Мозаики на часовне Сергия Радонежского

Мозаики С.Ю. Шишкова украсили фасад Музея Н.К. Рериха в Новосибирске и мемориал-часовню Преподобного Сергия Радонежского на территории музея. Эти мозаичные изображения стали вершиной творчества художника, о них он говорил как о «самом удачном, что ему удалось в жизни сделать».

В часовне установили четыре мозаики С.Ю. Шишкова: в центре над входом — изображение Сергия Радонежского со знаменитого шитого покрова раки;

по бокам от него — мозаичные изображения на сюжет пророческого видения птиц Преподобному Сергию.

Внутри часовни — выполненная в мозаике картина Н.К. Рериха «Cвятой Сергий Радонежский» (1932).

По замыслу самого Николая Константиновича, она могла предназначаться «для цветного стекла», то есть быть осуществлена в виде витража или мозаики из смальты (таким образом в Новосибирске этот замысел был реализован).

В нижней части панно славянской вязью приведены слова Рериха: «Дано св. Преподобному Сергию трижды спасти Землю Русскую…».

Мозаики на фасаде музея Н.К. Рериха

В 2017 году на фасаде Музея Н.К. Рериха установили две мозаики Сергея Юрьевича Шишкова. Первоначально – панно, выполненное по мотивам картин Н. К. Рериха «Кулута» (1936) из серии картин «Гималаи».

Свои работы Шишкова выполнил в уникальной технике. Использовались целые блины смальты (обычно их режут на кусочки). Также необычность этих панно в том, что автор использовал очень разные по размерам элементы — от огромных блинов до мельчайших кусочков. Обычно размер элементов мозаики более однороден. Здесь же сочетание крупных и мелких элементов замечательно передает живописность горных пейзажей Рериха, разнообразие фактур.

Строго геометричные угловатые элементы неба своими параллельными плосами создают эффект дождя или солнечных лучей.

К 10-летию музея состоялось торжественное открытие другого панно, выполненного по мотивам картины Н.К. Рериха «Странник Светлого Града» (1933).

На картине высечено стихотворение «Россия» Наталии Дмитриевны Спириной — основательницы Сибирского Рериховского Общества и музеев Рериха.

The post Мозаики на музее Рериха appeared first on Блог Милы.

Здание обращено своим главным (юго-восточным) фасадом на красную линию ул. 1905 года (бывшей Переселенческой). Западным фасадом примыкает к двух этажному дому смешанного типа, памятнику истории (ул. 1905 года, 13).

Здание представляет интерес, являясь примером жилой городской застройки Новониколаевска начала XX века.

Дом был построен Гороховым в 1910 году на участке № 13 в квартале № 7 Вокзальной части Новониколаевска по ул. Переселенческой, заселявшейся, в основном, работниками железнодорожного транспорта. В исторических документах среди первых хозяев дома упоминается машинист Андрей Кириллович Казберук.

Архитектура дома по улице 1905-го года, 15

Одноэтажный, прямоугольный в плане объем с подвалом, дополненный со стороны северо-восточного фасада дощатым тамбуром, выполнен в простых формах. Цоколь кирпичный. Особенностью здания является мезонин, возведенный над средней частью дома.

Стены из бревен рублены «в обло» и обшиты рустованным тесом в горизонтальном направлении. Углы и узловые сопряжения закрыты профилированными лопатками. Крыши основного объема стропильные, кровля железная. Крыша мезонина двускатная, крыта железом.

Окна первого этажа обрамлены наличниками с филенчатыми ставнями. Наличники украшены пропильной резьбой растительного орнамента и сверху завешены профилированными карнизиками с наклонной полочкой. Междуэтажный пояс декорирован зубчиками.

Окна подвального этажа завершены сандриками. Мезонин увенчан треугольным полуфронтоном,
в тимпане которого расположена резная розетка.

Венчающий карниз украшен резьбой геометрического орнамента.

Вход в основной объем расположен со стороны главного фасада.

Внутренняя лестница спуска в подвал с ограждением из точеных стоек-балясин и профилированным поручнем. Со стороны северо-западного фасада расположена деревянная лестница входа в мезонин с ограждением из точеных стоек-балясин, с профилированным поручнем.

Габариты основного сруба в плане: 19,5 × 8,9 м.

Здание восстановлено после пожара 1989 г.

The post Дом по улице 1905-го года, 15 appeared first on Блог Милы.

Здание построил в 1910 году, вероятно, владелец соседнего дома Горохов.
До 1924 года владельцем дома была семья Кузьминых. Позже владелец дома и представитель Сибкрайсоюза подписали нотариальный договор о продаже строения.

Здание, связанное с ранним этапом деятельности А. Н. Косыгина, также представляет интерес как образец жилой городской застройки Новониколаевска начала XX века.

А.Н. Косыгин

Дом хранит память о видном деятеле государства советского периода Алексее Николаевиче Косыгине (1904–1980), дважды Герое Социалистического Труда. Судя по историческим документам, в 1929 году А. Н. Косыгин уже жил в этом доме, который купил Сибкрайсоюз для проживания
своих сотрудников.

А. Н. Косыгин родился в Санкт-Петербурге в семье токаря. В 15 лет добровольцем записался в Красную Армию. После гражданской войны учился в Петроградском кооперативном техникуме. В Новосибирске начиналась его трудовая биография. После окончания техникума 4 года работал в системе потребкооперации в Новосибирске и одновременно преподавал в кооперативном техникуме. Член ВКП (б) с 1927 года.

В 1930 году он уехал на учебу в Ленинград. Последний раз А. Н. Косыгин посетил Новосибирск в 1969 году в ранге председателя Совета Министров СССР. За заслуги перед государством А. Н. Косыгина наградили шестью орденами Ленина, орденом Октябрьской Революции, орденом Красного Знамени.

Архитектура здания

Основной, прямоугольный в плане, двухэтажный дом со стороны северо-западного фасада имеет двухэтажную деревянную пристройку. Первый этаж кирпичный (кроме стен северо-западного и юго-западного фасадов), второй – деревянный, рублен из бревен «в обло», частично «в лапу». Фундаменты основного объема ленточные бутовые. Крыша четырехскатная, крыта железом.

Особенностью является сквозной проезд в усадьбу в левой части здания, позднее переделанный в окно.

Декоративное оформление фасадов лаконично. Окна первого этажа с лучковым завершением имеют перемычки того же очертания с замковым камнем. А окна второго этажа декорированы наличниками с накладными деталями.

Фриз и венчающий здание карниз на резных кронштейнах украшены пропильной резьбой. Ворота восстановили по проекту ремонтно-реставрационных работ, выполненных в 1990 году.

Основные габариты в плане: 10,7 × 12,5 м

The post Дом по улице 1905-го года, 13 appeared first on Блог Милы.

В выставочных залах представлены столовые приборы из различных материалов и разных эпох: от I тысячелетия до нашей эры до изысканных экземпляров XXI века. Среди экспонатов – шедевры ювелирного искусства: ложки, созданные русскими и европейскими мастерами в XIX–XX веках.

Также экспонируются ложки, принадлежавшие выдающимся жителям Ново-Николаевска и Новосибирска, ложки времён Великой Отечественной войны: именные столовые приборы бойцов Красной армии и трофейные экземпляры из Европы.

Экспонаты выставки собраны из фондов Краеведческого музея и Союза коллекционеров Сибири, а также частных собраний. Часть предметов экспонируется впервые. Также представлена инсталляция, сделанная из ложек, принесенных новосибирцами в музей в рамках акции.

Древние ложки

Развитие человеческого общества всегда было связано с возникновением новых, необходимых человеку орудий быта. Одним из них и стала ложка.

Точная дата её появления неизвестна, но, по всей видимости, она возникла в процессе поиска удобного способа употребления жидкой пищи. Изначально древние люди в качестве столовых приборов использовали твёрдые лепёшки из злаков. Сворачивали их и зачерпывали ими еду.

Однако это не было полноценным решением проблемы. Был необходим специализированный прибор.

Самые древние ложки, которые дошли до наших дней, датируются эпохой неолита — 10-ю тысячелетиями назад. В это время их создавали из дерева, обожжённой глины, костей или рогов животных.

Коренные народы Сибири, такие как алтайцы, хакасы, шорцы, ханты, манси, тофалары и селькупы мастерили ложки из хвойных или лиственных пород деревьев.

Также для изготовления столовых приборов иногда использовали бересту, корневища или наросты на стволе дерева.

Использовали ложки не только для еды, но и для разлива жидкостей или замешивания теста.

Крупные ложки-ковши применяли для зачерпывания воды. Эти ложки часто входили в арсенал охотников для длительных походов по тайге.

Чайные и кофейные ложки

XVII и особенно XVIII века стали эпохой открытий новых морских путей и земель. В это время в Европе и России появились и начали распространяться ранее неизвестные напитки: чай, кофе и какао. Их популярность привела к открытию кофейных, чайных домов и салонов.

Новые продукты требовали специальной посуды и столовых приборов. Чаще всего сервиз для чая или кофе включал набор чашек и блюдец, чайник или кофейник, сахарницу и сливочник.

Традиция кофе- и чаепития способствовала появлению кофейных и чайных ложек, похожих по форме на большие столовые, но вполовину короче. Во время размешивания сахара в чашке их полагалось держать двумя пальцами.

Специальные приспособления использовали для приготовления и употребления самого дорогого и экзотического напитка того времени — горячего шоколада.

Чайные наборы XIX — начала XX веков

В XIX веке в Европе и Российской империи традиции чаепития пользовались огромной популярностью. Мода на этот ритуал пришла из Англии и с развитием торговых связей превратилась в неотъемлемую часть русской культуры.

Поэтому чайные наборы столовых приборов в XIX – начале XX веков считались не только прекрасным подарком, но и показателем достатка их владельца.

Следуя европейской традиции, чаще всего комплекты чайных приборов изготавливали на 12 персон.

Спросом пользовались и небольшие индивидуальные наборы для тех, кто особо ценил уединённые чаепития. Такой комплект состоял из совка для зачерпывания чайных листьев, ситечка для заваривания и чайной ложки.

Дополнительными аксессуарами служили изящные вилки для лимона и щипцы для аккуратного захвата сахарных кусочков — эти мелочи превращали обычное чаепитие в изысканную церемонию и подчёркивали вкус и статус хозяина дома.

Ложки и сервизы

Классические чайные, кофейные, столовые сервизы и наборы приборов чаще всего были рассчитаны на 6 или 12 участников застолья. Количество персон выбрано неслучайно. Дюжина всегда считалась числом символическим и часто встречалась в различных культурах: 12 месяцев в году, 12 знаков зодиака, 12 олимпийских богов.

В базовый набор столового сервиза обычно входили глубокие, закусочные и пирожковые тарелки, супница, блюда для мяса и рыбы, салатница, селёдочница, соусник, ёмкости для соли и перца.

Во времена СССР особой популярностью пользовался сервиз «Мадонна». Он олицетворял достаток и благополучие советской семьи.

Изображения на этом сервизе взяты с картин швейцарской художницы XVIII века Анжелики Кауфман и рассказывают истории мифических персонажей — Юпитера, Дианы, Купидона и Каллисто. Существует несколько вариантов набора «Мадонна». Они различаются по составу, количеству предметов и цветовой гамме.

Ложки в разные эпохи

Прототипами ложек у древних народов были раковины моллюсков, ореховая скорлупа, расколотые кости животных или свернутые пополам листья растений.

Коренные народы Сибири активно использовали ложки в культовой практике. С их помощью окропляли молоком присутствующих на обряде, а также кормили духов и божеств. Культовые ложки часто изготавливали из разных пород дерева. Их размеры были больше, чем размеры обычных ложек.

История появления деревянных | ложек на Руси связана с именем князя Владимира, который в целях повышения культурного уровня населения, издал указ о том, что пищу следует употреблять только с помощью специальных приборов.

В эпоху Возрождения и барокко столовое серебро служило символом высокого положения. По умению пользоваться столовыми приборами представителей знати отличали от простолюдинов.

В первой половине XIX столетия алюминиевые ложки считались предметом роскоши. По легенде, за столом Наполеона III их подавали только императору и самым почётным гостям, в то время как остальные ели позолоченными.

Серебряные ложки

ХІХ век в Российской империи стал временем бурного расцвета ювелирного искусства. Особенно популярной в это время стала серебряная посуда.

Она считалась одним из самых желанных подарков и преподносилась только по особым случаям. Постепенно столовое серебро приобретало статус семейной реликвии.

Изделия украшали художественной росписью по металлу, известной как эмаль или финифть.

Она представляла собой стекловидную массу, окрашенную окисями металлов в разнообразные цвета и оттенки. После нанесения рисунка столовые приборы обжигали, отшлифовывали и полировали до блеска.

Ещё одним способом декорирования серебряных изделий были зернь и филигрань украшение, выполненное из тонкой проволоки, которая скручивалась в невероятно красивый ажурный узор.

После изготовления завиток накладывали на поверхность ювелирного изделия и припаивали к нему.

Зернью же называли мелкие шарики из металла, которые напаивали в подготовленные углубления на изделии.

При создании великолепных ювелирных произведений филигрань и зернь всегда используются вместе.

Серебряные изделия также декорировали чернением искусственным декоративным покрытием легкоплавкого сплава чёрного цвета.

Коллекционные ложки

Коллекционные ложки занимают особое место среди подарков и предметов для увлечённых собирателей. Такие столовые приборы обычно выпускаются в виде ограниченных серий, посвящённых разным темам и событиям.

Одной из самых распространённых тем в русской культуре и искусстве считается изображение сказочных сюжетов. Безусловно они нашли своё отражение и в коллекционных ложках.

В конце XIX — начале XX веков на ювелирной фабрике братьев Грачёвых в Петербурге был создан комплект, состоящий из чайной ложки и подстаканника по мотивам «Сказки о рыбаке и рыбке» Александра Сергеевича Пушкина.

В более поздний период, уже в советское время, Красносельская ювелирная фабрика в Костромской области создала десертный комплект по сказке «Репка» и популярную серию «Колобок», которая пользовалась большой популярностью у населения и разошлась по всей стране.

Позже появились коллекционные серии ложек, посвящённые городам России, историческим событиям, выдающимся личностям, а также героям мультфильмов и литературных произведений.

Специальные ложки

Многообразие ложек поражает:

столовая, чайная, барная, десертная, кофейная,

ритуальная, ложка-вилка – всего более 40 видов.

Для соли

и горчицы,

для икры

и морепродуктов,

для меда и заваривания чая,

мерные и лабораторные…

Материалы и художественное оформление ложек также разнообразны.

Фронтовая ложка

Во время войны среди солдат, помимо оружия, высоко ценились три вещи: сапёрная лопатка, котелок и ложка. В Красной Армии эти предметы выдавали каждому новобранцу, однако многие предпочитали брать на фронт столовые приборы из дома. Считалось, что они, как талисманы, помогут быстрее вернуться к родным.

Чтобы не перепутать ложки, на них выцарапывали гравировку — инициалы, год рождения и номер военной части. Впоследствии это помогало установить личность бойца в случае его гибели.
Уставную ложку красноармейцев, известную как «КВ» — сокращение от названия завода «Красный Выборжец», производили с 1920-х годов.

Предполагалось, что столовый прибор солдаты должны носить в котелке. Однако грохот от ложек в посудине во время марша или просто при ходьбе стоял такой, что о передвижении войск знала вся округа.

Поэтому обычно солдаты носили ложку за голенищем — так она всегда была под рукой и не мешала в бою или на марше.

Помимо уставной ложки, среди бойцов также были распространены трофейные немецкие складные ложки-вилки, а также оловянные ложки времён Первой мировой войны.

«Ложка» для обуви

Приспособление, которое облегчало процесс надевания обуви — в народе «ложка» — появилось в Европе в эпоху Возрождения.

В те времена представления о моде были достаточно строгими, и монархи могли запрещать своим подданным носить те или иные вещи. Одним из таких табу был приказ английского короля Генриха VIII, согласно которому запрещалось носить обувь шириной более 15-ти сантиметров. Узкие туфли было сложно надевать и снимать, поэтому были созданы специальные рожки для обуви.

Такие приспособления считались символом аристократизма и богатства, а также приравнивались к произведениям искусства. Материалом для изготовления обувных рожков служила дорогая слоновая кость или серебро, украшенное множеством драгоценных камней.

Внешне предмет также отличался от современных аналогов: не был сплошным и закруглённым, а представлял собой лопасть, прикреплённую к длинной ручке. Рожок напоминал известный столовый прибор, и, возможно, именно из-за этого сходства в народе прижилось более простое название.

Музыкальные ложки

Ложка — это не только столовый прибор, но и русский ударный музыкальный инструмент, относящийся к группе идиофонов, то есть предметов, издающих звуки за счёт собственной вибрации.

Классический набор для игры на ложках включает в себя от 2-х до 5-ти предметов, различающихся по размеру. Часто их сложно отличить от обычных столовых приборов. Однако музыкальные ложки изготавливаются из более твёрдых пород дерева, имеют толстые стенки и удлинённую ручку, а также тщательно отполированы.

Первое подробное описание этого музыкального инструмента было найдено в документе XVIII века, однако на ложках играли и в более ранние периоды. Делали это в основном крестьяне, которые не были обучены грамоте, поэтому документальные Доказательства данного факта отсутствуют.

Пиком же развития ложек как русских народных музыкальных инструментов стал XIX век. Они стали неотъемлемой частью народных оркестров и ансамблей, а сольные исполнители часто превращали свой номер в яркое представление с песнями, плясками и сложными трюками.

The post Выставка Обычные вещи. Ложки appeared first on Блог Милы.

Основным декоративным элементом интерьеров дворца культуры служит барельефное панно «История развития воздухоплавания и космонавтики», расположенное на глухой стене фойе на втором этаже.

Эту картину создали скульптор-керамист Валерия Семёнова и художник-монументалист Герман Черёмушкин. Работа поражает своими размерами — в длину она больше десяти метров. 

Миф о русском Икаре

Начинается история воздухоплавания с мифа о «русском Икаре» — холопе Никите, якобы жившем в XVI веке. По легенде, 17-летний парень совершил первый полёт на деревянных крыльях, прыгнув с 50-метровой Распятской колокольни Успенского монастыря.

Дирижабли

Первый в Российской империи технически обоснованный проект большого грузового дирижабля был предложен в 80-ых годах XIX века Константином Эдуардовичем Циолковским. А в 1908 году в воздух поднялся первый отечественный дирижабль, который назвали «Учебный».

Кукурузник

Кукурузник —  советский многоцелевой биплан У-2 (с 1944 года По-2, Поликарпов-2). Кстати, это один из самых массовых самолётов в мире. Строили серийно с 1929 до 1953 года, построили 33 000 машин.

Самый массовый самолет

Ту-154 — самый массовый самолёт отечественного производства. Он совершил свой первый полёт в 1968 году. Между прочим, до конца 2000-х годов оставался одним из основных самолётов на маршрутах средней дальности страны.

Первый пассажирский сверхзвуковой самолет

А 1977 году начали эксплуатация первого в мире сверхзвукового пассажирского самолёта Ту-144. Первый испытательный полёт совершил 31 декабря 1968 года, тогда как британско-французский «Конкорд» совершил первый испытательный полёт 2 марта 1969 года.

Выход человека в открытый космос

Завершается композиция выходом человека в открытый космос. В 1965 году человек впервые в истории вышел в безвоздушное пространство. И совершил это летчик-космонавт СССР, второй пилот космического корабля «Восход-2» Алексей Леонов.

Между прочим, это яркое, но с чувством общего колорита, грубовато-суровое по пластическим формам, панно как цветовое пятно просматривается в вечерние часы через витражное ограждение фойе, освещенное электричеством, с проспекта Дзержинского.

The post Панно История развития воздухоплавания и космонавтики appeared first on Блог Милы.

Стены и колонны облицованы мрамором, пол гранитный. Станция «Речной вокзал» формирует самый крупный в городе пересадочный узел — от неё можно уехать на всех видах наземного общественного транспорта. Станция соединена метромостом и эстакадой с левым берегом реки.

Архитектурное решение символизирует простор и красоту великой сибирской реки Обь. Но самое интересное в ней – это цветные витражи, символизирующие неповторимый облик сибирских городов. Автор витражей — Владимир Петрович Сокол — художник монументально-декоративного искусства.

Десять круглых подсвеченных изнутри витражей по задумке архитектора – это иллюминаторы корабля, плывущего по Оби, через которые можно увидеть сибирские города, расположенные на её берегах.

Витражи подсвечены изнутри, это позволяет хорошо рассмотреть рисунки. Посвящены они старейшим городам Сибири.

Новосибирск

Новосибирск: в дополнительном описании не нуждается. Это самый молодой город из тех, что представлены на витражах.

Основан в 1893 году, статус города получил в 1903. До 1926 года носил название «Новониколаевск». На настоящий момент Новосибирск является крупным торговым, транспортным, деловым, культурным, образовательным и научным центром Сибири.

Томск

Томск: Старейший в Сибири, основан в 1604 по личному повелению царя Бориса Годунова. Изначально был уездным городом Тобольского разряда, а в 1629 году стал главным городом Томского разряда. В 1719 году вошёл в Енисейскую провинцию, в 1726 году — в Тобольскую, а в 1782 году получил статус областного города Тобольского наместничества. Сегодня Томск — крупный образовательный, научный и инновационный центр в Сибири. Одно из его богатств — памятники деревянной и каменной архитектуры XVIII—XX веков.

Барнаул

Барнаул — столица и административный центр Алтайского края. Основан в 1734–1735 годах в месте впадения реки Барнаулки в Обь. Изначально развивался как посёлок при сереброплавильном заводе Акинфия Демидова. Сейчас это мощный транспортный узел, промышленный, культурный, медицинский и образовательный краевой центр.

Бийск

Бийск — город в Алтайском крае. Появился по указу Петра I в 1709 году на реке Бия как Бийская крепость. В 1782 года получил статус уездного города. А в 1786 году уездный центр перенесли в Барнаул. В настоящий момент- крупный научный и промышленный центр Южной Сибири, второй по величине и старший по возрасту город Алтайского края. Наукоград.

Новокузнецк

Новокузнецк- один из старейших городов Сибири, основанный приблизительно в 1617-1618 годах как Кузнецкий острог возле впадения реки Кондомы в реку Томь. В 1620 году острог перенесли на высокую террасу правого берега Томи (в этом месте теперь расположена Кузнецкая крепость). Сейчас первый город в Кузбассе по площади и второй — по населению, угольная столица Сибири, центр Кузбасса.

Омск

Омск: Второй по величине город Сибири. Основан в 1716 году на берегах рек Иртыш и Омь. В 1919-1920 годах, в период верховенства белой армии под командованием Колчака, город был столицей Государства Российского. Сейчас это город-миллионник, крупный научный центр, претендующий на звание третьей столицы.

Тюмень

Тюмень: Первый русский острог в Сибири. Основан в 1586 году на пересечении древних торговых путей, соединяющих Европу с Азией. Неофициальная нефтегазовая столица России и столица Западной Сибири в этом году отпраздновала 436 лет со дня образования города.

Сургут

Сургут основан на правом берегу Оби по указу царя Фёдора Иоанновича в 1594 году. Деревянный рубленый город с двумя воротами, четырьмя глухими и одной проезжей башнями построили за считанные недели. В нём разместили воеводский двор, пороховой погреб, тюрьму, государевы амбары, Троицкую церковь, а позднее — гостиный двор. Население составляло 155 служивых людей. Сегодня это один из важнейших промышленных центров Сибири, негласная «нефтедобывающая столица» России.

Тобольск

Тобольск: один из самых старых сибирских городов, основанный в 1587 году как центр освоения Сибири. С 1708 года значился столицей Сибирской губернии, простиравшейся от Урала до Тихого океана.. Сейчас город в Тюменской области., именуется духовной столицей Сибири.

Мангазея

И если с этими городами всё более – менее понятно, то что же за такой странный город Мангазея?

История этого города окутана множеством тайн и легенд. Считается, что это первый русский город за Полярным кругом. Оказывается, у нас на Оби существует два загадочных исчезнувших древних города: Грустина и Мангазея. Следов Грустины так и не нашли, а вот о Мангазеи сохранились некоторые данные.

Основана Мангазея была в начале XVII века на севере Западной Сибири, на реке Таз (современный ЯНАО). Это был первый русский город Заполярья. И за свое недолгое существование – всего 70 лет, она успела стать легендой Ямала. Словно яркая комета этот город сверкнул в истории России. Мангазию называют русский Клондайк, «золотая жила», «златокипящая государева вотчина». Она исчезла с карты Сибири и чуть было не превратилась в миф. И только археологические раскопки ее остатков в 1968 году приоткрыли завесу тайны и истории, погребенной под слоем почти четырех столетий. Это был невероятно богатый торгово-купеческий город, когда – то приносивший небывалые доходы царской казне от пушного промысла и торговли. Заморские купцы не раз пытались попасть сюда – привлекала их баснословная роскошь, ибо в то время соболь был дороже золота. Торговые связи выходили далеко за пределы России.

Из-за государственной монополии на пушнину, запрета северного морского пути город пришёл в упадок и был официально упразднён в 1672 году. Есть несколько версий происхождения названия города. По мнению этнографа Виктора Васильева, «молгонзеями» называли современный самодийский народ энцы (от энецкого рода Монгкаси).

The post Витражи станции Речной вокзал appeared first on Блог Милы.

Среди привычных глазу дорожек, аллей и лавочек уютно устроились Царевна-лягушка, Ученый Кот и Золотая Рыбка. 4 сентября 2024 года здесь состоялось торжественное открытие.

Изначально здесь стояли заброшенные гаражи, росли аварийные деревья.

Деревья вырубили, а гаражи вывезли, и появилась площадка, которая превратилась в сказочный сквер.

Здесь появились герои русских и советских сказок, которые все мы знаем с детства и читаем своим детям.

Это и Двое из ларца, и Золотая Рыбка, и старик со старухой, и Царевна-лягушка, и Конек-Горбунок.

Автор сказочных персонажей — скульптор из Бердска Илья Давыдов.

Вместе с напарником Иваном Степанцовым сделали и лавки, и фигуры.

Над проектом работали около 2 месяцев, на изготовление одой фигуры могло уйти порядка недели.

Героев прорабатывали так, чтобы они подольше простояли и не ломались.

Их покрыли масло-воском, поэтому они могут прослужить не один десяток лет.

Между прочим, в Железнодорожном районе Новосибирска установлены уже более 20 работ мастера.

Скамейки в сквере

Кроме деревянных скульптур, на территории сквера появились и три резные скамьи.

Скамейки, конечно же, также выполнили в тематике русских сказок. Например, на скамье под названием «Вдохновение» установили спинку в виде волшебного пера, а также вырезали образ Кота ученого.

Гостей сквера также приглашают отдохнуть рядом с грустным Иваном Царевичем

и между трогательным Стариком и Старухой.

Кстати, в сквере посадили уникальные для Новосибирска виды деревьев. Из Донецкого ботанического сада прибыли можжевельники и гинкго билоба, из Санкт-Петербурга – редкая разновидность ивы. Саженцы перезимовали и прижились.

Муралы в Сказочном сквере

В планах также создать мурал на всех стенах местной ТПУ.

Пока что рисунок нанесли только с двух сторон. А нанесли на стены иллюстрации к русским сказкам знаменитого русского художника Бориса Зворыкина.

Между прочим, для мурала применили современную технологию Urban-фреска.

The post Сказочный сквер в Новосибирске appeared first on Блог Милы.

Презентация «Деревья Центрального парка»

Дуб черешчатый или обыкновенный

Дуб черешчатый. Его древесину используют в мебельном производстве, строительстве, судостроении; кору и листья применяют в народной медицине, а плоды в сельском хозяйстве.

Может дожить до 2000 лет, но обычно живёт 300–400 лет. Начинает плодоносить с 40–60 лет.

Береза повислая

Береза повислая. Почки и листья березы активно применяются в медицине. Кора берез имеет белый цвет благодаря смолистому веществу бетулину. Оно защищает дерево от неблагоприятных внешних факторов, в том числе от паразитов.

Семена березы исключительно легкие – 5000 семян весят около 1 грамма, поэтому легко разносятся ветром.

Рябина обыкновенная

Рябина обыкновенная. Является одним из самых морозоустойчивых деревьев, способных выдерживать очень низкие температуры.

Плоды рябины богаты витамином C и другими полезными веществами. Они используются в кулинарии и медицине. Выведены культурные сорта, которые почти не горчат.

Сосна кедровая сибирская

Сосна кедровая сибирская. Кедр способен доживать до 800 лет. Высота достигает 45 м при максимальном диаметре ствола – 2 м и более.

Кедровые орехи с научной точки зрения не являются орехами, поскольку голосеменные растения вообще не могут иметь плодов — это просто семена. Но такое название издавна закрепилось в народе, а затем и в кулинарии. Плодоносить начинают на 60-м году своей жизни, а чтобы плод полностью созрел, требуется не менее 15 месяцев.

Сосна обыкновенная

Сосна обыкновенная. Ценный камень янтарь — застывшая смола древних сосен. Может прожить до 500 лет и даже более.

Играет важную роль в очищении воздуха от загрязнений. . Ее древесина используется в строительстве, производстве мебели, бумаги, а также как источник древесного угля и смолы.

Ель обыкновенная

Ель обыкновенная. Вынослива к экстремально низким температурам зимой.Сильные снегопады для ели – не помеха. Её тонкие и гибкие ветви под тяжестью снега нагибаются… и стряхивают его!

Ель имеет свойство давать новые побеги-клоны из корней отмерших стволов. Возраст самой старой известной ели с учётом клонов достигает 9550 лет.

Лиственница сибирская

Лиственница сибирская. В высоту дерево может вырастать до 35-40 метров. Единственное из хвойных сбрасывает на зиму зеленый покров.

Славится своей способностью выдерживать сильнейшие морозы до -65°. Способно долго находиться в воде, становясь лишь крепче и тверже. На лиственничных сваях строились такие прекрасные города как Санкт Петербург и Венеция.

Вяз гладкий или обыкновенный

Вяз гладкий или обыкновенный. Доживает до 200–300 лет. Может быть хорошим ранним медоносом. Листву, цветки и кору вяза используют в медицине.

Вяз активно используют в защитном лесоразведении и сажают для озеленения городов. Пыльца дерева — сильный аллерген, а когда его плоды высыхают, то сильно засоряют улицы, дворы и парки.

Липа сердцевидная

Липа сердцевидная. Отличный медонос, дает самый полезный и душистый мед. За один день пчелы могут собрать с липы до 10-14 килограммов меда.

Из липы делают мебель и посуду, так как ее древесину легко обрабатывать. Ствол в диаметре достигает трех метров. В среднем живет до 120 лет, в 150 лет в стволах начинают образовываться огромные дупла. Узнать о возрасте дерева можно по коре: на молодом она темная, а на старом покрыта мелкими бороздками.

Сибирская ягодная яблоня

Сибирская ягодная яблоня. Самая морозостойкая в мире яблоня, прародительница ранеток и морозостойких сортов яблонь. При -56 °С она точно выживает.

Несмотря на то, что величина яблок у неё не превышает в диаметре 1 см, это всё-таки яблоня. Толстых и прямых стволов у этой яблони практически не бывает. Весной красивое и ароматное цветение, хороший медонос.

The post Презентация «Деревья Центрального парка» appeared first on Блог Милы.

В Новосибирске «Дом моделей» организован 22 сентября 1948 года решением Новосибирского городского исполнительного комитета. Но Новосибирск имел опыт в модельном производстве одежды ещё до появления «Дома Моделей». В годы Великой Отечественной войны существовало Ателье мод «Райпромкомбината» (1938 г.).

Первоначально НДМ находился по адресу ул. Красный проспект, 30 (сейчас это угол с Октябрьской магистралью). Из Москвы туда приезжают работать дипломированные модельеры московского техникума промышленности.

Был организован методический кабинет с уникальной библиотекой раритетных художественных изданий, среди  которых  «Описание всех обитающих в российском государстве народов…» (1794 г.), «Орнамент всех времен и стилей» (1898 г.), «История внешней культуры» (1911 г.).

Организуется основное производство (150) чел., налаживаются связи со смежниками. На Чаплыгина, 27 был открыт производственный экспериментальный филиал «Дома моделей». Были запущены показы новых коллекций одежды, как в городе, так и в селе при помощи автобуса для людей и лошади с телегой для багажа с костюмами.

Молодёжь работает с подшефным детдомом, детскими садами, собирает книги для сельских библиотек, организует художественную самодеятельность, спортивную работу, катания на лыжах и коньках, дежурит на охране общественного порядка, выезжает в совхоз на уборку урожая.

С 1956 года «Дом моделей» переехал в здание на ул. Советская, 7. Хотя производству и здесь было тесновато (приходилось работать в две смены), но зато значительно расширился демонстрационный зал.

Показы мод в Новосибирске превратились в настоящую городскую достопримечательность. Их организовывали специально для зарубежных гостей. Среди посетителей таких закрытых показов были супруга вице-президента США Тельма Никсон, иранские принцессы династии Пехлеви и многие другие иностранные гости.

Первых манекенщиц называли «демонстраторами одежды». Их находили как среди молодых актрис местных театров, так и среди модниц на стиляжном «Бродвее» (нечётная сторона Красного проспекта между ул. Ленина и Октябрьской).

Новосибирский «Дом моделей» (НДМ) заслужил репутацию благодаря своим высококвалифицированным художникам, конструкторам, технологам и портным. Среди художников, работавших в нашем «Доме моделей» с 1952 по 1957 годы, был и знаменитый Николай Демьянович Грицюк (жил в Стоквартирном доме), а его супруга (искусствовед) проводила модные показы.

Она представляла каждую модель, рассказывала о современных тенденциях и направлениях моды. Эта худенькая, элегантная женщина с простой прической и неяркой косметикой сама казалась эталоном моды и красоты. Надо ли говорить, как внимали её словам заинтересованные слушатели. Делали пометки в своих блокнотиках.

Валентина Эдуардовна пользовалась в коллективе большим уважением. Эта элегантная и обаятельная женщина была строга и одновременно совершенно спокойна. Например, как вспоминают коллеги, практиковала утреннею встречу манекенщиц. Уже в 8-30 она стояла на проходной с часами в руке. Опаздывать было не принято, но повышать голос начальнице не приходилось. Достаточно было одного взгляда.

Конец 1950-х годов ознаменовался бурным развитием моды. Если ещё несколько лет назад потребителю вполне хватало 600-800 моделей в год, то в 1960-м стало мало даже 1600. Ежегодный выпуск продукции составляет около 40 000 шт., внедряются конструирование, экспериментальные разработки.

«Дом моделей» даже выпускал сезонные «Альбомы мод Новосибирского Дома моделей», а затем и журнал с выкройками.

В 1956 году в Варшаве открылся VII Международный конкурс одежды. Для демонстрации моделей советских художников-модельеров было отобрано пять лучших манекенщиц домов моделей страны. Среди них – Галина Решетникова – 19-летняя манекенщица Новосибирского дома моделей. Тогда наш Дом моделей представил представил 4 платья и пальто.

Декабрь 1961 года ознаменовался открытием филиала НДМ — экспериментального цеха со штатом в 135 человек. Цех располагался по адресу: ул. Авиастроителей, 5 и 7. При нем сразу же открылось ателье, ставшее настоящей творческой лабораторией.

Здесь разрабатывались и производились интересные экспериментальные модели одежды для молодежи из популярных, в том числе спортивных, материалов. В год цех выпускал более 80 остро-модных изделий сериями от 20 до 300 шт. Даже если модель пользовалась успехом и шла нарасхват, не имели права выпускать партии свыше 300 единиц.

В сентябре 1966 года был оборудован новый зал для показов, а в 1969 году НДМ сменил адрес, переехав на Красный проспект, 49, и заняв помещения на Романова, 27 и 25.

С 3 января 1966 года по 22 мая 1975 года предприятие было частью структуры Управления швейной промышленности Западно — Сибирского совнархоза. НДМ на протяжении многих лет сотрудничал с Домами моделей и швейными фабриками Сибири и Дальнего Востока.

Более ста предприятий «Запсибшвейпрома», в числе которых фабрики им. ЦК Союза швейников, «Северянка», «Детская одежда», «Горнячка» (Прокопьевск), «Берёзка» (Новокузнецк), «Авангард» (Барнаул) и другие, получали техническую документацию от НДМ. «Дом Моделей» становится источником базовых выкроек новых моделей одежды и новых модных тканей для рядовых ателье.

В 1971 году была создана лаборатория, занимающаяся испытанием тканей.

Пуговицы и различную металлическую фурнитуру для НДМ поставляет Новосибирский завод радиодеталей.

В 1974 году организация стала региональным методическим центром в области проектирования одежды. Ежегодно в НДМ создавалось до двух тысяч и более моделей мужской, женской и детской одежды.

Это был крупнейший в Сибири центр школы моделирования, которую отличал хороший вкус и высокая культура, смелый поиск и сохранение традиций народного костюма. Подавляющее число моделей (более 95%) создавалось для массового производства.

Но, к сожалению, после запуска в серию потери были неизбежны. И ткани подешевле, и детали попроще.

НДМ имел и собственную сеть фирменных магазинов и отделов сети Ростекстильшвейторга, где продавалась его продукция: «Мода», «Молодёжный», «Мужская одежда», «Северянка», ЦУМ. В 1980-х применялась и торговля «массовкой» и через автолавки, приносящая «живые» деньги.

С 1973 года модели Новосибирского Дома Моделей демонстрировались в 18 странах мира, где были удостоены множества международных наград. И это были не только страны соцлагеря, а и Великобритания, Германия, Австрия, Франция, Япония, Канада и т.д. Началась практика проведения совместных показов с иностранными партнерами.

ВДНХ, главная выставка страны в Москве, неоднократно становилась площадкой для демонстрации коллекций Новосибирского Дома Моделей.

26 апреля — 26 мая 1988 года в Картинной галерее Новосибирска прошла выставка «От эскиза к модели», посвященная 40-летию Новосибирского Дома Моделей.

Производство всегда включало в себя и прогноз тенденций развития ассортимента одежды, создание опытных образцов от рабочей, повседневной, для спорта и отдыха до уникальных образцов.

И здесь активным пропагандистом современной моды, культуры одежды выступали, конечно же, показы моделей, которые собирали аншлаги в демонстрационном зале самого НДМ, в зале Дома быта, даже на предприятиях, в институтах и сёлах.

В год организовывалось до 130 показов. В Новосибирском Доме Моделей они проходили по понедельникам и средам в 18:30. Несмотря на высокую цену билета — 5 рублей, 70-местный зал всегда был полон, а иногда зрителям приходилось стоять. В середине 1970-х показы проходили даже под живую музыку. Остальные дни недели были предназначены для выездов.

В сентябре 1988 года Новосибирский Дом моделей стал частью Новосибирского промышленно-торгового швейного объединения. В его состав вошли:

• Новосибирская швейная фабрика им. ЦК Союза швейников
• НПШО «Детская одежда»
• Фабрика «Северянка»
• Фабрика «Соревнование»
• Барабинская швейная фабрика
• Болотнинская швейная фабрика
• Бердская швейная фабрика
• Татарская швейная фабрика
• Черепановская швейная фабрика
• Куйбышевская швейная фабрика
• Фирменные магазины «Одежда» и «Северянка»

В апреле 1992 года Новосибирский дом моделей перешел в частные руки после выкупа у областного комитета по управлению госимуществом администрации НСО и последующей приватизации.

В апреле 1995 года НДМ совместно с молодёжной волонтерской организацией YMCA, детской студией «Смайл» и молодежной газетой «Рост» провёл 1-й и единственный конкурс юных модельеров. К нам даже приезжала съемочная группа телерадиовещательной кампании «ВВС», чтобы сделать фильм о нашем Доме моделей.

В 2002 году смена собственника привела к реорганизации ОАО «Новосибирский дом моделей» и образованию четырех ООО: опытного производства, школы моделей, информационно-образовательного центра и центра индивидуальных модельных разработок.

В апреле 2003 года контрольный пакет акций НДМ приобрела ПКГ «РАТМ», а в бизнес пришла эра модельных агентств: Людмилы Селютиной, Виктора Буланкина, «Magic Models», «Flash Models», «Status»… К сожалению, после закрытия такого гиганта в 2002 году посыпалась вся швейная промышленность Сибири и Дальнего Востока — не стало лекал для шитья…

На основе материалов Библиотеки сибирского краеведения и лекции К. Голодяева в Музее Новосибирска На набережной.

The post Новосибирский Дом моделей appeared first on Блог Милы.

Картины, фрески, десятки работ в разных художественных стилях и техниках. Уже много лет студенты направления «Монументальное искусство» выполняют на стенах боковых лестниц свои дипломные работы.

Там можно увидеть самые разные техники и сюжеты — от классических античных до современного арта. Это такой тренировочный полигон для художников-монументалистов.

Лестницы искусств в НГУАДИ

Экспозиции двух лестниц периодически обновляют.

На некоторых стенах живописные работы выполнены в несколько слоёв.

Никто эти слои, разумеется, не считал.

В экспозиции есть как учебные копии известных шедевров, так и оригинальные авторские работы.

Пожалуй, самой впечатляющей стал список фрески Микеланджело Буонарроти «Сотворение Адама».

Она находится на пятом этаже южной лестницы, под самым потолком. Если повезёт, то полотно можно увидеть с улицы. Когда на улице темно, а в помещении горит свет, полотно хорошо заметно.

Фрески

Кроме этой монументальной работы, северная и южная лестницы здания, отданные в качестве творческого полигона художникам-монументалистам, уже много лет хранят сотни фресок и мозаик.

Все эти темы написаны на классические сюжеты.

Техника флорентийской фрески по сырому.

Тут нужно работать очень темпераментно,

очень быстро.

Поскольку это южная лестница, освещённая солнцем, всё очень быстро сохнет.

Исправить потом ничего нельзя.

Довольно много экспонатов выполнено в технике сграффито. Это что-то среднее между росписью и рельефом. Автор сначала наносит на стену несколько слоёв грунта, а затем процарапывает изображение.

Эта техника появилась в средние века в Италии. Второе рождение пережила на рубеже 19-20 веков, в эпоху ар-нуво. В СССР пользовалась популярность для декора.

Мозаики

Много среди работ византийских мозаик.

Художники собирают из кусочков разноцветной смальты

как копии известных полотен,

так и авторские сюжеты — натюрморты, пейзажи, портреты.

Здесь же можно увидеть и произведения из более крупных элементов —

кусочков керамической плитки

и кермогранита

и даже кирпича

Витражи в НГУАДИ

Это уникальный и необычный вид искусства, который создается из разнообразных стеклянных деталей, объединенных в единую композицию. Они могут быть прозрачными, раскрашенными, с различными текстурами и фактурами, и всегда являются украшением любого интерьера.

Особенностью витражей является их яркость и красота, которые придают интерьеру особую атмосферу. Существует множество техник создания витражей, каждая из которых имеет свои особенности и преимущества.

Это своеобразный методический фонд университета,

его интеллектуально-творческий капитал.

В вузе ещё принято говорить такую фразу: „Стены учат“.

Стены учат работать с различными материалами,

видеть пространство и перенимать опыт предыдущих поколений студентов.

Галерея деревянных наличников

Самые старые оконные наличники с богатой резьбой бережно хранят в НГУАДИ. Археологи и этнографы говорят, что в России украшать жилые дома деревянной резьбой начали в 17 веке. Поскольку Новосибирску всего 130 лет, то у нас сохранились подлинные артефакты только прошлого столетия. Они находятся в коридорах университета архитектуры, дизайна и искусств.

Это мощные наличники со сложными растительными орнаментами. Когда-то они украшали купеческие особняки в центре города. Дома те давно снесли, и только по размеру оконных окладов мы можем представить себе, насколько серьёзными были постройки начала XX века.

В галерее представлены оконные наличники и фрагменты деревянной резьбы с утраченных домов, построенных в Новониколаевске в 1900-1910-е гг. Кронштейны, подзоры, солярные знаки.

Сохранились в НГУАДИ и солярные символы — круглые деревянные элементы, которые крепили на фасад под самый конёк крыши. Сейчас на сохранившихся в нашем городе старинных особняках ещё можно встретить такие «тарелки». Но большая их часть — имитация. Аутентичный декор, к сожалению, до наших дней мало где дожил.

Итак, мы пробежались по секретным лестницам.

Третьяковская галерея, музей античного и современного искусства в одном флаконе.

Фрески, мозаики, витражи…

Просто дух захватывает! Хочется сюда еще вернуться.

The post Лестницы НГУАДИ — Сибирская Третьяковка appeared first on Блог Милы.

Типография «Советская Сибирь»

«Советская Сибирь» — одно из крупнейших газетно-журнальных издательств СССР, основанное в Новосибирске в 1923 году. Оно было вторым в стране после издательства «Правда», да и сейчас тираж изданий превышает 2 млн. экземпляров — крупнейшая типография за Уралом.

За период своего существования издательство сменило множество мест дислокации, пока окончательно не «поселилось» в 1973-м году возле перекрестка улиц Сибиряков-Гвардейцев и Немировича-Данченко рядом с выработанным каменным карьером, наполнившимся водой и превратившимся в маленькое озеро.

Комплекс зданий полиграфического комбината построили по проекту архитектора В.А. Хандошко и инженеров И.П. Евсеенко, В.П. Петерса, которые в 1977 году были удостоены премии министров СССР за свой «архитектурный подвиг».

Помимо очень удачной встройки такого большого производственного здания в окружающий ландшафт (издательство и сейчас очень гармонично вписывается в  городскую застройку и инфраструктуру), примечательным является и декоративное оформление фасада полиграфического комбината совершенно потрясающей мозаикой, которую я и хочу вам показать.

Мозаика «Письменность и печать»

Гигантское панно «Письменность и печать» на фасаде здания издательства «Советская Сибирь» художник-монументалист Владимир Сокол создал в 1979 году. В этой картине переплетается множество сюжетов — прошлое и будущее, реальность и мифология. Здесь есть летописец, красноармеец, советский солдат, строитель коммунизма, космонавт, райская птица и Посейдон. Мозаика дошла до наших дней в хорошем состоянии.

Эпическое мозаичное полотно «Письменность и печать», изображенное на стене издательства «Советская Сибирь», можно изучать часами, представляя себя героем романа Дэвида Брауна. На нём много символов и разных знаков, которые могут нести некий сакральный смысл.

Эта работа Владимира Сокола — самый яркий в Новосибирске пример слияния позднего соцреализма с сюжетами русского фольклора и античных мифов.

В центре композиции расположен рабочий типографии с номером газеты «Советская Сибирь». А над его головой— названия других главных изданий страны. Фигура рабочего неуловимо напоминает иконописные образы (Богородица Знамение)

Вокруг изображены иллюстрации реалий того времени: строительства Байкало-Амурской магистрали (БАМ) и Саяно-Шушенской ГЭС, освоения космоса… При этом все образы связаны со сказками и мифами.

Так, строительство Саяно‐Шушенской ГЭС происходит в царстве Посейдона.

Гефест символизирует горную промышленность,

Орфей—искусство,

райская птица Алконост, вестница добра, олицетворяет советскую печать, космонавт (прячется за деревом) — освоение космоса.

В этой мозаике отражено много символов разных отраслей и событий тех лет. Наука, атомная промышленность, сохранение культурного наследия.

Помимо традиционных советских мотивов, прославляющих подвиги отечественной науки и техники,

Ленина и труд рабочих,

в мозаике можно разглядеть множество и других интересных деталей. Видите между буквами символ — белый круг с красным ободком и тремя красными точками внутри? Это не что иное, как Знамя Мира, придуманное великим русским художником Николаем Рерихом.

Не обошли вниманием и истоки славянской культуры.

Это фигура летописца и характерные орнаменты букв.

Материал мозаики

Материал, из которого сделана мозаика — смальта.

Стекло тщательно растирают в порошок и запекают при очень высокой температуре. Затем методом колки или резки придают различную форму элементам (модулям) смальты. Для ее расцвечивания добавляют красители.

Это самый непористый и износостойкий материал. Поэтому поверхность получается долговечная и морозоустойчивая.

Кстати, копия этой мозаики украшает стойку бара ресторана «СИБИРЬСИБИРЬ» в гостинице «AZIMUT Отель Смоленская» в Москве.

The post Мозаика Письменность и печать appeared first on Блог Милы.

Улица Колыванская присутствовала на карте города с момента его основания — существует она до сих пор. Ее история связана с иногородними ярмарками, гости которых из года в год останавливались в определенном месте. Там, где располагались жители Колывани, и возникла улица Колыванская.

На коротенькой улице Колыванской (около автовокзала) сохранился ансамбль из трех домов начала XX века.

Дом по улице Колыванская, 5

Здание признали памятником архитектуры регионального значения в 1976г.

Дом располагается во внутриквартальной застройке, главным южным фасадом выходит на красную линию застройки ул. Колыванской.

Здание имеет традиционное для своего времени объемно-планировочное решение. С северного фасада к основному, почти квадратному в плане, объему примыкает холодная каркасная пристройка, в которой располагаются лестничная клетка и хозяйственные помещения.

Первый этаж дома кирпичный, второй — рублен из бревен. Сруб обшит профилированной доской в нескольких направлениях — горизонтально, в елочку, вертикально. Выпуски бревен по углам и в местах врубок закрывают вертикальные доски, оформленные в виде филенчатых пилястр с накладным пропильным орнаментом, повторяющим характер декора фриза.

Завершает дом четырехскатная крыша с дополнительными скатами фронтона.

Окна первого и второго этажей имеют лучковое очертание. Декор первого этажа выполнен в технике лицевой кладки с использованием кирпичной пластики: два пояса сухариков на междуэтажном карнизе, рустованные пилястры, декорированные наличники с криволинейными сандриками — «бровками», профилированные ниши под оконными проемами. Сохранились фрагменты петель для ставен.

Оконные проемы второго этажа имеют лучковое завершение и обрамлены деревянными наличниками. Надоконная доска имеет килевидное завершение и украшена резьбой в виде растительного орнамента. Растительный орнамент присутствует и на подоконной доске. Боковые части наличников украшают декоративные детали токарной работы.

На западном фасаде всего одно окно. Возможно оно появилось позже в результате реконструкции дома.

Деревянный декор отражает традиции народной архитектуры. Карниз, украшенный тремя ярусами подзоров пропильной резьбы, опирается на резные кронштейны.

По центру главного фасада располагается треугольный щипец, декорированный розеткой-«солнышком».

Габариты здания в плане: 12,6×12 м.

The post Дом по улице Колыванская, 5 appeared first on Блог Милы.

Его хозяин — Дмитрий Егорович был владельцем магазина скобяных товаров, избирался гласным (депутатом) Ново-Николаевской городской думы.

Дмитрий Егорович Барабанов родился в 1869 году в городе Белебее Уфимской губернии. В 1898 году Барабанов приехал в Ново-Николаевский поселок, где работал кузнецом. Позже Дмитрий Егорович наладил торговлю скобяными изделиями, открыл магазин скобяных и москательных товаров на Базарной площади (в районе современной площади Ленина). Барабанов состоял в рядах городской пожарной дружины и избирался гласным Городской думы. В 1937 году Дмитрия Егоровича арестовали по ложному обвинению и осужден. В 1956 г. его полностью реабилитировали из-за отсутствия состава преступления.

Дом Д. Е. Барабанова имеет историко-культурную ценность по ряду причин. Во-первых, здание сохраняет историко-градостроительную среду Ново-Николаевска начала ХХ века, фиксируя исторический створ ул. Потанинской. Во-вторых, дом Д. Е. Барабанова – одно из немногих сохранившихся полукаменных зданий дореволюционного периода, являющееся ярким примером применения приемов народного деревянного зодчества в архитектуре сибирских городов. В-третьих, владелец здания Д. Е. Барабанов связан с историей Ново-Николаевска как предприниматель, гласный Городской думы и активный общественный деятель.

Дом по улице Потанинская, 14

Дом Д. Е. Барабанова — 2-этажное полукаменное здание, прямоугольное в плане. Как видно из страхового плана строений усадьбы, к южному фасаду здания примыкал пристрой черного хода. В настоящее время со стороны южного фасада также имеется пристройка, однако относящаяся к более поздним наслоениям. Здание перекрывает четырехскатная вальмовая крыша, лаконичное оформление карниза и фриза выполнили из досок.

Первый этаж выполнен из окрашенного красного кирпича. Стены первого и второго этажа разделены широким карнизом, состоящим из прямолинейных профилей, поддержанных рядом ступенчатых «зубчиков». Оконные проемы первого этажа имеют лучковое завершение с замковым камнем и профилем «валик с полочкой». На окнах первого этажа стоят одно- и двухстворчатые дощатые ставни.

Второй этаж дома Д. Е. Барабанова выполнили из бревен, обшитых профилированными калеванными досками. Углы второго этажа акцентируют филенчатые лопатки. Главным декоративным элементом здания, безусловно, являются наличники, обрамляющие окна второго этажа.

Деревянные наличники выполнили с использованием рельефной, объемной и сквозной резьбы. Надоконная доска наличника завершается профилированным карнизом с «зубчиками», над которым располагается разованный фронтон. По центру фронтона, а также по его бокам размещаюься токарные элементы. Поле надоконной доски украшает накладной сквозной элемент.

По бокам надоконной доски располагаются накладные призматические элементы, ниже которых можно видеть стилизованные капители полуколонок, выполненных в технике токарной накладной резьбы. По всей высоте вертикальных элементов наличника — внизу, вверху и в середине — размещаются «ушки», выполненные в технике пропильной резьбы.

В основании полуколонок располагаются прямоугольные элементы, завершенные свесами в виде кистей. Подоконная доска обрамлена пропильной резьбой. Лобовую доску наличника, его вертикальные элементы, а также подоконную доску украшают накладные ряды пояса «бус».

The post Дом по улице Потанинская, 14 appeared first on Блог Милы.

Деревянный одноэтажный жилой дом в привокзальной части Новониколаевска выполнен в традициях крестьянского круглого дома, является образцом городской застройки начала XX века. Первым домовладельцем усадьбы был машинист Кузьма Артамонович Самохин.

Дом по улице Дмитрия Шамшурина, 100

Дом занимает угловое положение в жилом квартале на пересечении улиц, главным западным фасадом выходит на красную линию застройки ул. Шамшурина (бывшей ул. Вокзальной), торцевой южный фасад ориентирован на ул. 1905 года (бывшую ул. Переселенческую).

Дом имеет прямоугольную форму плана, образованную срубом «в обло» и прирубленными с восточного дворового фасада верандой-сенями со входами под односкатной крышей. Дом стоит на кирпичном цоколе, четырехскатная крыша стропильной конструкции с металлической кровлей. Карниз и фронтоны украшают три яруса подзоров. Карниз большого выноса поддерживается резными кронштейнами.

Характерный силуэт зданию придают четыре кирпичных трубы.

Горизонтальная линия карниза западного фасада прерывается двумя треугольными фронтонами. На торцевых фасадах по одному аналогичному фронтону. Тимпан декорирован пропильной розеткой — «солнышко». Фриз по стенам фасадов составлен из пропильных ленточных орнаментов с геометрическими и растительными мотивами резьбы.

Прямоугольные окна дома обрамлены наличниками, закрываются двойными филенчатыми ставнями. Килевидная надоконная доска с рельефным обрамлением и накладной пропильной резьбой растительного орнамента. Подоконную доску сложного очертания украшают токарные детали и плоская накладная резьба растительного орнамента.

Один из входов в здание расположился со стороны ул. 1905 года.

Оформление наличников северо-восточного фасада упрощенное.

С северо-восточной стороны находятся еще два входа в здание. Над входами устроили навесы, поддерживаемые деревянными столбами.

Столбы дополняются резными кронштейнами.

Габаритные размеры в плане: 14,3×11,0 м.

The post Дом по улице Дмитрия Шамшурина, 100 appeared first on Блог Милы.

Улица Колыванская присутствовала на карте города с момента его основания — существует она до сих пор. Ее история связана с иногородними ярмарками, гости которых из года в год останавливались в определенном месте. Там, где располагались жители Колывани, и возникла улица Колыванская.

На коротенькой улице Колыванской (около автовокзала) сохранился ансамбль из трех домов начала XX века.

Дом по улице Колыванская, 7

Дом признали памятником архитектуры регионального значения в 2000 г. В настоящее время используется как жилой дом.

Прямоугольный в плане рубленый «в лапу» дом на кирпичном цоколе завершается четырехскатной крышей стропильной конструкции, крытой железом. Торцы бревен сруба подчеркиваются вертикальными досками с накладной вязью мелких пропилов растительного орнамента.

Оконные проемы с лучковым завершением обрамлены наличниками, закрываются двойными ставнями. Лобовая доска наличников с рельефным волютным очертанием по оси симметрии замкнута рельефом пальметты. Поле волнисто очерченной подоконной доски заполняют накладные пропилы растительного орнамента.

Большой свес карниза украшает ленточный пропильный орнамент с геометрическими мотивами резьбы. Фриз с ритмом резных кронштейнов состоит из пропильных ленточных геометрических орнаментов. Дощатый забор и полотно ворот усадьбы украшают накладными пропилы, рисунок которых повторяет декоративные элементы убранства дома.

Габариты основного сруба в плане: 7,8×3,9 м.

The post Дом по улице Колыванская, 7 appeared first on Блог Милы.

Творчество Архипа Ивановича Куинджи (1842–1910) занимает особое место в истории русской пейзажной живописи второй половины XIX — начала XX века. Художник увидел в природе таинственную, притягательную красоту и сумел найти оригинальные живописные средства для ее воплощения.

Будущий художник окончил лишь городское приходское двухклассное училище и на протяжении всей жизни занимался самообразованием. В 1868 году, вероятно, по рекомендации И.К. Айвазовского, в частной мастерской которого он обучался, Куинджи поступил в качестве вольнослушателя в Императорскую Академию художеств. В 1878 году он получил звание классного художника 1-й степени, но при этом так и не сдал экзаменов по научным предметам.

Одна из ранних работ на выставке «Осенняя распутица» (1870) – была представлена Куинджи на соискание звания классного художника первой степени в 1872 году. Она отмечалась в прессе как «самобытная вещь, обнаруживающая большое чутье к явлениям северной природы». Тяготение к грустным, суровым, серым тонам, избегание всего экспансивно-яркого, радостного, красочного — все это соответствовало эстетике эпохи «передвижничества». Этическая направленность этой картины, выраженная в ней тенденция социальной оценки мира нашла отклик у передвижников.

В 1875 году Куинджи приняли в члены Товарищества передвижников, однако уже со следующего года живописец отказался от воплощения идей передвижничества в своих картинах. Главным для него стало стремление не истолковывать жизнь, а наслаждаться ею, ее красотой. Он обозначил свою миссию увести пейзаж от протокольности и бескрылости натурализма, внести в него свет, богатство тонов, пространство и лиризм.

О выставке «Архип Куинджи»

На выставке экспонируются не только законченные произведения, но и этюды с эскизами, созданные в период затворничества (1882–1910), когда живописец прекратил официальную творческую деятельность. Первое знакомство зрителей с ними произошло лишь на посмертной выставке, организованной Обществом имени А.И. Куинджи в 1913–1914 годах В Петербурге и Москве.

Произведения представлены в трех залах: «Магия света», «Тайна красочной палитры», «Торжество природы». В каждом из них они объединяются условной темой, отражающей творческие устремления мастера.

Демонстрируемые на выставке пейзажи написаны художником в разных живописных манерах: реалистической («Кипарисы на берегу моря. Крым», 1887; «Сосновый лес с речкой», 1878), пленэрно-импрессионистической («Облако. Закат», 1890-е; «Казбек вечером», 1900-е; «Степь. Пасмурный день», 1890-1895), с элементами стилистики модерна и символизма («Сумерки», 1890-1895; «Роща», 1900-е; «Солнечные пятна на инее. Закат в лесу», 1876-1890; «Дубы», 1900–1905; «Березовая роща», 1879 — эскиз-вариант одноименной знаменитой «Березовой рощи», хранящейся в Государственной Третьяковской галерее).

Создавая эти произведения, Куинджи ставил перед собой разные творческие задачи. В «Березовой роще» художник хотел передать иллюзию слепящего, хотя и не изображенного на полотне, солнца. Эту непростую живописно-пластическую задачу мастеру удалось решить с помощью новаторских приемов. Он смело фрагментирует композицию, подбирает точные красочные сочетания, варьирует фактуру мазка, использует богатые возможности цветового пятна и подмалевка.

В работах «Лунная ночь» (1890-е), «Сумерки» (1890-1895), «Лунная ночь на море. Крым. Этюд» (1876-1890), «Лунная ночь. Раздумье» (1876-1890), «Ночь на Днепре» (1890-е) Куинджи разрабатывает эффекты ночного освещения от ярких сполохов света закатного неба через их плавное затухание в сумерках к чарующим ночным краскам. Художник пытается раскрыть в подобных картинах таинственность Вселенной или то взволнованное состояние, которое испытывает человек, находясь ночью или поздним вечером наедине с природой.

Все работы на выставке подобраны таким образом, что они позволяют проследить широту тематических интересов мастера, его устремленность ввысь, от изображения земных просторов к небесным пространствам. Произведения «Днепр» (1901), «Лесные дали» (1900–1910), «Туман на море» (1905–1908), «Лесистая балка. Этюд» (1900-е) написаны словно с высоты полета. Кажется, что художник сам, преодолевая силу земного притяжения, проникает в небесное пространство, чтобы оттуда, сверху, постичь необъятный мир. Существует легенда о том, что мастер разрабатывал летательный аппарат и лелеял надежду подняться в небеса. В действительности художник силой своего воображения сумел передать в произведениях и эффект парения в воздухе, и чувство высоты, и космическую мощь земли. И не случайно он вместе со своими учениками Богаевским, Борисовым, Рерихом включен исследователями русского космизма в круг деятелей этого направления.

Куинджи очень остро ощущал единство человека и окружающего его удивительного мира природы. Во многих своих произведениях, будь то «Облака» (1900-1905), таинственные горные вершины «Эльбрус днем» (1900–1910) или сияющая в небесах мистическим светом «Радуга» (1900–1905), он пытался воплотить вселенский, сокровенный ее смысл.

Экспозиция дополнена фотографиями и репродукциями произведений, создавших Куинджи славу на академических и передвижных выставках, цитатами из высказываний художников и искусствоведов об этой оригинальной личности живописца, педагога, благотворителя, коммерсанта, завещавшего весь свой огромный капитал на развитие русского искусства.

Магия света

Осенняя распутица. 1872. Холст, масло. 70×110 см

У Архипа Куинджи не много безрадостных картин, но «Осеннюю распутицу» можно назвать одним из самых безрадостных и безнадёжных сюжетов.

Выбор социальной темы был обусловлен стремлением начинающего живописца примкнуть к Товариществу художников-передвижников, которые ратовали не только за знакомство с изобразительным искусством более широких масс, но и за социальность самого искусства – проблема неравенства, тяжёлая жизнь бедных слоёв населения проходили основным лейтмотивом в картинах многих представителей Товарищества.

Что же изображает эта мрачноватое полотно? Неприглядную обыденность русской деревни. По размокшей дороге едет повозка. Мы видим худую запряжённую лошадь. Четыре колеса оставляют глубокие слякотные борозды, демонстрирующие то, что дорога больше напоминает просто грязь. Слева от дороги видны следы – одни побольше, другие поменьше. Это женщина с ребёнком, согнувшись от тяжёлой сырости, уходит в сторону деревушки, которую едва заметна из-за серо-голубого тумана. Голое, абсолютно одинокое дерево, выглядит как завершающий штрих к этому грустному пейзажу.

Некоторые исследователи усматривают в образе длинной дороги аллегорический смысл – бесконечная дорога символизирует бесконечное людское терпение.

Эта одна из самых ярких, реалистических работ Куинджи. Причём сильный эффект обусловлен не только характером сюжета, композиционным построением, но и цветовым наполнением. Коричнево-зелёная земля, чёрные борозды от колёс, тёмное сине-серое небо, и всё это укутано густым и тяжёлым туманом. Разорение и нищета – вот, что показывает нам Куинджи сквозь хмурый осенний пейзаж.

Полотно поразительно передаёт влагу и, кажется, можно почувствовать на себе холодные капли промозглого утра, сырость и хлюпающую грязь под ногами. Удивительный осязательный эффект, говорящий о величайшем таланте молодого живописца.

Кажется, что светлая полоса у горизонта должна повлиять на общее настроение, но этого не случается. Светлая безоблачная даль только подчёркивает мрачную действительность, играя на контрасте с серостью переднего плана.

Таких реалистичных и щемящих работ у Куинджи немного. Очень скоро Архип Иванович окреп, набрался уверенности, и смело покинул общество передвижников. Сохранив со многими членами Товарищества дружеские отношения, Куинджи пошёл своей дорогой – отказавшись от социальных тем, он стал мастером поэтического пейзажа, создав в этом жанре настоящие бессмертные шедевры.

«Куинджи еще ищет свой путь в искусстве, следуя пока что сложившейся традиции пейзажа-рассказа. Но его картина немногословна. Смутно различимая во влажной дымке изба на холме, голое деревцо, три закутанные с головой фигуры, повозка на дороге и еле видимый в тумане обоз таковы немногочисленные подробности запечатленного вида, столь характерного по своему печальному настрою для русской обличительной живописи 1860-х годов. Написанная осязаемо чувственно в насыщенной коричневато-серой гамме вздувшаяся земля, прорезанная колеями и воронками, заполненными водой, главенствует в картине. Фатальная жизнь земли сама по себе волнует его и в этой ранней работе. Другим важным компонентом образа является затянутое облаками серо-свинцовое небо со светлой полоской у горизонта, направляющей взгляд зрителя вдаль.» И. Шувалова

Городской пейзаж Куинджи

Архип Иванович Куинджи был мастером изображения природы. Однако немногие знают, что он создавал и замечательные городские пейзажи.

На выставке «Архип Куинджи» представлены работы, написанные художником в этом жанре.

Безграничная любовь мастера к природе не мешала ему вдохновляться городом. Современники отмечали, что художник ежедневно кормил птиц на крыше своего дома, там же он рисовал узнаваемые петербургские кровли и панорамы городской жизни.

Так, в этюде „Крыши. Зима“ (1876) в общую цветовую структуру произведения, построенного на оттенках сиреневатого, серого, желтоватого цвета, художник умело вводит участок незакрашенного охристого грунта.

В своих произведениях мастер умело сочетает изображение природы и цивилизации. Архип Иванович любуется красотой архитектуры, обогащая пейзаж декоративными деталями.

Москва. Вид на Кремль со стороны Замоскворечья. Этюд. 1882. Холст на картоне, масло

В картине „Москва. Вид на Кремль со стороны Замоскворечья“ панорама Кремля дана в некотором отдалении. Работа не совсем окончена. На ней видны следы предварительно нанесенного карандашом рисунка. Взметнувшаяся ввысь колокольня Ивана Великого, Архангельский и Успенский соборы эффектно выделяются на фоне темно-синего неба. Их оттеняет обобщенно трактованная зелень за кремлевской стеной. Большими цветовыми пятнами решен ближний план с Каменным мостом. Солнечный свет золотит купола, оставляет светлые полосы на стенах.

Не закрашенный кое-где грунт органично входит в общую цветовую систему. Куинджи любуется красотой кремлевского ансамбля, обогащая свой цветонасыщенный пейзаж элементами декоративности.

Солнечные пятна на инее. 1876-1890. Клеенка, масло. 24 х 27 см

Живопись Куинджи – это яркий и выразительный пример типично русского импрессионизма. Северная российская природа, отсутствие кричащих «тропических» красок и особое, неповторимое ощущение покоя, спокойствия, которым просто веет от полотна – вот чем отличается эта картина от родственных ей образцов в том же живописном жанре.

На полотне изображен фрагмент заснеженного леса – хотя на картине нет никаких знаков, позволяющих опознать местность, понятно, что такая природа характерная для нашего климата. Ощутимо тяжелые снежные глыбы просто придавили ветки деревьев к земле. К этой картине можно применить образную цитату Михаила Афанасьевича Булгакова «город накрыло шапкой снежного генерала», только здесь город нужно заменить лесом.

Деревья на картине спят, укутанные толстым слоем снега. На его поверхности лежит тонкий слой инея, отражающий солнечные лучи и дающий очень яркие пятна белого цвета. Резкий контраст придает полотну объемность и выразительность. Из-за косых солнечных лучей на плотном слое снега появляются контрастные тени, а проглядывающие кое-где ветви и стволы деревьев, хвоя, кажутся очень темными, почти черными.

Композиционно картина построена так, что зритель ощущает себя находящимся на небольшой полянке или прогалине в гуще зимнего леса. Это впечатление создается благодаря расположению деревьев в снегу – они словно обрамляют полотно по сторонам. На переднем плане оказывается открытое пространство, заполненное пятнами солнечного света, а дальше взгляд зрителя упирается в наглухо заснеженные, просто засыпанные снегом по самую «макушку» невысокие деревья. Вдали, в сизоватой дымке угадывается продолжение леса, который становится очень густым, а из-за нетронутого снега выглядящим сплошным цветовым пятном. Оттенок, которым его изобразил художник, перекликается с цветом неба – высоким и чистым, но с характерным для зимы свинцовым оттенком. Ему еще очень долго ждать до появления настоящей голубизны.

Эта небольшая, но очень эффектная картина без особого сюжета и персонажей западает в душу именно благодаря тому ощущению, которое она производит. Глядя на нее, зритель ощущает эффект присутствия в этом глубоко спящем лесу, закутанном в толстую снежную шубу. Там царствует тишина и невыразимый покой, который пока что не могут разбудить даже яркие солнечные лучи. До весны еще далеко, очень далеко…

Березовая роща. 1880-е. Бумага на холсте, масло. 53 x 39

Роща, 1900-е годы. Бумага на картоне, масло

Критик и живописец Александр Бенуа, не видевший ещё многих картин Куинджи эпохи затворничества, в 1903 году написал, что роль Архипа Ивановича очень созвучна роли Клода Моне. Он открыл русским живописцам тайну красочной палитры, её многообразие, повернул сознание многих живописцев к изображению красоты природы, использованию ярких, звучных, контрастных красок.

Лунная ночь Куинджи

На выставке «Архип Куинджи» представлен вариант знаменитой картины «Лунная ночь на Днепре» из собрания Русского музея. Первая работа произвела сенсацию среди современников. Написав произведение в 1880 году, художник организовал выставку одной картины, и перед входом выстраивались очереди людей, желающих ее увидеть.

Стремясь понять секрет картины, некоторые заглядывали за полотно, думая, что за ним спрятана лампочка. Другие предполагали, что художник пишет на перламутре, третьи видели разгадку в использовании фосфора.

На самом деле причина сияния лунного света – в определенных колористических сочетаниях, которые художник открыл эмпирическим путем.

«Лунная ночь на Днепре» неоднократно повторялась и варьировалась Куинджи, одна из таких картин вошла в собрание Новосибирского художественного музея, как и в коллекцию Русского музея.

На выставке «Архип Куинджи» представлены две «Лунные ночи» автора.

«В лаконично решенном пейзаже „Лунная ночь на Днепре“ (1890-е, вариант картины 1880) – полоса фосфоресцирующей изумрудно-зеленой воды резко выделяется на фоне почти черного неба. Чуть освещенные лунным светом крыши хат оживляют погруженный в темноту передний план.» Ирина Шувалова

Картина «Лунная ночь» находится в собрании НГХМ и обычно представлена в постоянной экспозиции музея. Там она висит в простенке между окнами и выглядит очень темной. А на выставке свреди темных стен и с правильной подсветкой картина заиграла. Даже стал виде второй огонек костра на берегу.

Архип Иванович успешно экспериментировал с красками; бывало, люди не верили, что освещение на картине передано лишь изобразительными средствами, и искали, куда же художник вмонтировал лампочку. Отрицательная сторона этих экспериментов – в том, что краски, созданные им, были недолговечны и довольно быстро тускнели. Крамской заметил потемнение цвета на работах Куинджи и призвал современников фиксировать впечатления, которые они получают, наблюдая за неповторимой игрой освещения, потому что в будущем часть привлекательности картин будет утрачена.

Лунная ночь. Раздумье. Между 1876 и 1890. Холст на картоне, масло. 25 x 40,5

Чуткий к новым веяниям в искусстве художник не прошел и мимо символизма. Одна из работ, в настроении которой ощутимы реминисценции беклинских образов, овеянных чувством тоски и одиночества, – „Лунная ночь. Раздумье“ (1876—1890). Фигура задумавшегося мужчины, сидящего на каменной скамье у входа в заброшенный парк с развалившимися воротами, нежилой дом с заколоченными окнами, интенсивный зеленый лунный свет, прорезающий глубокую ночную синеву, – придают сцене печальное и тревожное в своей недосказанности настроение.

Сумерки. Между 1890 и 1895. Бумага на холсте, масло. 38,7 x 55,5

«Таинственная и сокровенная жизнь природы, погруженной в полутьму, – близкий символистам мотив одного из самых проникновенных пейзажей Куинджи поздних лет „Сумерки“ (1890—1895). Декоративность художественного строя усиливает выразительность произведения. Темный холм с еле видимым во мгле покосившимся крестом и змеящимися дорогами, обобщенные пятна хат, причудливым силуэтом выступающие на фоне оливкового звездного неба, тонкий лунный серп среди лиловых туч – все это полно меланхолической поэзии. Пронизанный пантеистическим чувством пейзаж несет философскую мысль о бренности человеческой жизни, мерцающей маленьким огоньком рядом с великим миром Природы.» Ирина Шувалова.

Тайна красочной палитры

Солнечный свет в парке. Бумага на холсте, масло. 53.2 x 39.3 см

Способность автора передавать мельчайшие подробности освещения с годами только развивалась. Симпатия живописца к импрессионизму проявлялась в его любви к свету.

Кропотливое выписывание видимого в реальности не было его подходом. Куинджи, как и импрессионисты, знал, что многое из того, что мы видим своими глазами, объясняется особенностями освещения. Одно верное движение кисти, направляемой таким пониманием, заменяет длительный усердный, но бездумный труд по копированию окружающего мира.

Это проявлялось и в преподавательской деятельности А. И. Куинджи (все отмечали его несомненный педагогический дар, то, что он мог мгновенно и непринужденно передать ученикам художественные истины, до которых сам дошел долгим, упорным и вдохновенным трудом).

И. А. Владимиров, российский и советский художник, вспоминал, как Архип Иванович раскритиковал работу ученика, «испачкавшего» темной краской горизонт на ночном пейзаже. Мастер сказал, что эффект потемнения объясняется контрастом между небом и отраженным лунным светом и специально добиваться его не нужно: если все сделать правильно, он проявится сам.

Эта особенность творчества Куинджи отчетливо видна на полотне «Солнечный свет в парке». Стволы берез прижимаются друг к другу поближе – они чувствуют близость, похожую на знакомое нам, человеческое родство, без которого жизнь была бы бесцветна, как роща без солнечного света.

Кроны тянутся друг к другу, как бы стремясь соединиться в объятиях. Хотя солнечный свет не может пробиться через их тугое сплетение, он находит обходные пути и все-таки освещает дорожку, пролегающую между рядами влюбленных берез.

Видение этой картины не просто переносит зрителя на ту самую тропинку, где можно насладиться возвышающимися деревьями и игрой света, не только заставляет забыть о том, что видимое – не реальность, а лишь изображение, — кажется, как будто картина выше, лучше того, что встречается в повседневной жизни.

Это впечатление ложно, но объяснимо: художник акцентирует внимание на деталях, которые скрываются от нашего обыденного взгляда; мы как будто видим что-то новое и незнакомое, хотя и наблюдали это же не раз.

Березовая роща. Эскиз-вариант одноименной картины. 1879. Бумага на картоне, масло. 21 x 33,5

Эскизы картины «Березовая роща», принадлежащие Русскому музею, помогают понять творческий метод Куинджи, увидеть, в каком направлении шла работа над произведением. Первый многоцветный пленэрный эскиз отмечен печатью конкретных натурных впечатлений. Свободно расположенные на лесной поляне березы, легкие тени, солнечный свет, скользящий по траве и обильной листве деревьев, внимательно прослеженные в натуре цветовые градации и светотеневые переходы, свободная, динамичная манера письма – все это создает ощущение полной жизни летней природы.

Березовая роща. 1880-е. Бумага на холсте, масло. 24 x 27,5

Сосновый лес с речкой. 1878. Холст на картоне, масло. 25,6 x 33,4

В отличие от большинства работ, написанных обобщенно, широкими мазками, на этой картине сосновая крона выписана с большой детализацией и тщательностью.

Степь. Пасмурный день, между 1890 и 1895 годами. Бумага на холсте, масло

Архип Куинджи написал несколько картин с туманными пейзажами: море, степи, лес. Даже несмотря на то, что в таких пейзажах нет ярких красок, они потрясающие и восхитительные. С помощью полутонов, тончайшей нюансировки бледного розового и перламутрового цветов Куинджи добивался цветовой вибрации воздушной среды. Впечатление, что эти картины написаны не красками, а самим туманом…

Солнечные пятна на инее. Закат в лесу. Между 1876 и 1890. Бумага на картоне, масло. 18 x 11,2

Зима. Березы. Этюд. Конец XIX — начало XX века. Картон, масло

Из колеекции Новосибирского государственного художественного музея.

Лунная ночь на море. Крым. Этюд. Между 1876 и 1890. Бумага на картоне, масло. 21 x 35

«Влечение к лунному свету проходит через все творчество Куинджи. Немало работ затворнического периода посвящено этому романтическому мотиву. Необычность эффектов, красота и поэзия лунного света вдохновляли художника и на экспериментирование с красками в поисках новых средств художественной выразительности в маленьких, своего рода лабораторных эскизах, и на создание работ картинного плана, в которых мастер стремится передать не только иллюзию света, но и его таинственное очарование.»Влечение к лунному свету проходит через все творчество Куинджи. Немало работ затворнического периода посвящено этому романтическому мотиву. Необычность эффектов, красота и поэзия лунного света вдохновляли художника и на экспериментирование с красками в поисках новых средств художественной выразительности в маленьких, своего рода лабораторных эскизах, и на создание работ картинного плана, в которых мастер стремится передать не только иллюзию света, но и его таинственное очарование.

В маленьком эскизе „Лунная ночь на море. Крым“ (1876—1890) – на черно-синем небе желтый диск луны, бросающий полосы желтого цвета на темную воду.» Ирина Шувалова.

Лунная ночь. 1890-е. Бумага на холсте, масло. 34,5 x 60,6

«Выразителен отличающийся гармоничным сумрачным колоритом пейзаж „Лунная ночь“, исполненный в свободной эскизной манере. Как и в других поздних работах, Куинджи добивается здесь предельного обобщения форм и цветовых масс, придавая обычному и преходящему ощущение чего-то необыкновенного и вечного.» Ирина Шувалова

Горная долина. Крым. 1890-е. Бумага на картоне, масло. 18 x 11,5

«В 1886 году художник приобрел в Крыму близ Симеиза большой участок, спускающийся к берегу моря с красивой скалой Узун-Таш и ежегодно проводил там много месяцев. В собрании музея имеются десятки этюдов, посвященных близкой ему по духу южной природе. Среди них выделяются пейзажи, где эмоциональное восприятие действительности, соединенное с внимательными натурными наблюдениями, получило выразительное решение в чисто живописных категориях.» Ирина Шувалова

Эльбрус днем. Бумага, масло. 1900-1910. 20 x 27.2 см

В Русском музее – двенадцать горных пейзажей Кавказа. Большинство из них, трактованных обобщенно и лаконично, создано в начале 1900-х годов.

Множество полотен автора изображает гору Эльбрус в разное время дня и с разных ракурсов.

Почти не меняя в большинстве кавказских работ композицию с приближенным к зрителю краем скалы, обрывающейся в долину, и замыкающим пространство Эльбрусом, Куинджи варьирует свето-цветовое решение увлекшего его образа – величественной горы, то озаренной солнечными лучами, то тонущей в тонко разработанной голубоватой воздушной среде.

Сочетая натурность световой иллюзии с известной условностью композиционно-декоративного построения, художник стремится к синтезу реалистического и романтического начал. Высокие нагорья увлекают мастера близостью к небу, дают ощущение единства мироздания, отвечают его концепции возвышенно-романтического пейзажного образа.

Кипарисы на берегу моря. Крым. Бумага, на картоне, масло. 10.8 x 17.3 см

С 1880 до 1900 года длится «период молчания» Куинджи. До сих пор непонятно, что вынудило Архипа Ивановича уйти из публичной жизни на вершине популярности. Вероятнее всего, он считал, что известность мешает ему развиваться как художнику.

Во время затворничества мастер не перестает заниматься живописью, он продолжает воспевать красоту окружающей его природы с не меньшей проникновенностью, чем раньше. Особенно его вдохновляет Крым. В 1880-х годах Куинджи приобрел участок в поселке Кикинеиз, а также дачу в балке Тартир. Дача представляла собой километровую полосу пляжа и покрытый зарослями склон, посреди которых художник на лето собирал небольшой дом. Ниже находился обрыв, а под ним – море, за игрой которого так любил наблюдать Архип Иванович.

Небольшая по размеру, но интересная по цветовому решению картина «Кипарисы на берегу моря. Крым» написана в 1887 году. Создается впечатление, что это Бог водил рукой пейзажиста, показывая, как золотить солнечными красками заросшую травой поляну, сколько лучей брызнуть на подтянутые и атлетичные стволы и на налитую соком молодую зеленую листву.

Не все на полотне освещено ярким солнцем, часть охвачена тенью, но на фоне нее центр композиции еще более обильно сочится цветом. Позади сквозь кроны деревьев видно море пронзительной, кричащей синевы и тихое, робко голубое небо. Зрителю кажется, будто он на самом деле оказался на поляне посреди благородных и величественных кипарисов.

Кипарисы растут на Крымском полуострове уже давно: впервые их туда завезли греки еще в античности. Вначале эти благородные деревья не росли там повсеместно. Уже намного позже, в XVIII веке их стали высаживать по распоряжению Потемкина, и тогда они распространились в Крыму очень широко. Росли они и в восточной части бывшего имения генерала Ревелиоти, купленной Архипом Ивановичем Куинджи.

Лужайка в лесу, 1890-е годы. Бумага на картоне, масло.

Созданию картины «Дубы» предшествовало написание многочисленных рисунков и этюдов. В них отразился процесс поиска формы и силуэта, построенных на обобщении и стилизации.

Лесистая балка. 1900-е. Бумага на картоне, масло. 10,8 x 17,4

Лесные дали. 1900-е. Бумага на картоне, масло. 30,5 x 25

Днепр. Начало 1900-х. Бумага на холсте, масло. 36,5 x 55

Парусник в море. Между 1876 и 1890. Холст на картоне, масло. 38,4 x 26

Облако. Закат. 1890-е. Бумага на холсте, масло.

Торжество природы

Снежные вершины. 1900-е. Бумага на картоне. 20 x 27.2 см

Специфический свет и невероятное ощущение простора, столь свойственное горам, нашли свое отражение во многих полотнах мастера, посвященным Кавказским горам. Одна из них – небольшая картина, написанная в необычной технике – масляными красками на листе бумаги.

Несмотря на то, что размеры у полотна очень скромные, изображает оно величественную гору Эльбрус, легендарные снежные вершины которой привлекали множество различных людей. Для Куинджи изображение гор обладало особой привлекательной и притягательной силой. Они впечатляли его своим величественным видом и невероятно красивыми цветовыми и световыми вариациями.

В этой картине мастер использовал насыщенные, почти открытые цвета, которые удивительно точно передают холодное пространство и особый, звенящий от чистоты воздух. Голубые дали и насыщенные синие цвета отлично демонстрируют прохладные горные тени. В то же время, освещенные косыми, солнечными лучами участки выглядят свежими, зелеными и теплыми.

Красавец Эльбрус лежит вдалеке, занимая все пространство на горизонте. У его подножия раскинулась зеленая плодородная долина, по которой тонкой, синей змейкой вьется река. С общей холодной гаммой полотна резко контрастирует выступ скалы, залитый теплым солнечным светом на переднем плане. В отличие от остального изображения, выполненного крупными, размашистыми мазками широкой кистью, этот небольшой участок тщательно проработан. Он выполнен при помощи большого количества различных оттенков. Можно буквально физически ощутить скудную, но зеленую траву, отчаянно цепляющуюся за тощую почву в трещинах скал.

Именно с этого возвышенного участка художник и писал свою бессмертную картину. Только этот небольшой фрагмент кажется теплым и уютным, все остальное изображение, расположенное вдали, выглядит очень чистым, нежилым и очень возвышенным, как будто в горах на самом деле становишься намного ближе к небесам и богу.

Казбек вечером. 1900-ею Бумага на холсте, масло. 39,3 x 53,3

В Русском музее – двенадцать горных пейзажей Кавказа. Большинство из них, трактованных обобщенно и лаконично, создано в начале 1900-х годов. Среди них – картинно завершенный, залитый алым закатным светом эффектный пейзаж „Казбек вечером“ 27 (1900-е) с видом плоскогорий, разработанных в градациях красно-коричневого.

Прибой в дождливый день. 1890-е. Бумага на картоне, масло. 58 x 36,5

«Об удивительной остроте зрения Куинджи, его чуткости к тонким нюансам тонов свидетельствуют работы, в которых он варьирует мотив прибоя. К лучшим среди них относится небольшая вертикального формата картина „Прибой в дождливый день“ (1890-е). В ней убедительно передано мягкое ритмичное чередование набегающих на берег слегка пенящихся волн в пасмурную погоду. Свободное, легкое письмо органически сочетается здесь с безупречной выверенностью тонов, объединенных в общем полифоническом звучании.» Ирина Шувалова.

В конце 1880-х годов художник приобретает большой участок земли в диком уголке Южного Крыма (близ мыса Кикенеиз) и по нескольку месяцев в году жил там, занимаясь живописью. Имея возможность наблюдать стихию моря в любое время суток при любой погоде, Куинджи ставит всегда новую задачу в каждой своей работе. «Прибой в дождливый день» почти лишен изобразительности. Чуть обозначена округлая галька, густой синей полосой проведена граница воды на горизонте.  Легкие прикосновения кисти передают упругость набегающей невысокой волны. Художник решает пленэрные задачи: передача глубины, пространства, свето-воздушной среды, особенности освещения в дождливый, неяркий день. При всей простоте мотива это сложное произведение. Оно обладает лаконичностью образа и масштабностью, грандиозностью изображенного. Живопись этого пейзажа рождает музыкальные ассоциации. Пустынный пейзаж объединил три стихии: земную твердь, безбрежную воду и воздух. Грандиозная тема мироздания в небольшой работе Куинджи создает впечатление драгоценности живописи.

Туман на море. 1900-1905. Холст, масло

«Туман на море», на мой взгляд — одна из самых «больших» вещей, среди оставшихся после Куинджи… Этот широкий медленный стилизованный в прямых линиях — прибой, который посылает из своей бесконечности море, и эта безгранная масса воды, и небесный простор над нею
все, видимое сквозь туман и пелену белой краски, производят сильное и совершенно своеобразное впечатление… И уж нигде так неуместно слово космический, как для характеристики аккорда
этой вещи…

М.П. Неведомский

Дубы. 1900-1905. Холст, масло. 83 x 164

Полотно «Дубы» отражает истинную российскую природу. Она поражает деталями очертаний и конфигураций. На переднем плане полотна – группа мощных деревьев, отличающихся густотой кроны и обремененных сочной непроницаемой листвой. Они сливаются в одну кущу, образуя увесистый внушительный контур. Спереди от них ложится густое затенение. По лучистому небосклону изредка проплывают невесомые просвечивающие облака.

На холсте бесспорно романтическое мировосприятие природы.

Художник с характерной для него проницательностью и верностью зрения замечает в ней изысканные отличия оттенков и поразительно искусно их представляет. Это видно и в воспроизведении невесомого прозрачного неба, и в лучезарном сиянии, наполняющем полянку, и в свежей мураве, полутона которой меняются от светло – до темно-зеленых оттенков. На холсте Куинджи отсматривается композиционное сопоставление с работой Шишкина «Дубы. Стадо». Но если в своем детище Шишкин акцентирует внимание на деталях пейзажа, то Куинджи, напротив, синтезирует формы, создавая искусную художественную метафору.

Куинджи устремлялся в своих произведениях к предельным обобщениям, чтобы выявить главное, передать настроение пейзажа. Он искал собирательный тип дерева, и этот отбор привел его к своего рода громоздкому, оригинальному образу огромного дуба. Так художник будто соединяет реальные земные природные предметы с небесными, неземными. Листва на верхушках деревьев, напоминающая тучу, смотрится грандиозно, величаво. Это создает впечатление роскоши потрясающей природы, насыщенной живительными напитками и воплощенной в фантазии живописца в нечто божественное, неземное и важное.

Мощные деревья как бы выразили духовность Руси. Они такие же долгожители, славны своей простотой, красотой и силой. Синева неба, зелень полей, небольшие деревца и кустарник, слегка пожелтевшая трава служат реальными деталями, указывая на лето. Пейзаж совмещает реальность и аллегорию.

«Куиндживские дубы не просто стоят на земле, торжествуя во всей своей естественной красоте, как у И.И. Шишкина, но становятся центром Вселенной, одним из важных ее элементов. В произведении ощущается особый интерес к живописно-пластическим проблемам, свойственный искусству рубежного периода. Обобщенность форм, цветовой и композиционный ритм являются носителями эмоционального содержания. В трактовке дубов, кроны которых, сливаясь вместе, напоминают фантастическое, упирающееся в небо растение, ощущается скрытая напряженность, свойственная целому ряду работ Куинджи позднего времени.»

И. Шувалова

Облака. 1900-1905. Холст, масло. 194×140 см

Настойчиво добиваясь в поздних работах все большего обобщения форм, особой выразительности контуров, композиции в целом, художник создает неожиданно оригинальные по своему образному строю работы. К их числу принадлежит долго не привлекавший специального внимания исследователей неоконченный пейзаж „Облака“ (1900—1905). Это большое полотно, отмеченное чертами декоративности и монументальности, близко по своей поэтической интонации „Дубам“. С давних пор принятая мастером концепция романтически приподнятого пейзажного образа нашла здесь своеобразное претворение.

На беспредельно высоком небе (впечатление усиливают композиционная вертикаль и низко взятый горизонт) вознеслось ввысь и торжественно застыло огромное облако, напоминающее некое космическое существо. Оно воспринимается и как реальная данность, и как форма существования высшей материи. Гипербола, к которой прибегает Куинджи, является не только художественным приемом, но и особенностью его мироощущения, оказавшегося созвучным космическому, масштабному восприятию природы у ряда художников начала ХХ века.

Небесная сфера, небесные светила, облака постоянно влекли к себе Куинджи. Он не только с восхищением наблюдал за ними, будь то на крыше петербургского дома или в специально устроенном им «гнезде» на дереве в Крыму, но и лелеял надежду полетать над землей. Недаром в 1898 году в Париже он рискнул подняться (вместе с учениками) на воздушном шаре.

В Русском музее непосредственно облакам посвящены пятнадцать произведений. Последним из них явилась смело-новаторская картина, в которой нашли отражение поэтика и стилистика позднего творчества Куинджи, когда усилилось стремление мастера к упрощению формы, подчеркиванию роли силуэта и лаконизму художественного языка. Отталкиваясь от реальных впечатлений, он наделяет теперь облако особым смыслом, трактуя его как символ небесных сил, как выход к другим космическим мирам.

И. Шувалова

Радуга . 1900-1905. Холст, масло. 110х171

Картина «Радуга» запечатлевает одно из поразительных природных состояний, описанных в Библии. На еще пропитанном влагой от прошедшего дождя небе, прямо на облаке, высвечиваются разноцветные полоски радуги. Тема вечного и прекрасного света, непостижимости Вселенной, таинственности мироздания и всего сущего на земле составила главное направление творческих поисков Куинджи.

Мастер не скрывал почти математической выверенности своих пейзажных композиций, его не смущали яркие цветовые и световые контрасты, усиливающие эффектность полотен. Куинджи, не умаляя естественной красоты природы, подчеркивает насыщенность цветов сочной зелени, яркой, почти гротесковой синевы неба, тем самым вводя в свою живопись декоративный элемент и придавая пейзажу «картинный» вид.

«Выбрав весьма несложный, даже нарочито упрощенный мотив, Куинджи показывает природу в своего роде очищенном, идеальном виде. Этому способствуют и подчеркнутая декоративность колорита, построенного на широких цветовых пятнах, и пространственное развитие композиции с высоким небом и извивающейся дорогой, создающее ощущение торжественного простора. Одно из чудесных явлений природы — сияющая многоцветьем радуга, раскинувшаяся над омытой дождем ослепительно зеленой равниной, — словно символ космического всеединства большого, яркого и чистого мира природы, иллюзорно-реального и вместе стем романтически возвышенного.»

И. Шувалова

The post Архип Куинджи. Из коллекции Государственного Русского музея appeared first on Блог Милы.

Выставка «Густав Климт. Золото модерна» из московской галереи VEKARTA носит образовательный характер. Поэтому все работы будут снабжены историческими комментариями. Это позволяет глубже погрузиться в смысл и сюжет каждой работы.

Климт является одним из основоположников европейского модерна. В его творчестве удивительным образом сочетаются красочный декоративизм изображения и глубочайшая эмоциональная наполненность. Монументально-декоративные и живописные произведения художника отличает стилизация, символизм и эротизм.

Густав Климт (14 июля 1862, Баумгартен, Австро-Венгрия – 6 февраля 1918, Вена, Австро-Венгрия) – австрийский художник, один из основоположников европейского модерна.

Что такое жикле?

Что такое ЖИКЛЕ? Термин жикле возникает, когда речь идёт о художественной печати. Жикле (от французского ‘отсее» — распыление, разбрызгивание) — эксклюзивные цифровые, художественные репродукции шедевров живописи на холсте, по качеству исполнения и цветопередачи не уступающие оригиналу. С помощью ее удается идеально воспроизвести малейшие нюансы оригинала таким образом, что отличить оригинал от копии невооруженным глазом становится практически невозможно. Для изготовления копий используются микроскопические капли краски, различного размера и плотности. Это позволяет воссоздавать тончайшие нюансы тонов и деталей картины. К примеру: копия средних размеров содержит около 15 миллиардов микроскопических точек.

Художественные копии, выполненные маслом на холсте, все же — имитация. Этого не скажешь о цифровой художественной репродукции жикле, которая является точным, факсимильным воспроизведением подлинника.

Благодаря технологии «жикле» многие музей мира имеют возможность показать почитателям искусства шедевры живописи, дошедшие до нашего времени. Многие коллекционеры и дизайнеры интерьеров также используют в своих предпочтениях картины, выполненные именно в этой технике.

Сегодня «жикле» входят в постоянные экспозиции музея Метрополитен (Нью-Йорк) и в других музеях и галереях Америки. Также цифровые отпечатки работ великих художников представлены в Лувре и Эрмитаже.

Зрительный зал в старом Королевском театре, 1888г.

Ранняя гуашь Климта «Зрительный зал старого Бургтеатра». Городской совет Вены поручил Климту и Матчу запечатлеть старое здание городского театра перед его сносом.

Художнику предстояло изобразить публику во время представления в старом Королевском театре. Когда новость о будущем полотне распространилась среди венского высшего общества, к художнику выстроилась целая очередь из желающих, чтобы он запечатлел их на картине. Художник изобразил около 200 человек, у большинства из которых были реальные прототипы. Картину «Старый Королевский театр» вряд ли можно назвать шедевром. Но она стала для Климта прекрасным рекламным ходом, принеся ему еще больше популярности и вторую императорскую награду. Многие из изображенных на картине пожелали иметь ее копию у себя. Благодаря этому Климт стал вхож во многие влиятельные дома Вены.

Сказка, 1883г.

Картина «Басня» или «Сказка», казалось бы, абсолютно безобидное произведение. Оно было создано автором в возрасте 21 года, но уже имело скрытый подтекст. Теплое и убаюкивающее название предполагает такой же сюжет. Да, здесь есть герои представители классического повествования. Откормленные пышные аисты, дремучий спящий лев, всклокоченный лис с колбой, мышиная мелюзга на тонких ветвях. Такое собрание может иллюстрировать любую басню Эзопа или даже Ивана Крылова. Однако образ юной женщины сбивает с толку и пленит взгляд и помыслы, уводя зрителя далеко от задумки картины.

Картина написана Густавом Климтом в период, когда его полотна еще дышали классической школой живописи. Поэтому в ней живы и краски, и тепло, и степень контраста, такая близкая караваджинской манере письма. Латунно — бистровые оттенки вперемешку с медовой палитрой наделили картину эмоциями, характерными для барочных сюжетов. Никто не мог подумать, что «золотой» период автора будет далек от «Басни».

О чем хотел рассказать Климт в своей картине? Она представляет собой собрание персонажей из разных сказок, конкретики нет. Однако девушка, быть может, и есть сама басня — сказка, как ее олицетворение? Такой прием часто используют баснописцы в комичных произведениях. Басня-женщина Густава хороша собой и не высмеивает пороков. Прозрачное полуобнаженное тело намекает на обнаженные и не скрытые людские пороки, высмеиваемые в литературе. Свиток бумаги в ее ладони уже исписан, но текст спрятан и не прочитан. Но скоро, вот-вот, буквы сольются в стройные куплеты, и писатель опубликует свою сказку.

Картина лаконична и сказочна, необычна набором персонажей и лишь автору понятными акцентами. Ее можно читать так же как любой текст, улавливать намек, домысливать и любоваться живописью Климта, еще понятного, еще молодого, но уже знаменитого.

Эскиз к Аллегории музыки (органист), 1884 г

Этот ранний этюд представляет собой эскиз одной из девяти больших росписей на потолке Городского театра в Фиуме (Риека), выполненный студией братьев Климта и Франца Мачей в 1885 году. Заказ на украшение театра, построенного архитекторами Гельмером и Фельнером, вероятно, был получен в течение 1884 года. Как обычно, художники не рисовали на месте. Они создавали большие холсты в своей венской студии на Сондвиртгассе, 8. Данная работа представляла собой цикл аллегорий на разные жанры музыки. Густав Климт и Франц Мач создали по три больших овальных потолочных картины. Эрнст Климт — картину над авансценой и две картины меньшего размера над коробками авансцены. После концертного зала в Курсалоне в Карлсбаде и Городского
театра в Райхенберге заказ был уже третьей возможностью реализовать большие потолочные росписи для театральных зданий Helmer& Fellner.

В дизайне Климта для «Аллегории (священной) музыки» изображен органист в дорогом синем шелковом одеянии. Что особенно необычно, ток это то, что она стоит на коленях перед инструментом. Таким образом, орган становится алтарем, который также символизирует священный аспект музыки. Это также соответствует преображенному взгляду, устремленному к небу. Фигуру сопровождает ангел в белом одеянии, играющий на цитроне, парящий прямо за ее головой. А таккже несколько поющих херувимов в облаках на правом краю картины.

Композиционно замысел в точности соответствует исполненному варианту. Хотя эффект совершенно другой из-за живописной детализации исполнения Из-за свободных мазков и более теплого цветового тона дизайн кажется гораздо более барочным. Он напоминает образец для подражания Ганса Макарта, который умер в 1884 году на пике своей славы.

ПОСЛЕ ДОЖДЯ, 1898 г.

Регулярные летние выезды за город послужили важным источником вдохновения для художника. Проводил выезды Климт в компании семьи Флёге. Первое совместное пребывание состоялось в 1898 году в Санкт-Агате на Гальштеттерзее.

Фруктовые деревья расположены в шахматном порядке друг за другом. А слегка возвышающийся лесистый холм на фоне пейзажа создает впечатление постоянно раскрывающейся глубины. Однако Климт постепенно опускает цветовую растушевку дальше вдаль и для полного образа использует равномерный туманный серовато- зеленый цвет. Как и в картине «Фруктового сада», завершенной примерно в то же время, он соединяет верхушки деревьев в единую плоскую часть с помощью разноцветных мазков краски, которые также кажутся находящимися в той же плоскости, что и луг на переднем плане. Даже стволы деревьев свидетельствуют о пространственности «реального» мира, несмотря на их близость к силуэтам.

Утро на пруду в парке дворца Каммер, 1899 г

Климт проводит лето 1899 года в Голлинге под Зальцбургом вместе с родственниками и членами семьи Флёте. Это место и запечатлено на картине. Это первый квадратичный ландшафт Климта. Только в ранние утренние часы свет на пруду отражает берег на поверхности воды. Картина была впервые представлена гп седьмой выставке в Сецессионе в Вене в 1900 году.

Озеро Аттерзее, 1900 г

Пейзажи были еще одной страстью Густава Климта — мозаичные полотна из точек и узоров. Стиль, в котором написаны его пейзажи, иногда называют неопуантилизмом: картина складывается из разноцветных мазков-точек. Уже в первых реалистичных пейзажах Климта угадываются будущие мозаики. Позднее этот стиль выходит на первый план.

Местом силы Климта стало озеро Аттерзее. С 1900 года художник проводит здесь каждое лето. Компанию в поездках на озеро художнику часто составляла его верная подруга — Эмилия Флёге. В настоящее время на озере Аттерзее проводят пешие и водные экскурсии «по местам Климта».
Почти все пейзажи Климта написаны на квадратных холстах. Художник считал, что такая форма помогает бесконечно расширять пространство во всех направлениях. На картине завышена линия горизонта, что почти превращает ее в абстрактный пейзаж.

Буковая роща I, 1902г.

Картина написана в 1902 году в Лицльберге на озере Аттерзее.

Большой тополь II (Надвигающаяся гроза), 1903 г.

Между 1900 и 1907 годами Густав Климт проводил летние месяцы с семьей доме Лицльберга и пивоварне. В окрестностях Лицльберга величественный тополь, примыкающий к часовне, вызвал его интерес. Его он написал дважды. В конце концов в 1928 году в тополь попала молния и его срубили.

Представленный вибрирующая поверхность, состоящая из разноцветных «форельных точек» отличаюающих пуантилизм, дерево в картине рукотворной башней поднимается к небу. Когда картина была впервые показана на сольном показе Климта в Сецессионе в 1903-1904 годах, арт-рецензенты сразу заметили мрачный оттенок картины.

Траснформация творчества Климта

В 1892 году в жизни Климта произошли подряд два трагических события, оказавших влияние и на его творчество, и на жизнь в целом. Сначала ушел из жизни его отец, а вскоре после этого скончался брат художника Эрнст. После кончины отца на плечи Климта полностью легли заботы о благополучии семьи. А смерть брата нанесла художнику сокрушительный удар. Эрнст был для Густава не только родственником, но и коллегой, и одним из самых близких друзей. Они вместе с детства учились живописи, вместе работали над заказами и добились огромной популярности в Вене.

После смерти отца и брата Климт надолго впал в депрессию. В эти годы главной его поддержкой стала Эмилия Флёге. И в это же время постепенно начинает трансформироваться и меняться его творчество.

Музыка I, 1895г.

Николаус Думба, греческий магнат и покровитель искусств, поручил Густаву Климту и Франсу Матчу украсить две комнаты в его Дворце Думбы в Вене. Позднее, в 1937 году, после смерти жены Думбы дворец был ликвидирован и распродан. Эскиз «Музыки» предназначался для размещения над дверью в музыкальной комнате.

Эту работу можно считать отправной точкой в творчестве Климта и предтечей самых знаменитых работ художника, которые он создаст в годы «Золотого периода». Идея изобразить на картине саму Музыку была довольно амбициозной. Но Климт был уже достаточно знаменитым в Вене художником, чтобы позволить себе это. К тому же, в будущем он не раз докажет, что мнение критиков его абсолютно не волнует.

Климт был страстным поклонником старины и древних искусств. Это увлечение позволило ему создать особенно яркие, поражающие воображение и выполненные с почти фотографической точностью работы, украсившие стены Художественно-исторического музея в Вене. Но если в оформлении музея упор был сделан на Древний Египет, то в картине «Музыка» безраздельно властвует Эллада. Главная героиня полотна, совсем юная девушка, почти ребенок, держит в руках лиру – инструмент, воспетый в древнегреческом изобразительном искусстве. В правой части художник изображает сфинкса, который, кроме прочего, считается символом свободы творчества и личности в целом. Эту картину от ранних работ Климта отличает отказ от традиционной перспективы и классических сюжетов в пользу символизма, ярко выраженная декоративность и характерная для ар-нуво «уплощенность», двухмерность изображения. Но художник не спешит отказываться от привычного изображения людей. Это придает полотну сходство со слегка размытой старой фотографией.

Женщина в кресле, 1898 г.

Dame in Fauteuil («Женщина в кресле») — захватывающий пример революции, происходившей как в творчестве Густава Климта, так и в основах различных дисциплин в искусстве Fin de Siecle Vienna.

Эта работа, написанная в 1897-1898 годах, является редким образцом раннего портрета Климта. С первых дней своей художественной карьеры Климт зарекомендовал себя как портретист, написав как портреты по заказу, в основном представительниц венского высшего общества, так и более интимные портреты своей спутницы Эмили Флёге. Климт также выполнил ряд аллегорических композиций, обрабатывая человеческую фигуру с теми же стилизованными и декоративными качествами, которые преобладают в его портретах.

Dame in Fauteuil (Женщина в кресле) показывает принадлежность художника к художникам-символистам конца девятнадцатого века. Женщина-натурщик богато закутана в соответствующее красное платье и шляпу. Ее узкая талия опоясана темно-зеленым поясом. Она сидит в узорчатом кресле на абстрактном коричневато-красном и серо-коричневом фоне. Безмятежность и нежная бледность ее лица перекликаются с призрачностью двух очерченных голов в верхнем левом углу композиции.

Афина Паллада, 1898г.

В 1889 году в столице Австрии состоялась первая выставка Венского сецессиона. Вслед за немецкими коллегами австрийские живописцы отделились от официозного Дома художников. Они организовали собственное объединение, чтобы иметь возможность создавать и демонстрировать публике произведения искусства, выходящие за рамки господствовавшего консервативного стиля. Как и мюнхенские сецессионисты, венские художники сделали своим символом и покровительницей Афину Палладу. И на первой же выставке в Вене президент сецессиона Густав Климт представил картину, изображающую воинственную греческую богиню.

«Афина Паллада» разительно отличается от других женских портретов Климта. Утонченные, пронизанные чувственностью, откровенно сексуальные роковые красавицы стали визитной карточкой художника. В отличие от них Афина излучает силу и властность, она полна воинственного магнетизма. Ее сверкающий шлем, золотой нагрудник и поразительно живые, горящие огнем глаза стали не только символом борьбы сецессионистов за свободу самовыражения (полотно настолько впечатлило критиков, что Афину стали называть «демоном сецессиона»), но и некой отправной точкой в творчестве Климта. Именно с этой картины начался новый виток в творчестве художника. Его назвали «золотым периодом», он подарил миру самые знаменитые картины Климта, написанные в неподражаемом стиле.

В Афине, которую сецессионисты избрали своей покровительницей, художника интересовала по большей части ее божественная сущность, а не сексуальность. И это не удивительно, учитывая ее половую неоднозначность в греческих мифах. Дело в том, что, несмотря на внешнюю принадлежность к женскому полу, Афина наделена по большей части мужскими качествами. По мнению некоторых исследователей, в этой работе Климт намекает на известную теорию о тесной связи жажды власти с сексуальным желанием. Как бы там ни было, почти асексуальная богиня Афина Паллада стала одним из самых сильных женских образов в творчестве Климта.

Юдифь и Олоферн, 1901г.

Библейская история о молодой израильской вдове Юдифи, которая соблазнила и обезглавила ассирийского полководца Олоферна, во все времена была популярным сюжетом среди живописцев. Юдифь служила символом мудрости, храбрости и добродетели, одерживающей победу над пороками нечестивцев. Но в 1901 году Густав Климт предложил собственное толкование знаменитой истории и свое видение главной героини. Слово «скандальный» можно применить практически ко всем признанным шедеврам художника, и картина «Юдифь и Олоферн» не стала исключением.

Моделью для полотна стала знаменитая «золотая» Адель Блох-Бауэр. Её узнаваемые черты лица породили волну слухов о любовной связи между художником и натурщицей. Картина Климта, пропитана откровенной чувственностью. Она была совсем не похожа на изображающие ту же сцену полотна Джорджоне, Боттичелли и Караваджо. Экстатическое выражение лица Юдифи, ее напряженные пальцы, страстно сжимающие отрубленную голову Олоферна, ее бесстыдно обнаженное тело повергли жителей Вены в шок. В их понимании эта дерзкая фам-фаталь, явно получающая удовольствие от хладнокровного убийства, никак не вязалась с образом добродетельной вдовы, рискнувшей принести в жертву свое целомудрие, чтобы спасти родной город от вражеской армии.

Ее лицо запечатлено в момент оргазмического восторга. Ее глаза полузакрыты, губы нежно раздвинуты. В руках она держит отрубленную голову своего врага и, кажется, почти вздрагивает от удовлетворения своей победой.

Неоднозначность полотна и неприкрытая сексуальность его героини настолько смущала венскую публику, что… было решено считать, что на нем изображена вовсе не Юдифь, а другая известная библейская личность – коварная Саломея с головой Иоанна Крестителя. Поэтому долгое время, несмотря на название картины, написанное на раме, она была известна как «Саломея». К слову, старые мастера, чтобы отличить Юдифь от Саломеи всегда изображали рядом с ней ее служанку, которая помогла вдове пробраться в лагерь ассирийцев и осуществить убийство Олоферна.

Портрет Эмили Флёге, 1902 г

Владелица венского дома моды и кутюрье Эмилия Флёге оставалась единственной постоянной спутницей любвеобильного Густава Климта более двадцати лет. Этот факт не вызывает сомнений. А вот характер их отношений — предмет споров и дискуссий со времен начала ХХ века. Взаимное притяжение и эмоциональную зависимость творческая пара скрепила негласным дружеским союзом, приправив его долей романтики. Альянс оказался сильнее уз брака и стал их неразгаданной формулой любви.

Среди исследователей жизни Климта до сих пор продолжается полемика, оставались ли отношения художника и Эмилии только платоническими. Ответ может подсказать портрет Эмилии 1902 года. В нем венский Казанова раскрывает свои чувства.

Величественная, чувственная и хрупкая Эмилия — не только дама, бросившая вызов обычной роли, приписываемой обществом. Она — Богиня. Как невозможно приблизиться к божеству и властвовать над ним, так для художника возвышающаяся во весь рост Эмилия со стилизованным нимбом остается недосягаемой святыней и его повелительницей.

Эмилии и ее семье портрет не понравился. Она отказалась его принять, и в 1908 году картину приобрел Венский исторический музей.

Дафна. Девушка с голубой вуалью, 1902-1903 гг.

В этой работе очень много внимания художник уделил волосом модели. Он тщательно проработал их, а цвет фона и вуали прекрасно контрастирует с цветом волос. Они — главное украшение девушки. Несмотря на открытое тело, картина получилась в меру выдержанной, не откровенно эротичной. Есть предположение, что натурщицей выступила модель Герма, знакомая нам по картине «Надежда I».

Ток же исследователи склоняются к мнению, что на этой работе Климтом изображен персонаж древнегреческой мифологии, прекрасная нимфа Дафна. Наиболее известен миф о ней и Аполлоне — преследуемся им, охваченным к ней страстью, она — давшая обет целомудрия, взмолившись, была преврощена в лавровое дерево, ставшее священным у Аполлона.

Однако существует много аргументов против этой теории. Почему нет Аполлона, где намек на превращение Дафны в лавровое дерево? Где ветки на ее руках и листья, растущие из головы? Именно эти компоненты были частью стандартного репертуара в исторических изображениях Аполлона и Дафны.

Но это загадочное изображение действительно можно проследить до самых деталей. Хотя и очень необычным образом — из самого известного источника мифа об Аполлоне и Дафне, «Метоморфозам» Овидия. Климт концентрируется на психологическом состоянии молодой женщины непосредственно перед тем, как она превратится в дерево. Ее внешний вид во многом соответствует тексту Овидия. Распущенные, развевающиеся волосы; покрывало, сползающее с ее тела и раздуваемое ветром, конец которого оно прижимает к себе левой рукой; полуобнаженное тело и особенно ее «нежную грудь». которую описывал Овидий и похотливо подчеркивали многие живописцы.

Ее единство с природой отражено не только в цветущем лугу, окаймленном сверху лесом, но и в двух маргаритках в волосах. Нежные синие параллельные полосы вуали, вздутые в абстрактную геометрическую форму, напоминают текущую воду характерным символистским образом. Это, в свою очередь, нопоминает речного бога. И кажется, что Дафна поворочивается к нему, ее рот открыт, как будто она что-то говорит. Завеса, как поток воды, и цветущий луг покрывает большие плоскости изображения и номекает на стихии воды и земли, символизируя, таким образом, мифологических родителей несчастной нимфы

Водяные змеи II, 1904 г.

«Водяные змеи» — яркий образец эпохи модерна и своеобразная визитная карточка автора. Климт, как обычно, аллегоричен, он изображает обнаженных женщин в образе водяных жителей, женщин-змей. Образы женщин собраны в длинные гирлянды — кто-то плывет по течению, одна же, жгучая брюнетка, как будто, плывет наперекор воде.

Климт наделил своих женщин холодной красотой, бледной кожей и славянскими чертами. Украшением каждой женщины являются пышные шевелюры с вкраплением ракушек и цветных камней необычных водорослей, стилизованных художником.

Работа впечатляет необычным колоритом с необычным оттенком морской воды и водорослей, тех, что легли мягкой прослойкой между двумя красавицами, а черные края картины намекают на водные глубины, опасности и тайны, которые они могут содержать. Климт по своему неугомонен в красках, необычной для такого сюжета палитрой, контрастом и декоративностью создаёт неповторимое впечатление от этой работы. Несмотря на размеры полотна, Климт отлично чувствует его пространство, создает плотную компоновку, не оставляя пустот.

Многослойность деталей уничтожает скуку которая могла бы жить в повествовании о жизни подводных обитателей, а их олицетворение с женщинами — тем более.

Портрет Фритцы Ридлер, 1906 г

Наступление нового, «золотого» периода в творчестве Климта было спровоцировано его путешествиями по Европе. Побывав по Флоренции и Риме, он вдохновился техникой итальянских мастеров и привнес ее черты в свое творчество. Первой картиной, на которой художник опробовал метод, стал портрет Фрицы Ридлер, написанный в 1906 году. Позолота, подчеркнутая декоративность и рельефные орнаменты станут фирменным почерком Климта на ближайшие несколько лет.

Густав Климт, тонко чувствовавший внутренний мир модели, дополнял обычные женские образы символами эротического характера, с виду оказавшимися «невинным» орнаментом. На картине «Портрет Фрицы Ридлер» зритель «встречается» не с женой государственного чиновника, коей на самом деле была эта женщина, а скорее, со жрицей любви.

Голова модели находится на уровне орнаментального окошка, может быть, для того, чтобы получилось сходство с головным убором Марии Терезии, кисти Веласкеса. Только самые внимательные обнаружат, что сексуальная символика — «павлиньи глаза», образуют кресло, на котором восседает героиня, и с трансформацией этого предмета в орнамент исчезает его глубина и форма. Акцент золота, исчезнувший было из картин, проявился с новой силой.

Сложно определить, что эротического нашел художник в этой элегантной, но несколько разочарованного вида даме, да и искал ли он его вообще, но зрителя как бы зовут подсмотреть за героиней с помощью этих таинственных глаз. Может быть, психолог Климт разглядел во фрау Ридлер не столько спутницу важного чиновника, игравшую в его жизни роль «декора», а всего лишь женщину, истосковавшуюся по романтическим отношениям.

Портрет Адели Блох-Бауэр (Золотая Адель), 1907 г.

«Золотая Адель» долгие годы была самым настоящим национальным символом Австрии. По популярности и тиражируемости она ничуть не уступала другой знаменитой картине Климта — «Поцелую». Когда Австрии пришлось расстаться с картиной, это событие стало трагедией национального масштаба. Провожая «Золотую Адель» в США, многие австрийцы плакали, не стесняясь. На протяжении всего существования этого полотна его сопровождали интриги и скандалы.

Существует легенда, согласно которой Фердинанд Блох-Бауэр заказал Густаву Климту портрет своей жены Адель, узнав об их романе. Оскорбленный и униженный мужчина придумал идеальный план мести неверной супруге и ее любовнику. Он пообещал художнику астрономическую сумму за уникальное полотно, во время работы над которым Климту приходилось бы проводить вместе с Адель так много времени, что вскоре она ему бы просто опротивела. Блох-Бауэр был наслышан о многочисленных любовницах художника и о том, что ни одна из них не задерживалась рядом с Климтом надолго. В итоге «Портрет Адели Блох-Бауэр» стал не только выгодным капиталовложением, но и прекрасным способом отомстить жене, которая вынуждена была каждый день наблюдать, как угасает страсть ее любовника.

Когда в 1938 году Германия вторглась в Австрию, практически всем имуществом семьи Блох-Бауэр завладели нацисты. В годы Второй Мировой портрет ‘Адели скрывали от публики из-за явного еврейского происхождения модели, но после войны она заняла место в Галерее Бельведер. Единственная оставшаяся в живых представительница семьи Блох-Бауэр, племянница Фердинанда и Адели Мария Альтман, сбежавшая от преследования нацистов и ставшая гражданкой США, лишь в 1998 году узнала, что по завещанию дяди именно она является владелицей портрета. Так началась 8-летняя судебная волокита, ставшая причиной международного скандала. В конце концов, Марии Альтман удалось вернуть себе и «Золотую Адель».

Даная, 1907 г

В ряду мифологических произведений Климта картина «Даная» далеко обошла по популярности остальные работы.

Согласно мифической легенде прекрасная девушка Даная, ограждаемая царствующим отцом от любой возможности стать матерью, находится в заточении. Так повелел её отец, которому оракул предсказал смерть от руки внука. Однако Зевс‚плененный красотой Данаи, проник в ее темницу золотым дождем.

Критики, впервые увидевшие «Данаю», усердно подбирали самые язвительные выражения, считая картину олицетворением безнравственности, но у зрителя, даже с повышенными моральными требованиями, не возникает протестных настроений, появляющихся при виде данной картины. Большинство ценителей искусства даже отмечают чувство умиротворения, наступающее при созерцании запечатленной сцены.

Поцелуй, 1908 г

Густав Климт крайне редко покидал Вену. Его поездки в Париж можно буквально пересчитать по пальцам. Что же касается остальной Европы, казалось, она вообще мало интересовала художника. Исключением оказалась лишь Италия, а точнее — Равенна, откуда Климт в 1903 году привез свое страстное увлечение византийскими мозаиками. Использование золота и разнообразные орнаментальные узоры в работах старых мастеров нашли отражение в самом продуктивном и ярком «Золотом периоде» творчества Климта, в зрелом периоде, подарившем миру самые известные из его картин, в том числе и «Поцелуй».

Орнаменты, которые художник использует для изображения слившейся в любовном объятии пары, не случайны. На протяжении практически всего своего творческого пути Климт пытался донести до публики свое видение двойственности любви. Здесь он передает это ощущение, в частности, через разграничение мужского и женского. ‘Одеяние героя картины расчерчено четкими квадратами и прямоугольниками, в то время как наряд его возлюбленной украшен орнаментом, в котором преобладают более мягкие и «женственные» круги и спирали.

Интересны в «Поцелуе» и еще две детали. Во-первых, как и в большинстве других своих зрелых работ, художник не позволяет зрителю увидеть лицо героя. И во-вторых, примечательно то, что Климт изобразил на полотне не сам поцелуй, а лишь его ожидание, предвкушение. По одной из версий, картину заказал ему некий граф. Он дал художнику медальон с изображением своей возлюбленной и попросил изобразить их вместе. Но во время работы над картиной Климт неожиданно для себя самого влюбился в девушку с медальона. И поэтому вместо графа изобразил рядом с ней самого себя, скрыв лицо. И поэтому же пара на полотне не сливается в поцелуе, а пребывает в страстном любовном томлении.

Кусты роз под деревьями, 1905 г.

Розовые кусты под деревьями были созданы, как и большинство пейзажей Климта, во время летних каникул 1904 и 1905 годов, когда он остался в Лицльберге. Холст покрыт точками цвета и мелкими мазками кисти в стиле декоративного мотива или мозаики. Климтские пейзажи становились все более абстрактными, хотя он продол жал писать с натуры.

То, что наблюдал художник, просто служило стимулом. Настоящим предметом картины является сама живописная структура.

Основу композиции составляет листва над узкой горизонтальной полосой луга. По всей картине Климт распространил сеть небольших мазков краски от светло-зеленого до темно-зеленого с контрастными тонами розового, лилового и желтого. Это масса пятен растворяет элементы ландшафта до рудиментарных черт предлагаемые стволы деревьев и вариации цвета различных типов листьев позволяют опреде лить сцену как сад фруктовых деревьев. Небо только мелькает сквозь крошечные промежутки в верхнем, левом правом углах.

В отличие от импрессионистов, Климт не интересовался атмосферными переменами. Он предпочел черпать вдохновение из пластических решений нео-импрессионистов, используя свои знания французской живописи, чтобы развить очень личный, формальный язык. Наконец, его декоративная манера покрывает и заслоняет пейзаж нарочитым решетом, будто он был движим глубоко укоренившимся ужасом пустоты.

ЦВЕТОЧНЫЙ САД, 1905-1907 гг.

Хотя с самого начала своей карьеры Климт был широко известен своими аллегорическими композициями и женскими портретами, в 1890-х годах и позже пейзажная живопись становилась все более важным источником творчества Климта, в конечном итоге составив почти четверть его творчества. Этот сдвиг был частично вдохновлен крупной выставкой картин Ван Гога в галерее Митке в Вене, которую Климт посетил и которой очень восхищался. Увидев способность Ван Гога создавать яркие цветные пейзажи, используя чистую краску и несколько традиционных техник, Климт воодушевился, и он начал использовать гораздо более толстую кисть.

На этой картине мы видим крупным планом цветочный сад с его узкой перспективой и акцентом на окрашенной поверхности — что является проявлением любви Климта к узорам и дизайну. Буйство красок напоминает фоны некоторых из его монументальных фризов, таких как «Фриз Бетховена» (1902), выставленных здесь в преувеличенном изобилии. Пирамидальная структура придает форму интенсивности узоров, которые, кок и другие пейзажные работы Климта, играют на
поляризационном эффекте преобладающей оппозиционной красно-зеленой палитры. Тем не менее, Климт помещает странную ноту синего цвета в сердце этой композиции, чтобы она выступала в качестве фокуса в цветовой путанице.

“Цветочный сад” был продан за 59,3 миллиона долларов (48 миллионов фунтов стерлингов) на аукционе Sothbey’s произведений импрессионистов, модернистов и сюрреалистов в Лондоне 2 марта 2017 года — это рекордная аукционная цена за пейзаж художника.

Подсолнух, 1908г.

«Подсолнух» (нем. Die Sonnenblume) — пейзаж австрийского художника Густава Климта. Считается одним из лучших лирических произведений художника, посвящённых природе. Художник строго разделял портретный и пейзажный жанры, поэтому антропоморфный «Подсолнух» — самый яркий образец смешения жанров в творчестве художника.

Климт поместил возвышающийся на широком пьедестале из луговых цветов подсолнух на фоне плотного цветущего ковра близко х переднему краю картины так, чтобы он занимал всю её центральную часть. Приближенный к зрителю компактный задний план придаёт подсолнуху дополнительную монументальность. Помимо необычной композиции Климт применяет новую для себя живописную технику: тёмные краски насыщенных зелёных и красных оттенков нанесены густо и перекрывают друг друга, цветки оформляются не одним движением руки, с несколькими мазками.

Климт был знаком с «Подсолнухами» Ван Гога, которые участвовали в выставке импрессионистов, подготовленной Венским сецессионом в 1903 году. Но если Ван Гога интересовали цветовые изменения увядающих цветов, то Климт на вершине «золотого периода» в технике живописной мозаики написал величественный портрет гордого растения на золотистом фоне под стать его дамским портретам. Под влиянием «Подсолнуха» Климта молодой Эгон Шиле в 1909 году написал свой антропоморфный «Подсолнух», у которого климтовский гордый пафос растения сменился вялой безнадёжностью.

Усеянный золотыми искорками «Подсолнух» был написан в зените «золотого периода» в творчестве Климта специально для Венской художественной выставки 1908 года, где он демонстрировался в одном ряду с ещё незаконченным «Поцелуем» и «Золотой Аделью». В 1909 году «Подсолнух» участвовал в Х Международной художественной выставке в Мюнхене, в 1910 году — в [Х Венецианской биеннале, в 1914 году — выставке Союза чешсконемецких художников в Праге. До 1912 года пейзаж принадлежал сталелитейному магнату Карлу Випенштейну, затем его приобрёл советник по строительству Генрих Майер, которому наследовали супруга Парцер. В 2012 году «Подсолнух» был передан в дар галерее Бельведер по завещанию их сына, коллекционера Петера Парцера вместе с ещё одной работой художника — картиной «Семья».

3AMOK KAMMEP HA ATTEP3E I, 1908 г.

Данная картина является первой из четырёх картин под этим названием, созданных 1908-1910 годах на на вилле «Олеандр» в летнем загородном отдыхе Шерфлинг-ам-Аттерзе. Её Климт с семейством Флёге снимал у владелицы замка Каммер графини Кефенхюллер. «Замок Каммер на Аттерзе » отражает изменение живописи Климта, выразившееся в укреплении композиции и строго параллельной структуре картины.

Климт выбрал для пейзажа замка вид с мостков прилегавшей к вилле лодочной пристани, откуда за отражающей берег водной гладью озера Аттерзе через высокие пирамидальные тополя проглядывал кубический фасад Каммера. Художник сконструировал окрестности замка на пейзаже без учёта реального пространства. Узнаваемая церковная колокольня, которая возвышается на пейзаже рядом с замком, в действительности находится в Зевальхене. Её от замка отделяет дистанция около восьми сотен метров по воде, что художник скрывает бесконтурным изображением лесов и наложением сюжетных мотивов. Пейзаж впервые демонстрировался публике на Венской художественной выставке 1909 года. В ее отзывах он был назван «главным и блестящим произведением». В 1910 году пейзаж принимал участие в выставке Союза чешсконемецких художников в Праге. Там он был выкуплен у автора.

ДВОРЕЦ КАММЕР НА АТТЕРЗЕ III, 1910

Это полотно является третьим из серии картин о дворце Коммер. Замок просматривается с воды, чтобы создать яркую зернистую роботу с мутными желто-зелеными бликами.

Вначале Климт выходил на воду, чтобы рисовать. Но в последующие годы он стал одним из первых, кто владел лодкой, что вызвало местный резонанс. Он рисовал прямо на холсте, наслаждаясь свободой и сосредоточивался но выбранной сцене, глядя через бинокль.

Благодаря движениям лодки вдоль передней части стен замка создается прекрасное мимолетное ощущение, как будто мы можем только мельком увидеть великолепный дом между деревьями, пока лодка скользит по мерцающей воде, великолепно изображенной но переднем плане картины. Введение желтой крапчатости выступает доминирующим противовесом его обычной огромной палитре зелени, с которой теперь умело обращаются после многих лет исследований в области ландшафта и студийной роботы.

Надежда II, 1908 г.

Надежда II — картина Густава Климта, сделанная в 1907-1908 годах. Это вторая работа Климта, посвященная беременной женщине, изображающая Герму, одну из его любимых моделей. Первоначально названа «Видение Климта», но известна как «Надежда II» после более ранней работы «Надежда».

Климт написал тяжело беременную Герму в «Надежде I» в 1903 году, в которой она была изображена обнаженной. В «Надежда II» она носит длинное платье или плащ, украшенный геометрическими фигурами. У нее длинные каштановые волосы и закрытые глаза, голова склоненная к ее обнаженной груди и расцветающему животу. Неуместный человеческий череп появляется на передней части ее одежды — быть может, символ опасности родов или, возможно, скорой смерти (в Надежде I она также сопровождается черепом и несколькими смертоносными фигурами). В нижней части картины три женщины также склонили головы в молитве или же в скорби.

Семья (Мать с двумя детьми), 1910г

На картине изображен сюжет, многократно исследуемый в мировой живописи. Молодая женщина прижимает к себе своих детей, видимо, сына и дочку. Картину можно было бы назвать «Нежность», ведь столько умиротворения и спокойствия в этих бледных лицах. Но общая колористика картины заставляет зрителя подозревать нечто совершенно другое.

Основные цвета картины темные, если не сказать, мрачные. В этой массе темного цвета сложно различить фигуры, они сливаются в единый объем, слабо обозначенные отенками и полутонами. На щеках у детей румянец. При минимальном присутствии изобразительных элементов, Густав Климт дарит зрителю множество подсказок для понимания сюжета своей картины.

Портрет Адели Блох-Бауэр II, 1912г.

«Адель Блох-Бауэр II» называют вторым из величайших портретов Густава Климта, хотя
эта картина и менее знаменита, чем её «старшая сестра» — «Золотая Адель». Адель
Блох-Бауэр была одной из немногих, чей портрет Климт написал дважды. Если первый был
вершиной его роскошного «Золотого периода», то следующий представляет собой более
простую и красочную работу маслом на холсте. Художник изобразил героиню в полный рост
в широкополой шляпе и с волосами цвета воронова крыла. На ней светлое платье с синим
поясом и сложным узором на юбке. Пол под ногами Адель украшен пурпурным орнаментом,
а красочные панели за спиной состоят из розовых и зелёных цветочных паттернов в центре и
восточных мотивов вверху. Такой фон предполагает богато декорированный интерьер и
свидетельствует о высоком социальном статусе модели. Она предстаёт как гранд-дама, но в
её глазах таится меланхолия. Несмотря на богатство и привилегированное положение,
судьбу Адель Бауэр вряд ли можно назвать лёгкой.

Она была дочерью директора банка и железной дороги, а также женой сахарного
магната Фердинанда Блоха, который был на 17 лет старше её. Это был брак по договорённости, и он был бездетным после двух выкидышей и смерти ребёнка. Мария Альтман вспоминала свою тётю как «довольно холодную, интеллектуальную женщину», которая разбиралась в политике и была социалисткой. По своей инициативе Адель изучала немецкую, английскую и французскую классическую литературу. «Я помню её очень элегантной, высокой, темноволосой и тонкой. Она всегда одевалась в шёлковые белые платья и курила через длинный золотой мундштук», —
рассказывала Мария.

Адель обладала значительной социальной и интеллектуальной властью, будучи хозяйкой
своего еженедельного салона. Его посещали композиторы Густав Малер и Ричард Штраус,
писатель Стефан Цвейг. Адель Блох-Бауэр умерла от менингита в 1925 году всего 43-х лет от
роду. Когда Австрию в 1938 году аннексировали немецкие национал-социалисты, коллекция
Блох-Бауэров была конфискована. Оба портрета кисти Климта стали собственностью
галереи Бельведер в Вене, где оставались до 2006 года, пока не вернулись к Марии Альтман
— племяннице Фердинанда и Адели. Новая владелица выставила картины на аукцион в 2006
году. «Адель Блох-Бауэр II» купила телеведущая Опра Уинфри за 88 миллионов долларов.

АЛЛЕЯ К ЗАМКУ КАММЕР, 1912 г.

Густав Климт увековечил очаровательный замок Каммер на Аттерзее в нескольких картинах. На этой картине он решил изобразить вид на длинную аллею деревьев, ведущую ко входу в замок. Благодаря ракурсу ряды деревьев по обе стороны сильно привлекают зрителя и создают глубину. Это было необычно для одной из пейзажных картин Климта, которые вместо этого были в основном плотными и плоскими.

Однако Климт возвращается к своему типичному двумерному изобразительному стилю в изображении могучих верхушек деревьев. Они изображенх бесчисленными маленькими мазками цвета почти в пуантилистической манере, в сетчатой структуре без пространственной дифференциации. Пространственность и плоскостность помещены как бы в своего рода подвешенное состояние.

Цветовая палитра, выбранная Климтом для верхушек деревьев, весьма изысканна. Затененные области обычно имеют приглушенный синий цвет. Тогда как освещенные солнцем участки светятся приглушенным желтовато-зеленым цветом. Климт, очевидно, перенял это поразительное сочетание синего, желтого и зеленого, которое в то время редко использовалось в Вене, у французских импрессионистов и их предшественников. Новаторским текстом для распространения французских теорий цвета по всей Европе стала работа Эжена Шеврёля о «цветовых гармониях», ранее опубликованная в 1878 году в немецком переводе Фридриха Яннике.

Город Лицльберг на озере Аттерзее, 1914 г.

Климт отправил открытку 30 августа 1914 года своему племяннику Юлию Зимпелю, иллюстрирующую тот же мотив, что и в этой картине. Вид на Лицльберг с домами пивоваренного завода и Майр-Хоф возможен только с озера. Поэтому предполагается, что этот пейзаж был завершен в его студии в Вене, используя современную фотографию.

Портрет Фредерики Марии Беер, 1916г

Фридерика Мария Беер-Монти — американская галеристка австрийского происхождения, известная по портретам работы Эгона Шиле и Густава Климта.

На портрете Климта она одета в платье со стянутым шнуровкой подолом из шёлка понже «Марина» дизайна Дагоберта Пехе, опять же для Венских мастерских, и жакет из хорькового меха, её обновку той же марки. По настоянию Климта Фридерика Беер надела меховой жилет наизнанку, чтобы он мог запечатлеть на картине великолепную подкладку из цветного шёлка «Флора» дизайна Лео Блондера.

До этого Фридерике пришлось перемерить множество восточноазиатских костюмов, хранившихся в мастерской Климта. По словам портретируемой, рисунок фона с крупными фигурами и растительным орнаментом портрета Климт позаимствовал с имевшейся в его коллекции азиатской вазы. На картине и платье, и жакет, и фон конкурируют друг с другом. Глазу зрителя можно отдохнуть только на зелёном ковре в нижней части картины и чёрных волосах Фридерики, обрамляющих её лицо.

Девы, 1913г.

Картину «Девы» можно отнести к последнему периоду творчества Климта. Уже тогда художник стал отходить от о вычурного собственного декоративного стиля. От картины веет спокойствием и умиротворением.

На картине мы видим девушку, окруженную шестью обнаженными женщинами. Работа имеет несколько различных интерпретаций, касающихся основной фигуры. В основном эксперты сходятся на том, что Климт изобразил процесс превращения в женщину юной девы. Об этом свидетельствуют спирали на драпировке, символизирующие плодородие, и прикрытые ноги, указывающие на половую зрелость.

Сон спящей девушки, которую автор поместил в центре композиции, чист. И плоть пока не будоражит его своими взрослыми фантазиями. Поза, в которой она спит, выглядит сексуально. Но по лицу заметно, что девушка вряд ли грезит плотскими утехами.

Юный возраст героини тонко подчеркнут еле заметными краями ночной рубашки, выглядывающими из-под орнаментальной накидки-одеяла. Приходит период взросления, а с ним, и «взрослые» сны, переданные Климтом через полуобнаженных, явно более искушенных женщин.

Изображенные женщины парят на ложе, как облаке из сплетенных цветов, они фантазия и сновидения девушки. Чувства пробудились, и ряды женского мира пополнились еще одной новой, и непостижимой «загадкой». Вход в этот мир для мужчины закрыт. Да он и сам бы там долго не выдержал.

Привлекательность плоти создана автором за счет контраста между розовыми оттенками тел, тщательно и изящно выписанных, и «грубой» тканью, с ярким, но довольно примитивным рисунком.

Для Климта женщина — источник и символ вечной жизни. Обратите внимание, что Климт в росписи покрывала использует спирали , которые являются символом бессмертия, бесконечности и плодородия , а прикрытые ноги символизируют половую зрелось. По крайней мере, именно так эксперты оценивают эти знаки.

Смерть и Жизнь, 1908-1916 гг.

«Жизнь и Смерть» — аллегорическое произведение, на создание которого Густав Климт потратил 8 лет, с 1908 по 1916 гг. Оно повествует нам о вечном противостоянии между жизнью во всех ее проявлениях и смертью, ждущей своего часа поодаль. Вся композиция состоит из трех условных частей. На левой стороне художник поместил фигуру Смерти, на правой — группу людей, символизирующих собой Жизнь. Темное пространство между левой и правой частью картины отделяет их друг от друга, словно удерживая мрачного жреца и не давая ему раньше времени приблизиться к живым.

Для противопоставления своих персонажей Густав Климт использует как цвет, так и форму. Жизнь и Смерть на его картине узнаваемы с первого взгляда. Правый угол полотна сияет всеми цветами радуги, оттененными золотом. В этом своеобразном лоскутном коконе, символизирующем Жизнь, зритель видит лица безмятежно спящих детей и матерей, умиротворенно прижимающих их к себе, фигуры мужчины и женщины, слившихся в объятии, а также старуху, погрузившуюся в свои мысли. Преемственность поколений — то, что делает Жизнь победителем в этой извечной схватке.

Смерть на картине Климта «Жизнь и Смерть» представлена одинокой, чуть сгорбленной фигурой, наблюдающей за праздником Жизни со стороны. Ее скелет скрыт под бесформенным одеянием, украшенным черными крестами, кругами и прямоугольниками темно-зеленого и фиолетового цвета. Зрителю виден лишь череп, который слегка подался вперед, будто Смерть смотрит на происходящее с интересом и не прочь принять в этом участие. Ей известно, что однажды настанет ее час и она постепенно заберет всех — и молодых, и старых. Но пока она может лишь выжидать, угрожающе занеся свой смертоносный жезл.

Сегодня картину Климта «Жизнь и Смерть» можно увидеть в Музее Леопольда в г. Вена (Австрия).

Портрет женщины, 1917 г

«Портрет женщины» или «Портрет дамы» или «Женский портрет» был написан Густавом Климтом между 1916 и 1917 годами. Является единственной известной на сегодняшний день «двойной работой» художника. Изначально на ней была изображена женщина в широкополой шляпе, затем Климт переписал её.

С 1925 года полотно хранилось в Галерее современного искусства Риччи-Одди в городе Пьяченце (Италия). В 1997 году оно было похищено во время ремонта здания. После кражи картину называли «одним из самых разыскиваемых произведений искусства». С момента кражи периодически появлялась информация об её обнаружении, но найденные картины оказывались подделками. В декабре 2019 года оригинальное полотно было найдено музейными работниками в тайнике на территории самой Галереи. В январе 2020 г. его подлинность была подтверждена. На текущий момент стоимость картины оценивается в 66 млн долларов США.

В 1996 году 18-летняя студентка Клаудиа Мага, специализирующая по истории искусств, обратила внимание на схожесть поз женщин на картине «Портрет женщины» и на другой, считавшейся утраченной картине 1910 года. Она сделала фотокопии обеих работ, а затем с помощью кальки наложила друг на друга. Силуэты женщин идеально совпали. Свою догадку Мага озвучила директору музея, который решил провести рентгеновское исследование картины. После изучения полученных снимков, догадка студентки была подтверждена.

Портрет Иоганны Штауде (незавершенное), 1917 г

Одна из последних робот Густава Климта — портрет Йоханны Штауде. В частности, дизайн платья свидетельствует о том, что Климт не завершил картину.

Портрет, возможно, не был портретным заказом в традиционном смысле. Климт дружил с госпожой Штауде. И она, вероятно, позировала ему несколько раз, точно так же, как позировала Эгону Шиле.

Йоханна Штауде называла себя художницей, хотя мы не знаем ни о каких ее работах. О ее занятости известно немного. Что мы знаем, так это то, что какое-то время она работала в доме известного писателя Петера Альтенберга.

Так же видно, что Йоханна явно обладала определенным художественным чутьем. На это указывало ее экстравагантная внешность, особенно ее модная короткая прическа, и платье из ткани Wiener Werkstatte. Для Климта, который очень интересовался продукцией Wiener Werkstatte, рисунок ткани был достаточно важен, чтобы его можно было воспроизвести как можно точнее. Фон портрета он покрасил в оранжевый цвет, видимо, чтобы усилить эффект синей ткани блузки

Глаза мадам Стоуде сияющие, ярко-голубые. Только рот явно незакончен. Когда модель спросила, почему Климт так и не закончил эту картину, мастер якобы ответил: «Потому что ты никогда не вернешься в мастерскую».

Дама в белом

Девушка на картинке — эстрадная танцовщица? А может актриса? Никто не знает, но ее макияж намекает на такую интерпретацию

Картина, разделенная на темную и светлую треугольные области, является одной из последних работ художника. Тот факт, что Климт в разгар Первой мировой войны занимался только темами женской эротики и идиллических пейзажей, часто воспринимается как декадентство. На самом деле, однако, он хочет противопоставить мрачной реальности видение гармонии и любви, которое также можно понять как декларацию мира.

Юдифь II, 1917 г

В 1909 году Густав Климт принял решение написать еще одну картину с прекрасной Юдифь. Первый раз он изобразил её в своей картине «Юдифь и голова Олоферна». Первая картина имела не самые хорошие отзывы. Но художник решился на написание еще одного полотна с таким же сюжетом. Данная картина написана все в том же стиле, пропитанном эротизмом.

В полотне «Юдифь II» Климт показывает, какими сильными могут быть хрупкие представительницы слабого пола. В те годы, когда создавалось это произведение, Густав был любовником Адели Блох-Бауэр, именно её черты прослеживаются в героине этой картины.

Климта не сильно волновали плохие отзывы и скандалы, порожденные его первой версией Юдифи. Хотя она обидела как представителей еврейского общества, так и христиан. В этот раз он решил не делать подписи к этой картине. Он надеялся, что все и так поймут, кто же изображен на этом полотне. Прошлая же картина была оформлена в красивую раму с гравировкой ее названия. Из-за отсутствия названия тогда люди решили, что эта женщина не Юдифь, а Саломея, которая танцует для Иоанна Крестителя.

Созерцателям картины пришлось долго терпеть и ждать, когда же им покажут настоящее ее название. Довольно часто эта работа встречалась с именем Саломеи, но, когда народ узнал, что на картине изображена Юдифь, благочестивая дева, спасительница, в очередной раз представленная Климтом в порочном образе, в обществе снова пошли накал и агрессия.

Климт никогда не обсуждал свои картины, так же как и свою жизнь. Видимо, он доверял каждому по-своему трактовать детали картин, так же кок и их сюжет. До сих пор остается загадкой, что же общего видел Климт между настоящей Юдифь и образами, которые он для нее создавал.

Младенец, 1917 г

В письме от 11 августа 1917 года Эмилии Флёге Климт упоминает, что он начнет писать детский портрет. Только через два дня он сообщает Эмили, что портрет уже сделан, он закончил его сегодня. Портрет был написан для выставки в Стокгольме в сентябре 1917 года.

Эта картина — одна из немногих более поздних портретов Климто, в которых объект не встает. В его ранних работах изображаемый персонаж сидит в различных креслах. В тех работах, что были написаны после 1908 года, персонажи стоят. Картина лежачего ребенка позволила Климту поэкспериментировать с совершенно новой композицией. Он помещает одну геометрическую форму внутри другой. В квадратном формате большой треугольник, с головой ребенка на вершине.

Фон по обе стороны от него оброзует еще два треугольника. Покров ребенка — это масса узоров, в котором размахнулся изобретательный гений Климта. С цветами, спиралями, зигзагами и радужными арками контрастных оттенков. Он также разместил контрастные цвета рядом друг с другом. Оранжевый соседствует с синим, красный с зеленым и желтым с фиолетовым.

Портрет Мады Примавези, 1912 г

Мада Примавези была дочерью банкира, промышленника и мецената Отто Примавези и актрисы Евгении Примавези, которую Климт написал в 1913 году. Ряд предварительных карандашных эскизов к портрету Мады, теперь в публичных и частных коллекциях, показывают, что композиция развивалась, когда художник экспериментировал с альтернативными позами и фонологическими мотивами.

Климт был частым гостем на вилле семьи Примавези в Олмуц (Моравия). Очевидно, там и родилась идея написать портрет Мады и Евгении. Густав начал работу над портретом Мады 18 февраля 1912 года, и закончил под рождество 1913 года. Няня Мады вспоминала, как все начиналось. Климт сообщил из Вены открыткой, что заказал для девочки платье у дизайнера и своей подруги Эмилии Флёге. Она разрабатывала одежду и для детей. Когда же начались сеансы, Мода была, пожалуй, единственным ребёнком, которому разрешалось двигаться во время этих долгих визитов в студию. Так как девочке было всего девять лет, она, естественно, очень быстро уставала. Сама Мада вспоминала, что когда ей было скучно, она играла, заворачиваясь в китайские ткани, которые были во множестве вокруг. Много позже, когда её спрашивали о количестве набросков, она отвечала «Их было сотни!».

В 1987 году Мада приезжала в Метрополитен музей в Нью-Йорке, где хранится её портрет.

Портрет Амалии Цукеркандль (незавершенное), 1918 г.

Амалия Цукеркандль была женой Отто Цукеркандла, известного уролога. Его брат был женат на журналисте Берте Цукеркандл, которая была великим сторонником Густава Климта.

The post Выставка «Густав Климт. Золото модерна» appeared first on Блог Милы.

Кукольный театр существует с древних времён. Его истоки лежат в языческих обрядах со статуями и фигурами богов.

Первые куклы изготавливали из дерева, камня или слоновой кости. Изначально они были неподвижны. Вращать глазами, поднимать руки и ноги, открывать и закрывать рот кукольные персонажи смогли только во времена Древней Греции с помощью веревок и ремней.

Сегодня вариаций систем кукол гораздо больше: от перчаточного Петрушки и марионеток до сложных механизированных кукол на запястье.

При этом одна и та же кукла не может участвовать в разных спектаклях. Для каждой постановки создают нового «актёра» и его дублёра-близнеца, но в другом костюме. Во время спектакля кукловоду проще сменить куклу, а не его одежду.

Новосибирский областной театр кукол

Новосибирский театр кукол основан в 1955 году как студия кукольников при ТЮЗе. Первой постановкой стала пьеса «Петрушка в гостях у школьников». Спектакли, где вместо актёров по сцене работали куклы, новосибирскому зрителю понравились и театр получил статус самостоятельной творческой организации.

Большой профессиональный опыт новосибирские артисты получили от Московского театра кукол под руководством Сергея Образцова. В годы Великой Отечественной войны труппу эвакуировали в Новосибирск. Началась совместная на тот период работа двух театров: актёры формировали концертные бригады, выезжали в прифронтовые районы, показывали патриотические и сатирические пьесы солдатам. Часть кукол Московского театра того времени хранятся в фондах Новосибирского краеведческого музея и представлены на выставке.

С того времени и представлены самые старые куклы на выставке — из спектаклей 1942-1945 гг.. У них в глаза были вставлены стеклянные шарики, чтобы глаза блестели, как живые.

В начале 1960-х годов Новосибирский театр кукол стал одним из лучших коллективов страны. Его наградили дипломом | степени за лучшую режиссуру спектаклей «О чём рассказали волшебники»
и «Сэмбо». С 1980 — 1990-х годов новосибирские кукольники начали принимать участие в международных фестивалях театров кукол в Москве, Японии, Таиланде и США.

Выставка кукол кукольного театра

На выставке представлены театральные куклы XX — XXI веков из коллекций Новосибирского краеведческого музея и Новосибирского областного театра кукол.

Это перчаточные, тростевые и планшетные артисты, созданные российскими мастерами.

Дополняют выставку эскизы и декорации действующего репертуара театра.

Самой распространенной куклой в современных театрах считается планшетная. Двигается она только по столу или настилу сцены. Управляют такими куклами с помощью рукояток или вожаток – механизма, прикрепленного к голове, туловищу и ногам куклы.

Планшетными куклами управляют до трех человек, но озвучивает куклу всегда только актер, управляющий головой и туловищем. Люди могут прятаться в тени, надевать одежду в цвет фона или, наоборот, одеваться ярко .

Сейчас в репертуаре театра 58 спектаклей, из них 7 спектаклей для взрослых.

Японка — персонаж первого спектакля для взрослых, концерта «Мир, в котором мы живем», 2000 год.

Спектакль для взрослых «Королева красоты из Линейна». Пьесы Мартина Макдонаха ставят в драматических театрах по всему миру, но этот спектакль – первый случай, когда столь серьезную драматургию поставили в куклах. Каждой куклой управляет по три актера

Разновидностью кукол, показываемых из-за ширмы, являются тростевые куклы или, как их иногда называют, яванские (по месту предполагаемой их родины — острова Ява).

Тростевые куклы имеют подвижную голову, полый чехол, в который входит рука кукловода, управляющая головой и торсом куклы, и руки, имеющие локтевое сочленение, а иногда и подвижные кисти. К рукам куклы приделаны трости. Кукловод держит в свободной руке концы тростей и ими приводит в движение руки куклы.

Раньше было не принято, чтобы зритель видел трости, которыми управляются руки кукол. Поэтому их прятали в плащи, накидки, широкие рукава… И мы видим, что в первых двух постановках «Волшебная лампа Аладдина» (1956 и 1978 года) все куклы носят плащи. Третья постановка от 2017 года — действующая (поэтому у кукол на витрине есть трости). Сейчас уже их прятать не обязательно.

Сейчас афиша к спектаклю обязательно должна изображать действующих лиц такими, какими увидит их зритель со сцены. Раньше это было совсем не обязательно. Афиша могла содержать какой-то яркий образ даже без указания режиссера.

Путешествие в Чукоккалу — музыкальный спектакль по сказкам К. Чуковского.

В нем участвуют 32 куклы!

Например, Бармалея для этого спектакля специально сделали не страшным. Не страшным настолько, что маленькие зрители ему где-то и сочувствовали. И озвучивают его тоненьким смешным голоском.

Ревизор — один из самых свежих спектаклей для взрослых в репертуаре театра кукол.

Куклы представлены вместе с фрагментами декораций.

А над всеми парит Чичиков, вознесенный до небес ошибочным предположением.

Гоголевская «Шинель» — еще один спектакль по школьной программе из репертуара театра.

Моцарт и Сальери — еще один спектакль для взрослых.

У него представлены не только куклы, но и реквизит. Часто он вызывает не меньше эмоций у зрителей, чем сами куклы. Так дети ярко реагируют на блюдо с пирожками в спектакле «Маша и Медведь».

The post Выставка кукол «Куклы. Театр. Игра» appeared first on Блог Милы.

«Близнецы»: башня №1 и башня №3

Рядом с вокзалом Новосибирск-Главный на улице Движенцев, 8 расположены две эффектные водонапорные башни. Их называют башнями-близнецами, хотя по возрасту они совсем не ровесники. Деревянную построили в 1894 году, а каменную — в 1912-м. Обе имеют статус памятника архитектуры областного значения.

Водонапорная башня №2

Расположена возле гаражей над улицей Туннельный спуск. Её построили в 1902 году при станции Обь на Транссибирской железной дороге. Подробнее про башню здесь.

Башня Алтайки

На улице Коммунстроевской, 18, возле станции Новосибирск-Южный, есть старинная водонапорная башня Алтайской железной дороги. Высота 134 метра над уровнем моря.

Это одна из первых водонапорных башен Ново-Николаевска. Её построили из кирпича по типовому проекту в 1913-1915 годах, разработанному для Алтайской железной дороги (как и весь станционный комплекс).

Несмотря на то, что проекты были типовыми, двух абсолютно одинаковых башен по цвету кирпича в Новосибирске не найти.

Оттенок кирпича в проекте не определялся. Во-первых, до архитектора Андрея Крячкова в Новониколаевске вовсе не было местного хорошего кирпича, и завозить его приходилось из Красноярска и других городов (или довольствоваться низкокачественным местным).

Во-вторых, вид кирпичей зависел и от сорта глины, и от технологии обжига. Именно так в районе улицы Коммунстроевской, 27 у перекрестка с переулком Лог декабристов в Октябрьском районе Новосибирска и появилась водонапорная башня, как будто телепортированная в Новосибирск из Ливерпуля или, по крайней мере, из Санкт-Петербурга.

Она относилась к Алтайской железной дороге, но построена на удалении, так как это артезианская башня. Она поставлена там, где имеется подпор грунтовых вод, чтобы создавался эффект артезианской скважины. И когда в этом месте грунт пробурили под давлением, вода начала самотеком поступать наверх — как огромный родник.

У неё сохранились оригинальные деревянные оконные рамы на крыше.

В 2016 году здание получило статус объекта культурного наследия регионального значения. Мэрия приняла башню на баланс с перспективой открытия в ней филиала городского музея.

Готика в Нахаловке

Есть в Новосибирске ещё одна старинная башня, связанная с подачей воды на производство. Её построили примерно в 1915-1916 году, вероятно, для хладобойни (мясокомбината). Эта башня не водонапорная, а технологическая. Она находится в частном секторе, на улице 2-й Лодочной, 23, в Заельцовском районе. Это капитальное строение из кирпича высотой около десяти метров, на высоте 97 м над уровнем моря. 

За улицей Сухарной находится действующее промышленное предприятие — Новосибирский мясоконсервный комбинат. А возник он как скотобойня с холодильником, которая начала выпуск своей продукции еще в 1916 году.

Одновременно со строительством производственных зданий были введены в эксплуатацию канализация с очистными сооружениями и собственная система водоснабжения. По поводу последней во 2-м томе «Истории промышленности Новосибирска» говорится следующее:
«На берегу Оби, несколько выше р. 1-я Ельцовка, построили водонасосную для производственных нужд предприятия. В здании установили паровой котел, паровые насосы. В некотором отдалении, ближе к руслу реки, стоял шахтный колодец, из которого насосы откачивали воду и на расстояние около километра подавали ее на предприятие».

Судя по приведенному описанию загадочная башня в Нахаловке, расположенная на ул. 2-й Лодочной, вполне могла иметь отношение к системе водоснабжения Мясохладобойни. Также здание могло относится к обслуживающим железную дорогу зданиям, или служить насосной станцией для расположенных ближе к ЖД (на ул. Ногина) спиртзаводу и маслозаводу.

Башня в Нахаловке представляет собой пример промышленной архитектуры дореволюционного периода. Поскольку таких сооружений в городе остались единицы, думаю, что эту башню обязательно нужно сохранить. Однако, в 2023 году водоподъёмное сооружение не признали историко-культурной ценностью из-за поздних наслоений и низкого реставрационного потенциала в силу отсутствия исторических фотографий.

Фрагмент водонапорной башни кожевенного завода на Шорной улице

Около дома на ул. Территория Кожзавода, 15

При взгляде на современную карту Новосибирска в этом месте легко обнаруживаются улицы с говорящими названиями Шорная и Территория Кожзавода. Здесь располагался завод «Кожевенное производство 1915 г.» (некоторые источники указывают название как «Кожевенное товарищество»), принадлежавший Захару Григорьевичу Крюкову, одному из учредителей «Товарищества Крюков и Ко». Кстати один из домов этого предпринимателя сохранился на углу улиц Советской и Максима Горького. Завод же З. Г. Крюкова был одним из крупнейших кожевенных предприятий города: годовая производительность составляла 50-75 тысяч кож, что равнялось примерно половине всего кожевенного производства Новониколаевска. Содействовал строительству кожзавода и после обеспечивал его заказами Военно-промышленный комитет, созданный в годы Первой мировой войны.

Опустив долгую историю послереволюционного развития кожевенного производства города, можно сказать, что на базе Кожзавода и Сухарного завода возникло акционерное общество «Сибирская кожгалантерея» (приведено название предприятия, полученное в июне 1991 года).

Деревянная часть башни утрачена, остатки здания спрятаны за пристройками, глухим железным забором и колючей проволокой. Совсем еще недавно рядом стояла труба (одна из старейших труб Новосибирска), но сейчас ее уже нет.

Рядом находится трехэтажный жилой дом. При ближайшем рассмотрении оказывается, что это дореволюционное здание, надстроенное на этаж. Дом лишь добавляет вопросы, связанные с Кожзаводом. Согласно документам БТИ, он построен в 1909 году, когда никакого «Кожевенного производства 1915 г.» не было и в помине. Может быть в документы закралась ошибка? Или на этом месте уже было какое-то предприятие (возможно шорное), на базе которого З. Г. Крюков и создал Кожзавод?

Зелёная башня на Добролюбова

Короткий период авангарда (и начало строительства водоканала в Новосибирске) оставил на память горожанам водонапорную башню на улице Карла Либкнехта, располагающуюся в Октябрьском районе. Это водонапорная башня первой централизованной системы водоснабжения Новосибирска. Высота сооружения — 29 метров.

В книге «История промышленности Новосибирска» говорится, что водонапорную башню в самой высокой точке города (179 м над уровнем моря) — на углу улицы Гавриловской (нынешней Добролюбова) и Карла Либкнехта — начали строить в июле 1927 года. Завершили стройку в январе 1929-го. Рядом смонтировали насосную станцию третьего подъёма. Все сооружения для приёма и очистки воды и резервуар башни сделали из железобетона, а силовые установки водопровода электрифицированы. Воду из Оби качали через водоприёмные устройства с помощью насосов системы «Мерри Везер» и дополнительного насоса «Вортингтон».

Весь комплекс сооружения введен в эксплуатацию в 1929 году. Так что конец мая 1929 года считается датой рождения «Горводоканала», которому в 2024 году исполняется 95 лет. Протяженность нового водопровода составила 55 километров. К нему было подключено 140 домов и 23 водопроводные колонки. Сеть оборудовали 373 пожарными гидрантами.

Сегодня она находится на территории, принадлежащей частному лицу и находящейся в аренде у двух коммерческих юрлиц. Здание башни в собственность не оформлено, но любоваться им придется издалека.

Это авангардистский стиль, и выглядит она, естественно, иначе, чем дореволюционные башни. Это минимум внешних украшений, утилитарность. Это прямые, строгие, лаконичные формы, геометризм с полным отсутствием декора. В плане башня имеет восьмиугольную форму. На фасаде башни вдоль по ребрам выступают карнизы во всю длину башни.

Верхняя часть венчается прямым карнизом по всей форме башни, верхний ярус по периметру имеет небольшие квадратные световые окна. На данный момент объект не находится на государственной охране, т.к. не признан объектом архитектурного наследия. Но в свое время благодаря строительству этой водонапорной башни была стабилизирована работа водоснабжения центральной части города.

Первый небоскрёб Новосибирска

Если мы станем ее сравнивать с ранней неоклассикой башни на Ватутина, построенной в начале 30-х годов наподобие ротонды, будет видно, насколько они отличаются.

Это восьмиэтажное кирпичное здание стало первой в Новосибирске водонапорной башней на левом берегу. Её построили на улице Ватутина в 1938-1939 годах. Башня снабжала водой левобережье, в том числе завод «Сибкомбайн» (сейчас «Сибсельмаш»), и до конца 50-х годов оставалась самым высоким зданием этой части города.

После того, как башня утратила первоначальный функционал, она долгое время оставалась заброшенной. В 1985 году её реконструировали под молодёжный клуб, а в 90-е годы там работала телекомпания НТН-4. После самая знаменитая водонапорная башня Новосибирска несколько лет пустовала. В декабре 2021 года её купил владелец лофт-парка «Подземка» Александр Гинтер с товарищами, и сейчас там функционирует арт-пространство.

Башня на Гоголя

Башня около дома № 204 г по улице Гоголя находится на территории бывших городских кирпичных заводов (№ 9). По словам историка Константина Голодяева, построили здание в 1910-е годы для хранения воды. Жидкость использовали для изготовления кирпича.

Здание перестали эксплуатировать с 1960-х годов. Разве что в качестве вышки для сотовой связи.

Башня на Электровозной

У Новосибирского электровозоремонтного завода (НЭРЗ) есть своя водонапорная башня. Когда-то рядом с ней находился бак с шатром. Сейчас заметно только окно, где был переход из ствола башни на площадку к баку.

Строили заводской комплекс в начале 40-х годов прошлого столетия. Башня стоит на высоте 112 метров над уровнем моря.

The post Водонапорные башни Новосибирска appeared first on Блог Милы.

«Близнецы»: башня №1 и башня №3

Рядом с вокзалом Новосибирск-Главный на улице Движенцев, 8 стоят две эффектные водонапорные башни. Их называют башнями-близнецами, хотя по возрасту они совсем не ровесники, да и внешне вовсе не похожи. Деревянную построили в 1894 году, а каменную — в 1912-м. Обе имеют статус памятника архитектуры областного значения. 131 м над уровнем моря.

Башня № 1

Построенная в 1894 году, водонапорная башня №1 стала одним из первых специальных инженерных сооружений в составе железнодорожного комплекса станции Обь на Транссибе. Для строительства использовали типовой проект, разработанный специально для железных дорог.

Башня в плане восьмиугольная со стороной 2,7м. Её нижний ярус кирпичный, а верхний — бревенчатый, обшитый досками. Свесы кровли и фонаря декорировали пропильной резьбой. Цоколь башни гранитный, перекрытия деревянные.

Это самый дешевый вариант постройки. Бутовый фундамент, каменный цоколь, да еще и первый кирпичный ярус были необходимы, чтобы выдержать вес бака с водой. А на верхнем ярусе можно и сэкономить.

Чтобы из-за сбросов воды бревенчатые стены не сгнили, их красили, но в какой цвет изначально, сказать сегодня просто невозможно. Может быть, в белый и зеленый — цвета участка дороги. А может быть, бревна были желтыми: именно охрой были покрыты стены первого здания пассажирского вокзала. Из-за верхнего деревянного яруса пришлось сделать и большую, будто шляпка гриба, крышу — так на стены попадало меньше воды.

Западный фасад выходит на железнодорожные пути.

В разрыве карниза, разделяющего верхнюю и нижнюю часть по западному фасаду над входом, разместили врезку на трех кронштейнах, соединенных двумя арочками, с окном для освещения внутренней лестницы и завершенная треугольным фронтончиком.

Главный вход оформлен арочным завершением с замковым камнем. Верхний деревянный этаж освещается двумя уровнями горизонтальных окон.

Они строились не для того, чтобы поить жителей, поливать поля или для каких-то других местных хозяйственных нужд, а для того, чтобы обслуживать железную дорогу, наполнять определенные емкости локомотивов водой, и так далее. Кроме того проблемой было строительство длинных водопроводов: максимум трубы тянули на пару километров. А еще были вопросы, связанные с насосами, промерзанием труб… Поэтому все эти башни и строились рядом.

Башня № 3

Нормативом была одна башня на станцию: пока мимо станции проезжали два-три состава за целый день, таких объемов хватало с лихвой. Когда же поселок начал стремительно разрастаться, превращаясь в город, поблизости срочно пришлось возводить новые башни.

Рядом стоит водонапорная башня №3. Ее построили полностью из кирпича, имеет лаконичную форму. Диаметр башни 7,3 м. Западным фасадом выходит на железнодорожные пути.

Красно-кирпичные, характерного для того времени вида, их не покрывали штукатуркой, а единственными украшениями были кирпичные тяжи — «пояса», отделяющие уровень от этажа. Первый уровень от второго отделен карнизным поясом и обработан горизонтальным кирпичным рустом. Второй от третьего — карнизным поясом, более сложным по профилю. Венчающий карниз башни широкий, многоступенчатый.

Поставлена на рустованный цоколь из гранитных камней. Перекрыта низким восьмигранным куполом с металлической кровлей и небольшим чердачным окном. Во всех ярусах башни на равном расстоянии друг от друга расположено по четыре вертикальных окна. Окна и входной проем с арочными завершениями обрамлены широкими архивольтами, выложенными из клинчатого кирпича с крупным замковым камнем.

Технологические уровни соединяет металлическая лестница, крепящаяся к внутренней стороне стены. Перекрытия деревянные. Под зданием находится подвал.

Любоваться на памятники Новониколаевской архитектуры сегодня можно только из-за забора: обе башни стоят на территории станции.

Водонапорная башня №2

Стоит возле гаражей над улицей Туннельный спуск. Её построили в 1902 году при станции Обь на Транссибирской железной дороге (по другим данным — в 1897 году). Высота 125 м над уровнем моря.

Применение в строительстве башни кирпича (дорогого материала для Новониколаевска начала века) и декора свидетельствует о принадлежности к императорским железным дорогам, так как многие башни-пионеры для городских нужд были исключительно деревянными.

Пример архитектуры специального инженерного сооружения начала XX века в составе комплекса железнодорожной станции на Транссибирской магистрали. Башня расположена в полосе отвода железной дороги, вне сложившейся квартальной сетки улиц города, рядом с памятником архитектуры — тоннелем, сооруженным при строительстве Транссибирской магистрали.

Это восьмигранное сооружение (со стороной восьмигранника 2,7 м) на высоком цоколе из гранитных камней. Имеет три яруса: нижние два сложены из красного кирпича, верхний ярус — из дерева.

Верхний ярус, по диаметру больший, чем два нижних, опирается на массивный аркатурный пояс с многоступенчатыми консолями.

Полуциркульный вход и окна нижнего яруса украшены сандриками с замковым камнем. Оконные проёмы в верхнем, деревянном, ярусе прямоугольные.

Восьмигранная крыша покрыта металлической кровлей и завершена фонарём. Сооружение стоит на ленточном бутовом фундаменте. Перекрытия деревянные.

The post Водонапорные башни Новосибирска. Железнодорожное трио appeared first on Блог Милы.

Этому увлечению он отдавал всё своё свободное время. Он был неоднократным участником выставок художников-любителей, в том числе и всероссийских. В молодости Н.П. Зиновьев работал в чертёжной мастерской известного архитектора А.Д. Крячкова, который представлял на всемирной выставке в Париже в 1939 году проект своего 100-квартирного дома. Чертежи фасада этого дома по поручению архитекторов А.Д. Крячкова и В.С. Масленникова выполнял именно Н.П. Зиновьев. В.С. Масленников давал характеристику Н.П. Зиновьеву для поступления на архитектурный факультет Новосибирского инженерно-строительного института.

Комната резьбы по дереву в НИИЖТе была оформлена по проекту дочери Н.П. Зиновьева, Л.Н. Волковой, архитектором по профессии. В Центре есть книги, написанные им для детей, есть книги и о нём. Он оставил о себе очень хорошую память и как преподаватель, и как художник.

«Симфония из дерева», «Песня о дереве» — писали о творчестве Зиновьева. И действительно, какими словами рассказать, почему волнует музыка? Вот и работы резных дел мастера, как музыка, очаровывают гармонией ритма, переплетением рисунка. Вы не увидите двух одинаковых узоров.

Яркая образность и непосредственность — свойства каждой резной вещи Зиновьева. Вазе или тарелке, кубку или ковшу художник старается передать свое настроение. Мажорная декоративность вазы, которую удерживают на пышных хвостах фантастические птицы, чередуется с ясной простотой несложного орнамента ковша-уточки. Широко используя традиционные национальные узоры и формы, художник вводит в композиции свои, найденные элементы и пропорции. А свежесть и изобретательность композиционных решений подчеркивают индивидуальность каждой работы, своеобразие авторского видения и приемов.

Резные блюда

Наиболее полно творческое своеобразие художника проявляется в его блюдах.

У многих из них есть тайные, одному художнику известные имена. Вот блюдо «Вытканное». Оно и вправду кажется сплетенным из тонких, туго натянутых нитей, словно не инструмент резчика, а волшебные руки кружевницы работали над ним. Да и цвет дерева, не тронутого лаком, напоминает суровую льняную поверхность.

Вот «Парчовое» Его сложноузорчатый облик как бы имитирует царственно богатую ткань парчи. Есть «Северное», где основной мотив созвучен молчаливо-холодной природе русского Севера. И общий темный тон блюда тоже подчеркивает эмоциональную сдержанность вещи.

А этому место не иначе как в роскошном восточном дворце — блюдо в своеобразно ломаных линиях, вычурных узорах.

Есть блюдо чисто русской нарядности, словно из теремов боярско-княжеской Москвы.

Есть и азиатского мотива.

А это блюдо выполнено с изяществом и лаконизмом древних мастеров. Головка Ариадны в центре, от нее крупные, вытянутые лепестки холодного цветка и обрамляющий меандр — извилистый лабиринт орнамента Древней Греции.

Другие работы резчика

Но все обращения художника к традициям и своеобразию различных культур — совсем не копирование и даже не заимствование. Творчески перерабатывая достижения культуры прошлого, Зиновьев добивается исключительного разнообразия тем и богатства орнаментики. Он искусно варьирует узоры и, по-своему компонуя их, каждый раз заставляет звучать по-новому.

Николай Павлович Зиновьев — самодеятельный художник. Не будучи знаком со школами и направлениями в искусстве художественной обработки дерева, он начинал «наощупь». И хотя начало своей работы сейчас художник расценивает как «первый блин комом», но и ранние его произведения отличаются индивидуальностью, оригинальным замыслом.

Принципы работы мастера

Более четырехсот резных работ у художника, и каждая неповторима. И объясняется это не только талантом автора, но и некоторыми принципами «зиновьевской мастерской».

Так, например, все работы от начала и до конца мастер выполняет вручную, без применения токарных и шлифовальных станков. «Разве сравнишь живую линию, форму вещи, сделанной вручную, и идеальную вымеренность механически обработанных изделий», — говорит Зиновьев.

Далее, художник никогда не пользуется трафаретом, не переносит образцы узоров из одной работы в другую. Ведь повтор, простое воспроизведение пусть самых удавшихся когда-то композиций уничтожили бы самое главное — одухотворенность каждой вещи. Поэтому над новым изделием художник работает, как бы отрекаясь от всего сделанного ранее.

Отсюда и еще одна особенность его творчества. Как правило, Н. П. Зиновьев не делает эскизов. Если сделан эскиз — все вдохновение отдано листу бумаги, а простое перенесение на дерево уже готового рисунка не радует, не дает ощущения творчества.

Конечно, иногда делаются предварительные наброски, но вовсе неизвестно — воплотятся ли они в резьбе. Замысел рождается постепенно, в работе — неожиданные нюансы, цветовые и объемные сочетания. Да ведь и сам материал подсказывает решение будущего образа. Именно поэтому Зиновьеву интересно работать сразу над материалом, видеть как оживает поверхность дерева. Вот и ищет художник ту единственную интонацию, с которой заговорит немая гладь доски.

Неугомонная фантазия влечет его к новым пробам, даже невероятным с точки зрения «школы». Так было с одним из его изделий. «Неправильно. Так не делают», — говорили Зиновьеву о блюде, в котором совмещены геометрический и растительный орнаменты. Но вкус и чутье художника не подвели — блюдо удалось. На первый взгляд может показаться, что в растительном узоре блюда строго повторяются каждый из элементов, как и предполагает орнамент. Но, вглядевшись, понимаешь — прелесть венка в том, что разбросаны каждый листок и травинка свободно, и радует глаз именно такое — живое, непроизвольное сплетение. Так увидел этот венок художник и преподнес зрителям красоту сибирского лесного узора.

Используемые приемы работы

Резьба по дереву — национальный вид искусства для многих народов. Издавна славились им русские мастера, из поколения в поколение передавая приемы и способы резного дела.

Николай Павлович Зиновьев в своих работах использует целый ряд традиционных элементов трехгранновыемчатой резьбы, возникших в результате многовекового опыта народных резчиков, на их основе придумывает свои, новые элементы, не встречавшиеся ранее в работах других мастеров.

И вообще, техника зиновьевской резьбы весьма разнообразна. Здесь и трехгранно-выемчатые узоры, прорезная резьба, накладная, рельефная с подобранным фоном, с множеством разновидностей геометрического характера. Пробовал художник работать и в знаменитой кудринской манере. Так, оригинальные узоры трех блюд выполнены в уникальной технике кудринской резьбы.

Одна из характерных черт народного искусства — раскрашивание резной утвари. А художник Зиновьев не расписывает свои изделия. Поэтому общая стилистическая черта его работ — гармония тональных сочетаний.

Обычно цветовая композиция изделий Зиновьева строится на контрасте натуральных светлых тонов березы, липы, осины и темных тонов мореного дерева самых различных оттенков. И может быть, именно это придает каждому блюду, вазе, ковшу особую выразительность и лаконизм.

В цвете художник пытается отыскать логическое завершение резного образа. Так, одно из блюд Зиновьев полностью покрыл темной морилкой, и оно поразило автора: медно-коричневый оттенок превратил блюдо в тяжелое, как бы с печатью времени, изделие. Так в единстве цвета и узора родился образ загадочный, необычный. С ним как бы перекликается образ другого блюда, поверхность которого покрыта тонкой вязью орнамента и не тронута краской. И замирают люди в удивлении перед чистотой светлого лика дерева, которому искусные руки мастера дали красивый нежный голос.

Рассказывая о своих замыслах, художник говорит о стремлении создавать радостные образы, утверждающие свет, тепло, доброту. И это удается ему сполна.

Сегодня нет сомнений в том, что Зиновьев — художник-любитель самобытный, идущий своим путем, и очень привлекательный в своем развитии.

Более двадцати лет занимается резьбой Николай Павлович Зиновьев. Эти годы принесли признание зрителей, внимание и заинтересованность специалистов. Десятки персональных выставок познакомили тысячи людей с искусством талантливого резчика.

В 1978 году он стал лауреатом областной выставки художников-любителей «Моя Сибирь». Между прочим, два блюда — в числе экспонатов государственного объединения Владимиро-Суздальского историко-архитектурного и художественного музея-заповедника. А пять работ приобрела Новосибирская картинная галерея.

The post Комната резьбы по дереву в Музее СГУПСа appeared first on Блог Милы.

Здание университета

Первое, что впечатляет любого, — парадное монументальное здание главного корпуса (Дуси Ковальчук, 171)

с восемью колоннами коринфского ордера

и гербом СССР — памятник архитектуры регионального значения.

Построили в 1949—1955 гг. по проекту, разработанному специалистами московского проектного института Мосгипротранс под руководством архитектора В. Масленникова.

Правое крыло, выходящее на ул. Залесского, пристроено в 1964г.

Памятники во дворе института

Перед зданием стоит гранитный памятник погибшим в годы ВОВ слушателей и преподавателей НИВИТ (1986). Скульптор — Татьяна Гагарина (Санкт-Петербург).

У этого памятника необычная судьба. Для его создания партком института сначала командировал сотрудника института  в Ленинград для поиска скульптора, а затем — к министру культуры СССР, чтобы посодействовал в разрешении на установку скульптурной композиции (в то время строительство памятников было в стране приостановлено). Министр В. Стриганов был выпускником института, и окозала поддержку своей бывшей «альма матер». Так во дворике института появилась композиция в память о погибших студентах и преподавателях.

Еще перед входом установлен памятник в виде подлинного элемента железнодорожного моста, с которого начинался Новосибирск. Вес части моста — 5 тонн, высота монумента получилась 4,2 м. Установлен в 2017 году.

Рядом стоит макет паровоза (пароходного дилижанса) Черепановых 1834 года (2002г.).

Украшением интерьера центральной части здания является широкая парадная лестница, вкомпонованная в полукружие ротонды, пристроенной к дворовому фасаду.

В оформлении обильно использованы лепные украшения из арсенала классицизма.

Это — третье здание университета. Самое первое размещалось на Красном проспекте (ул. Дуси Ковальчук, 179). Сейчас это территория Новосибирского приборостроительного завода.

Второе (до 1955 года) – на улице Советской, 20 (бывшее здание краевой конторы Всесоюзного Текстильсиндиката – арх. А.Д. Крячков).

Центр истории и культуры университета (музей СГУПСа)

Итак, вчера мы посетили Центр истории и культуры университета НИИЖТ-СГУПС , созданный в 1967 году.

Хранитель Центра — Сергеева Нелли Лазаревна.

Человек, увлеченный своим делом, кажется, об истории Университета может рассказывать бесконечно! Мы потерялись во времени, с интересом слушая ее рассказы.

Возникновение ВУЗа

А рассказать есть о чем! Университет, многим знакомый как НИИЖТ, был первым техническим ВУЗом Новосибирска.

Создан в далеком 1932 году, тогда это был всего лишь один факультет и пять специальностей.

И уже в 1934 году выданы первые дипломы (в музее хранится один из них). Как же так быстро получилось?! Просто в первый набор попали не только первокурсники, но и студенты старших курсов из Томска и Иркутска.

Стать его студентом было очень престижно. Особенно если попасть в общежитие (кстати, первое общежитие соединено с главным корпусом подземным переходом).

А кроме проживания, было еще бесплатное питание, обмундирование и стипендия на уровне зарплаты обеспеченной тогда профессии шофера.

Но и требования к дисциплине и успеваемости были очень строгие.

Фотографии и документы дают возможность увидеть, как выглядел г. Новосибирск, Заельцовский район в 30-е годы,

первые учебные корпуса НИВИТа на Красном проспекте.

НИВИТ в годы Великой Отечественной войны

За все время своего существования ВУЗ сменил несколько названий, в том числе с 1934 по 1953 год был военным институтом НИВИТ (единственный военный транспортный ВУЗ в стране). Нам рассказали о необычной методике по изучению слушателями (студентами) немецкого языка. В течение дня устраивались обязательные минуты для общения только на немецком языке. Результат был отмечен потрясающим!

Именно в годы войны институт за одни сутки лишился своего здания, которое отошло эвакуированному в наш город Красногорскому заводу.

Теперешнее здание главного корпуса начало строится в 1949 году.

Интересно, что уже 27 июня 10 первых выпускников ушли на фронт. Двое из них вернулись с войны и работали в ВУЗе.

Из стен института вышли 3 Героя Советского Союза.

В Центре есть специальный раздел, посвящённый Великой Отечественной войне 1941–1945 гг. Он включает в себя витрины и стенды с документами, наградами, книгами, альбомами, военными трофеями,

с именами нивитовцев, которые погибли на полях сражений или умерли в госпиталях. Этот список нивитовцев дублирует тот, что расположен на территории университета около памятника воинам-нивитовцам.

Примечательно, что годы войны дали большой толчок развитию науки в НИВИТе, так как в Новосибирск было эвакуировано три ведущих железнодорожных ВУЗа страны: из Москвы, Ленинграда, Днепропетровска. С их появлением расширилась научная деятельность, стали проводиться конференции, открылась аспирантура.

За годы войны из вуза было призвано на фронт 1079 слушателей и 49 сотрудников института.

Интересные экспонаты тех времен в музее — это телеграмма Сталина 1943 года с благодарностью собравшим 179 тыс.рублей на строительство самолета НИВИТовец (самолет не был построен)

и диплом выпускника 1941 года, сразу ушедшего на фронт.

К сожалению, в силу разных причин множество документов было утеряно (в том числе и из-за поспешного переезда в 1941 году). Кстати, самый старый экспонат Центра истории и культуры — стол XIX века, за которым сидел один из ректоров.

Ежегодно к 9 мая в дополнение к постоянной экспозиции военного раздела добавляются новые материалы, документы, книги, посвящённые войне. Так, к юбилею университета была подготовлена книга «НИВИТ в военного времени (1941-1945 гг.)», авторы — ректор А.Л. Манаков и заведующий кафедры истории и политологии А.В. Добровольский. Книга написана по документам архива университета и ГАНО.

Университет сейчас

Сейчас Университет — это 10 факультетов, в том числе и гуманитарные. В 1981 году ВУЗ удостоен знамени и ордена Трудового красного знамени,

а в 2007 году получил Золотую колесницу как лучший транспортный ВУЗ России (всего таких ВУЗов у нас в стране девять).

Музей СГУПСа скрупулёзно собирает и бережно хранит оригиналы и копии архивных материалов. В просторной комнате размещены флаги, на витринах – макеты, спортивные кубки, книги.

В Центре соорудили «дерево института», которое отражает изменения структуры вуза — названий факультетов вплоть до 1997 года, когда институт был переименован в университет. На «дереве» 10 ветвей — 10 факультетов с кафедрами и научными подразделениями, которые относятся к тому или иному факультету.

С обеих сторон «дерева» стоят знамёна института,

одно из которых — Трудовое Красное знамя. На это знамя крепился орден Трудового Красного Знамени, которым Президиум Верховного Совета СССР в 1981 году наградил НИИЖТ .

Другие знамёна отражают различные этапы жизни университета, его историю и традиции. Среди них аналог «Знамя Победы»

и «Лучшему студенческому строительному отряду НСО».

В вестибюле на втором этаже главного корпуса в специальных витринах размещаются знамёна Российской федерации, ОАО «РЖД», РОСЖЕЛДОР и СГУПС.

В Центре висят портреты всех ректоров и биографические справки о каждом из них, а также портреты учёных, имена которые прославили науку как у нас в стране, так и за рубежом.

Конечно же, выпускники ВУЗа добиваются значительных высот и на профессиональном поприще. Среди них – два министра путей и сообщений и около 40 начальников железных дорог. Выпускники становились управляющими трестов строительных и мостовых, возглавляли транспортные вузы, защищали кандидатские и докторские диссертации, занимали высокие государственные посты, становились хорошими педагогами, деканами, заведовали кафедрами и т.д.

Подарки вузу

А какие трогательные и оригинальные подарки выпускников хранит музей СГУПСа! Настоящий корейский колокол Эмилле и монгольский холст с изображением Чингиз Хана. Сейчас, как и прежде, здесь учатся студенты из-за рубежа: Китая, Монголии, Северной и Южной Кореи, ближнего зарубежья.

Традиции

Здесь продолжают бережно хранить традиции. Так, газета «Кадры-транспорту» неизменно издается с 1932 года (перерыв был только на время войны, когда не было бумаги).

Оборонно-спортивная эстафета, изначально проводимая во всех ВУЗах страны, сейчас сохранилась только здесь. И верность спортивным традициям дает свои плоды. Так, из стен НИИЖТА вышло 3 олимпийских чемпиона: Багалий, Маматов, Лепешкин. В качестве экспонатов выставлено множество спортивных кубков и наград.

Еще из традиций вуза нам назвали Строительные студенческие отряды. Они, между прочим, считаются лучшими в Новосибирской области. Студенты строили БАМ, объекты Олимпиады, космодром Восточный, Крымский мост…

Комната резьбы по дереву

Еще не могу не упомянуть про отдельную экспозицию — комнату резьбы по дереву.

Николай Зиновьев, преподаватель военной кафедры НИИЖТА и, кстати, чертежник планов знаменитого 100-квартирного дома, после выхода на пенсию увлекся русским народным творчеством.

Благодаря его дочери, 100 из 300 искусных работ резчика сейчас выставлены на обозрение посетителей Центра истории и культуры.

Подробнее про комнату резьбы по дереву в отельном посте расскажу дальше.

В общем, экскурсия получилась необыкновенно интересная и познавательная. Спасибо за ее организацию!

The post Музей СГУПСа appeared first on Блог Милы.

Катакомбы капуцинов в Палермо, Италия

В этой части зала представлена культура соборного захоронения.

Капуцины – католический орден, известный с XVI века. Орден добился выделения участка земли под строительство монастыря на Сицилии, и его воздвигли близ Палермо.

Капуцины первыми среди всех католических монахов перенесли останки из окрестностей церкви в подземелья.

Начиная с 1599 года устав капуцинов содержит пункт о том, что окрестности храмов и монастырей ордена – святая земля. А значит, лежать в ней могут только монахи.

Когда капуцины эксгумировали могилы своих братьев по ордену, они сохранили 45 тел без следов разложения.

Ведь согласно христианскому учению, нетленность тела это одно из требований для канонизации, причисления к лику святых.

Поэтому для потенциальных святых из числа братьев под землёй прокладывают катакомбы. В нишах, выбитых в известковой скале, подвесили в три яруса тела капуцинов.

Знатные сицилийцы за большие деньги вскоре стали просить о месте в катакомбах.

Катакомбы капуцинов — это погребальные катакомбы, расположенные в городе Палермо на Сицилии, в которых в открытом виде покоятся останки более восьми тысяч человек — местной элиты и выдающихся граждан: духовенства, аристократии и представителей различных профессий.

Это одна из самых знаменитых выставок мумий — скелетированные, мумифицированные, забальзамированные тела усопших лежат, стоят, висят, образуют композиции.

Самое известное захоронение в катакомбах было создано между двумя мировыми войнами. Маленькая девочка Розалия Ломбардо умерла в 1920 году, когда Европу охватила эпидемия гриппа. Маленькую девочку забальзамировал Альфредо Салафия. Ему удалось сохранить не только мягкие ткани, но также волосы, ногти и глаза девочки. Саркофаг юной Розалии был полностью герметичным – все стыки замазали воском.

К сожалению, судьба катакомб оказалась трагической. Из восьми тысяч тел в катакомбах осталось лишь полторы тысячи. Сегодня это музей мумий.

The post Музей смерти. Катакомбы капуцинов appeared first on Блог Милы.

Посмертные маски

Посмертная маска призвана, с одной стороны, сохранить облик человека, и одновременно стать квинтэссенцией памяти о нем. Запечатлеть облик известных людей всегда стремились художники, фотографы, скульпторы.

Последние, помимо создания статуй и бюстов,

удостаивались чести снять посмертную маску с лица усопших. Эти маски — последние свидетельства земной жизни великих.

Посмертные маски известных людей — это не просто слепок, фиксирующий угасшее лицо. Это «отражение» последних чувств, эмоций, переживаний.

«Дивный гений» русской литературы, Александр Сергеевич Пушкин, уходил из жизни тяжело. Раненный на дуэли Дантесом, испытывал нечеловеческие страдания. Муки его длились двое суток, и врачи были бессильны ему помочь.

Однако маска, сделанная по просьбе Василия Жуковского скульптором Самуилом Гальбергом, излучает умиротворение, спокойствие и смирение. Биографы нередко высказывали мысль, что поэт уходил из жизни, не испытывая злобы и жажды мести. Он даже просил друзей не мстить своему убийце.

Известный слепок с лица застрелившегося в 1930 году В. Маяковского снимал Сергей Меркуров. Его вызвали на следующий день после трагедии. Маяковский упоминал Меркурова в стихах, а незадолго до смерти просил его об услуге: «Если я умру раньше, обещай снять с меня такую маску, какой ты еще никогда ни с кого не снимал». Скульптор исполнил просьбу поэта, его маска получилась действительно необычной. Но, возможно, и самой неудачной из всех: нос оказался скошен на бок, лицо поэта деформировано, и не красиво.

Посмертные маски, сделанные профессиональными скульпторами, считаются предметом искусства.

The post Музей погребальной культуры. Посмертные маски appeared first on Блог Милы.

День мёртвых в Мексике

«Dia de los Muertos» День Мертвых в Мексике.

Между прочим, День Мертвых является одним из наиболее известных мексиканских праздников в мире.  И отмечается День Мертвых в Мексике 2 дня: 1 и 2 ноября.

В первый день традиционно вспоминают умерших детей и называют их маленькими ангелами. А 2 ноября уже считается днем поминовения взрослых. 

Этот праздник отмечают с радостью.Ведь смерть для мексиканцев — не конец жизни, а ее продолжение в ином мире. Мексиканцы убеждены, что раз в году усопшие навещают их, поэтому этот праздник не несет грусти.

Мертвых в Мексике не поминают, их здесь встречают. А чтобы души погибших нашли вход в наш мир, родственники делают цветочную арку из жёлтых бархатцев. Эта арка символизирует переход между миром живых и миром мертвых.

Обычай празднования Дня Мертвых связан с древними традициями племён, живших на территории современной Мексики. Загробный мир, в котором, как считали ацтеки, живут все умершие называется Миктлан. 

Жрецы племён ацтеков и майя проводили множество ритуалов, связанных с загробной жизнью и воскрешением. Очень важным считалось почитание предков. 

День Мертвых в Мексике — это ещё и зрелищный парад. Тысячи людей в костюмах черепов, бархатцев и скелетов проходят по улицам городов под громкую музыку.  

Кстати, уникальность этого праздника в 2003 году отметила ЮНЕСКО. Ему присвоили особый статус и включили в список нематериального культурного наследия.

The post Музей смерти. День мёртвых в Мексике appeared first on Блог Милы.

С культурой погребения Вас будут знакомить множество экспонатов и три тематических выставочных зала. Один из них связан с историей погребальной культуры, другой — с похоронными обрядами, третий посвящен ретроспективе всех массовых мероприятий, которые проводил музей.

Первый зал

В первом зале вы познакомитесь с традициями погребения 19 столетия, узнаете, как к теме смерти относились люди той эпохи, как выражали свою печаль и скорбь. Здесь представлена уникальная коллекция траурных костюмов и аксессуаров, в том числе постижерные украшения эпохи романтизма.

Вас ждут удивительные истории мировой погребальной культуры.

Дамский траур

Одна из комнат первого зала посвящена дамскому трауру.

Внешнее выражение скорби по ушедшему из жизни человеку во все времена диктовало особые правила поведения и ношения траурной одежды.

Траурный костюм несет в себе «скорбную печать», он определяет поведение и внутреннее состояние того, кто его носит.

В основу европейского траурного ритуала, укоренившегося в России во второй половине XVIII века и сохранившегося на протяжении всего XIX столетия, лег французский свод правил ношения траура.

Эти правила предполагали типы траура: глубокий, обыкновенный и полутраур. Срок траура по родственникам определялся степенью близости к покойному. Самый глубокий траур требовался от вдовы, оплакивающей своего мужа. Во время глубокого траура не надевали драгоценностей, но допускалось ношение украшений из черного янтаря (гагата).

Вдовы носили длинные суконные или шерстяные платья, креповые чепцы, черные перчатки, шляпы с креповой вуалью, черные зонтики и веера. Носовые платки, как правило, также несли на себе печать траура в виде черной каймы.

При обыкновенном трауре снималась креповая вуаль и вместо матовых материй допускалось носить шелк и кисею.

В траурных нарядах из коллекции новосибирского Музея Мировой Погребальной Культуры представлены кринолины, спенсеры, платья с треном, турнюром и рукавами – «жиго» или рукавами «пагода». В зале содержится коллекция траурных платьев из порядка 200 экземпляров.

Коллекцию дополняют модные шляпы с вуалями, веера,

сумочки,

перчатки, траурные и мемориальные украшения – все то, благодаря чему женщина и в скорби оставалась женщиной.

Тысячелетиями люди использовали траурные украшения, чтобы обозначить скорбь по ушедшему человеку. Классическим материалом, используемым для этих целей, является черный янтарь, или гагат. Черный янтарь-твердый подобно углю материал. Со временем изобрели эбонит, который служил отличным заменителем гагата. Украшения из эбонита и янтаря вошли в моду на закате Виктарианской эпохи.

Историк моды Александр Васильев, осматривая экспозицию этого зала, отметил, что представленная коллекция моды уникальна и достойна быть отдельным музеем.

Маэстро говорил: «Это красиво», «Это исключительная вещь», «Это редчайший экземпляр», «Это гениальная подача коллекции».

Особое внимание заслуживает подлинная коллекция мемориальных украшений из волос. Подобные украшения вы не увидите ни в одном музее России.

Чем же занимались женщины во время глубокого траура, когда выходить из дома она могла только изредка в церковь? Рукоделием. В музее представлена обширная коллекция инструментов для рукоделия

и результатов кропотливого труда.

The post Музей погребальной культуры. Дамский траур appeared first on Блог Милы.

Здание ресторана Puppen Haus

Здание ресторана – это настоящий арт-объект, созданный по мотивам известного европейского архитектора Фридресрайха Хундертвассера, чьи творения относятся к музейным ценностям во всем мире. Расположен ресторан в самом центре, на улице Чаплыгина 65/1 (бывшая Асинкритовская).

Кстати, Фриденсрайх Хундертвассер считал, что нельзя жить в одинаковых домах‑коробках, людям от этого плохо. Многоцветная мозаика, фрагменты фресок, купола‑маковки, всевозвозможные ниши в стенах — все это очень узнаваемо. Поэтому частенько рядом с «PUPPEN HAUS» останавливаются группы экскурсантов, которым экскурсоводы Новосибирского художественного музея (где экспонируются гравюры и полотна Хундертвассера) на примере этого здания наглядно демонстрируют особенности творчества Хундертвассера.

Здание, кстати, построенное специально для ресторана, выглядит совершенно эклектичным. Яркий акцент здесь — зазывной лубочный русский персонаж на угловом балконе в театральных кулисах. Также привлекают внимание фантазийные с искусным декором фасады, яркие узорчатые мозаики, колонны, резьба, башенка, летняя терраса на крыше дома. Ее надо обязательно посмотреть летом.

Арт-салон

Внутри здания на 1 этаже царит атмосфера арт-салона.

И как в классических музеях, современное искусство соседствует здесь с историческими ценностями.

Диван-ладони схож с диваном-поцелуем Сальвадора Дали.

Мозаики на полу – из парка Гуэля в Барселоне Антонио Гауди.

Здесь выставлены подлинные картины европейского и томского художников,

фрагменты скульптур,

клавикорд середины XIX века,

старинные буфеты, фарфор

и штучная мебель с миланских выставок.

Каждая подача блюда в «Puppen Haus» – это настоящий спектакль. Кроме того, в ресторане существует традиция давать настоящие гастрономические спектакли. Один-два раза в театральный сезон. Тематика самая разная: от Мастера и Маргариты до чемпионата мира по футболу… В главных ролях – сибирские продукты, продвигаемые уже тридцать лет хозяевами ресторана. Последний спектакль – «Онегин». С участием актеров Драматического театра имени Афанасьева, с танцем живота…

Бар

В баре выставлена знатная коллекция настоек из трав, ягод, орехов, кореньев и даже грибов с названиями на все буквы русского алфавита.

Рецепты уникальные, авторские.

А еще здесь висят главные награды.

Ведь в первый же год работы ресторана, 2011 году, гастрономический театр PuppenHaus получил премию на конкурсе INTERNATIONAL LEADERSCLUB AWARDS-2011 («Золотая пальмовая ветвь»), проходившем в швейцарском Базеле.

Между прочим, за десять лет существования этого международного конкурса российский ресторан впервые вошел в тройку лучших в Европе.

Также в 2011 году сборная кулинаров под руководством Владимира Бурковского впервые в истории Новосибирска завоевала Кулинарный Кубок Кремля.

Туалет

И даже туалет в этом заведении достоин внимания!

В одном из туалетов, например, за стеклом живут живые куклы — слесарь и сварщик.

Второй этаж

Пространство второго этажа состоит из несколько небольших помещений, каждое со своей обстановкой старинного дома.

В кухне на стенах — кухонная утварь, под потолком к полке прикручены ручные мясорубки.

В гостиной живет забавная старушенция, ответственная за десерты

В спальне висит стилизованный балдахин и живет кукла, ответственная за ароматы, а также множество милых уютных мелочей.

Кабинет отличается наличием огромного стола, где под стеклом — застывшая баталия двух армий солдатиков, а на стенах — атрибуты охотника и путешественника.

На чердаке тоже есть несколько уютных закутков, в одном из которых живет колдун, отвечающий за чай.

Зона театра марионеток

Второй этаж гастрономического театра – это уникальные коллекции раритетных марионеток со всего мира

(около 500 экземпляров, самому старому из которых более двухсот лет),

старинного европейского фарфора, мебели, лампы Тиффани и многого другого.

Здесь воссоздана атмосфера  настоящего старинного города с большим количеством кукольных  домов,

в которых живут все персонажи – господа, ремесленники, аптекари, колдуны и конечно, театральные актеры.

Кажется еще минута, и они начнут свой спектакль на местной театральной площади.

Кстати, отправной точкой стали путешествия по Европе, в частности — поездка в чешский Крумлов.

Это сказочно красивый средневековый городок, внесенный в список мирового культурного наследия.

Там хозяева ресторана приобрели старинный театр марионеток конца 18 века, как оказалось впоследствии — редчайший экземпляр.

Покупка породила идею создания театра, а какой театр могут создать рестораторы?

Конечно же, гастрономический!

Сейчас в одном из уголков второго этажа живут куклы-марионетки из театров разных стран.

Есть и японский театр.

Есть и ветеран из местного театра кукол.

Лестница

На лестнице тоже сюрпризы — пространство между полом и потолком место — прибежище кукольной нечисти — страшилок.

В противовес нечисти также живет кардинал.

А еще в нишах живут самые разные куклы,

в том числе и самые старые в коллекции.

А еще здесь живет настоящий кукольный домик, давший название всему ресторану.

Между прочим, в нем все настоящее – мини мебель из дерева,

мини фарфор завода Мейсон.

И даже мини швейная машинка Зингер действительно шьет!

Кстати, кукольная посуда изготовлена на тех же заводах что делали посуду для аристократии 19 века.

Кухня ресторана

Каждая подача блюда в «Puppen Haus» – это настоящий спектакль. В нем гость (он же зритель) участник представления. Например, чтобы попробовать салат, ему придется разбить специальным молотком хлебную миску и добыть соус из целого яйца.

А для дегустации потофе – и вовсе – разрезать канатную веревку и самостоятельно погрузить продукт в бульон. «Коллекция» из шоколадных фигурок в исполнении местного шеф-кондитера перекликается с персонажами мини-пуппендома в 5 этажей, размещенного здесь же.

Десерт по рецепту бабушки хозяйки ресторана подается в матрёшке с портретом хозяйки.

Да, Puppen Haus — действительно гастрономический театр или музей, где можно ходить часами, разглядывая детально всю экспозицию.

The post Puppen Haus, Новосибирск appeared first on Блог Милы.

Потребность сравнивать предметы и явления изначально заложена в природе человека. «Кто самый сильный и быстрый? А самый большой и самый маленький?» – такими вопросами задаётся каждый ещё с детства. Сравнивая характеристики предметов и явлений, можно не только познавать окружающий мир, но и сделать большой шаг в настоящую науку.

Мы сравнили самых разных животных, как современных, так и вымерших, и выбрали победителей в более чем 30 номинациях. Так, на выставке вы узнаете, у кого самые большие зубы, у кого самый кривой клюв, а у кого самый крепкий сон. А воспользовавшись специальным ростомером, можно будет проверить, дотянетесь ли вы до колена или плеча мамонта.

На выставке присутствуют как приглашенные «звёзды»: гигантская акула мегалодон, саблезубая кошка смилодон и гигантский ленивец, – так и рекордсмены родом из Новосибирской области: сибирский осётр, сизоворонка, ласка и другие.

На выставке можно увидеть предметы из фондов Новосибирского краеведческого музея и предоставленные студией палеонтологической реконструкции «Сибирь-Палеоарт».

Самый зубастый морской хищник

Мегалодон — вымершая зубастая акула, распространенная в морях по всей Земле в неогеновом периоде (от 2 до 23 миллионов лет назад). Он был одной из самых больших рыб за всю историю нашей планеты. Ученые считают, что длина этих акул достигала 15 метров, а масса — 40 тонн.

Зубы мегалодона — это самые большие из известных акульих зубов за всю историю Земли. Палеонтологические находки указывают, что мегалодоны охотились на небольших китов, ластоногих и крупных рыб.

Зубы мегалодона хорошо сохраняются в ископаемом состоянии. Изредка ученым попадаются позвонки. Полные скелеты мегалодона не находили никогда.

Самый прыгучий зверь Сибири

Задние ноги тушканчика длинные и сильные. С их помощью зверек прыгает на расстояние до 3 м. Это в 20 раз больше длины тела животного. В прыгающем беге тушканчик развивает скорость до 50 км в час. Со стороны кажется, что он не бежит, а летит над землей.

Самая маленькая в мире мышь

Взрослый самец мыши-малютки весит всего 7-10 граммов. Малютке лишь немного не хватило, чтобы стать рекордсменом миниатюрности не только среди мышей, но и среди всего отряда грызунов. Ее опередил белуджистанский тушканчик, обитающий в Пакистане.

Для справки: как и все мелкие теплокровные животные, мышь-малютка очень прожорлива. Круглый год эта мышка съедает за сутки около 5 грамм семян, что почти равно весу самого зверька

Самое маленькое млекопитающее России

Масса самых крупных особей бурозубки крошечной не превышает 4 граммов. Крошечная бурозубка — третье самое маленькое млекопитающее в мире после карликовой многозубки (Южная Европа, Северная Африка) и свиноносой летучей мыши (Таиланд).

Самый прожорливый зверь

Самый прожорливый зверь — это не лев или медведь, а крошечная бурозубка — насекомоядное животное, родственник кротов и ежей. За сутки бурозубка принимается за еду около 120 раз и может съесть массу насекомых в 3-4 раза превышающую ее собственный вес. Обмен веществ у бурозубок очень интенсивный. Всего 5-7 часов без пищи приводят зверька к голодной смерти.

Самая «вонючая» птица

Удода не зря называют «птица-скунс». Если враг заглядывает в гнездовое дупло или нору удода, то самка или птенцы метко выпускают в его физиономию струю экскрементов, смешанных с секретом копчиковой железы. Отвратительный запах маслянистой темно-коричневой жидкости не может выдержать ни зверь, ни человек. Жидкость эта очень липкая и надолго пристает к шерсти или перьям недруга. Гнездо удода тоже густо сдобрено этим «ароматом».

Самый крупный жук России

Реликтовый дровосек, жук из семейства усачей, достигает 11 см в длину (без учета усов). Обитает в Южном Приморье. Занесен в Красную книгу России.

Самое опасное животное сибирских лесов

Самое опасное животное сибирских лесов — это не медведь, не волк, не гадюка, а ничтожное существо размером с головку спички — таежный клещ. Нападения на человека хищных зверей или ядовитых змей случаются очень редко и, как правило, случайно. А вот клещи целенаправленно и терпеливо подкарауливают нас на каждой лесной тропинке, неся в себе возбудителей целого ряда инфекционных заболеваний, самое тяжелое из которых — клещевой энцефалит.

Самая опасная змея Новосибирской области

Гадюка опасна не только из-за своей ядовитости (укус ее болезненный, но, как правило, не смертельный), сколько из-за широкой распространенности по всей лесной и лесостепной зоне нашей области, что повышает опасность неприятной встречи.

Для справки: в Новосибирской области обитает еще одна ядовитая змея — обыкновенный щитомордник. Его ядовитость примерно такая же, как у гадюки. Но щитомордник живет очень локально — лишь на нескольких скальных обнажениях Салаирского кряжа. Встреча с ним маловероятна.

Самая маленькая куриная птица России

Вес самых крупных особей перепела не превышает 150 граммов. Перепела живут в полях, на лугах, прячась в траве.

Для справки: перепел — единственная перелетная птица отряда курообразных. С наступлением холодов перепела улетают от нас в Африку и Южную Азию.

Самая плодовитая птица наших краев

В одной кладке перепела может быть до 18 яиц!

Самая «ядовитая» птица наших краев

Несмотря на малые размеры, перепел является традиционным объектом охоты на дичь. Издавна известны случаи отравления человека после употребления в пищу мяса диких перепелов. Такое бывает в тех случаях, когда перепела кормятся семенами ядовитых растений, например пикульника или цикуты. Растительные яды при этом накапливаются в теле птиц. Для перепелов они безвредны, но человек, съедая мясо птицы, может отравиться.

Самый большой дятел России

Желна, или черный дятел, селится в старых высокоствольных лесах. В поисках корма раздалбливает трухлявые стволы, снимает с мертвых деревьев кору, оставляя глубокие следы и выламывая крупные щепки толщиной в палец.

Самый маленький дятел России

Вертишейка, в отличии от других дятлов, деревья не долбит. Гнездится в естественных дуплах, скворечниках. Если потревожить вертишейку в гнезде, птица шипит и делает змеевидные движения вытянутой шеей, пытаясь отпугнуть врага. Создается удивительная иллюзия агрессивной змеи.

Питается вертишейка муравьями, выуживая их отовсюду длинным липким языком.

Самый длинный и сложно устроенный птичий язык

Основание языка дятла крепится не у задней части клюва, как у всех птиц, а в области правой ноздри (левая остается свободной для дыхания). Из ноздри язык тянется через лоб на макушку, а дальше, на затылке, разделяется на два шнура и огибает череп снизу, чтобы снова слиться воедино уже в ротовой полости.

Самый маленький в мире хищный зверь

Средняя масса тела ласки всего около 150 граммов. Ласка очень ловка и проворна, быстро бегает, хорошо лазает и плавает, отличается большой смелостью и агрессивностью, и является опасным врагом для всех мелких животных.

Для справки: самый крупный в мире представитель отряда хищных зверей — белый медведь.

Самые долголетающие и быстролетающие птицы Сибири

Стрижи способны проводить в воздухе 10 месяцев в году, ни разу не присев на какую-либо опору. Эти птицы налету кормятся насекомыми, спариваются, собирают стройматериал для гнезда, пьют, спят по ночам.

Стрижи также самые быстролетные птицы в мире. Скорость их горизонтального полета до 200 км в час!

Самая глазастая рыба Новосибирской области

Слово «окунь» происходит не от слова «окунать», как можно подумать, а от слова «око» (глаз(. Т.е. окунь — это «глазастая рыба». Хорошее зрение очень важно для этого скоростного маневренного хищника. окунь так агрессивно преследует других рыб, что иногда в азарте погони даже выскакивает на берег.

Самый кривой клюв

Клюв клеста — это специализированный инструмент, которым птицы ловко раскрывают чешуйки шишек и выбирают из них семена, составляющие основу их питания.

Самые «зимние» птенцы

Клест — единственная наша лесная птица, которая может выводить птенцов в январе и феврале. Беспомощных, почти голых птенцов клестам удается выращивать даже в самые трескучие морозы.

Самый способный «пересмешник» нашего края

Скворец может научиться воспроизводить голос человека и даже произносить целые фразы. А еще он может кудахтать курицей, куковать кукушкой, скрипеть дверью и даже сигналить, как автомобиль.

Самые крупные позвонки среди всех животных

В водной среде действие гравитации уравновешивается давлением воды, что позволило китам стать самыми крупными животными.

Для справки: крупнейшим современным животным планеты является синий кит, достигающий в длину 33 метров и весящий более 15 тонн!

Самая холодолюбивая рыба нашего края

Налим так любит холод, что брачный период и икрометание у него происходят в середине зимы, когда температура воды падает до +4 градусов, и многие другие рыбы впадают в зимнюю спячку. Жаркая погода, наоборот, угнетающе действует на налима. В середине лета он становится малоактивным, пребывает в полусонном состоянии.

Самый «Новосибирский» зверь

Лесостепной сурок обитает в основном на территории Новосибирской области, лишь немного заходя в Томскую, Кемеровскую и Алтайской край. Больше нигде в мире лесостепных сурков нет. Подобные животные, с весьма ограниченной, единственной на планете, территорией обитания, называются эндемиками. Лесостепной сурок — единственное эндемичное животное Новосибирской области.

Самая долгая зимняя спячка среди зверей нашего края

Уже к началу августа большинство сурков залегает в спячку в своих глубоких норах. Выходят из нор лишь в конце апреля. Таким образом, сурок проводит в непрерывной глубокой спячке примерно 8 месяцев в году!

Для справки: спячка сурков (гибернация) очень глубока и длительна. Все жизненные процессы животного в этот период находятся на минимуме. Температура тела падает с 38 градусов до 5, число сердцебиений сокращается с 100 до 10, дыханий — с 20 до 3 в минуту.

Самый крупный грызун Старого света

Вес крупных бобров может достигать 32 кг. Среди грызунов мировой фауны крупнее бобров только южноамериканская капибара.

Самые острые режущие зубы

Резцы бобров очень острые, самозатачивающиеся, режут древесину не хуже стальной стамески. Осину диаметром 10 см бобр валит за 6 минут, дерево диаметром 40 см может свалить и разобрать на ветки за одну ночь. Ветки ивы, осины, березы — основа питания бобров.

Самые крупные кости древних животных, находимые на территории Новосибирской области

Бедренная кость мамонта может быть более 121 см в длину. Крупные самцы мамонта достигали 3,5 м в высоту и веса 5-6 тонн.

Самая первая птица, прилетающая с юга в наши края

Грачей уже с середины марта можно увидеть на проталинах в полях. Вскоре после прилета птицы разбиваются на пары, начинают ремонт старых гнезд и строительство новых.

Самые умные в мире птицы

Сорока, ворона, ворон и некоторые другие врановые обладают высоким интеллектом, сравнимым с интеллектом человекообразных обезьян.

У ворон отличная память. Так, они могут надолго запоминать людей в лицо. Вороны умеют строить планы на будущее не хуже, чем это делают четырехлетние дети.

Ученые обнаружили у сорок сложные социальные ритуалы, сопровождающиеся проявлением эмоций, в том числе и печали. Сорока, пожалуй, единственная птица, способная узнавать себя в зеркале.

Ворон — одна из самых умных в мире птиц. В экспериментах остановлено, что эти птицы умеют считать до пяти, пользоваться составными инструментами для добывания пищи. У воронов исключительная память.

Самый большой ленивец

Гигантский ленивец — яркий представитель мегафауны ледникового периода Американского континента. В отличие от современных ленивцев, их гигантский сородич жил не на деревьях, а на земле. Питались ленивцы разнообразной растительной пищей. Передвигались в основном на четырех лапах, но иногда вставали на задние, чтобы сорвать листья с высоких веток. При этом хвост использовали в качестве дополнительной опоры. Длинные когти помогали ленивцам пригибать древесные ветки и откапывать съедобные корневища. Считается, что гигантские ленивцы тратили много времени на переваривание грубой волокнистой пищи — после еды им приходилось долго отдыхать.

Мощные кости, развитые мышцы и длинные когти делали взрослых ленивцев почти неуязвимыми для хищников. Палеонтологи установили, что у гигантских ленивцев была своеобразная кольчуга: под толстой кожей находились тысячи маленьких костных пластинок, защищавших животное от когтей и зубов хищников. Даже смилодону было трудно справиться с гигантским ленивцем.

Самый лучший слух среди всех птиц

Совы с помощью слуха могут охотиться даже в полной темноте. Самые слабые шорохи, издаваемые грызунами, с большой точностью и на большом расстоянии засекаются совиными локаторами.

У некоторых сов, например, у ушастой, на голове есть характерные «ушки». Ничего общего со слухом они не имеют и состоят из одних лишь перьев. Настоящие уши совы скрыты под перьями — это длинные щелевидные отверстия от темени до подбородка с огромными барабанными перепонками. Совиные органы слуха настолько точны и специализированы, что левое и правое ухо расположены на голове немного по-разному. Правое слегка ниже левого. Такая асимметрия позволяет лучше определять источник звука.

Самая крупная сова Сибири

У филина размах крыльев достигает 2 метров, а вес 3 с лишним килограммов. Мощный жутковатый голос этой совы слышен ночью на расстоянии до 4 км. Излюбленная добыча филинов — зайцы.

Для справки: филин лишь немного уступает в размере самой большой в мире сове — дальневосточному рыбному филину.

Самая массивная птица Сибири

Вес лебедя-кликуна может достигать 14 с лишним кг. Для справки: за звание «Самая крупная птица Сибири» с лебедем конкурирует розовый пеликан. Но его максимальный вес лишь 11 кг. Хотя по размаху крыльев (до 3,6м) пеликан опережает всех сибирских птиц.

Самое большое количество перьев среди всех птиц

Ученые посчитали (хватило же терпения), что тело лебедя покрывает свыше 25 тысяч перьев! Это больше, чем у любой другой птицы.

Самая яркая сибирская птица

Сизоворонка обладает необычной внешностью. По яркой экзотической окраске можно подумать, что это тропическая птица. И это недалеко от истины. Сизоворонка только 3 месяца живет в Сибири, остальное время проводит в Южной Африке.

Для справки: лишь 11% птиц фауны Новосибирской области (она насчитывает около 370 видов) остаются зимовать в наших краях. Все остальные улетают на юг и большую часть года проводят в теплых странах. Тем не менее, это «наши» птицы, ведь птенцов своих они выводят здесь, в Сибири.

Самая скрытная птица нашего края

Выпь живет по окраинам озер, на болотах, ведет очень скрытный ночной образ жизни, прячась в труднопроходимых зарослях тростника. Летает мало и только ночью. Чувствуя приближение человека или зверя, выпь вытягивается всем телом вверх и неподвижно застывает, слегка покачиваясь в такт колышущимся от ветра зарослям тростника. Идеальная камуфляжная окраска позволяет птице буквально «растворяться» среди сухих стеблей.

Самый «вонючий» зверь средних широт

Хорь — явный лидер этого соревнования. Существует даже поговорка «Воняет, как хорёк». Действительно, в случае опасности зверек источает едкую вонь, способную отпугнуть и волка, и лисицу. Даже возле норы хоря ощущается этот неприятный запах.

для справки: хорь относится к семейству куньих. Некоторые куньи используют едкий, зловонный секрет параанальных желез для отпугивания врагов. Подобным образом защищается и американский родственник наших куньих, самый знаменитый в мире вонючка — скунс.

Самая «зубастая» птица Сибири

Крохаль, в отличие от других уток, питается не растительной пищей, а рыбой. Поэтому пластинки клюва, характерные для всех уток, у него преобразованы в крупные роговые зубцы, похожие на настоящие зубы. Такие «зубы» помогают крохалю удерживать в клюве скользких трепыхающихся рыб.

Самая высоколётная птица

Серые гуси во время сезонных миграций пролетают над самыми высокими горами планеты — Гималаями. Во время таких перелетов они могут достигать высот 8 и даже 9 с лишним километров! Человек на таких высотах не может выжить без кислородного аппарата. А гуси, даже при интенсивной работе крыльями, вполне обходятся минимумом кислорода.

Самый большой и самый сильный орел России

Вес самки беркута (самки крупнее самцов) более 6 кг, а размах крыльев почти до 2,5 м! Из всех хищных птиц нашей страны беркут является самым мощным и опасным. Он в состоянии одолеть даже таких крупных и сильных зверей, как волк и косуля, не говоря уже о лисицах. При этом для человека беркут не опасен.

Самый зубастый сухопутный хищник

Смилодон — вымерший представитель семейства кошачьих, живший в Северной и Южной Америке в ледниковом периоде (от 10 тысяч до 2 миллионов лет назад). Смилодона часто называют «саблезубый тигр», но такое название некорректно, так как смилодон вовсе не тигр и не имеет близкого родства ни с кем из современных кошачьих.

Наиболее впечатляющая деталь облика этого хищника — клыки верхней челюсти. Их длина достигала почти 30 см (вместе с корнем). Чтобы воспользоваться такими огромными зубами, смилодон мог раскрыть пасть почти на 120 градусов! для сравнения: современный лев может развести челюсти лишь на 65 градусов. Страшным ударом клыков-кинжалов смилодон убивал свою добычу: первобытных лошадей, зубров, мамонтов, гигантских ленивцев.

Самая крупная рыба бассейна Оби

Сибирский осётр может достигать 1,5 м в длину и веса около 50 кг. Он занесен в Красную книгу России.

Самый крупный паук России

Южнорусский тарантул может достигать 25-30 мм (без учета ног). Тарантулы встречаются в степях по югу России, в том числе, по югу Новосибирской области. Днем пауки скрываются в глубоких вертикальных норах, а ночью охотятся на насекомых.

Самая крупная лягушка в России

Длина тела озёрной лягушки может достигать 20 см (без учета ног), масса до 700 граммов. Для справки: это «южный» вид лягушек, для Сибири не характерный. Тем не менее, в наших краях существуют две, изолированные от основного ареала, популяции озёрной лягушки: вдоль реки Обь (от Алтая до Новосибирска) и в окрестностях Томска.

Самая морозостойкая в мире амфибия

Сибирский углозуб выдерживает охлаждение до -40 градусов и длительное вмораживание в лед. Зарегистрирован случай, когда углозуб ожил после 90-летнего пребывания в вечной мерзлоте! В то же время, повышения температуры углозуб не переносит. При температуре +27 градусов погибает даже в тени.

The post Выставка Самый-самый в мире животных appeared first on Блог Милы.

Выставка елочных игрушек «Когда ёлка была большой»

Среди многообразия вещей, окружающих человека, ёлочные игрушки занимают второстепенную роль. Но сколько счастливых и радостных минут с ними связано. Самые сильные детские воспоминания: нарядная ёлка, любимые игрушки, ожидание праздника – навсегда остаются в памяти. И каждый раз, доставая заветную коробку ёлочных украшений, мы заново переживаем то детское ощущение сказки.

В фондах Новосибирского краеведческого музея сформировалась коллекция ёлочных украшений 1930 – 1980-х годов, большая часть которых принадлежала новосибирцам. Сегодня она насчитывает около 2500 предметов, в числе которых не только стеклянные, но также ценные и редкие украшения из ваты, монтированные из стекляруса, картонажные украшения, а также различные гирлянды и подставочные фигуры.

В этом году, помимо предметов из фондов Краеведческого музея, на выставке также демонстрируются ёлочные украшения из коллекции новосибирца Максима Носкова. С 2018 года ему удалось собрать около 1000 предметов. Наиболее ценными среди них являются украшения из ваты 1930–1940-х годов, подставочная фигура Деда Мороза из ткани 1930-х годов, стеклянные игрушки 1950-х годов по мотивам сказок, шары с советской символикой и изготовленные из лампочек.

Первые ёлочные украшения

Традиция украшать елку на Рождество пришла в Россию из Германии в первой половине XIX века. В качестве елочных украшений использовали свечи, яблоки, конфеты, фигурные пряники, завернутые в фольгу орехи, самодельные игрушки.

Первыми стеклянными украшениями были шары. По преданию, именно шарами с середины XIX века заменили яблоки, неурожай которых выдался в 1847 году в Тюрингии — одном из старейших центров стеклоделия в немецких землях. В городке Лауша находчивым стеклодувом Хансом Грёйнером были созданы стеклянные «яблоки».

Первые елочные игрушки были толстостенными и тяжелыми, покрывались внутри слоем ртути или свинца. В 1870 году Луи Грайнер-Шолотфегер изготовил первое тонкостенное украшение, покрытое слоем нитрата серебра. Вскоре помимо шаров началось изготовление и других форм игрушек. Однако, за всеми этими стеклянными украшениями «первого поколения» закрепилось название «kugel» (на немецком «шар»).

Немецкие стеклянные украшения всегда славились особо тонким стеклом, изяществом и лучшим качеством серебрения. В 1950-1980-е годы в ГДР специально для СССР на знаменитой фабрике Лауша изготавливались разнообразные наборы елочных украшений.

Ёлка с подарками

Новый год — один из самых любимых праздников в России.

Нет, пожалуй, другого такого дня, к которому так долго и тщательно готовятся всей семьей,

в ожидании, когда под бой курантов настоящее чудо, пускай на миг, но станет возможным.

Непременным атрибутом и символом праздника несколько сотен лет назад стала украшенная новогодняя ель.

Украшения из ваты

После Октябрьской революции 1917 года традицию рождественской елки ждали большие перемены.

В рамках проводившейся в стране антирелигиозной пропаганды в 1929 году празднование Рождества и ёлка были официально запрещены.

Но в 1935 году накануне Нового года в газете «Правда» появилось обращение кандидата в члены Политбюро ЦК ВКП(б) Павла Постышева: «Следует этому неправильному осуждению елки, которая является прекрасным развлечение для детей, положить конец». И уже новый 1936 год встретили с наряженными к празднику любимыми деревьями.

В первые годы после возвращения праздника ёлочных украшений катастрофически не хватало. И в стране развернулось широкое производство недорогих и простых в изготовлении ватных игрушек.

Такие украшения появились на рождественских ёлках ещё в конце XIX века, но их звёздным часом в СССР стал конец 1930-х годов.

Ватные игрушки отражали новую советскую тематику: освоение Арктики, спорт, пионерское движение, Красная Армия, счастливое детство.

Их выпуском занимались десятки артелей, прежде всего Москвы и Ленинграда: «Изокульт», «Промигрушка», «Культигрушка», «Всё для ребёнка», «Ёлочная игрушка», артель им. Шаумяна, «Культпром», фабрика «Гигровата», ИЗО ЦПКиО им. Горького и др.

Ватные игрушки изготавливались несколькими способами: намоткой на проволочный каркас, прессованием и горячей штамповкой, намоткой на станке-веретене.

Шары

Шар — самое первое из специально изготовленных украшений для рождественской и новогодней елки.

Менялись эпохи, традиции празднования Рождества и Нового года, технологии производства и способы декорирования игрушек, но шар всегда занимал одно из главных мест на елке.

После возвращения празднования Нового года елочных украшений, особенно стеклянных, не хватало.

В конце 1930-х появляются шары из электрических лампочек со срезанным цоколем.

Многие шары этого периода отличаются техникой окрашивания — они зачастую не имеют металлизации.

В 1950-1960-е годы выпускается огромное количество сияющих металлизированных шаров со всевозможным декором и часто рельефными рисунками.

С конца 1960-х годов начинается процесс упрощения елочных украшений, появляются новые материалы и техники окрашивания, активно используется пластик.

Популярностью пользуются наборы шаров из ГДР.

Символы эпохи

По елочным украшениям можно проследить многие знаковые события истории СССР, социальные и культурные веяния десятилетий.

Большое внимание уделялось выпуску елочных игрушек с советской символикой. Елки украшали изделия с изображением серпа и молота, пятиконечной звезды, надписью «СССР».

В 1930-е были популярны темы индустриализации, освоения Арктики.

Массовый интерес к развитию авиации и летательным аппаратам способствовал появлению на елке дирижаблей, стратостатов, самолетов, парашютов.

Одна из трогательных и знаковых игрушек 1940-х гг. — собака-санитар. Это украшение было посвящено героическим собакам, за годы Великой Отечественной войны вынесшим с поля боя тысячи раненых.

В конце 1940-х — 1950-е годы одной из главных тем елочных украшений становится дружба народов. Сотрудниками артели им. К.Е. Ворошилова во Владимире был создан набор елочных украшений «Фигуры национальностей Советского Союза», отмеченный в 1947 году премией конкурса новых образцов игрушек РСФСР.

Изначально в наборе было 16 игрушек, но в 1956 году после возвращения Карело-Финской ССР статуса автономной республики в наборе осталось 15 игрушек.

1960-е годы отмечены в советской елочной игрушке темой освоения космоса — замечательные по своей хрупкости и искусной работе «Спутник-1», ракеты, многочисленные космонавты и просто подвески, напоминающие космические аппараты.

Украшения из картона и бумаги

Первые стеклянные елочные игрушки, появившиеся в России в XIX веке, были очень дороги. И позволить их себе могли немногие. Более доступными были украшения из картона и бумаги.

Картонажные елочные украшения появились в XIX веке в Германии. Особенно славился дрезденский картонаж. В начале XX века это нередко были целые объемные сложные конструкции на самые разные темы. С конца 1930-х гг. картонажи начинают широко выпускаться в СССР. Самыми распространенными знакомыми многим были фольгированные картонные украшения, которые изготавливали на нескольких фабриках и артелях.

Монтированные украшения

Комбинированные с бусами и стеклом украшения появились в конце XIX — начале XX вв. в Богемии — одном из старинных центров стеклоделия. В городе Яблонец-над-Нисоу изготавливались удивительной красоты конструкции из множества стеклянных бус и трубочек в тонкой металлической «паутинке». Такие украшения у нас называли «люстрами».

Советские монтированные украшения, как и все остальные виды игрушек, имели свою специфику. Особенно приметными из них были игрушки на тему крестьянского быта: колодцы, мельницы, прялки. А также в большом количестве изготавливались пятиконечные звезды, подвески, различные летательные аппараты и космические ракеты.

Монтированных украшений в СССР выпускалось меньше других типов елочных игрушек. Они производились несколькими предприятиями, прежде всего в Клину на заводе «Лаборприбор», а также небольшими партиями на других фабриках игрушек. Стеклярус применялся в качестве дополнительного украшения и для других ватных игрушек.

Игрушки из проволоки

В годы Великой Отечественной войны для детей всё же, как могли, устраивали ёлки, а украшения часто изготавливали из самых неожиданных и совсем не праздничных подручных материалов, даже из погон и медицинских ампул.

Украшения военного периода часто были самодельными и недолговечными.

А те, что продолжали поступать в продажу, изготавливались из отходов производства на различных предприятиях.

Так, на заводе «Москабель» изготавливали игрушки из проволоки.

Они в настоящее время являются довольно редкими.

Открытки

Настоящей звездой отечественной дореволюционной открытки была художница Елизавета Бём. Она нащупала уникальный формат: немного от иллюстрации, немного от лубочной картинки, немного от слащавых немецких фотооткрыток, но всё это переработанное в актуальном на тот момент русском стиле. На ее открытках были прелестные румяные крестьянские детишки и подходящие к случаю народные поговорки и пословицы. «На новый годок несу здоровья кузовок, тому-сему кусочек, а вам весь кузовочек!», «К праздничку Христову не конь везёт, а Бог несёт!»

Дед Мороз и Снегурочка становятся героями первых советских новогодних открыток.

Вернулись они в наш быт в разгар Великой Отечественной войны. Открытки были соответствующие, больше похожие на агитплакаты: Дед Мороз шел в атаку с пулемётом, а в качестве новогодних подарков предлагал бойцам снаряды. С возвращением мирных времён открытки никуда не исчезли, более того, они стали очень качественными: из хорошего картона, с отличной полиграфией.

В 50-е это были реалистичные картинки с изображением накрытого стола, нарядных танцующих пар, кремлевских курантов ‒ все тщательно детализировано.

В 60-е в открыточную индустрию приходят художники-мультипликаторы. Во всем господствует минимализм, так что появляются невероятно стильные открытки с минимум цветов, геометричностью орнаментов и тематикой, привязанной к актуальной повестке: лыжники, ракеты, силуэты многоэтажных новостроек. Например, открытки Лидии Модель.

Затем наступают 70-е и эра двух титанов: Владимира Зарубина и Владимира Четверикова. Первопроходцем стал Зарубин, между прочим один из авторов «Маугли», «Ну, погоди!», «По следам бременских музыкантов» и «Тайны третьей планеты». В начале 60-х он вверг в ступор членов художественной комиссии, предложив открытки с прелестными зайчиками и ёжиками. Сейчас это кажется странным, но тогда всерьёз обсуждали, а не буржуазное ли мещанство вся эта милота, годится ли она для поздравления советских людей? Советские люди в итоге проголосовали рублём за мультяшных милашек с тщательно прорисованными пушистыми мордочками.

Он рисовал их до самой смерти, до 90-х годов. И сегодня в филокартии есть отдельное направление ‒ коллекционирование открыток Владимира Зарубина. Несмотря на многомиллионные тиражи, среди них есть довольно редкие экземпляры!

Открытки Владимира Четверикова ‒ это тоже пушистые мордочки, но совсем другие! Другая прорисовка, а главное ‒ другие сюжеты, юмористические. Если картинки Зарубина ‒ милые, то Четверикова ‒забавные.

Разумеется, этими двумя именами открытки на исчерпывались. Работал над открытками, к примеру, прекрасный художник-анималист, профессиональный биолог Алексей Исаков. Или, к примеру, новогодние сказочные открытки-иллюстрации Татьяны Жебелевой.

В 80-е невероятной популярностью начинают пользоваться фотооткрытки с новогодними натюрмортами и пейзажами. Свечи, хрустальные бокалы, еловые веточки с игрушками. Или, как вариант, заснеженные пейзажи с живописными ёлочками. Немного позже их начинают делать рельефными, украшать блёстками.

Сказочные персонажи

Елочные украшения на сказочные темы часто составляли наборы по любимым сказкам А.С.Пушкина, П. Бажова, К. Чуковского, басен И.А.Крылова, русских народных сказок.

Наборы по сказкам А.С. Пушкина, а также набор «Приключения Чипполино» по сказкам Джанни Родари были одними из самых ярких, проработанных в техническом и художественном отношении советских елочных игрушек.

Они являются одними из самых ценных для современных коллекционеров.

Главными производителями советской стеклянной елочной игрушки в период ее расцвета были «Завод стеклянной и оптической игрушки» в Москве, сменивший около 10 названий, и артель «Культ-игрушка» в Ленинграде.

Выпускали елочные украшения также в Украинской ССР, в Волжском регионе и в Сибири.

Однако многие фабрики тиражировали украшения, разработанные НИИИ — Научно-исследовательским институтом игрушки.

Многие авторы елочных игрушек являются ведущими художниками НИИИ, где действовала отдельная лаборатория елочных украшений и разрабатывались образцы игрушек из разных материалов.

Дети

Среди елочных игрушек существовало множество украшений счастливых и занятых чем-то детей.

Они танцуют, катаются на санках, стоят с лыжами или игрушками в руках.

Были среди них и фигурки детей, представляющих разные народы СССР.

Елочные «взрослые» — красноармейцы, матросы, милиционеры, колхозники, космонавты — часто выглядели как переодетые дети.

Они отличались и детским телосложением, и детским выражением лиц, и детскостью одежды.

Деды Морозы

Предметы быта

В 1950-60-е годы на советских елках появляется все больше украшений на тему домашнего быта и мирной жизни.

Это мебель и детские игрушки,

самовары, чайники, кофейники и масса разнообразной посуды,

сумочки, туфельки и зонтики,

футбольные мячи, часы,

лампы и музыкальные инструменты,

домики, колокольчики и фонарики.

Самовары и чайнички можно назвать вершиной достижений советской стеклянной елочной игрушки.

Изящные, с искусно вытянутыми при выдувании форм тончайшими носиками и ручками-петельками, расписанные вручную цветами или ягодами, серебристые или окрашенные матовыми красками без металлизации.

Именно эти украшения особенно сильно сохранились в памяти многих людей.

Малютки и великаны

Одним из памятных явлений советского Нового года стали маленькие настольные елочки и наборы таких же миниатюрных украшений.

Популярность наборов елочек и украшений-малюток прежде всего была обусловлена практическими соображениями — нехваткой места для расположения большой елки.

Оригинальные отдельные наборы елочных украшений для настольных елок стали выпускать уже с 1949 года.

Несмотря на миниатюрность, качество игрушек в таких наборах было достаточно высоким. Большей частью они были стеклянными.

В наборах, кроме шаров и подвесок, присутствовали все важнейшие образы советских елочных украшений — веселые дети, урожай, животные и цветы.

Помимо столичных и ленинградских фабрик наборы «Малютка» выпускали в Украинской ССР и Армянской ССР.

Противоположностью миниатюрным украшениям и миниатюрным елочкам стали игрушки для общественных больших елок. Этих тяжеловесов называли «великанами».

В основном это были фрукты, шары и прочие не самые сложные по форме игрушки.

По воспоминаниям многих людей, их использовали и для домашних елок, украшая ими нижние ветки.

Гирлянды и хлопушки

Растения и животные

Значительную часть советских елочных украшений занимают игрушки на тему сельского хозяйства, животноводства, природы.

Артели и фабрики, используя всевозможные материалы, изготавливали разнообразные овощи и фрукты, урожайные корзинки, зверей и птиц.

Особое место занимает, конечно, «царица полей» кукуруза.

Это одна из самых массовых советских елочных игрушек 1960-х годов.

Интересно, что изначально елочные украшения на эти темы должны были быть не только игрушками, но и в некоторой степени помогать ребенку познавать окружающий мир.

За реалистичность внешнего вида елочных игрушек на тему растений и животных особенно ратовали на заседаниях художественно-технического совета в Институте игрушки.

К концу 1960-х годов советская елочная игрушка становится все более абстрактной.

В большом количестве появляются такие украшения как листья, капельки, сосульки, снежинки.

Они уже не были тематически привязаны к каким-либо социально-экономическим или идеологическим процессам.

The post Выставка елочных игрушек appeared first on Блог Милы.

Проект занял пять музейных залов и объединил более 350 предметов и фотографий из фондов Новосибирского краеведческого музея, Музея истории и культуры народов Сибири и Дальнего Востока ИАЭТ СО РАН, а также материалы Новосибирского областного Дома народного творчества. Многие предметы экспонируются впервые.

Выставка «Русское красное» состоит из трёх больших разделов: «Занятия русских переселенцев», «Этнография русских» и «Лоскутное шитье».

Занятия русских переселенцев на выставке «Русское красное»

В разделе, посвящённом промыслам переселенцев, представлены предметы, рассказывающие об особенностях гончарства, обработки дерева, домовой росписи и кузнечного дела в Сибири.

Домовая роспись

Основным типом жилища русских поселенцев в Сибири был срубный дом на фундаменте, который венчала двускатная крыша. Это была изба с клетью (хозяйственным помещением) и сенями, отделявшими вход в дом и выход на улицу.

Неотъемлемой принадлежностью избы были сундуки. В них хранили одежду, холсты, домашнюю утварь.

Крестьянские дома зачастую представляли собой красочное великолепие: стены, потолки, утварь – всё покрывала яркая роспись. Расписывали по дереву, украшая стены избы. Роспись считалась роскошью, была доступна только богатым крестьянам. Занимались ею не сами хозяева, а профессиональные мастера, собиравшиеся в артели. Роспись была своеобразным народным промыслом.

Дома украшали изображениями солнца — разнообразными кругами и полукругами, крестами, изображениями диковинных животных и растений. Так, лев был призван охранять дом.

Гончарный промысел

Глиняная посуда — самый распространенный вид керамики, использовавшийся в быту в XIX-XX веках.

Русские принесли в Сибирь свои традиции гончарного ремесла, оказавшего значительное влияние на местное изготовление посуды. В Сибири, наряду с использованием ножного и ручного гончарного круга, посуда изготавливалась и лепными способами: на шаблоне, ленточным или жгутовым налепом.

Ассортимент керамики охватывал все бытовые стороны жизни: существовала столовая, кухонная, бытовая посуда. Высоким спросом пользовались кринки, корчаги, горшки, миски.

Кухонная посуда предназначалась для приготовления горячей пищи. Важное значение в быту имела корчага — большой сосуд в форме банки или горшка объемом до трех ведер. Она использовалась как для засолки, таки и для приготовления напитков.

Самой распространенной посудой для хранения была кринка. В Сибири бытовало несколько видов кринок: высокогорлые, низкогорлые, приземистые.

Из столовой посуды популярностью пользовались чашки, миски, кувшины, чайники, сливочники.

Деревообработка

Одним из традиционных занятий переселяющегося в Сибирь русского населения была деревообработка. Дерево широко применялось во всех сферах жизнедеятельности: в строительстве и обустройстве жилья и хозяйственных построек, в производственной деятельности, в быту и в народном творчестве.

Новое население принесло с собой новый тип усадьбы, опирающийся на развитое плотничное и столярное дело — избу-пятистенок, к которой пристраивались помещения для содержания скота, хранения сельскохозяйственных орудий и различных запасов. Долговременные строения «рубились» из бревен топорами. Кроме них использовали пилы, тесла для вынимания пазов, буравы для просверливания технологических отверстий.

Характерной особенностью домостроения пришлого населения было украшение своих домов декоративными элементами, вырезанными из бревен и досок, выпиленными из распущенной на доски древесины: наличниками, подзорами, коньками и розетками. Декоративная резьба использовалась в оформлении рабочих инструментов, мебели, мелких предметов от посуды до пуговиц.

Особыми направлениями в деревообработке было изготовление саней, разнообразных телег и лодок, а также бондарное дело.

Всё это богатство технологических приемов и разнообразие продукции обуславливало существование обширного инструментария. Достаточно сказать, что у таких простых инструментов, как топор или рубанок, в использовании одновременно могло быть до десяти различных модификаций, значительно отличающихся друг от друга.

Земледелие

Основной формой землепользования являлась распашка свободных участков земли, не требующих большой работы по расчистке.

Сеяли ячмень, овес, пшеницу и другие зерновые культуры. Из технических культур — коноплю. Из озимых культур главной была рожь, из яровых посевов возделывали овес, реже — пшеницу и гречиху. Сев производился вручную, для сбора урожая использовали серп, косу-горбушу и косу-литовку с грабельками, вилы и грабли. Обмолот зерновых проводили цепами. Переработку зерна производили с помощью ручных, ветряных и водяных мельниц.

Переселенцы активно занимались огородничеством: выращивали брюкву, редьку, морковь, свеклу, капусту и репу. Позднее широкое распространение получил картофель. Землю на огороде обрабатывали заступом, лопатой или мотыгой.

Кузнечный промысел

Кузнечный промысел принадлежал к числу наиболее важный для крестьян — по объему производства он занимал первое место.

Кузницы строили вдали от жилищ. Это были небольшие помещения, в которых обязательно размещался горн с мехами, наковальни, щипцы, ручные молоты и клещи.

В мелких кустарных мастерских работала вся семья кузнеца. Они изготавливали предметы, необходимые для хозяйственной деятельности: сошники, косы, серпы, топоры, долота, ножи, ножницы. Делали и столярные инструменты: скобели, топоры, напильники, клещи, отвертки и все остальные инструменты для обработки металла и дерева. В селах широко развивалось производство сельскохозяйственных инструментов: плугов, молотилок, просушек, шерсточесалок.

Деревенские кузнецы не теряли связи с землей, занимаясь ремеслом в свободное от сельскохозяйственных работ время.

Этнография русских на выставке «Русское красное»

Переселение русских в Сибирь началось после её присоединения к Российскому государству в конце XVI века.

На неизведанные территории шли казаки и служилые люди для создания острогов, промысловики и торговцы, бежавшие от «государева ока» крестьяне и старообрядцы.

В разное время Сибирь пополнялась и ссыльными поселенцами: преступниками, раскольниками, участниками народных восстаний.

География переселенцев была обширной —

от севера Европейской России до Астраханской губернии на юге,

и от Польши на западе до Урала на востоке.

В результате в Сибири сложилась новая многочисленная группа населения — сибиряки.

Раздел «Этнография русских» презентует уникальные коллекции подлинных костюмов,

которые раскрывают традиции переселившихся в Сибирь этнических и территориальных групп и народов.

Раздел подготовлен совместно с Институтом археологии и этнографии Сибирского отделения Российской академии наук.

Это одежда разных групп русского и других восточнославянских народов в Сибири: чалдонов, кержаков, «поляков», семейских, черниговцев.

Все эти названия характеризуют довольно устойчивые группы местного населения, ядро которых приезжало в Сибирь в определённый исторический момент.

Какое-то время люди селились и обустраивали хозяйство вместе,

образуя «чалдонские», «кержацкие» или, например, «польские» улицы, «края» или даже самостоятельные деревни.

Традиции костюма, носимая обувь и головные уборы, особенно женские,

предпочитаемые сочетания цветов, мотивы вышивок, наличие и разнообразие украшений

или, напротив, запрет на лишнее украшательство были одним из способов разделения «своих» и «чужих».

Сохранение обычаев в крое и декорировании одежды позволяли длительное время сохранять связь с исходной территорией —

тем регионом Российской империи, откуда восточнославянские переселенцы в разные эпохи прибывали в Сибирь.

Кроме того, на выставке представлены рушники (или набожники) — расшитые полотенца, которые вешали на стены, зеркала и в красный угол для украшения избы.

Особый интерес на выставке вызывают уникальный комплекс детской праздничной одежды, повторяющий костюм взрослой женщины,

детская коляска с коробом и саночки, представляющие собой уменьшенную копию конных саней,

праздничные сложносоставные головные уборы, богато украшенные золотым шитьем, и украшения

а также комплекс одежды старообрядцев Аляски.

Лоскутное шитье на выставке «Русское красное»

Раздел «Лоскутное шитьё» показывает современное развитие русской техники изготовления текстильных полотен из лоскутов ткани.

На выставке представлены 90 работ,

созданных ведущими клубами лоскутного шитья и мастерами декоративно-прикладного искусства из Алтайского и Красноярского краев, Республики Алтай, Иркутской, Новосибирской, Омской и Томской областей.

Это экспонаты Межрегиональной выставки лоскутного шитья «Вера. Надежда. Любовь» областного Дома народного творчества.

The post Выставка «Русское красное» appeared first on Блог Милы.