6 июня 2024 г. в музее начала работу выставка «Густав Климт. Золото модерна». Около 40 репродукций картин выдающегося австрийского художника Густава Климта, выполненных в натуральную величину, представлено на выставке в Новосибирском художественном музее.
Выставка «Густав Климт. Золото модерна» из московской галереи VEKARTA носит образовательный характер. Поэтому все работы будут снабжены историческими комментариями. Это позволяет глубже погрузиться в смысл и сюжет каждой работы.
Климт является одним из основоположников европейского модерна. В его творчестве удивительным образом сочетаются красочный декоративизм изображения и глубочайшая эмоциональная наполненность. Монументально-декоративные и живописные произведения художника отличает стилизация, символизм и эротизм.
Густав Климт (14 июля 1862, Баумгартен, Австро-Венгрия – 6 февраля 1918, Вена, Австро-Венгрия) – австрийский художник, один из основоположников европейского модерна.
Что такое жикле?
Что такое ЖИКЛЕ? Термин жикле возникает, когда речь идёт о художественной печати. Жикле (от французского ‘отсее» — распыление, разбрызгивание) — эксклюзивные цифровые, художественные репродукции шедевров живописи на холсте, по качеству исполнения и цветопередачи не уступающие оригиналу. С помощью ее удается идеально воспроизвести малейшие нюансы оригинала таким образом, что отличить оригинал от копии невооруженным глазом становится практически невозможно. Для изготовления копий используются микроскопические капли краски, различного размера и плотности. Это позволяет воссоздавать тончайшие нюансы тонов и деталей картины. К примеру: копия средних размеров содержит около 15 миллиардов микроскопических точек.
Художественные копии, выполненные маслом на холсте, все же — имитация. Этого не скажешь о цифровой художественной репродукции жикле, которая является точным, факсимильным воспроизведением подлинника.
Благодаря технологии «жикле» многие музей мира имеют возможность показать почитателям искусства шедевры живописи, дошедшие до нашего времени. Многие коллекционеры и дизайнеры интерьеров также используют в своих предпочтениях картины, выполненные именно в этой технике.
Сегодня «жикле» входят в постоянные экспозиции музея Метрополитен (Нью-Йорк) и в других музеях и галереях Америки. Также цифровые отпечатки работ великих художников представлены в Лувре и Эрмитаже.
Зрительный зал в старом Королевском театре, 1888г.
Ранняя гуашь Климта «Зрительный зал старого Бургтеатра». Городской совет Вены поручил Климту и Матчу запечатлеть старое здание городского театра перед его сносом.
Художнику предстояло изобразить публику во время представления в старом Королевском театре. Когда новость о будущем полотне распространилась среди венского высшего общества, к художнику выстроилась целая очередь из желающих, чтобы он запечатлел их на картине. Художник изобразил около 200 человек, у большинства из которых были реальные прототипы. Картину «Старый Королевский театр» вряд ли можно назвать шедевром. Но она стала для Климта прекрасным рекламным ходом, принеся ему еще больше популярности и вторую императорскую награду. Многие из изображенных на картине пожелали иметь ее копию у себя. Благодаря этому Климт стал вхож во многие влиятельные дома Вены.
Сказка, 1883г.
Картина «Басня» или «Сказка», казалось бы, абсолютно безобидное произведение. Оно было создано автором в возрасте 21 года, но уже имело скрытый подтекст. Теплое и убаюкивающее название предполагает такой же сюжет. Да, здесь есть герои представители классического повествования. Откормленные пышные аисты, дремучий спящий лев, всклокоченный лис с колбой, мышиная мелюзга на тонких ветвях. Такое собрание может иллюстрировать любую басню Эзопа или даже Ивана Крылова. Однако образ юной женщины сбивает с толку и пленит взгляд и помыслы, уводя зрителя далеко от задумки картины.
Картина написана Густавом Климтом в период, когда его полотна еще дышали классической школой живописи. Поэтому в ней живы и краски, и тепло, и степень контраста, такая близкая караваджинской манере письма. Латунно — бистровые оттенки вперемешку с медовой палитрой наделили картину эмоциями, характерными для барочных сюжетов. Никто не мог подумать, что «золотой» период автора будет далек от «Басни».
О чем хотел рассказать Климт в своей картине? Она представляет собой собрание персонажей из разных сказок, конкретики нет. Однако девушка, быть может, и есть сама басня — сказка, как ее олицетворение? Такой прием часто используют баснописцы в комичных произведениях. Басня-женщина Густава хороша собой и не высмеивает пороков. Прозрачное полуобнаженное тело намекает на обнаженные и не скрытые людские пороки, высмеиваемые в литературе. Свиток бумаги в ее ладони уже исписан, но текст спрятан и не прочитан. Но скоро, вот-вот, буквы сольются в стройные куплеты, и писатель опубликует свою сказку.
Картина лаконична и сказочна, необычна набором персонажей и лишь автору понятными акцентами. Ее можно читать так же как любой текст, улавливать намек, домысливать и любоваться живописью Климта, еще понятного, еще молодого, но уже знаменитого.
Эскиз к Аллегории музыки (органист), 1884 г
Этот ранний этюд представляет собой эскиз одной из девяти больших росписей на потолке Городского театра в Фиуме (Риека), выполненный студией братьев Климта и Франца Мачей в 1885 году. Заказ на украшение театра, построенного архитекторами Гельмером и Фельнером, вероятно, был получен в течение 1884 года. Как обычно, художники не рисовали на месте. Они создавали большие холсты в своей венской студии на Сондвиртгассе, 8. Данная работа представляла собой цикл аллегорий на разные жанры музыки. Густав Климт и Франц Мач создали по три больших овальных потолочных картины. Эрнст Климт — картину над авансценой и две картины меньшего размера над коробками авансцены. После концертного зала в Курсалоне в Карлсбаде и Городского
театра в Райхенберге заказ был уже третьей возможностью реализовать большие потолочные росписи для театральных зданий Helmer& Fellner.
В дизайне Климта для «Аллегории (священной) музыки» изображен органист в дорогом синем шелковом одеянии. Что особенно необычно, ток это то, что она стоит на коленях перед инструментом. Таким образом, орган становится алтарем, который также символизирует священный аспект музыки. Это также соответствует преображенному взгляду, устремленному к небу. Фигуру сопровождает ангел в белом одеянии, играющий на цитроне, парящий прямо за ее головой. А таккже несколько поющих херувимов в облаках на правом краю картины.
Композиционно замысел в точности соответствует исполненному варианту. Хотя эффект совершенно другой из-за живописной детализации исполнения Из-за свободных мазков и более теплого цветового тона дизайн кажется гораздо более барочным. Он напоминает образец для подражания Ганса Макарта, который умер в 1884 году на пике своей славы.
ПОСЛЕ ДОЖДЯ, 1898 г.
Регулярные летние выезды за город послужили важным источником вдохновения для художника. Проводил выезды Климт в компании семьи Флёге. Первое совместное пребывание состоялось в 1898 году в Санкт-Агате на Гальштеттерзее.
Фруктовые деревья расположены в шахматном порядке друг за другом. А слегка возвышающийся лесистый холм на фоне пейзажа создает впечатление постоянно раскрывающейся глубины. Однако Климт постепенно опускает цветовую растушевку дальше вдаль и для полного образа использует равномерный туманный серовато- зеленый цвет. Как и в картине «Фруктового сада», завершенной примерно в то же время, он соединяет верхушки деревьев в единую плоскую часть с помощью разноцветных мазков краски, которые также кажутся находящимися в той же плоскости, что и луг на переднем плане. Даже стволы деревьев свидетельствуют о пространственности «реального» мира, несмотря на их близость к силуэтам.
Утро на пруду в парке дворца Каммер, 1899 г
Климт проводит лето 1899 года в Голлинге под Зальцбургом вместе с родственниками и членами семьи Флёте. Это место и запечатлено на картине. Это первый квадратичный ландшафт Климта. Только в ранние утренние часы свет на пруду отражает берег на поверхности воды. Картина была впервые представлена гп седьмой выставке в Сецессионе в Вене в 1900 году.
Озеро Аттерзее, 1900 г
Пейзажи были еще одной страстью Густава Климта — мозаичные полотна из точек и узоров. Стиль, в котором написаны его пейзажи, иногда называют неопуантилизмом: картина складывается из разноцветных мазков-точек. Уже в первых реалистичных пейзажах Климта угадываются будущие мозаики. Позднее этот стиль выходит на первый план.
Местом силы Климта стало озеро Аттерзее. С 1900 года художник проводит здесь каждое лето. Компанию в поездках на озеро художнику часто составляла его верная подруга — Эмилия Флёге. В настоящее время на озере Аттерзее проводят пешие и водные экскурсии «по местам Климта».
Почти все пейзажи Климта написаны на квадратных холстах. Художник считал, что такая форма помогает бесконечно расширять пространство во всех направлениях. На картине завышена линия горизонта, что почти превращает ее в абстрактный пейзаж.
Буковая роща I, 1902г.
Картина написана в 1902 году в Лицльберге на озере Аттерзее.
Большой тополь II (Надвигающаяся гроза), 1903 г.
Между 1900 и 1907 годами Густав Климт проводил летние месяцы с семьей доме Лицльберга и пивоварне. В окрестностях Лицльберга величественный тополь, примыкающий к часовне, вызвал его интерес. Его он написал дважды. В конце концов в 1928 году в тополь попала молния и его срубили.
Представленный вибрирующая поверхность, состоящая из разноцветных «форельных точек» отличаюающих пуантилизм, дерево в картине рукотворной башней поднимается к небу. Когда картина была впервые показана на сольном показе Климта в Сецессионе в 1903-1904 годах, арт-рецензенты сразу заметили мрачный оттенок картины.
Траснформация творчества Климта
В 1892 году в жизни Климта произошли подряд два трагических события, оказавших влияние и на его творчество, и на жизнь в целом. Сначала ушел из жизни его отец, а вскоре после этого скончался брат художника Эрнст. После кончины отца на плечи Климта полностью легли заботы о благополучии семьи. А смерть брата нанесла художнику сокрушительный удар. Эрнст был для Густава не только родственником, но и коллегой, и одним из самых близких друзей. Они вместе с детства учились живописи, вместе работали над заказами и добились огромной популярности в Вене.
После смерти отца и брата Климт надолго впал в депрессию. В эти годы главной его поддержкой стала Эмилия Флёге. И в это же время постепенно начинает трансформироваться и меняться его творчество.
Музыка I, 1895г.
Николаус Думба, греческий магнат и покровитель искусств, поручил Густаву Климту и Франсу Матчу украсить две комнаты в его Дворце Думбы в Вене. Позднее, в 1937 году, после смерти жены Думбы дворец был ликвидирован и распродан. Эскиз «Музыки» предназначался для размещения над дверью в музыкальной комнате.
Эту работу можно считать отправной точкой в творчестве Климта и предтечей самых знаменитых работ художника, которые он создаст в годы «Золотого периода». Идея изобразить на картине саму Музыку была довольно амбициозной. Но Климт был уже достаточно знаменитым в Вене художником, чтобы позволить себе это. К тому же, в будущем он не раз докажет, что мнение критиков его абсолютно не волнует.
Климт был страстным поклонником старины и древних искусств. Это увлечение позволило ему создать особенно яркие, поражающие воображение и выполненные с почти фотографической точностью работы, украсившие стены Художественно-исторического музея в Вене. Но если в оформлении музея упор был сделан на Древний Египет, то в картине «Музыка» безраздельно властвует Эллада. Главная героиня полотна, совсем юная девушка, почти ребенок, держит в руках лиру – инструмент, воспетый в древнегреческом изобразительном искусстве. В правой части художник изображает сфинкса, который, кроме прочего, считается символом свободы творчества и личности в целом. Эту картину от ранних работ Климта отличает отказ от традиционной перспективы и классических сюжетов в пользу символизма, ярко выраженная декоративность и характерная для ар-нуво «уплощенность», двухмерность изображения. Но художник не спешит отказываться от привычного изображения людей. Это придает полотну сходство со слегка размытой старой фотографией.
Женщина в кресле, 1898 г.
Dame in Fauteuil («Женщина в кресле») — захватывающий пример революции, происходившей как в творчестве Густава Климта, так и в основах различных дисциплин в искусстве Fin de Siecle Vienna.
Эта работа, написанная в 1897-1898 годах, является редким образцом раннего портрета Климта. С первых дней своей художественной карьеры Климт зарекомендовал себя как портретист, написав как портреты по заказу, в основном представительниц венского высшего общества, так и более интимные портреты своей спутницы Эмили Флёге. Климт также выполнил ряд аллегорических композиций, обрабатывая человеческую фигуру с теми же стилизованными и декоративными качествами, которые преобладают в его портретах.
Dame in Fauteuil (Женщина в кресле) показывает принадлежность художника к художникам-символистам конца девятнадцатого века. Женщина-натурщик богато закутана в соответствующее красное платье и шляпу. Ее узкая талия опоясана темно-зеленым поясом. Она сидит в узорчатом кресле на абстрактном коричневато-красном и серо-коричневом фоне. Безмятежность и нежная бледность ее лица перекликаются с призрачностью двух очерченных голов в верхнем левом углу композиции.
Афина Паллада, 1898г.
В 1889 году в столице Австрии состоялась первая выставка Венского сецессиона. Вслед за немецкими коллегами австрийские живописцы отделились от официозного Дома художников. Они организовали собственное объединение, чтобы иметь возможность создавать и демонстрировать публике произведения искусства, выходящие за рамки господствовавшего консервативного стиля. Как и мюнхенские сецессионисты, венские художники сделали своим символом и покровительницей Афину Палладу. И на первой же выставке в Вене президент сецессиона Густав Климт представил картину, изображающую воинственную греческую богиню.
«Афина Паллада» разительно отличается от других женских портретов Климта. Утонченные, пронизанные чувственностью, откровенно сексуальные роковые красавицы стали визитной карточкой художника. В отличие от них Афина излучает силу и властность, она полна воинственного магнетизма. Ее сверкающий шлем, золотой нагрудник и поразительно живые, горящие огнем глаза стали не только символом борьбы сецессионистов за свободу самовыражения (полотно настолько впечатлило критиков, что Афину стали называть «демоном сецессиона»), но и некой отправной точкой в творчестве Климта. Именно с этой картины начался новый виток в творчестве художника. Его назвали «золотым периодом», он подарил миру самые знаменитые картины Климта, написанные в неподражаемом стиле.
В Афине, которую сецессионисты избрали своей покровительницей, художника интересовала по большей части ее божественная сущность, а не сексуальность. И это не удивительно, учитывая ее половую неоднозначность в греческих мифах. Дело в том, что, несмотря на внешнюю принадлежность к женскому полу, Афина наделена по большей части мужскими качествами. По мнению некоторых исследователей, в этой работе Климт намекает на известную теорию о тесной связи жажды власти с сексуальным желанием. Как бы там ни было, почти асексуальная богиня Афина Паллада стала одним из самых сильных женских образов в творчестве Климта.
Юдифь и Олоферн, 1901г.
Библейская история о молодой израильской вдове Юдифи, которая соблазнила и обезглавила ассирийского полководца Олоферна, во все времена была популярным сюжетом среди живописцев. Юдифь служила символом мудрости, храбрости и добродетели, одерживающей победу над пороками нечестивцев. Но в 1901 году Густав Климт предложил собственное толкование знаменитой истории и свое видение главной героини. Слово «скандальный» можно применить практически ко всем признанным шедеврам художника, и картина «Юдифь и Олоферн» не стала исключением.
Моделью для полотна стала знаменитая «золотая» Адель Блох-Бауэр. Её узнаваемые черты лица породили волну слухов о любовной связи между художником и натурщицей. Картина Климта, пропитана откровенной чувственностью. Она была совсем не похожа на изображающие ту же сцену полотна Джорджоне, Боттичелли и Караваджо. Экстатическое выражение лица Юдифи, ее напряженные пальцы, страстно сжимающие отрубленную голову Олоферна, ее бесстыдно обнаженное тело повергли жителей Вены в шок. В их понимании эта дерзкая фам-фаталь, явно получающая удовольствие от хладнокровного убийства, никак не вязалась с образом добродетельной вдовы, рискнувшей принести в жертву свое целомудрие, чтобы спасти родной город от вражеской армии.
Ее лицо запечатлено в момент оргазмического восторга. Ее глаза полузакрыты, губы нежно раздвинуты. В руках она держит отрубленную голову своего врага и, кажется, почти вздрагивает от удовлетворения своей победой.
Неоднозначность полотна и неприкрытая сексуальность его героини настолько смущала венскую публику, что… было решено считать, что на нем изображена вовсе не Юдифь, а другая известная библейская личность – коварная Саломея с головой Иоанна Крестителя. Поэтому долгое время, несмотря на название картины, написанное на раме, она была известна как «Саломея». К слову, старые мастера, чтобы отличить Юдифь от Саломеи всегда изображали рядом с ней ее служанку, которая помогла вдове пробраться в лагерь ассирийцев и осуществить убийство Олоферна.
Портрет Эмили Флёге, 1902 г
Владелица венского дома моды и кутюрье Эмилия Флёге оставалась единственной постоянной спутницей любвеобильного Густава Климта более двадцати лет. Этот факт не вызывает сомнений. А вот характер их отношений — предмет споров и дискуссий со времен начала ХХ века. Взаимное притяжение и эмоциональную зависимость творческая пара скрепила негласным дружеским союзом, приправив его долей романтики. Альянс оказался сильнее уз брака и стал их неразгаданной формулой любви.
Среди исследователей жизни Климта до сих пор продолжается полемика, оставались ли отношения художника и Эмилии только платоническими. Ответ может подсказать портрет Эмилии 1902 года. В нем венский Казанова раскрывает свои чувства.
Величественная, чувственная и хрупкая Эмилия — не только дама, бросившая вызов обычной роли, приписываемой обществом. Она — Богиня. Как невозможно приблизиться к божеству и властвовать над ним, так для художника возвышающаяся во весь рост Эмилия со стилизованным нимбом остается недосягаемой святыней и его повелительницей.
Эмилии и ее семье портрет не понравился. Она отказалась его принять, и в 1908 году картину приобрел Венский исторический музей.
Дафна. Девушка с голубой вуалью, 1902-1903 гг.
В этой работе очень много внимания художник уделил волосом модели. Он тщательно проработал их, а цвет фона и вуали прекрасно контрастирует с цветом волос. Они — главное украшение девушки. Несмотря на открытое тело, картина получилась в меру выдержанной, не откровенно эротичной. Есть предположение, что натурщицей выступила модель Герма, знакомая нам по картине «Надежда I».
Ток же исследователи склоняются к мнению, что на этой работе Климтом изображен персонаж древнегреческой мифологии, прекрасная нимфа Дафна. Наиболее известен миф о ней и Аполлоне — преследуемся им, охваченным к ней страстью, она — давшая обет целомудрия, взмолившись, была преврощена в лавровое дерево, ставшее священным у Аполлона.
Однако существует много аргументов против этой теории. Почему нет Аполлона, где намек на превращение Дафны в лавровое дерево? Где ветки на ее руках и листья, растущие из головы? Именно эти компоненты были частью стандартного репертуара в исторических изображениях Аполлона и Дафны.
Но это загадочное изображение действительно можно проследить до самых деталей. Хотя и очень необычным образом — из самого известного источника мифа об Аполлоне и Дафне, «Метоморфозам» Овидия. Климт концентрируется на психологическом состоянии молодой женщины непосредственно перед тем, как она превратится в дерево. Ее внешний вид во многом соответствует тексту Овидия. Распущенные, развевающиеся волосы; покрывало, сползающее с ее тела и раздуваемое ветром, конец которого оно прижимает к себе левой рукой; полуобнаженное тело и особенно ее «нежную грудь». которую описывал Овидий и похотливо подчеркивали многие живописцы.
Ее единство с природой отражено не только в цветущем лугу, окаймленном сверху лесом, но и в двух маргаритках в волосах. Нежные синие параллельные полосы вуали, вздутые в абстрактную геометрическую форму, напоминают текущую воду характерным символистским образом. Это, в свою очередь, нопоминает речного бога. И кажется, что Дафна поворочивается к нему, ее рот открыт, как будто она что-то говорит. Завеса, как поток воды, и цветущий луг покрывает большие плоскости изображения и номекает на стихии воды и земли, символизируя, таким образом, мифологических родителей несчастной нимфы
Водяные змеи II, 1904 г.
«Водяные змеи» — яркий образец эпохи модерна и своеобразная визитная карточка автора. Климт, как обычно, аллегоричен, он изображает обнаженных женщин в образе водяных жителей, женщин-змей. Образы женщин собраны в длинные гирлянды — кто-то плывет по течению, одна же, жгучая брюнетка, как будто, плывет наперекор воде.
Климт наделил своих женщин холодной красотой, бледной кожей и славянскими чертами. Украшением каждой женщины являются пышные шевелюры с вкраплением ракушек и цветных камней необычных водорослей, стилизованных художником.
Работа впечатляет необычным колоритом с необычным оттенком морской воды и водорослей, тех, что легли мягкой прослойкой между двумя красавицами, а черные края картины намекают на водные глубины, опасности и тайны, которые они могут содержать. Климт по своему неугомонен в красках, необычной для такого сюжета палитрой, контрастом и декоративностью создаёт неповторимое впечатление от этой работы. Несмотря на размеры полотна, Климт отлично чувствует его пространство, создает плотную компоновку, не оставляя пустот.
Многослойность деталей уничтожает скуку которая могла бы жить в повествовании о жизни подводных обитателей, а их олицетворение с женщинами — тем более.
Портрет Фритцы Ридлер, 1906 г
Наступление нового, «золотого» периода в творчестве Климта было спровоцировано его путешествиями по Европе. Побывав по Флоренции и Риме, он вдохновился техникой итальянских мастеров и привнес ее черты в свое творчество. Первой картиной, на которой художник опробовал метод, стал портрет Фрицы Ридлер, написанный в 1906 году. Позолота, подчеркнутая декоративность и рельефные орнаменты станут фирменным почерком Климта на ближайшие несколько лет.
Густав Климт, тонко чувствовавший внутренний мир модели, дополнял обычные женские образы символами эротического характера, с виду оказавшимися «невинным» орнаментом. На картине «Портрет Фрицы Ридлер» зритель «встречается» не с женой государственного чиновника, коей на самом деле была эта женщина, а скорее, со жрицей любви.
Голова модели находится на уровне орнаментального окошка, может быть, для того, чтобы получилось сходство с головным убором Марии Терезии, кисти Веласкеса. Только самые внимательные обнаружат, что сексуальная символика — «павлиньи глаза», образуют кресло, на котором восседает героиня, и с трансформацией этого предмета в орнамент исчезает его глубина и форма. Акцент золота, исчезнувший было из картин, проявился с новой силой.
Сложно определить, что эротического нашел художник в этой элегантной, но несколько разочарованного вида даме, да и искал ли он его вообще, но зрителя как бы зовут подсмотреть за героиней с помощью этих таинственных глаз. Может быть, психолог Климт разглядел во фрау Ридлер не столько спутницу важного чиновника, игравшую в его жизни роль «декора», а всего лишь женщину, истосковавшуюся по романтическим отношениям.
Портрет Адели Блох-Бауэр (Золотая Адель), 1907 г.
«Золотая Адель» долгие годы была самым настоящим национальным символом Австрии. По популярности и тиражируемости она ничуть не уступала другой знаменитой картине Климта — «Поцелую». Когда Австрии пришлось расстаться с картиной, это событие стало трагедией национального масштаба. Провожая «Золотую Адель» в США, многие австрийцы плакали, не стесняясь. На протяжении всего существования этого полотна его сопровождали интриги и скандалы.
Существует легенда, согласно которой Фердинанд Блох-Бауэр заказал Густаву Климту портрет своей жены Адель, узнав об их романе. Оскорбленный и униженный мужчина придумал идеальный план мести неверной супруге и ее любовнику. Он пообещал художнику астрономическую сумму за уникальное полотно, во время работы над которым Климту приходилось бы проводить вместе с Адель так много времени, что вскоре она ему бы просто опротивела. Блох-Бауэр был наслышан о многочисленных любовницах художника и о том, что ни одна из них не задерживалась рядом с Климтом надолго. В итоге «Портрет Адели Блох-Бауэр» стал не только выгодным капиталовложением, но и прекрасным способом отомстить жене, которая вынуждена была каждый день наблюдать, как угасает страсть ее любовника.
Когда в 1938 году Германия вторглась в Австрию, практически всем имуществом семьи Блох-Бауэр завладели нацисты. В годы Второй Мировой портрет ‘Адели скрывали от публики из-за явного еврейского происхождения модели, но после войны она заняла место в Галерее Бельведер. Единственная оставшаяся в живых представительница семьи Блох-Бауэр, племянница Фердинанда и Адели Мария Альтман, сбежавшая от преследования нацистов и ставшая гражданкой США, лишь в 1998 году узнала, что по завещанию дяди именно она является владелицей портрета. Так началась 8-летняя судебная волокита, ставшая причиной международного скандала. В конце концов, Марии Альтман удалось вернуть себе и «Золотую Адель».
Даная, 1907 г
В ряду мифологических произведений Климта картина «Даная» далеко обошла по популярности остальные работы.
Согласно мифической легенде прекрасная девушка Даная, ограждаемая царствующим отцом от любой возможности стать матерью, находится в заточении. Так повелел её отец, которому оракул предсказал смерть от руки внука. Однако Зевс‚плененный красотой Данаи, проник в ее темницу золотым дождем.
Критики, впервые увидевшие «Данаю», усердно подбирали самые язвительные выражения, считая картину олицетворением безнравственности, но у зрителя, даже с повышенными моральными требованиями, не возникает протестных настроений, появляющихся при виде данной картины. Большинство ценителей искусства даже отмечают чувство умиротворения, наступающее при созерцании запечатленной сцены.
Поцелуй, 1908 г
Густав Климт крайне редко покидал Вену. Его поездки в Париж можно буквально пересчитать по пальцам. Что же касается остальной Европы, казалось, она вообще мало интересовала художника. Исключением оказалась лишь Италия, а точнее — Равенна, откуда Климт в 1903 году привез свое страстное увлечение византийскими мозаиками. Использование золота и разнообразные орнаментальные узоры в работах старых мастеров нашли отражение в самом продуктивном и ярком «Золотом периоде» творчества Климта, в зрелом периоде, подарившем миру самые известные из его картин, в том числе и «Поцелуй».
Орнаменты, которые художник использует для изображения слившейся в любовном объятии пары, не случайны. На протяжении практически всего своего творческого пути Климт пытался донести до публики свое видение двойственности любви. Здесь он передает это ощущение, в частности, через разграничение мужского и женского. ‘Одеяние героя картины расчерчено четкими квадратами и прямоугольниками, в то время как наряд его возлюбленной украшен орнаментом, в котором преобладают более мягкие и «женственные» круги и спирали.
Интересны в «Поцелуе» и еще две детали. Во-первых, как и в большинстве других своих зрелых работ, художник не позволяет зрителю увидеть лицо героя. И во-вторых, примечательно то, что Климт изобразил на полотне не сам поцелуй, а лишь его ожидание, предвкушение. По одной из версий, картину заказал ему некий граф. Он дал художнику медальон с изображением своей возлюбленной и попросил изобразить их вместе. Но во время работы над картиной Климт неожиданно для себя самого влюбился в девушку с медальона. И поэтому вместо графа изобразил рядом с ней самого себя, скрыв лицо. И поэтому же пара на полотне не сливается в поцелуе, а пребывает в страстном любовном томлении.
Кусты роз под деревьями, 1905 г.
Розовые кусты под деревьями были созданы, как и большинство пейзажей Климта, во время летних каникул 1904 и 1905 годов, когда он остался в Лицльберге. Холст покрыт точками цвета и мелкими мазками кисти в стиле декоративного мотива или мозаики. Климтские пейзажи становились все более абстрактными, хотя он продол жал писать с натуры.
То, что наблюдал художник, просто служило стимулом. Настоящим предметом картины является сама живописная структура.
Основу композиции составляет листва над узкой горизонтальной полосой луга. По всей картине Климт распространил сеть небольших мазков краски от светло-зеленого до темно-зеленого с контрастными тонами розового, лилового и желтого. Это масса пятен растворяет элементы ландшафта до рудиментарных черт предлагаемые стволы деревьев и вариации цвета различных типов листьев позволяют опреде лить сцену как сад фруктовых деревьев. Небо только мелькает сквозь крошечные промежутки в верхнем, левом правом углах.
В отличие от импрессионистов, Климт не интересовался атмосферными переменами. Он предпочел черпать вдохновение из пластических решений нео-импрессионистов, используя свои знания французской живописи, чтобы развить очень личный, формальный язык. Наконец, его декоративная манера покрывает и заслоняет пейзаж нарочитым решетом, будто он был движим глубоко укоренившимся ужасом пустоты.
ЦВЕТОЧНЫЙ САД, 1905-1907 гг.
Хотя с самого начала своей карьеры Климт был широко известен своими аллегорическими композициями и женскими портретами, в 1890-х годах и позже пейзажная живопись становилась все более важным источником творчества Климта, в конечном итоге составив почти четверть его творчества. Этот сдвиг был частично вдохновлен крупной выставкой картин Ван Гога в галерее Митке в Вене, которую Климт посетил и которой очень восхищался. Увидев способность Ван Гога создавать яркие цветные пейзажи, используя чистую краску и несколько традиционных техник, Климт воодушевился, и он начал использовать гораздо более толстую кисть.
На этой картине мы видим крупным планом цветочный сад с его узкой перспективой и акцентом на окрашенной поверхности — что является проявлением любви Климта к узорам и дизайну. Буйство красок напоминает фоны некоторых из его монументальных фризов, таких как «Фриз Бетховена» (1902), выставленных здесь в преувеличенном изобилии. Пирамидальная структура придает форму интенсивности узоров, которые, кок и другие пейзажные работы Климта, играют на
поляризационном эффекте преобладающей оппозиционной красно-зеленой палитры. Тем не менее, Климт помещает странную ноту синего цвета в сердце этой композиции, чтобы она выступала в качестве фокуса в цветовой путанице.
“Цветочный сад” был продан за 59,3 миллиона долларов (48 миллионов фунтов стерлингов) на аукционе Sothbey’s произведений импрессионистов, модернистов и сюрреалистов в Лондоне 2 марта 2017 года — это рекордная аукционная цена за пейзаж художника.
Подсолнух, 1908г.
«Подсолнух» (нем. Die Sonnenblume) — пейзаж австрийского художника Густава Климта. Считается одним из лучших лирических произведений художника, посвящённых природе. Художник строго разделял портретный и пейзажный жанры, поэтому антропоморфный «Подсолнух» — самый яркий образец смешения жанров в творчестве художника.
Климт поместил возвышающийся на широком пьедестале из луговых цветов подсолнух на фоне плотного цветущего ковра близко х переднему краю картины так, чтобы он занимал всю её центральную часть. Приближенный к зрителю компактный задний план придаёт подсолнуху дополнительную монументальность. Помимо необычной композиции Климт применяет новую для себя живописную технику: тёмные краски насыщенных зелёных и красных оттенков нанесены густо и перекрывают друг друга, цветки оформляются не одним движением руки, с несколькими мазками.
Климт был знаком с «Подсолнухами» Ван Гога, которые участвовали в выставке импрессионистов, подготовленной Венским сецессионом в 1903 году. Но если Ван Гога интересовали цветовые изменения увядающих цветов, то Климт на вершине «золотого периода» в технике живописной мозаики написал величественный портрет гордого растения на золотистом фоне под стать его дамским портретам. Под влиянием «Подсолнуха» Климта молодой Эгон Шиле в 1909 году написал свой антропоморфный «Подсолнух», у которого климтовский гордый пафос растения сменился вялой безнадёжностью.
Усеянный золотыми искорками «Подсолнух» был написан в зените «золотого периода» в творчестве Климта специально для Венской художественной выставки 1908 года, где он демонстрировался в одном ряду с ещё незаконченным «Поцелуем» и «Золотой Аделью». В 1909 году «Подсолнух» участвовал в Х Международной художественной выставке в Мюнхене, в 1910 году — в [Х Венецианской биеннале, в 1914 году — выставке Союза чешсконемецких художников в Праге. До 1912 года пейзаж принадлежал сталелитейному магнату Карлу Випенштейну, затем его приобрёл советник по строительству Генрих Майер, которому наследовали супруга Парцер. В 2012 году «Подсолнух» был передан в дар галерее Бельведер по завещанию их сына, коллекционера Петера Парцера вместе с ещё одной работой художника — картиной «Семья».
3AMOK KAMMEP HA ATTEP3E I, 1908 г.
Данная картина является первой из четырёх картин под этим названием, созданных 1908-1910 годах на на вилле «Олеандр» в летнем загородном отдыхе Шерфлинг-ам-Аттерзе. Её Климт с семейством Флёге снимал у владелицы замка Каммер графини Кефенхюллер. «Замок Каммер на Аттерзе » отражает изменение живописи Климта, выразившееся в укреплении композиции и строго параллельной структуре картины.
Климт выбрал для пейзажа замка вид с мостков прилегавшей к вилле лодочной пристани, откуда за отражающей берег водной гладью озера Аттерзе через высокие пирамидальные тополя проглядывал кубический фасад Каммера. Художник сконструировал окрестности замка на пейзаже без учёта реального пространства. Узнаваемая церковная колокольня, которая возвышается на пейзаже рядом с замком, в действительности находится в Зевальхене. Её от замка отделяет дистанция около восьми сотен метров по воде, что художник скрывает бесконтурным изображением лесов и наложением сюжетных мотивов. Пейзаж впервые демонстрировался публике на Венской художественной выставке 1909 года. В ее отзывах он был назван «главным и блестящим произведением». В 1910 году пейзаж принимал участие в выставке Союза чешсконемецких художников в Праге. Там он был выкуплен у автора.
ДВОРЕЦ КАММЕР НА АТТЕРЗЕ III, 1910
Это полотно является третьим из серии картин о дворце Коммер. Замок просматривается с воды, чтобы создать яркую зернистую роботу с мутными желто-зелеными бликами.
Вначале Климт выходил на воду, чтобы рисовать. Но в последующие годы он стал одним из первых, кто владел лодкой, что вызвало местный резонанс. Он рисовал прямо на холсте, наслаждаясь свободой и сосредоточивался но выбранной сцене, глядя через бинокль.
Благодаря движениям лодки вдоль передней части стен замка создается прекрасное мимолетное ощущение, как будто мы можем только мельком увидеть великолепный дом между деревьями, пока лодка скользит по мерцающей воде, великолепно изображенной но переднем плане картины. Введение желтой крапчатости выступает доминирующим противовесом его обычной огромной палитре зелени, с которой теперь умело обращаются после многих лет исследований в области ландшафта и студийной роботы.
Надежда II, 1908 г.
Надежда II — картина Густава Климта, сделанная в 1907-1908 годах. Это вторая работа Климта, посвященная беременной женщине, изображающая Герму, одну из его любимых моделей. Первоначально названа «Видение Климта», но известна как «Надежда II» после более ранней работы «Надежда».
Климт написал тяжело беременную Герму в «Надежде I» в 1903 году, в которой она была изображена обнаженной. В «Надежда II» она носит длинное платье или плащ, украшенный геометрическими фигурами. У нее длинные каштановые волосы и закрытые глаза, голова склоненная к ее обнаженной груди и расцветающему животу. Неуместный человеческий череп появляется на передней части ее одежды — быть может, символ опасности родов или, возможно, скорой смерти (в Надежде I она также сопровождается черепом и несколькими смертоносными фигурами). В нижней части картины три женщины также склонили головы в молитве или же в скорби.
Семья (Мать с двумя детьми), 1910г
На картине изображен сюжет, многократно исследуемый в мировой живописи. Молодая женщина прижимает к себе своих детей, видимо, сына и дочку. Картину можно было бы назвать «Нежность», ведь столько умиротворения и спокойствия в этих бледных лицах. Но общая колористика картины заставляет зрителя подозревать нечто совершенно другое.
Основные цвета картины темные, если не сказать, мрачные. В этой массе темного цвета сложно различить фигуры, они сливаются в единый объем, слабо обозначенные отенками и полутонами. На щеках у детей румянец. При минимальном присутствии изобразительных элементов, Густав Климт дарит зрителю множество подсказок для понимания сюжета своей картины.
Портрет Адели Блох-Бауэр II, 1912г.
«Адель Блох-Бауэр II» называют вторым из величайших портретов Густава Климта, хотя
эта картина и менее знаменита, чем её «старшая сестра» — «Золотая Адель». Адель
Блох-Бауэр была одной из немногих, чей портрет Климт написал дважды. Если первый был
вершиной его роскошного «Золотого периода», то следующий представляет собой более
простую и красочную работу маслом на холсте. Художник изобразил героиню в полный рост
в широкополой шляпе и с волосами цвета воронова крыла. На ней светлое платье с синим
поясом и сложным узором на юбке. Пол под ногами Адель украшен пурпурным орнаментом,
а красочные панели за спиной состоят из розовых и зелёных цветочных паттернов в центре и
восточных мотивов вверху. Такой фон предполагает богато декорированный интерьер и
свидетельствует о высоком социальном статусе модели. Она предстаёт как гранд-дама, но в
её глазах таится меланхолия. Несмотря на богатство и привилегированное положение,
судьбу Адель Бауэр вряд ли можно назвать лёгкой.
Она была дочерью директора банка и железной дороги, а также женой сахарного
магната Фердинанда Блоха, который был на 17 лет старше её. Это был брак по договорённости, и он был бездетным после двух выкидышей и смерти ребёнка. Мария Альтман вспоминала свою тётю как «довольно холодную, интеллектуальную женщину», которая разбиралась в политике и была социалисткой. По своей инициативе Адель изучала немецкую, английскую и французскую классическую литературу. «Я помню её очень элегантной, высокой, темноволосой и тонкой. Она всегда одевалась в шёлковые белые платья и курила через длинный золотой мундштук», —
рассказывала Мария.
Адель обладала значительной социальной и интеллектуальной властью, будучи хозяйкой
своего еженедельного салона. Его посещали композиторы Густав Малер и Ричард Штраус,
писатель Стефан Цвейг. Адель Блох-Бауэр умерла от менингита в 1925 году всего 43-х лет от
роду. Когда Австрию в 1938 году аннексировали немецкие национал-социалисты, коллекция
Блох-Бауэров была конфискована. Оба портрета кисти Климта стали собственностью
галереи Бельведер в Вене, где оставались до 2006 года, пока не вернулись к Марии Альтман
— племяннице Фердинанда и Адели. Новая владелица выставила картины на аукцион в 2006
году. «Адель Блох-Бауэр II» купила телеведущая Опра Уинфри за 88 миллионов долларов.
АЛЛЕЯ К ЗАМКУ КАММЕР, 1912 г.
Густав Климт увековечил очаровательный замок Каммер на Аттерзее в нескольких картинах. На этой картине он решил изобразить вид на длинную аллею деревьев, ведущую ко входу в замок. Благодаря ракурсу ряды деревьев по обе стороны сильно привлекают зрителя и создают глубину. Это было необычно для одной из пейзажных картин Климта, которые вместо этого были в основном плотными и плоскими.
Однако Климт возвращается к своему типичному двумерному изобразительному стилю в изображении могучих верхушек деревьев. Они изображенх бесчисленными маленькими мазками цвета почти в пуантилистической манере, в сетчатой структуре без пространственной дифференциации. Пространственность и плоскостность помещены как бы в своего рода подвешенное состояние.
Цветовая палитра, выбранная Климтом для верхушек деревьев, весьма изысканна. Затененные области обычно имеют приглушенный синий цвет. Тогда как освещенные солнцем участки светятся приглушенным желтовато-зеленым цветом. Климт, очевидно, перенял это поразительное сочетание синего, желтого и зеленого, которое в то время редко использовалось в Вене, у французских импрессионистов и их предшественников. Новаторским текстом для распространения французских теорий цвета по всей Европе стала работа Эжена Шеврёля о «цветовых гармониях», ранее опубликованная в 1878 году в немецком переводе Фридриха Яннике.
Город Лицльберг на озере Аттерзее, 1914 г.
Климт отправил открытку 30 августа 1914 года своему племяннику Юлию Зимпелю, иллюстрирующую тот же мотив, что и в этой картине. Вид на Лицльберг с домами пивоваренного завода и Майр-Хоф возможен только с озера. Поэтому предполагается, что этот пейзаж был завершен в его студии в Вене, используя современную фотографию.
Портрет Фредерики Марии Беер, 1916г
Фридерика Мария Беер-Монти — американская галеристка австрийского происхождения, известная по портретам работы Эгона Шиле и Густава Климта.
На портрете Климта она одета в платье со стянутым шнуровкой подолом из шёлка понже «Марина» дизайна Дагоберта Пехе, опять же для Венских мастерских, и жакет из хорькового меха, её обновку той же марки. По настоянию Климта Фридерика Беер надела меховой жилет наизнанку, чтобы он мог запечатлеть на картине великолепную подкладку из цветного шёлка «Флора» дизайна Лео Блондера.
До этого Фридерике пришлось перемерить множество восточноазиатских костюмов, хранившихся в мастерской Климта. По словам портретируемой, рисунок фона с крупными фигурами и растительным орнаментом портрета Климт позаимствовал с имевшейся в его коллекции азиатской вазы. На картине и платье, и жакет, и фон конкурируют друг с другом. Глазу зрителя можно отдохнуть только на зелёном ковре в нижней части картины и чёрных волосах Фридерики, обрамляющих её лицо.
Девы, 1913г.
Картину «Девы» можно отнести к последнему периоду творчества Климта. Уже тогда художник стал отходить от о вычурного собственного декоративного стиля. От картины веет спокойствием и умиротворением.
На картине мы видим девушку, окруженную шестью обнаженными женщинами. Работа имеет несколько различных интерпретаций, касающихся основной фигуры. В основном эксперты сходятся на том, что Климт изобразил процесс превращения в женщину юной девы. Об этом свидетельствуют спирали на драпировке, символизирующие плодородие, и прикрытые ноги, указывающие на половую зрелость.
Сон спящей девушки, которую автор поместил в центре композиции, чист. И плоть пока не будоражит его своими взрослыми фантазиями. Поза, в которой она спит, выглядит сексуально. Но по лицу заметно, что девушка вряд ли грезит плотскими утехами.
Юный возраст героини тонко подчеркнут еле заметными краями ночной рубашки, выглядывающими из-под орнаментальной накидки-одеяла. Приходит период взросления, а с ним, и «взрослые» сны, переданные Климтом через полуобнаженных, явно более искушенных женщин.
Изображенные женщины парят на ложе, как облаке из сплетенных цветов, они фантазия и сновидения девушки. Чувства пробудились, и ряды женского мира пополнились еще одной новой, и непостижимой «загадкой». Вход в этот мир для мужчины закрыт. Да он и сам бы там долго не выдержал.
Привлекательность плоти создана автором за счет контраста между розовыми оттенками тел, тщательно и изящно выписанных, и «грубой» тканью, с ярким, но довольно примитивным рисунком.
Для Климта женщина — источник и символ вечной жизни. Обратите внимание, что Климт в росписи покрывала использует спирали , которые являются символом бессмертия, бесконечности и плодородия , а прикрытые ноги символизируют половую зрелось. По крайней мере, именно так эксперты оценивают эти знаки.
Смерть и Жизнь, 1908-1916 гг.
«Жизнь и Смерть» — аллегорическое произведение, на создание которого Густав Климт потратил 8 лет, с 1908 по 1916 гг. Оно повествует нам о вечном противостоянии между жизнью во всех ее проявлениях и смертью, ждущей своего часа поодаль. Вся композиция состоит из трех условных частей. На левой стороне художник поместил фигуру Смерти, на правой — группу людей, символизирующих собой Жизнь. Темное пространство между левой и правой частью картины отделяет их друг от друга, словно удерживая мрачного жреца и не давая ему раньше времени приблизиться к живым.
Для противопоставления своих персонажей Густав Климт использует как цвет, так и форму. Жизнь и Смерть на его картине узнаваемы с первого взгляда. Правый угол полотна сияет всеми цветами радуги, оттененными золотом. В этом своеобразном лоскутном коконе, символизирующем Жизнь, зритель видит лица безмятежно спящих детей и матерей, умиротворенно прижимающих их к себе, фигуры мужчины и женщины, слившихся в объятии, а также старуху, погрузившуюся в свои мысли. Преемственность поколений — то, что делает Жизнь победителем в этой извечной схватке.
Смерть на картине Климта «Жизнь и Смерть» представлена одинокой, чуть сгорбленной фигурой, наблюдающей за праздником Жизни со стороны. Ее скелет скрыт под бесформенным одеянием, украшенным черными крестами, кругами и прямоугольниками темно-зеленого и фиолетового цвета. Зрителю виден лишь череп, который слегка подался вперед, будто Смерть смотрит на происходящее с интересом и не прочь принять в этом участие. Ей известно, что однажды настанет ее час и она постепенно заберет всех — и молодых, и старых. Но пока она может лишь выжидать, угрожающе занеся свой смертоносный жезл.
Сегодня картину Климта «Жизнь и Смерть» можно увидеть в Музее Леопольда в г. Вена (Австрия).
Портрет женщины, 1917 г
«Портрет женщины» или «Портрет дамы» или «Женский портрет» был написан Густавом Климтом между 1916 и 1917 годами. Является единственной известной на сегодняшний день «двойной работой» художника. Изначально на ней была изображена женщина в широкополой шляпе, затем Климт переписал её.
С 1925 года полотно хранилось в Галерее современного искусства Риччи-Одди в городе Пьяченце (Италия). В 1997 году оно было похищено во время ремонта здания. После кражи картину называли «одним из самых разыскиваемых произведений искусства». С момента кражи периодически появлялась информация об её обнаружении, но найденные картины оказывались подделками. В декабре 2019 года оригинальное полотно было найдено музейными работниками в тайнике на территории самой Галереи. В январе 2020 г. его подлинность была подтверждена. На текущий момент стоимость картины оценивается в 66 млн долларов США.
В 1996 году 18-летняя студентка Клаудиа Мага, специализирующая по истории искусств, обратила внимание на схожесть поз женщин на картине «Портрет женщины» и на другой, считавшейся утраченной картине 1910 года. Она сделала фотокопии обеих работ, а затем с помощью кальки наложила друг на друга. Силуэты женщин идеально совпали. Свою догадку Мага озвучила директору музея, который решил провести рентгеновское исследование картины. После изучения полученных снимков, догадка студентки была подтверждена.
Портрет Иоганны Штауде (незавершенное), 1917 г
Одна из последних робот Густава Климта — портрет Йоханны Штауде. В частности, дизайн платья свидетельствует о том, что Климт не завершил картину.
Портрет, возможно, не был портретным заказом в традиционном смысле. Климт дружил с госпожой Штауде. И она, вероятно, позировала ему несколько раз, точно так же, как позировала Эгону Шиле.
Йоханна Штауде называла себя художницей, хотя мы не знаем ни о каких ее работах. О ее занятости известно немного. Что мы знаем, так это то, что какое-то время она работала в доме известного писателя Петера Альтенберга.
Так же видно, что Йоханна явно обладала определенным художественным чутьем. На это указывало ее экстравагантная внешность, особенно ее модная короткая прическа, и платье из ткани Wiener Werkstatte. Для Климта, который очень интересовался продукцией Wiener Werkstatte, рисунок ткани был достаточно важен, чтобы его можно было воспроизвести как можно точнее. Фон портрета он покрасил в оранжевый цвет, видимо, чтобы усилить эффект синей ткани блузки
Глаза мадам Стоуде сияющие, ярко-голубые. Только рот явно незакончен. Когда модель спросила, почему Климт так и не закончил эту картину, мастер якобы ответил: «Потому что ты никогда не вернешься в мастерскую».
Дама в белом
Девушка на картинке — эстрадная танцовщица? А может актриса? Никто не знает, но ее макияж намекает на такую интерпретацию
Картина, разделенная на темную и светлую треугольные области, является одной из последних работ художника. Тот факт, что Климт в разгар Первой мировой войны занимался только темами женской эротики и идиллических пейзажей, часто воспринимается как декадентство. На самом деле, однако, он хочет противопоставить мрачной реальности видение гармонии и любви, которое также можно понять как декларацию мира.
Юдифь II, 1917 г
В 1909 году Густав Климт принял решение написать еще одну картину с прекрасной Юдифь. Первый раз он изобразил её в своей картине «Юдифь и голова Олоферна». Первая картина имела не самые хорошие отзывы. Но художник решился на написание еще одного полотна с таким же сюжетом. Данная картина написана все в том же стиле, пропитанном эротизмом.
В полотне «Юдифь II» Климт показывает, какими сильными могут быть хрупкие представительницы слабого пола. В те годы, когда создавалось это произведение, Густав был любовником Адели Блох-Бауэр, именно её черты прослеживаются в героине этой картины.
Климта не сильно волновали плохие отзывы и скандалы, порожденные его первой версией Юдифи. Хотя она обидела как представителей еврейского общества, так и христиан. В этот раз он решил не делать подписи к этой картине. Он надеялся, что все и так поймут, кто же изображен на этом полотне. Прошлая же картина была оформлена в красивую раму с гравировкой ее названия. Из-за отсутствия названия тогда люди решили, что эта женщина не Юдифь, а Саломея, которая танцует для Иоанна Крестителя.
Созерцателям картины пришлось долго терпеть и ждать, когда же им покажут настоящее ее название. Довольно часто эта работа встречалась с именем Саломеи, но, когда народ узнал, что на картине изображена Юдифь, благочестивая дева, спасительница, в очередной раз представленная Климтом в порочном образе, в обществе снова пошли накал и агрессия.
Климт никогда не обсуждал свои картины, так же как и свою жизнь. Видимо, он доверял каждому по-своему трактовать детали картин, так же кок и их сюжет. До сих пор остается загадкой, что же общего видел Климт между настоящей Юдифь и образами, которые он для нее создавал.
Младенец, 1917 г
В письме от 11 августа 1917 года Эмилии Флёге Климт упоминает, что он начнет писать детский портрет. Только через два дня он сообщает Эмили, что портрет уже сделан, он закончил его сегодня. Портрет был написан для выставки в Стокгольме в сентябре 1917 года.
Эта картина — одна из немногих более поздних портретов Климто, в которых объект не встает. В его ранних работах изображаемый персонаж сидит в различных креслах. В тех работах, что были написаны после 1908 года, персонажи стоят. Картина лежачего ребенка позволила Климту поэкспериментировать с совершенно новой композицией. Он помещает одну геометрическую форму внутри другой. В квадратном формате большой треугольник, с головой ребенка на вершине.
Фон по обе стороны от него оброзует еще два треугольника. Покров ребенка — это масса узоров, в котором размахнулся изобретательный гений Климта. С цветами, спиралями, зигзагами и радужными арками контрастных оттенков. Он также разместил контрастные цвета рядом друг с другом. Оранжевый соседствует с синим, красный с зеленым и желтым с фиолетовым.
Портрет Мады Примавези, 1912 г
Мада Примавези была дочерью банкира, промышленника и мецената Отто Примавези и актрисы Евгении Примавези, которую Климт написал в 1913 году. Ряд предварительных карандашных эскизов к портрету Мады, теперь в публичных и частных коллекциях, показывают, что композиция развивалась, когда художник экспериментировал с альтернативными позами и фонологическими мотивами.
Климт был частым гостем на вилле семьи Примавези в Олмуц (Моравия). Очевидно, там и родилась идея написать портрет Мады и Евгении. Густав начал работу над портретом Мады 18 февраля 1912 года, и закончил под рождество 1913 года. Няня Мады вспоминала, как все начиналось. Климт сообщил из Вены открыткой, что заказал для девочки платье у дизайнера и своей подруги Эмилии Флёге. Она разрабатывала одежду и для детей. Когда же начались сеансы, Мода была, пожалуй, единственным ребёнком, которому разрешалось двигаться во время этих долгих визитов в студию. Так как девочке было всего девять лет, она, естественно, очень быстро уставала. Сама Мада вспоминала, что когда ей было скучно, она играла, заворачиваясь в китайские ткани, которые были во множестве вокруг. Много позже, когда её спрашивали о количестве набросков, она отвечала «Их было сотни!».
В 1987 году Мада приезжала в Метрополитен музей в Нью-Йорке, где хранится её портрет.
Портрет Амалии Цукеркандль (незавершенное), 1918 г.
Амалия Цукеркандль была женой Отто Цукеркандла, известного уролога. Его брат был женат на журналисте Берте Цукеркандл, которая была великим сторонником Густава Климта.
