожилой женщины, используя краску разной текстуры и толщины. Борозды и тени, морщины и пухлость делают ее лицо почти осязаемым. Он делал это живой кистью, плавно нанося краску короткими и изогнутыми мазками, а также мазками и точками.
Долгое время считавшееся портретом бабушки Рембрандта, натурщица теперь идентифицирована, как Эче Класдр (1551–ок. 1635), вдова роттердамского пивовара Яна Пессера, умершего в 1619 году.
Мужчина,сидящий и читающий за столом в высокой комнате, последователь Рембрандта
Около 1628-1630 гг.
На этой атмосферной картине изображена одинокая фигура, сидящая перед огромным томом, открытым на столе перед ним. Яркий солнечный свет заливает полумрак на стену комнаты. Большая часть силы изображения заключается не только в драматическом напряжении между светом и тьмой, но и в том, как художник использовал густую белую краску и серые детали, чтобы запечатлеть преломление и отражение света оконным стеклом. В глубоких тенях за этими бликами мы можем разглядеть полки с книгами и два глобуса, закрепленные на стене над ними. Это библиотека, поэтому человек за столом должен быть ученым.
Но, несмотря на то, что это очень вызывающее воспоминания, эта картина также оказалась спорной. Когда она была куплена Национальной галереей в 1917 году, она считалась важным ранним произведением Рембрандта. Недавний анализ предполагает, что это мог быть неизвестный современник, который был знаком с работами Рембрандта.
Анна и слепой Товит, Рембрандт (1606-1669)
Около 1630 г.
Холодный, серый свет проникает через открытое окно в комнату, которая сама по себе очень старая — в окне нет стекла, тяжелая деревянная ставня, открытый огонь, а рядом глиняный котел. Свет падает на старика. Он сидит лицом к комнате, сцепив руки, опустив голову, его лицо почти потеряно в тени. Это Товит; он сидит рядом со своей женой Анной, которая наматывает шерсть на раму. Апокрифическая история говорит нам, что Товит был хорошим и святым человеком, но Бог сделал его слепым, чтобы испытать его веру. Пожилая пара ждет возвращения своего сына Тобиаса, который ушел забрать деньги, причитающиеся Товиту, чтобы облегчить их бедность. После многих приключений Тобиас возвращается, принося чудесное лекарство от слепоты Товита. Вместо чуда Рембрандт решил прославить возраст, терпение и веру старика и женщины, пока они ждут.
Ecce homo, Рембрандт (1606-1669)
1634 г.
«Ecce Homo», латинское название этой картины, взято из Библии и означает «Вот человек!» Это были слова Понтия Пилата, римского правителя Иудеи, когда он сидел судьей во время суда над Христом. Пилат, изображенный здесь в чалме и поднимающийся на ноги, представляет Христа толпе. Картина передает лихорадочную атмосферу этого показательного процесса, в ней преобладают образы земной власти. Христос стоит немного выше своих похитителей – он единственная фигура, смотрящая вверх, к «истинному» судье, Богу.
Эта небольшая черно-белая картина (известная как гризайль) не предназначалась для продажи. Это полноценный подготовительный этюд к одному из офортов Рембрандта – единственный известный пример такой работы. Рембрандт был плодовитым гравером, и его студия выпустила сотни изображений для продажи. Это был один из его самых популярных.
Женщина, уличенная в прелюбодеянии, Рембрандт (1622-1654)
1644 г.
Женщина плачет на ступенях темного храма, а вокруг собираются члены еврейского правящего совета. Боясь популярной проповеди Христа, они планировали обманом заставить его нарушить иудейский закон. Они сказали ему: «Учитель, эта женщина поймана в прелюбодеянии. В законе Моисей повелел нам побивать камнями таких женщин. Что ты о ней скажешь?
Это момент решения, который может заманить в ловушку молодого проповедника. Мужчина прикладывает палец к губам, словно успокаивая толпу. Будет ли Христос молить о милосердии или будет соблюдать закон? Похоже, что в любом случае его осудят так же, как и женщину.
Его ответ стал одной из самых известных цитат в истории христианства: «Кто из вас без греха, пусть первый бросит в нее камень». Женщину отпустили, обвинители были сбиты с толку. Христос снова мог проповедовать, но не без напутственного слова кающейся женщине: «Иди и впредь не греши».
Молодой человек в меховой шапке, Карел Фабрициус (1622-1654)
1654 г.
Этот портрет — одна из последних работ Карела Фабрициуса, сделанная в последний год его короткой жизни. Он был учеником Рембрандта между 1641 и 1643 годами и обычно считается одним из его самых талантливых учеников. Хотя в этом нельзя быть уверенным — документально подтвержденного изображения Фабрициуса не существует — это почти наверняка автопортрет.
Интенсивность взгляда и поза напоминают серию более ранних автопортретов, сделанных Рембрандтом и другими его учениками. Костюм, который он носит, включая солдатский нагрудник, также соответствует этой традиции: Рембрандт, например, изобразил себя солдатом в 1630-х годах. Тот факт, что это был автопортрет, вероятно, в то время не считался важным. Изображения типов личности или персонажей разных профессий, известные как трони , были популярны, и художники использовали себя в качестве моделей для рисования.
Портрет Маргарет де Гир, жены Джейкоба Трипа, вероятно, Рембрандт (1606-1669)
1661 г.
Маргарета де Гир была замужем за Джейкобом Трипом — очень богатым торговцем. Торговал оружием — почти 60 лет. Рембрандт нарисовал крупномасштабные изображения каждого из них, которые изначально были предназначены для того, чтобы висеть вместе. Оба портрета сейчас находятся в Национальной галерее. Этот портрет Маргарет меньшего размера был написан примерно в то же время, в 1661 году.
Он датирован и подписан «Рембрандт», но технический анализ и некоторые различия между тем, как написаны этот и больший портреты, вызвали вопросы об авторстве. Хотя это убедительное подобие, нарисованное с большим мастерством, подпись не является подлинной, и это заставило некоторых подумать, что это может быть современная или немного более поздняя версия оригинала Рембрандта. Но картина настолько качественная, что и это не является удовлетворительным решением проблемы.
Задумчивый Святой Павел, Рембрандт (1606-1669)
Около 1659 г.
«Задумчивый Святой Павел» Рембрандта принадлежит к серии поясных картин религиозных деятелей, написанных художником в конце 1650-х — начале 1660-х годов. Мрачная картина лишена лишних деталей, но традиционные атрибуты святого почти видны: перед ним на столе лежит раскрытая книга, а позади него к стене прислонен меч. Медальон в верхнем левом углу изображает ангела, прерывающего Авраама, который собирается принести в жертву своего сына Исаака по приказу Бога.
Этот важный эпизод Ветхого Завета был одобрен Рембрандтом, который нарисовал и выгравировал его, прежде чем включить сюда. Для святого Павла жертва была примером веры в Бога. В протестантском богословии святой Павел считался самым авторитетным толкователем Евангелия — возможная причина увлечения Рембрандта апостолом.
Женщина,купающаяся в ручье (Хендрикье Стоффелс), Рембрандт (1606-1669)
Автопортрет в возрасте 34 лет, Рембрандт (1606-1669)
Пир Валтасара, Рембрандт (1606-1669)
Старик в кресле, вероятно, Рембрандт (1606-1669)
1650 г.
На некоторых из самых ярких картин Рембрандта изображены мужчины и женщины, погруженные в размышления, изображенные смелой кистью и драматическими световыми эффектами. Сгорбившись боком на стуле, держась одной рукой за деревянный подлокотник, а другой слегка опираясь на висок, этот пожилой мужчина находится именно в таком настроении. Его глаза устремлены в пол, и свет, падающий на его тело из-за левого плеча, отбрасывает их в глубокую тень.
Это не портрет, а исследование «типа характера», и Рембрандт использовал его для экспериментов с наводящим на размышления, иногда довольно грубым стилем живописи. Блики на левом рукаве, например, изображены всего полдюжиной очень широких мазков. Это вызвало сомнения в его подлинности, но теперь считается, что этот в высшей степени новаторский подход представляет собой важный экспериментальный шаг в развитии Рембрандта к грубой манере его более поздних работ.
«Саския в костюме пастушки» Рембрандт (1606-1669)
1635 г.
Мы видим первую жену художника. Художник писал жену множество раз, порой одевая ее в фантастические костюмы. Фигура Саскии словно выплывает из таинственной глубины темного фона. Она воплощает богиню цветов Флору и женскую красоту. Плавно ниспадают складки одежды. И в то же время улыбающиеся глаза, чуть приоткрытый рот придают ей вид обычной счастливой женщины.
Портрет написан в 1635 году, в самую светлую пору жизни Рембрандта, когда ничто не предвещало скорую смерть жены, лишения и одиночество, которые выпадут на долю великого художника.
Портрет Хендрикье Стоффельс, Рембрандт (1606-1669)
Около 1654 -1656 гг.
У натурщицы, имя которой Рембрандт не назвал, почти царственная осанка. Она смотрит на нас с небольшой высоты, ее правая рука покоится на том, что должно быть частью подлокотника кресла, но имеет вид скипетра. Она носит дорогие жемчужные серьги и украшения, а также что-то похожее на меховую накидку. Все это может намекать на атрибуты королевской власти, но это также интимный — даже эротически заряженный — портрет. Ее платье кажется расстегнутым, а мантия слегка приоткрывается, обнажая гораздо больше ее груди, чем это было бы приемлемо на формальном портрете того времени. Так что этот портрет, написанный, вероятно, в середине 1650-х годов, скорее всего, Хендрикье Стоффельс, экономки Рембрандта. Они стали любовниками, и в 1654 году у них родилась дочь Корнелия.
Портрет Фридриха Риэля верхом на лошади, Рембрандт (1606-1669)
Около 1663 г.
Это одна из крупнейших картин, когда-либо написанных Рембрандтом, и один из двух конных портретов простых граждан в натуральную величину в истории голландского искусства. Гонщиком оказался преуспевающий бизнесмен Фредерик Рихель. Его ярко-желтая куртка, нарядные перчатки, блестящие рукава и шляпа с плюмажем ярко выделяются на довольно мрачном, схематичном фоне.
Несмотря на мрак, можно различить части процессии, петляющей по водной полосе позади Рихеля. Слева — фасад одних из ворот в город Амстердам, а перед ним — карета с ярко-красно-желтым салоном, перевозящая трех пассажиров. На правом заднем плане — два (а возможно, и три) всадника верхом на лошадях. Вероятно, это представляет собой процессию, сопровождавшую въезд принца Вильгельма Оранского в Амстердам в 1660 году, в которой Рихель участвовал в качестве одного из почетных караулов Амстердама.
Авеню в Мидделхарнисе, Мейндерт Хоббема (1638-1709)
1689 г.
Речной пейзаж с всадником и крестьянами, Элберт Кейп (1620-1691)
Около 1658 — 1660 гг.
Ясный мягкий свет освещает умиротворяющий пейзаж, создавая ощущение, что все на своих местах и с миром все в порядке. Но внимание всадника привлекает молодой парень, который, кажется, с тревогой указывает на что-то, что может нарушить спокойствие. Спрятавшись в кустах слева, мужчина целится из ружья в птиц на реке.
Кейп был, вероятно, самым важным из голландских художников-пейзажистов, которые опирались на опыт и стиль других голландских художников, которые жили и работали в Риме в течение нескольких лет, восхищаясь их изображениями пасторальных идиллий, залитых золотым светом. Когда эта картина прибыла в Великобританию в 1764 году, она получила высокую оценку, что вызвало всплеск энтузиазма по поводу творчества Кейпа, и многие из его самых важных картин были привезены в страну.
Вид на Тибр, Ян Бот (1615 — 1652)
Около 1641 г.
Ян Бот был одним из группы голландских художников, совершивших долгое и часто опасное путешествие через Альпы в Италию, которая в то время считалась сердцем великой живописи. Он остался на десять лет, став лидером в развитии голландско-итальянского пейзажа, показывающего выносливых крестьян на фоне мягко светящегося неба.
Эта картина необычна для Бота. Он показывает городской взгляд на архитектуру, а не на пейзаж, и его вид на Рипа-Гранде — старый порт Рима — частично воображаемый. В других его картинах с другой точки зрения сцена более узнаваема. Создается впечатление, что, рисуя эту картину по возвращении в Нидерланды, Бот пишет отчасти по памяти, отчасти по воображению, но всегда с любовью к покинутой им залитой солнцем земле.
Замок Убберген, Элберт Кейп (1620-1691)
Около 1655 г.
Руины этого замка, кажется, были поглощены ландшафтом. Элберт Кейп использовал ту же палитру цветов и те же камуфляжные узоры для изображения осыпающихся стен, которые он использовал для осеннего леса и склона холма позади. Отражения в спокойных водах озера усиливают впечатление, что каменные башни и полуразрушенные валы сливаются с окружающей средой.
Эта сцена могла вызвать некоторый резонанс у современной публики, которая, вероятно, узнала замок. Это замок Убберген, недалеко от Неймегена в голландской провинции Гелдерланд. Здание четырнадцатого века было разрушено в 1582 году во время испанской оккупации Нидерландов и поэтому считалось символом национальной независимости. Эта картина не датирована, но, вероятно, была сделана в 1655 году, менее чем через десять лет после Мюнстерского договора (1648 г.), когда голландцы наконец добились независимости от Испании.
Пейзаж со скотиной и женщиной у ручья, Паулюс Поттер (1625-1654)
1647 г.
Ферма с мертвым деревом, Адриаен ван де Вельде (1636 — 1672)
1658 г.
Как и многие картины Адриана ван де Вельде, это спокойная картина. Разговор между дояркой и мужчиной с корзиной кажется дружеским, и ничто не мешает ритмичному шелесту молока в ведре. Свинья подтягивается на корточках, словно вот-вот перевернется и снова заснет под весенним солнцем. Скелет мертвого дуба резко выделяется на фоне неба, но облака мягкие и пушистые, движутся медленно.
Ван де Вельде написал эту картину, когда ему было всего 22 года, и она демонстрирует замечательную зрелость. Три отдельные группы животных и фигурок, каждая из которых сама по себе представляет собой интересную виньетку, объединены широким теплым солнечным светом. Блестящий синий цвет юбки доярки оживляет мягкие коричневые, кремовые и серые оттенки переднего плана и гармонирует с голубизной неба.
Рыночная площадь и Гроте Керк в Харлеме, Геррит Беркхейде (1638-1698)
1674 г.
Геррит Беркхейде поместил нас среди горожан и самых важных зданий своего родного Харлема, и сегодня посетитель рыночной площади увидит вид, похожий на тот, что изображен на этой картине 1674 года. Гроте Керк (Великая церковь), которая посвященная святому Бавону, доминирует в композиции и залита ярким солнечным светом. Справа от площади среди соседних зданий выделяется городской мясной рынок с украшенным ступенчатым фронтоном. Будучи сыном мясника, Беркхайде был бы хорошо знаком с этим торговым заведением. Портик ратуши Харлема с колоннадой занимает правую сторону городского пейзажа, и Беркхайде поставил свою подпись на основании угловой колонны.
Эта картина подчеркивает религиозные, политические и коммерческие функции Харлема, а жители города, собравшиеся на площади, буквально живут своей жизнью между этими учреждениями, добавляя слой тонкой символики.
Два мальчика и девочка занимаются музыкой, Ян Минсе Моленар (1610-1668)
1629 г.
Озорные улыбки троих детей освещают унылую комнату с голыми стенами и маленькой мебелью; бочка предполагает, что это может быть задняя комната гостиницы. Их одежда ветхая и рваная, но у каждого есть блеск в глазах, и они выглядят, как будто находятся дома. Мальчик в красной куртке стоит босыми ногами на женской грелке для ног, пустой от углей. Моленар мог предположить, что женщина из этой семьи отсутствует или слишком занята, чтобы сидеть с комфортом. Пустая клетка и сломанное горлышко большой глиняной бутылки придают этой сцене неуправляемый и слегка загадочный характер. Но Моленар был заинтересован не только в том, чтобы дать нам картинку с историей. Он любил детали и нарисовал отражение доспехов девушки в ложке, которую она держит в левой руке.
Молодой мужчина и женщина, занимающиеся музыкой, Ян Минсе Моленар (1610-1668)
Около 1630 — 1632 гг.
Счастливая молодая пара занимается музыкой в элегантной обшитой панелями комнате с дорогой мебелью. Открытая дверь, мраморные колонны по обеим сторонам открывают вид на комнату за ней, где на окне висит тонкая занавеска. Молодой человек сидит непринужденно, его длинные пальцы перебирают струны теорбы — древнего инструмента, на котором теперь редко играют. Молодая женщина играет на цитроне, инструменте, которым легче овладеть.
Моленар демонстрирует свои великолепные навыки в рисовании множества богатых текстур. Он также собирает головоломки, помещая предметы, которые в его время могли быть и часто читались, как символы. Красный чулок и выброшенная туфля могут означать выброшенную добродетель и намекать на тайную встречу. Но собака может обозначать верность, а закрытый кувшин — добродетель молодой женщины, предполагая, что музыка, которую они играют, — это песня истинной любви.
Семейная группа в пейзаже, Франс Халс (1584-1666)
Около 1647 — 1650 гг.
Мы смотрим на семейную группу, мать и отец в окружении семерых детей, а няня держит на руках последнего младенца. Среди натурщиков два центра внимания, сформированные вокруг двух младших детей — как раз то, что можно ожидать в большой семье. Эти позы и взаимодействия могут показаться спонтанными, но аранжировка тщательно составлена. Существует, например, четкая иерархия полов. Мужчины составляют ядро семейной группы, в центре которой находится отец, а по бокам от него — два его старших сына.
Хотя мы не знаем имени семьи, стиль костюмов предполагает, что они, вероятно, были написаны в конце 1640-х годов. Полотно, вероятно, было срезано сверху и снизу. Фоновый пейзаж написан другим художником, возможно, Питером де Молейном или Рейером Класом Сайкер.
Портрет девушки, Исаак Луттичейс (1616 — 1673)
Около 1650 г.
У колонны и балюстрады стоит молодая девушка, ее волосы связаны шиньоном сзади, а по обеим сторонам лица свисают локоны. Платье девушки датирует картину концом 1640-х годов. Исаак Луттичейс часто рисовал своих натурщиков на архитектурном фоне, и на первый взгляд стиль картины кажется похожим на портреты художника середины 1650-х годов. Однако фасон платья девушки делает вероятным более ранние года .
Портрет Константина Гюйгенса и его клерка (?), Томас де Кейзер (1596-1667)
1627 г.
Константин Гюйгенс был высокопоставленным дипломатом, говорил на нескольких языках и обладал широкими познаниями в области искусства и науки. На этом портрете он запечатлен в действии, получая сообщение от молодого клерка. Прервавшись на работе, он носит костюм для верховой езды, как будто готовый в любой момент отправиться в путь по государственным делам. Предметы, которые де Кейзер решил положить на стол Гюйгенса, рассказывают о его официальных обязанностях и многих других его интересах и талантах — это китаррон (щипковый инструмент), архитектурные планы и пара земных и небесных глобусов.
Гюйгенс был, вероятно, самой влиятельной фигурой в культурной жизни Голландской республики. Он писал стихи и проектировал сады, знал ученых и художников своего времени, в том числе Рембрандта. Портрет де Кейзера воспевает дух Голландской республики в одном вежливом и блестящем человеке.
Вид на Вестеркерк, Амстердам, Ян ван дер Хейден (1637 — 1712)
1660 г.
Это один из лучших примеров семнадцатого века того, что сегодня мы можем назвать изображением с высоким разрешением. Детали и манера письма настолько хороши, что независимо от того, как внимательно вы смотрите на изображение или увеличиваете его масштаб, оно никогда не кажется пиксельным.
Однако художник допустил очень странную ошибку. Посмотрите внимательно на фигуры и вы увидите, что на них нет отражений. Возьмите двух маленьких девочек и собаку, писающую на столб. Мы видим изображение столба, отражающегося от поверхности канала, но не собаку или девочек. Подобные фигуры обычно добавлялись после того, как остальная часть картины была завершена, поэтому кажется, что ван дер Хейден просто забыл внести коррективы. Он определенно считал картину законченной, поскольку она была передана его клиентам, губернаторам Вестеркерка в Амстердаме – церкви в центре картины.
Молодая женщина играет на клавесине для молодого человека, Ян Стен (1626-1679)
1659 г.
Элегантно одетая молодая женщина играет на клавесине для мужчины, опирающегося на инструмент. Музыка в голландских картинах часто связана с любовью, но, в отличие от других жанровых сцен такого рода, пара не выглядит флиртующей. Молодая женщина концентрируется на нотном листе. Надписи на латыни, размещенные на инструменте, дают остроумный и ироничный комментарий. Слова «SOLI DEO GLORIA» («Слава только Богу») появляются под клавишами, подразумевая, что молодая женщина играет исключительно во славу Бога. Но надпись на открытой крышке гласит: «ACTA VIRUM PROBANT» («поступки доказывают мужчину»): поклонник молодой женщины собирается предпринять более активные действия. Предположительно, вскоре он присоединится к женщине в интимном дуэте, сопровождая ее на теорбо, который несет паж, увиденный в открытую дверь.
Двор дома в Делфте, Питер де Хох (1629-1684)
1658 г.
В солнечном свете тихого дня этот двор кажется излучающим спокойствие. Все неподвижно, включая фигуры: юную горничную, чистую и спокойную, держащую за руку маленькую девочку, и призрачную фигуру женщины в коридоре слева, предположительно матери ребенка, которая отвернуласьв сторону домов напротив. Де Хуч поместил мать в формальной части дома, расписанной в архитектурных деталях, а горничная и ребенок стоят в зоне, более близкой к природе.
Картина демонстрирует мастерство де Хоха в изображении архитектуры, но это также видение роли женщины в стабильности дома. В то время, когда это было написано, писались трактаты по ведению домашнего хозяйства и семьи; «Хаувелик» Джейкоба Кэтса был адресован непосредственно женщинам, его главы разделены на «Деву», «Возлюбленную», «Невесту», «Домохозяйку», «Мать» и «Вдову». Некоторые художники, в том числе де Хох, представили картины, которые были подтверждением и поощрением идеалов, выдвинутых в таких книгах.
Женщина учит ребенка читать, Каспар Нетшер (1639-1686)
1670 г.
На первый взгляд Каспар Нетчер показывает двух очаровательных детей, оба занятых. Девочка учится читать, а мальчик играет с собакой, его игрушки, включая волчок, брошены на пол. В картине может быть мораль, хотя, скорее всего, ее купили для развлечения. В популярной книге эмблем того времени есть изображение волчка с рукой над ним, размахивающей хлыстом. Девиз в книге гласит: «Чем дальше жезл от изнанки, тем ленивее они становятся в служении Богу». Не похоже, чтобы кнутом кто-то пользовался рядом с задом маленького мальчика, и его счастливое выражение лица говорит о том, что это маловероятно. На картинке прежде всего показана очаровательная сцена, красиво нарисованная опытной рукой Нетшера.
Магазин птицы, Геррит Доу (1613-1675)
Около 1670 г.
Это один из лучших примеров мастерства Геррита Доу в изображении различных поверхностей и текстур, таких как изношенная ткань, смятая под ведром, гладкий камень подоконника, перья в крыле утки и рябая кожа на ее груди и шее. Доу был одним из самых успешных художников в Лейдене. И его рассказы о таких повседневных сценах, как эта — молодая женщина, покупающая птицу и дичь, — пользовались особым спросом.
Как и здесь, многие из них были помещены в архитектурную раму. Это необычный прием, потому что, хотя детали и фигуры чрезвычайно реалистичны, продавец птицы из Лейдена определенно не стал бы выставлять свою продукцию в такой грандиозной обстановке. Однако это было очевидно устройство, которое оказалось популярным среди клиентов Доу. И оно также позволило ему придать своим сценам большую иллюзию глубины.
Женщина, играющая на лютне для двух мужчин, Герард тер Борх (II) (1617-1681)
Около 1667 — 1668 гг.
Сцены небольших групп людей, занимающихся музыкой, были обычным явлением в голландской живописи семнадцатого века. Они отражали популярную социальную активность среди искушенных семей и как таковые могли символизировать гармонию семейной жизни или группы дружбы. Но такие вечеринки также были общепринятым способом встречи молодых мужчин и женщин и поэтому часто ассоциировались с эротическими встречами.
В этой картине отношения между тремя персонажами остались неопределенными. Они не явно флиртуют, и их язык тела нейтрален. Но пара тонких подсказок может склонить нас к определенному выводу. На заднем плане — кровать — возможно, это тоже в мыслях главных героев — и туз пик предполагает игру в карты, которая часто ассоциировалась с соблазнением. Это всего лишь намек, но этого достаточно, чтобы задуматься о том, что же скрывается за непроницаемыми выражениями лиц музыкантов.
Два мальчика пускают мыльные пузыри, Каспар Нетшер (1639-1686)
1670 г.
Бархатная занавеска, отдернутая от каменного окна, показывает маленького мальчика, который смотрит вверх на пузырь, проплывающий мимо него в темноту. В тени сзади маленький ребенок столь же яростно концентрируется. Используя длинную трубку, он пускает пузыри в мыльной жидкости, находящейся в раковине моллюска. Уже формируется крошечная радужная сфера. Картина представляет собой homo bulla («человек — это пузырь»). Поскольку пузыри лопаются так быстро, это аллегория, призванная намекнуть на краткость жизни.
Традиция homo bulla восходит к средневековью, когда детей изображали обнаженными, в виде путти или херувимов с крыльями. Голландцы, хотя и восприняли эту идею как предупреждение о жизни, похоже, предпочли, чтобы их дети были более реалистичными и полностью одетыми.
Игроки в гольф на льду возле Харлема, Адриаен ван де Вельде (1636 — 1672)
1668 г.
Картины жизни на замерзших водных путях Голландии во время Малого ледникового периода были очень популярны среди коллекционеров в то время. Их создавали многие художники, обычно известные тем, что рисовали реки или пейзажи. И Адриан ван де Вельде был одним из самых успешных.
Но в этой картине он сосредоточился на отдельных персонажах и их действиях, а не на деталях ледяного пейзажа. Мужчины на переднем плане играют в гольф , предшественника гольфа. Участвовать могли люди всех рангов, и это гарантировало привлечение зрителей к высказыванию мнений и советов. Игрок с щегольскими красными кисточками на брюках нижней юбки прицеливается, чтобы попасть в столб, поставленный человеком, который только что выглянул из-за его спины. Маленький мальчик с засунутыми в карманы руками и намеком на снег на одном сапоге наблюдает, держа свою палку для гольфа сбоку, как будто желая присоединиться к происходящему.
Поклонение королей, Ян Брейгель-Старший (1568-1625)
1598 г.
Ян Брейгель словно втиснул в свою крошечную картину целый мир. Толпа терпеливо ждет своей очереди, чтобы приблизиться к маленькому ребенку на коленях у матери. Младенец голый, чтобы показать нам, что он настоящий человеческий младенец. Но серебристая стрела света говорит нам нечто большее. Коленопреклоненный старик — король. Он не носит короны, как и короли по обе стороны от него. Это младенец носит истинный венец — тонкий ореол, который затмит любой земной венец, ибо он провозглашает его Сыном Божьим.
Тонкая картина Брейгеля была написана цветом тела (акварель, смешанная с белым пигментом, чтобы сделать ее непрозрачной) на пергаменте и была сделана так, чтобы ее можно было держать в руках. Это была тема для разговора, но также и напоминание о великом религиозном событии. Его владельцу понравилась бы странная смесь красоты и безобразия, которую художник часто вкладывал в свои картины, вовлекая обычных людей в события большого значения.
Христос в терновом венце, Давид Тенирс-младший (1610-1690)
1641 г.
В глубине караульного помещения, больше похожего на фламандскую таверну, чем на тюрьму, на голову Христа возлагают терновый венец. Этот унизительный момент, описанный в Евангелиях от Матфея, Марка и Иоанна, был одним из ряда таких эпизодов в преддверии распятия Христа. Здесь приспешники одеты в современную одежду, что придает сцене нетипичный для того времени вид реализма.
Давид Тенирс Младший сегодня наиболее известен своими изображениями повседневной жизни, но он также занимался предметами истории. Он нарисовал эту сцену на медной пластине, так как ее гладкая поверхность хорошо подходила для его высококлассной живописной техники и сохраняла живость красок. Исключительно крупный формат этой медной пластины позволяет предположить, что картина была предметом коллекционного кабинета — напоминание о том, что Тенирс рисовал для клиентуры, далекой от мошеннических персонажей, которых он изображал.
Пейзаж с путешественниками и крестьянами на тропе, Ян Брейгель Старший (1568-1625)
Колонна путешественников в конных экипажах встречает группу крестьян, танцующих под музыку скрипки. Можно увидеть и другие анекдотические сцены, например, человека, отдыхающего в траве. На заднем плане открывается вид на обширную долину, откуда открывается вид на город вдалеке.
Между 1600 и 1610 годами Ян Брейгель создавал все больше и больше крестьянских сцен, в которых видно влияние его отца Питера Брейгеля Старшего, например, танцующие пары. Эта картина также указывает на то, что около 1600 года художник использовал более ортогональные композиции с вертикальным акцентом, заданным деревьями слева, и горизонтальным, заданным холмами справа. В более ранних работах, таких как сцена в гавани с проповедью Христа, все обычно более организовано по диагональным линиям.
Коллекционеры в комнате, увешанной картинами, Неизвестный фламандский художник
1620 г.
Одиннадцать хорошо одетых мужчин осматривают и обсуждают содержимое большой комнаты, заполненной произведениями искусства, астрономическими инструментами и антиквариатом. Их отличительные черты предполагают, что это могут быть портреты известных художников, знатоков, коллекционеров и арт-дилеров — «знатоков» названия картины — хотя ни один из них не был надежно идентифицирован.
Картины, скульптуры и гравюры, по-видимому, представляют собой точные миниатюрные копии реальных произведений художников шестнадцатого и семнадцатого веков, в основном местных жителей Антверпена, но собрать их вместе в преувеличенно большом помещении — фантазия художника. Скорее всего, функция этой картины заключалась в том, чтобы продемонстрировать ряд лучших в городе как своего рода список желаний для любителей искусства. Но присутствие на подоконнике обезьяны — традиционного символа глупости человеческих усилий — является, пожалуй, напоминанием о крайней тщетности накопления красивых и дорогих вещей.
Сцена на льду недалеко от города, Хендрик Аверкамп (1585-1634)
Около 1615 г.
В семнадцатом веке Малый ледниковый период распространился по Северной Европе. Реки и каналы в Голландии замерзли, и люди вышли на лед для работы, отдыха и несчастных случаев. Хендрик Аверкамп, только начавший карьеру художника, тоже увлекся этим. Делом его жизни стало изображение зимних сцен, полных происшествий, с людьми, которых он знал и с которыми вырос, в качестве своих персонажей. Под серым светом зимнего дня они продолжали свою жизнь почти без изменений — вели дела, сплетничали, занимались детьми, веселились, — но разгонялись на коньках.
Картина Аверкампа достойна изучения. Любопытный глаз может открыть для себя бесконечные истории и зарисовки персонажей: мужчина, задирающий юбки девушки, которая упала; люди, играющие в колф, предшественника гольфа; старик на стуле, предположительно олицетворяющий зиму. На всем этом изображен флаг новой независимой Голландской республики, к которому голландский владелец картины относится с гордостью.
