Один из величайших художественных музеев мира расположился на знаменитой Трафальгарской площади – одном из самых популярных общественных мест в центре Лондона – столицы Англии. Национальная Галерея была основана в 1824 году, её коллекция от имени всего британского народа целиком и полностью принадлежит правительству. Здание, в котором в наши дни находится музей, спроектировали вскоре после его основания, хотя по сути это уже третье место, в котором размещались коллекции.
Сооружение построили в период между 1832 и 1838 годами и за свою длительную историю несколько раз расширялось. Только неоклассический фасад, выходящий собой на Трафальгарскую площадь, является именно тем, что осталось ещё от первоначального дизайна.
В коллекции представили более 2 300 картин, большинство из которых датируются периодом с XIII по XIX века. Вход в музей совершенно бесплатный, и с более чем шестью миллионами посетителей в год он является восьмым по посещаемости музеем в мире.
Давайте же поближе познакомимся с некоторыми из самых известных картин Национальной Галереи Лондона – мировыми сокровищами, которыми вы просто обязаны будете восхититься, если планируете посетить данный удивительный музей в самом сердце английской столицы
Лондонская национальная галерея
Помимо того, что это одна из самых великолепных коллекций картин в мире, Национальная галерея, несомненно, является и одной из наиболее экономных: вход в нее бесплатный!
Экспозиционный маршрут занимает весь первый этаж и концентрируется вокруг четырех групп залов. Эти группы следуют хронологическому порядку. Произведения XIII-XVI веков выставляются в залах «синей зоны», произведения XVI-XVII веков — в «фиолетовой зоне», XVII — XVIII веков — в «оранжевой зоне», и наконец, живопись с XVIII до начала ХХ века можно увидеть в «зеленой зоне».
Редко в каком музее можно встретить такую ухоженность, внимание, отлично продуманную организацию и умение представить посетителям всю необходимую информацию об экспонатах. Здесь нет лишнего света, две картины никогда не будут висеть рядом просто так, случайно, или не на основании четких критериев. Все экспонаты снабжены табличками с необходимой информацией. Представьте себе, что в последние десятилетия даже имели место споры о слишком усердной поддержке чистоты. Тем не менее, все произведения хранятся в безупречном состоянии.
Маршрут очень простой и понятный, начиная с первых залов крыла Сейнсбери (Sainsbury Wing). Вы останетесь приятно поражены умелой организацией визуальной последовательности произведений из разных стран. Настоящим шедевром экспозиционного искусства можно считать организацию основных залов, посвященных итальянскому Кватроченто. Полотна выгодно оттенены на фоне арок с профилями из серого камня. В глубине зрителя ждет шедевр: «Распятие» Рафаэля.
В глубине нового крыла находится переход к залам с произведениями 16-го века. В отдельном зале, защищенный от сильного света, вас ждет абсолютный шедевр Леонардо: огромный картон Мадонны со Святой Анной.
Войдя в старое здание музея (датируется XIX веком), вас ждет целая череда шедевров. В некоторых залах преобладают итальянские работы. Двойной портрет «Послы» Гольбейна обозначает условный переход к другим европейским школам. Экспозиционный маршрут заканчивается картинами импрессионистов.
Мне не остается ничего другого, как пожелать вам счастливого пути в этом путешествии через семь веков великой европейской живописи!
ЛЮБОПЫТНЫЙ ФАКТ: среди тех, кто дарил или оставлял в наследство музею собранные произведения искусства, возможно, самое большое удовлетворение получил искусствовед Денис Маон. В 1945 году у него отказались купить предложенную за 200 фунтов стерлингов картину Гверчино. Завещанная после смерти коллекционера картина на момент передачи в музей стоила 4 миллиона фунтов стерлингов!
Леонардо да Винчи. Св. Анна с Марией и младенцем Христом. (Картон Бурлингтонского дома)
1499, мел на бумаге, 139.5x101cм, Национальная галерея
Под крышей Национальной галереи собрали шедевры всех европейских школ живописи за период с середины VIII до начала XX веков. В такой необъятной коллекции живописи, которая содержит более двух тысяч полотен, настоящей жемчужиной является «Картон Бурлингтонского дома» руки Леонардо да Винчи.
Картон (этюд для фрески) был создан в период с 1499 по 1500 год как предварительная версия полотна «Святая Анна с Мадонной и младенцем Христом», которое на сегодняшний день находится в Лувре. Удивительно то, что картон, приостановленный в стадии эскиза и сейчас находящийся в Национальной галерее, является единственным сохранившимся этюдом Леонардо да Винчи.
Мадонна в скалах, Леонардо да Винчи
Сейчас я расскажу об одном из шедевров гениального Леонардо да Винчи: картине «Мадонна в скалах» (Vergine delle rocce).
Картина, на которую вы смотрите, является второй версией на один и тот же композиционный сюжет. Первую «Мадонну в скалах» написал примерно в 1485 году и хранится в Лувре, в Париже. Работу над нашей картиной начал в последнее десятилетие XV века. Завершил ее в начале следующего столетия. Картину Леонардо заказало братство Непорочного Зачатия церкви Франческо-Гранде в Милане. Картина покупалась и перепродавалась несколько раз, пока не попала к английскому дворянину, графу Саффолку, который продал ее Лондонской национальной галерее за 250 тысяч франков.
Группа участников изображается на фоне, в котором преобладают скалы, доминирующие даже на расстоянии в глубине перспективы. Богородица укрывает Иоанна Предтечу своим плащом. Святой стоит на коленях, преклонившись перед Младенцем Иисусом, который благословляет его. Младенца нежно поддерживает левой рукой ангел. Изначально двое детей были настолько похожи друг на друга, что верующие путали их. Позднее Иоанну Предтече добавили крест и свиток с надписью: «Вот Агнец Божий». Эти два характерных атрибута позволяют безошибочно определить Крестителя.
По сравнению с картиной в Лувре, лондонская версия отличается большей стилистической ясностью. Пейзаж выписан более четко и резко и позволяет проникнуть взглядом далеко внутрь пещер. А теперь попробуйте представить этот образ в часовне, для которой он и был создан. Свечи, рама и нарисованные скалы должны были, безусловно, создавать неописуемый эффект таинственного грота, который символически намекал на материнское лоно, хранящее божественное чудо.
В этой работе Леонардо отходит от традиционного окружения непорочного зачатия и использует легенду о встрече между Иоанном Предтечей и Младенцем в пустыне. Обычно в картинах с таким сюжетом главной героиней всегда выступала Богоматерь. Поэтому отход от традиционной композиции придает картине еще большую загадочность.
ЛЮБОПЫТНЫЙ ФАКТ: а вы знали, что Леонардо написал третью версию «Мадонны в скалах»? Она хранится в частной коллекции, даже нет, в сейфе швейцарского банка и была оценена в 50 миллионов долларов.
Портрет четы Арнольфини, Ян ван Эйк
Войдя в зал, посвященный фламандской живописи XV века, вы соприкоснетесь с искусством с большой буквы. Говоря о многих шедеврах Яна Ван Эйка, хочу обратить особое внимание на свадебный портрет, известный «Портрет четы Арнольфини». Это одна из наиболее известных и копируемых работ в мире. Возможно, одна из причин такой привлекательности этой картины кроется в тайне, окружающей ее персонажей.
Считалось, что на портрете изображаются богатый купец из города Лукка Джованни Арнольфини со своей женой в уединении уютного дома в Брюге. Но в последнее время идентичность главных героев поставили под сомнение. Следовательно, вызывают новый интерес и две других меньших фигуры, отображенные в зеркале. В зеркале идеально отражается даже художник, который рисует супругов. Кстати, художник – не единственный обитатель зеркального отражения. За его спиной виднеется профиль еще одного мужчины. Кто этот человек? Случайный гость или участник происходящего? Как видите, на табличке с описанием картины теперь стоит знак вопроса.
С другой стороны, автор и дата написания сомнений не вызывают: картина подписана и датирована! Подпись можно увидеть на дальней стене над выпуклым зеркалом. Но странно то, что эта надпись на латыни, в то время как на других картинах (вы можете убедиться в этом здесь, в зале) Ван Эйк подписывается на голландском или на французском языках.
Ван Эйк изобразил незабываемую сцену. Люстра в центре композиции выписана с поразительным реализмом, подчеркнутым отблеском позолоченной бронзы. Все предметы расположены с большой аккуратностью. Элегантные одежды и аристократичные черты двух молодоженов говорят о том, что перед нами представители богатого социального класса. Милая длинношерстая собачка и забытые пантофли на полу подчеркивают домашнюю обстановку и намекают на верность, которая так важна для супружеской жизни. Наличие зеркала поворачивает и удваивает пространство картины, включая мебель, предметы и людей напротив двух главных персонажей. При помощи этого художественного приема автор вовлекает в действие самого зрителя, который больше не является посторонним «прохожим», а превращается в активного участника сюжета.
Кстати, а что именно здесь происходит? На этот вопрос тоже нет однозначного ответа. Большинство искусствоведов уверены, что это парадный портрет семейной пары, написанный уже после смерти супруги. О том, что героини нет в живых, намекают потухшие над ее головой свечи и изображения сцен из Евангелия после смерти Христа на стороне женщины. Хотя, с такой же вероятностью можно предположить и противоположный сценарий. Перед нами не окончание брака, а его первые мгновения, и Джованни Арнольфини с женой здесь изображены в день свадьбы. Пусть вас не смущает огромный живот женщины – это всего лишь складки ее роскошного одеяния, в XV веке такой фасон был в моде.
ЛЮБОПЫТНЫЙ ФАКТ: детали картины выписаны с невероятной остротой и проницательностью. Если посмотреть за облицованное кирпичом окно, можно увидеть даже дерево со спелыми красными вишнями. Так Ван Эйк дает нам понять, что спальня находится на первом этаже, и что на дворе июнь.
Послы, Гольбейн
Естественно, в Национальной галерее собрано множество работ придворных художников английских королей — Антониса ван Дейка и Ганса Гольбейна. Так, Ван Дейк оказал значительное влияние на развитие живописи в стране и в большей степени — на английский портрет.
А сейчас я расскажу об одной из самых популярных картин Лондонской национальной галереи. Это Портрет французских послов Ганса Гольбейна Младшего. Картина с подписью и датой в нижней части считается высшим образцом мастерства художника немецкого происхождения и абсолютным примером самого зрелого и сложного портрета всей эпохи Возрождения. Художник написал картину в Лондоне, где сразу после приезда стал одним из фаворитов двора короля Генриха VIII и даже его личным портретистом.
Судя по размерам (два на два метра), можно понять, что речь идет о памятном портрете. Он был заказан французским послом в Лондоне Жаном де Дентевилем в память о визите своего друга Жоржа де Сельв на Пасху 1533 года. Де Сельв изображен справа в строгих, но изысканных церковных одеждах. Пол очень похож на пол Вестминстерского аббатства, что подтверждает то, что встреча происходила в Лондоне.
Двое молодых людей одного и того же социального сословия, очевидно, разделяют общие вкусы, манеры и интерес к науке. Об этом свидетельствуют предметы, которыми наполнена картина. Оба главных героя опираются с небрежной элегантностью на разложенные на столе предметы. Видно, что оба молодых человека интересуются музыкой и им не чужда математика.
Но самую большую ценность и интерес картина представляет из-за своего символического наполнения и почти осязаемой тревоги. Начнем с самой знаменитой детали: серого пятна в самом центре картины. Если смотреть на картину снизу, то вы увидите череп. Он изображен при помощи такого художественного приема, как оптическая деформация или анаморфоз. Поэтому не удивляйтесь, если увидите, некоторых посетителей, лежащих на полу под картиной. Человеческий череп придает всему невероятную драматическую остроту, которая усиливается еще больше вопиющей непропорциональностью предмета.
В открытой книге легко угадать стихи религиозных гимнов, используемых Мартином Лютером, которые были также широко распространены в католической традиции. Здесь Гольбейн, вероятно пытается намекнуть на попытки Жоржа де Сельва примирить две враждующих стороны. У лютни порвана струна – это намек на неустойчивость гармонии и красоты, а также, возможно, на сложное искусство дипломатии в трудные времена, когда мир «висит на волоске».
ЛЮБОПЫТНЫЙ ФАКТ: Ганс Гольбейн также написал портрет принцессы Кристины Датской. Портрет понравился королю Генриху VIII Тюдору настолько, что он попросил руки принцессы. Помня, какая участь постигла одну из предыдущих жен короля, Анну Болейн (она была обезглавлена), Кристина отказалась, сказав: «Если бы у меня было две головы, я бы с большим удовольствием подарила одну королю Англии».
Диана и Актеон, Тициан
1556-1559 годы
Размеры: 185 х 202 сантиметра
«Диана и Актеон» – одна из работ Тициана – одного из самых известных художников эпохи Возрождения, которая была приобретена Национальной Галерей Лондона (столица Англии) на пару с Шотландской Национальной Галереей в Эдинбурге (столица Шотландии). Оба музея заплатили за эту работу колоссальные 50 миллионов фунтов стерлингов.
На картине отображён момент, когда Актеон неожиданно входит в то место, где купаются Диана и её нимфы, чем сильно тревожит девушек. Его судьбу предсказывают череп оленя на постаменте и шкуры бывшей добычи Дианы, висящие над ее головой. Завершение истории показано на другой картине Тициана в Национальной галерее «Смерть Актеона». Возмущенная богиня превращает Актеона в оленя, которого растерзают его собственные собаки.
Картины были частью знаменитой серии мифологических картин, созданных для короля Испании Филиппа II, когда Тициан был на пике своего могущества. Произведения беспрецедентной красоты и изобретательности, их сюжеты в основном основывались на «Метаморфозах» римского поэта Овидия – сам Тициан называл их «poesie» (стихотворениями). «Диана и Актеон» были созданы для того, чтобы их вешали вместе с Дианой и Каллисто (совместно принадлежащими Национальной галерее и Национальным галереям Шотландии) — их пейзажный фон и поток на переднем плане кажутся непрерывными.
Портрет Папы Юлия II, Рафаэль Санти
1511-1512 годы
Размеры: 108 х 80,7 сантиметров
«Портрет Папы Юлия II» изображает великого мецената эпохи Возрождения – Папу Юлия II – незадолго до его смерти в 1513 году. Картина была написана Рафаэлем Санти – одним из самых влиятельных художников Высокого Возрождения.
В тот самый период Рафаэль находился в итальянской столице – вечном городе Риме, где получал бесчисленные заказы, многие из которых были предоставлены человеком, изображённым на этом портрете. В то время это была революционная работа, и всё из-за невероятного реализма, в котором был изображён Папа.
Этот портрет измученного заботами Папы Юлия II (1443–1513) обычно датируется полуторагодичным периодом, в течение которого он носил бороду. Он вырастил его в 1510 году в знак унижения, выздоравливая от серьезной болезни, вызванной потерей Болоньи французами, и поклялся не сбривать его до тех пор, пока французские войска не будут изгнаны из Италии, что произошло в 1512 году.
Юлий был великий покровитель искусств, поручивший Рафаэлю украсить папские апартаменты в Ватикане и приказав восстановить собор Святого Петра в Риме. Два золотых желудя на стуле Папы намекают на его фамилию делла Ровере (ровере по-итальянски означает «дуб»). Портрет был выставлен 12 декабря 1513 года, после смерти Юлия, в римской церкви Санта-Мария-дель-Пополо. Он оказал огромное влияние и стал образцом церковной портретной живописи на следующие 200 лет.
Ужин в Эммаусе, Караваджо
Среди шедевров XVII века Лондонской национальной галереи особого внимания заслуживает «Ужин в Эммаусе» Микеланджело Меризи, известного как Караваджо.
Холст, написанный в первые годы XVII века, считается переходом от ранних работ, где часто изображены молодые люди с музыкальными инструментами, за игрой в карты или в образе Эроса либо Вакха, к более зрелому периоду с характерным острым драматизмом и темными тонами.
Картина посвящена сюжету, описанному в Евангелии от Луки, где Иисус после Воскресения является двум своим ученикам. Клеопа с другом встречают неизвестного странника по дороге в Эммаус, небольшую деревню в нескольких километрах от Иерусалима. Вскоре после знакомства они останавливаются в таверне, и здесь странник ломает хлеб с тем же благословением, которое было дано Христом во время Тайной Вечери. Именно в этот момент ученики узнают Спасителя.
Как видите, Караваджо выбрал самый момент благословения, передав удивление присутствующих. Два обедающих не верят своим глазам. Тот, что справа раскрывает руки, словно имитируя распятие. Тот, который слева, повернутый спиной к зрителю, поднимаясь, упирается в подлокотники кресла, выражая всем телом крайнее и внезапное удивление. Локоть Клеопы и пальцы его друга (у которого на груди нарисована ракушка Святого Иакова, символ пилигримов, направляющихся в Компостелу), кажется вот-вот прорвут холст и втянут зрителя в происходящую сцену с чудом. Единственный, кто не понял значения происходящего, — это трактирщик. Он по-прежнему внимательно смотрит на Иисуса, которого Караваджо изобразил здесь без бороды.
Льющийся с левой стороны свет подчеркивает с ослепительной ясностью как самого главного героя, так и прекрасный натюрморт на столе. Все выглядит настолько реалистично, что зритель почти не замечает одной чудесной детали. На самом деле тень, которую отбрасывает трактирщик на стену, должна закрыть и часть лица Иисуса. Но лик последнего остается полностью светел.
ЛЮБОПЫТНЫЙ ФАКТ: среди мяса, кувшинов и кусков хлеба хорошо видна корзина с фруктами. Она очень напоминает известнейший натюрморт Караваджо, который хранится в музее Амброзиана в Милане. Здесь корзина тоже балансирует в хрупком равновесии на краю стола. Кажется, что если вы коснетесь холста, то она упадет.
Дама, стоящая у верджиналя, Ян Вермеер
Около 1670
А сейчас перейдем к картине «Дама, стоящая у вирджиналя» Яна Вермеера, одного из величайших голландских художников XVII века. Картины этого художника, выполняемые с большой медлительностью и тщательностью, являются большой редкостью. Во всем мире их насчитывается всего около тридцати пяти. Ян Вермеер родился в Дельфте в Южной Голландии и славился картинами с изображениями повседневной домашней жизни. В этих работах часто фигурируют молодые женщины, которые ведут спокойный размеренный образ жизни, и запечатлены они в очень интимных моментах одиночества.
На картине перед вами молодая женщина, стоящая перед клавишным инструментом, на котором чаще всего играли именно представительницы слабого пола. Женщина одета в элегантное платье с голубым лифом, пышными желтыми рукавами и окантовкой из бисера и лент. Волосы её собраны в пучок, из которого выбиваются несколько локонов, спадающих на лоб.
А теперь окиньте взглядом комнату. Остановитесь на деталях меблировки. Пол из черно-белой мраморной плитки и плинтусы из белой керамики с синим рисунком свидетельствуют о том, что это дом довольно богатого человека. С левого окна льется свежий дневной свет, который с большой точностью выделяет каждую деталь. На задней стене видны две картины: пейзаж в позолоченной раме и Купидон, который держит игральную карту. Купидон интерпретируется как символ любви и верности одному человеку. И действительно, прикасаясь пальцами к клавишам, дама всматривается вдаль, словно ждет кого-то. Возможно, это был человек, сидящий в кресле на переднем плане… Создается впечатление, что она смотрит далеко за пределы картины, прямо на зрителя, пытаясь вовлечь его в безмолвный загадочный диалог.
Кроме прочего, необходимо учесть, что тема музыки была тесно связана с эротизмом и в голландской живописи того периода к ней обращались довольно часто. Музыка считалось «пищей любви» и была прекрасным развлечением для буржуазного класса, поскольку символизировала, как гармонию, так и скоротечность существования. Если вам нравится сравнивать, хорошо рассмотрите эту картину, а затем найдите другую, того же Вермеера. Здесь изображена дама, которая сидит за музыкальным инструментом.
Девушка за клавесином, Ян Вермеер Делфтский
1670
Голландской живописи 17-го века вообще была присуща любовь к символике. Современный зритель почти утратил умение ее “читать”, воспринимая в картине то, что лежит на поверхности — любуется колоритом и умело построенной композицией и ,конечно. восхищается мастерством передачи фактуры предметов, в котором голландцы достигли совершенства. В картине Яна Вермеера Делфтского “Девушка за клавесином” он отметит типичный облик юной северянки — полноватой блондинки со светлой кожей, круглолицей, с пухлыми губами и большими выпуклыми глазами.
Интересно смотрится старинный клавесин, на крышке которого изображен пейзаж, детали интерьера — картина, висящая над головой юной музыкантши, ее платье, роскошная портьера, виола на переднем плане слева. Таким образом перед нами сценка из жизни обитателей преуспевающего бюргерского дома. однако иначе понимали подобные композиции современники Вермера (1632-1675 гг). Они видели здесь символическое изображение любви. Ключ к такому пониманию — виола, которая не просто отставлена в сторону, а приготовлена специально для возлюбленного, которого с нетерпением ожидают. Недаром художник изобразил девушку, обращенную словно навстречу входящему, лицом к зрителю. Вот-вот кавалер появится и начнется дивный музыкальный дуэт. так обыденный, незамысловатый на первый взгляд сюжет обретает глубокий поэтический подтекст.
ЛЮБОПЫТНЫЙ ФАКТ: еще одна известная картина Вермеера под названием «Девушка с жемчужной сережкой» стала источником вдохновения для целого фильма!
Аллея в Миддельхарнисе, Мейндерт Хоббема
1689 г
Среди замечательных произведений голландского пейзажа — “Аллея в Миддельхарнисе” Мейндерта Хоббемы (1638-1709 гг). Это лучшая картина живописца. В ней остро подмечен облик страны с ее плоскими равнинами, аккуратно возделанными полями и огородами, обведенными каналами, бескрайним облачным небом, нависшим над землей. Уходящая вдаль дорога завораживает, зовет. Это словно символ бесконечной жизни.
Хоббема создал замечательный эффект в этой необычной картине, используя деревья аллеи, чтобы направить наш взгляд прямо в центр картины, и сильные вертикали, чтобы направить взгляд вверх. Наш взгляд также обращен в сторону пейзажа, как через дорогу, сворачивающую вправо, так и через сильные боковые линии дорожек и полей слева. Как будто в основе всей картины лежит трехмерная сетка – невидимая геометрия.
Композиция оказала сильное влияние на более поздних художников. Им восхищался Ван Гог, который подражал его эффектам в нескольких картинах после того, как впервые увидел его в Национальной галерее в 1884 году, и, вероятно, он также вдохновил Камиля Писсарро на написание «Авеню в Сиденхэме». Дэвид Хокни даже сделал свою собственную версию в 2017 году «Высокие голландские деревья после Хоббемы (полезные знания)».
Рембрандт
Почитателям творчества Рембрандта тоже будет на что посмотреть — галерее принадлежит довольно крупная коллекция его работ, отражающих всю жизнь великого живописца. Например, на полотне «Саския в костюме пастушки» мы видим первую жену художника,
На скромной работе «Портрет Хендрикье Стоффельс» — уже его вторую супругу Хендрикье Стоффельс.
Также в коллекции есть предсмертные работы Рембрандта.
А теперь поговорим о трех картинах Рембрандта ван Рейна, одного из самых выдающихся голландских художников XVII века. Начнем с самой маленькой картины, написанной в 1654 году. Это — «Молодая женщина, купающаяся в ручье», одна из любимых работ художника.
Молодая женщина, купающаяся в ручье
Быстрыми и объемными мазками художник изображает молодую женщину, приподнявшую сорочку, чтобы искупаться. Женщина улыбаясь смотрит на свое отражение. Здесь передан невероятно интимный и спонтанный момент, о чем свидетельствует как поза женщины, так и используемая техника живописи. Согласно одному из предположений, девушка была любовницей Рембрандта. Тем не менее, оставленный на берегу богатый ярко-красный плащ, подбитый золотом, наводит на предположение о том, что это может быть библейская Сюзанна или Вирсавия, а возможно — мифологическая богиня Диана.
Пир Валтасара
В этом зале находится и другая не менее примечательная картина: «Пир Валтасара».
Полотно было написано примерно в 1630 году, в период, в котором произведениям художника характерны полнота света, богатство цвета и монументальность фигур. Основой картины послужил библейский сюжет. Вавилонский царь Валтасар (в центре) только что призывал приглашенных на свой банкет пить из золотых и серебряных чаш, украденных из храма в Иерусалиме. Но из воздуха вдруг появляется рука, которая пишет на стене загадочную фразу. Надпись предвещает конец царствования Валтасара в ту же ночь. Рембрандт изобразил кульминационный момент, когда царь поворачивается и застывает в ужасе, глядя на пишущую руку. Его внезапное движение пугает до смерти всех остальных. Кубки и чаши опрокидываются, Валтасар переворачивает металлическое блюдо, объятые ужасом гости кричат. Только музыкант на фоне продолжает играть, ничего не замечая вокруг.
Картина «Пир Валтасара» Рембрандта примечательна тем, как художник смешал религиозную и историческую темы, создавая произведение, которое обращает внимание не только на библейский сюжет, но и на вечные темы власти, гордыни и человеческой натуры.
Автопортрет в возрасте 34 лет
А теперь перейдите к третьей картине: «Автопортрет в возрасте 34 лет». Этот автопортрет обозначил самый счастливый период в жизни и творческой карьере художника.
Подпись и дата проставлены на парапете, на который опирается богато одетый художник. На нем — подбитый мехом плащ, тонко вышитая рубашка и широкая бархатная шляпа, отороченная золотой цепочкой. А теперь сравните эту работу с другим «Автопортретом», который тоже находится в этом зале, но был написан в 63 года, незадолго до смерти художника. Даже качество мазка, дряблое и ослабленное, подчеркивает невероятно личным и глубоко поэтическим путем физический упадок и дряхлость мастера.
ЛЮБОПЫТНЫЙ ФАКТ: «Автопортрет в возрасте 34 лет» был навеян картиной Рафаэля, которую Рембрандт видел на аукционе в Амстердаме. Но он был не в состоянии купить работу. Таким образом, чтобы утешить себя, художник решил нарисовать похожий портрет!
Самсон и Далила, Питер Пауль Рубенс
Великий Рубенс представлен не менее широко — в собрании имеются 24 полотна этого нидерландского мастера. Большинство хранящихся в галерее работ относятся к позднему периоду творчества Рубенса, когда он уже добился славы и стал позволять себе писать для собственного удовольствия.
1609-1610 годы
Размеры: 185 х 205 сантиметров
«Самсон и Далила» – одно из самых увлекательных произведений в творчестве Питера-Пауля Рубенса (годы жизни 1577-1640) – одного из самых известных художников эпохи барокко. На полотне изображён момент, когда Самсону стригут волосы, произошло это после того, как он заснул на коленях Далилы. Толпа филистимских солдат выжидает момент, когда Самсон потеряет свою силу, они уже готовы напасть на него. Но, возможно, Далила заплатит за свое предательство. Профиль пожилой женщины позади нее — поразительное, но увядшее подобие ее собственного, возможно, предполагающее, что однажды она потеряет красоту, которая стала причиной падения Самсона.
Во время визита в Италию Рубенс увидел эксперименты Караваджо по использованию очень контрастных светотеней и глубоких, насыщенных цветов. По возвращении он использовал эти новые техники для рисования Самсона и Далилы по заказу своего друга и покровителя Николааса II Рококса, мэра Антверпена, для его частной коллекции.
История Самсона и Далилы рассказана в Ветхом Завете, она была весьма популярной темой в истории искусства.
Уильям Хогарт “Модный брак”
1743-1745 гг.
Среди самых известных картин собрания — серия “Модный брак” выдающегося английского художника Уильяма Хогарта (1697-1764 гг). Одна за другой проходят перед зрителем сцены из жизни молодой супружеской пары. Цикл из шести картин завершается смертью обоих героев, но как ни странно, этот трагический конец не особенно печалит зрителя.
Мастер сознательно избегает психологических характеристик. Его персонажи напоминают марионеток. Невольно сравниваешь их с теми безделушками, которыми переполнен богатый, но холодный дом, в котором разворачивается действие. Их жизнь, силою обстоятельств превращенная в светскую игру, называемую браком по расчету, прожита никчемно.
Впервые в живописи середины 18-го века за изящной легкостью проступает социальный смысл. ”Я старался разрабатывать свои сюжеты как драматический писатель. Картина была для меня сценой, мужчины и женщины- моими актерами”, — писал Хогарт.
Портрет четы Эндрюс, Томас Гольбейн
«Портрет четы Эндрюс» — одно из наиболее ранних произведений знаменитого английского художника Томаса Гейнсборо, признанного мастера портретной и пейзажной живописи. Работа датируется 1750 годом. Почти 200 лет она принадлежала потомкам семьи Эндрюс и ее впервые выставили на публику только в 1960 году.
Новобрачные Роберт и Фрэнсис Эндрюс одеты по последней моде 40-х годов XVIII века, что подчёркивает их социальный статус — оба происходили из богатых семей. На женщине — элегантное голубое платье и соломенная шляпка. Мужчина же изображается в охотничьем костюме и с ружьём, а у его ног стоит собака.
Стоит отметить и потрясающий своей детализацией пейзаж картины: деревья, облака, гроздья пшеницы и пасущиеся вдалеке овцы выписаны с поразительной точностью. Скорее всего новобрачные изображаются в их собственном поместье в Садбери, родном городе и самого Гейнсборо.
Позади мистера и миссис Эндрюс открывается широкий вид на юг, на долину реки Стоур. Роберт Эндрюс владел почти 3000 акрами земли, и большая часть земли, которую мы видим здесь, принадлежала ему. Гейнсборо продемонстрировал свое мастерство художника, изображающего убедительно меняющуюся погоду и натуралистические пейзажи, что в то время было еще в новинку.
Неокрашенное пятно на коленях миссис Эндрюс, возможно, было оставлено для того, чтобы позже нарисовать ребенка. Окруженные красотой лесов и облаков сельской местности Эссекса, застенчиво позирующие рядом с плодородными полями урожая и хорошо заселенными пастбищами, мистер и миссис Эндрюс продолжают жить, трогательно представляя себя дома, в своем собственном ландшафте.
Эксперимент с птицей в воздушном насосе, Джозеф Райт
1768
Эта работа иллюстрирует научный эксперимент, который был характерен для эпохи Просвещения. Тогда интерес к науке и познанию был на пике. На картине «Эксперимент с птицей в воздушном насосе» изображается группа ученых и их ассистентов, проводящих научный опыт с помощью вакуумного насоса. Он используется для откачки воздуха из сосуда, в котором содержится птица. Наступила ночь, и комната освещена единственной свечой, горящей за большим круглым столом. Белого какаду поместили в стеклянный контейнер, из которого откачивали воздух для создания вакуума. Будет ли лектор полностью выгонять воздух и убивать птицу, или впускать воздух обратно и оживлять ее? Райт акцентирует внимание на разной реакции зрителей — от девушки, которая не может смотреть, до влюбленных, которые смотрят только друг на друга.
Это самая большая, самая амбициозная и драматичная из серии картин «при свечах», написанных Райтом в 1760-х годах. В нем запечатлена драма постановочного научного эксперимента, но он также функционирует как vanitas — картина о течении времени, пределах человеческого знания и хрупкости самой жизни. Картина является отличным примером живописи Просвещения, которая пытается соединить науку и искусство. Она отражает интерес к научным открытиям и просвещению, который был характерен для эпохи. Свет и тени на картинах Райта подчеркивают важность исследования и создают драматическую атмосферу.
Портрет Сары Сиддонс, Томас Гейнсборо
1785 год
Обращение к театру, привнесение в изобразительное искусство элементов театрализации типичны для 18-го столетия. Театр моден, имена актеров у всех на устах. Художники почитают за честь написать портрет того или иного кумира сцены. Не все такого рода полотна были апофеозами. Сейчас мы можем любоваться такими искренними произведениями, как портрет Сары Сиддонс кисти Томаса Гейнсборо (1827-1788 гг).
Это не единственное изображение прославленной актрисы. В той же галерее находится работа Д.Рейнольдса, где она изображена в виде музы трагедии. А портрет Гейнсборо лишен каких бы то ни было мифологических атрибутов. На картине Сара Сиддонс в модном современном платье. Она носит черную бобровую шапку, отделанную лентой и страусиными перьями, и синюю полосатую «накидку», желтую мантию и муфту из лисьего меха, сидит в легкой непринужденной позе. Она будто бы случайно ненадолго зашла в мастерскую художника, присела поговорить с ним.
Лицо актрисы не отличается тонкими чертами, даже немного наоборот. Во время работы над портретом Гейнсборо всё ворчал: “Мадам,вашему носу просто нет конца”. И все же художник изобразил гордый профиль актрисы. Её образ восхищает внутренней силой. В то время, когда Гейнсборо писал ее, миссис Сиддонс играла величайшую из всех своих ролей — леди Макбет. Что-то от силы и страсти этой роли чувствуется в портрете, который некоторые считают шедевром художника.
Казнь Джейн Грей, Поль Деларош
1833
На картине изображается трагическая сцена, которая произошла в английской истории. Джейн Грей была королевой Англии всего лишь в течение девяти дней в 1553 году. Ее короткое правление завершилось, когда Мария Тюдор, также известная как «Кровавая Мария», пришла к власти и приговорила Джейн Грей к смерти. На картине изображается момент казни, когда Джейн стоит перед палачом, готовым выполнить приговор.
Деларош показывает последние минуты жизни леди Джейн с завязанными глазами, когда она умоляет: «Что мне делать? Где блок?» Ее ведет к нему сэр Джон Бриджес, лейтенант Тауэра. Ее верхняя одежда уже снята и собрана на коленях у рухнувшей на землю фрейлины. Позади нее, лицом к стене, стоит вторая фрейлина, не в силах смотреть. Справа ждет палач. Используя неглубокое сценическое пространство, театральное освещение и фигуры в натуральную величину, Деларош разыгрывает зрелище невинной молодой жертвы на грани мученичества, заставляя нас реагировать на сцену перед нами.
Поль Деларош воссоздал эту историческую сцену с большой драматичностью и реализмом. Он акцентирует внимание на лицах и эмоциях персонажей, создавая атмосферу трагедии и сожаления. Картина является ярким примером романтической живописи XIX века. Она часто обращалась к историческим событиям и персонажам для выражения человеческих эмоций и моральных уроков.
Дождь, пар и скорость, Уильям Тёрнер
Картина «Дождь, пар и скорость — Великая западная железная дорога» считается одной из самых известных во всей Англии. Ее написал знаменитый пейзажист-романтик Уильям Тёрнер в 1844 году.
Паровоз приближается к нам, пересекая под дождем железнодорожный мост Мейденхед. Мост, спроектированный Изамбардом Кингдомом Брюнелем, был завершен в 1838 году. Мы смотрим на восток в сторону Лондона, а поезд направляется на запад. Преувеличенно резкий ракурс виадука, за которым наш взгляд следует к горизонту, предполагает скорость, с которой поезд прорывается сквозь дождь. Слева ещё можно различить арочный мост и лодку, а остальной пейзаж словно тонет в синеве. Тернер часто рисовал сцены из современной жизни и особенно интересовался промышленностью и технологиями. Поскольку он часто использовал новые виды транспорта, в том числе паровозы, маловероятно, что картина является отказом от современности. Вместо этого он видел и поезд, и мост как объекты, достойные рисования.
Это типичная работа Тёрнера — здесь отсутствуют границы между различными элементами пейзажа. Вся картина наполнена светом. Неудивительно, что впоследствии из живописи Тёрнера «вырастут» импрессионисты.
Нападение в джунглях, Анри Руссо
1891.
Дословно с французского название картины переводится как «Тигр во время тропической грозы». Это одна из наиболее известных икон французского наивного искусства. Картина отражает экзотичность и магию тропиков, а также выделяется своей атмосферой загадочности и природной дикости.
Тигр низко приседает в густой листве джунглей, выгнув спину и оскалив зубы. Не совсем понятно, что происходит: тигр съеживается от вспышки молнии или выслеживает добычу?
Это была первая из примерно 20 картин Руссо, посвященных джунглям, которые входят в число его самых популярных работ. Эти джунгли полностью воображаемы: Руссо никогда не покидал Францию, несмотря на его заявление о том, что он служил во французской армии в Мексике. Листва представляет собой смесь домашних комнатных растений и тропических сортов, которые он видел в Ботаническом саду в Париже. Его стиль характеризуется простыми контурами, яркими цветами и отчетливой надеждой на фантазию.
Руссо был художником-самоучкой-любителем, у которого живопись была хобби. Он относился к своей картине очень серьезно, несмотря на насмешки со стороны некоторых сторон. Но ряд художников и писателей, особенно представителей авангарда, приветствовали его как важную фигуру. Сейчас его считают пионером «наивного искусства».
Купальщики в Аньере, Жорж-Пьер Сёра
1884
Это произведение искусства является значимым представителем неоимпрессионизма, стиля в живописи, характеризующегося использованием точечной техники, известной как «дивизионизм» или «пуантилизм».
Эта большая картина была первой крупной композицией Сёра, написанной, когда ему еще не исполнилось 25 лет. Он намеревался сделать это грандиозным заявлением, которым он оставит свой след на официальном Салоне весной 1884 года, но оно было отклонено.
Несколько мужчин и мальчиков отдыхают на берегу Сены в Аньере и Курбевуа, промышленном пригороде к северо-западу от центра Парижа. Показанные в профиль, они неподвижны, как скульптуры, и каждый кажется поглощенным своими мыслями, не взаимодействуя ни друг с другом, ни с нами. Залитая ярким, но туманным солнечным светом, вся сцена царит почти жуткую тишину, как будто время остановилось и все движение временно замерло. На заднем плане виден железнодорожный мост, частично скрывающий параллельный автомобильный мост, а также дымоходы газового завода и заводов в Клиши, где, возможно, работают некоторые мужчины.
Особенностью этой картины является использование художником точечной техники. Вместо смешивания цветов на палитре, Сера наносил маленькие точки чистых цветов рядом друг с другом, позволяя им сливаться в воспринимаемые зрителем цветовые оттенки при просмотре издалека. Эта техника придает картине особое сияние и яркость, а также создает ощущение света и атмосферы.
Стул Винсента с трубкой, Винсент Ван Гог
Это одна из серии картин великого голландского художника Винсента ван Гога, созданная им в 1888 году в Арле. Произведение искусства представляет собой натюрморт, изображающий деревянный стул с плетеным сиденьем и трубкой.
Картина «Стул Винсента с трубкой» является частью серии работ, в которой ван Гог изучал форму и цветовую гамму этого обыденного объекта. Он создал несколько версий, каждая из которых немного отличается в стиле и цвете. Художник экспериментировал с разными оттенками желтого, синего и зеленого, создавая насыщенные и яркие краски. Картина отражает характерный стиль Ван Гога, который характеризуется бесконечной страстью к живописи и чувственной интерпретацией предметов. Даже такой обыденный предмет, как стул, становится объектом вдохновения и самовыражения художника.
Она была написана в конце 1888 года, вскоре после того, как его коллега-художник Поль Гоген присоединился к нему в Арле на юге Франции. Картина была парой к другой картине «Кресло Гогена» (Музей Ван Гога, Амстердам). Их нужно было повесить вместе, повернув один стул вправо, а другой влево. Оба стула функционируют как суррогатные портреты, отражающие личности и различные художественные взгляды двух художников. В то время как кресло Ван Гога простое и функциональное, кресло Гогена представляет собой элегантное кресло с тонкой резьбой. Стул Ван Гога, на который он положил трубку и табак, показан при ярком дневном свете. Гоген, с двумя романами на сиденье, был написан ночью и освещен свечой и газовым светом.
Его простой стул пуст, символизируя отсутствующего владельца, и представляет собой изображение, которое бесконечно грустно. Это необычный пример продвижения самого знакомого объекта за пределы натюрморта, чтобы он представлял самого художника. Включая свои трубку и табак, а также своё имя, написанное на ящике на заднем плане, художник мгновенно персонализировал объект, который в результате приобретал покров эмоционального выражения, не связанный с повседневной формой стула
Подсолнухи, Винсент Ван Гог
Наше посещение Лондонской национальной галереи заканчивается картиной «Подсолнухи» Винсента Ван Гога. Эта тема была особо дорогой сердцу голландского художника. Он неоднократно рисовал эти цветы на полотнах, которые затем стали всемирно известными.
Картина была написана летом 1888 года, когда художник находился в Арле, на юге Франции.
Как и многие другие работы на ту же тему, Ван Гог повесил эту картину в своем доме, где гостил его друг, художник Поль Гоген. Вместе они намеревались создать нечто похожее на сообщество художников, живших и работавших вместе. Затея продлилась всего несколько месяцев и завершилась внезапным уходом Гогена после ссоры. «Подсолнухи» стали свидетелями и главными героями этого короткого периода. Две версии висели в комнате Гогена, который изобразил своего друга во время работы над одной из этих картин.
Кроме того, сами «Подсолнухи» можно трактовать как символ цикличности жизни. Посмотрите внимательно на отдельные цветки в вазе: некоторые из них только в бутонах, другие уже увяли и склонили свои соцветия вниз. В этой картине жизнь и смерть идут рука об руку. Яркие подсолнухи имеют очень реалистичный вид, в основном из-за плотной и густой консистенции краски, хотя мазки сделаны быстро и легко.
Яркий контраст с реалистичным видом цветов создают ваза и стол, написанные в стилизованной манере, подчеркнутые толстой контурной линией. Обратите внимание на то, как переход от поверхности стола к стене передан двумя оттенками желтого: темного и более светлого, симметрично перевернутыми в вазе для цветов. Подпись художник нанес на вазу в виде украшения керамической поверхности.
ЛЮБОПЫТНЫЙ ФАКТ: картина представляет собой торжество желтого и оранжевого цвета. В дополнении к очевидной дани солнцу Прованса, желтый цвет у Ван Гога ассоциировался с дружбой и счастьем.
