Эти скалы находятся на мысу, к которому возможна только пешая прогулка.

Она проходит по довольно интересной и несложной тропе вдоль побережья,

откуда открываются прекрасные виды на окрестности.

Прогулка от парковки или остановки автобуса составляет примерно полчаса.

Юрское побережье

Юрское побережье является объектом Всемирного наследия ЮНЕСКО. Оно простирается примерно на 96 миль (154 километра) вдоль южного побережья Англии, от Эксмута в Восточном Девоне до залива Стадленд в Дорсете. Оно известно своим исключительным геологическим и палеонтологическим значением. Так как демонстрирует горные породы и ископаемые мезозойской эры, которая длилась более 180 миллионов лет.

На побережье представлен широкий спектр геологических образований, в том числе скалы, заливы, пляжи и знаковые достопримечательности, такие как Дердл-Дор и Лулворт-Коув. Это одна из самых геологически разнообразных береговых линий в мире. Она представляет собой уникальное окно в историю Земли, особенно триасового, юрского и мелового периодов.

Юрское побережье славится обилием окаменелостей. Они помогли ученым и исследователям получить ценную информацию об истории жизни на Земле. Здесь были обнаружены окаменелости древних морских рептилий, динозавров и различных доисторических существ, что дает важную информацию об их эволюции и древней среде, в которой они жили.

Возникновение скал Старого Гарри

Скалы старого Гарри в основном состоят из мела, который представляет собой мягкую, белую и мелкозернистую породу, состоящую из карбоната кальция (CaCO3). Мел образуется из уплотненных остатков морского планктона, главным образом мелких кокколитофоридов, представляющих собой одноклеточные водоросли с известковыми пластинками или раковинами.

Мел является относительно мягкой породой по сравнению со многими другими типами горных пород, что делает его подверженным эрозии безжалостной силой моря. Со временем прибрежная эрозия, воздействие волн и выветривания превратили меловые скалы в своеобразные образования, в том числе в три морских утеса, известных как скалы Олд Гарри.

Откуда взялось название Old Harry rocks?

Откуда у них взялось такое название? Существует несколько версий о его происхождении:

1. Старое прозвище для дьявола: В старинном английском фольклоре «Old Harry» было распространённым прозвищем для дьявола. Согласно легенде, дьявол использовал эти скалы как место отдыха. А бурное море и опасные скалы будто бы символизировали его власть над этим местом.

2. Легенда о пирате Гарри Пэйне. Другая версия утверждает, что название связано с именем известного пирата XVII века Гарри Пэйна. Он якобы укрывался в этих местах.

3. Название Old Harry Rocks исторически использовалось только для одного выдающегося известнякового столба. Однако сегодня под этим именем подразумевается несколько скальных образований, в том числе и соседние. Ранее рядом стояла ещё одна скала меньшего размера, известная как «Old Harry’s Wife» (жена Старого Гарри). Но она обрушилась под воздействием эрозии в начале XX века. И теперь видна с моря лишь в виде небольшого обломка.

К сожалению, скалы Old Harry Rocks из-за воздействия морских волн, подвержены постоянной эрозии. Со временем эти волны подмывают основания, вызывая обрушения. Поэтому пейзаж этого побережья постоянно изменяется. И через сотню-другую лет, возможно, наши потомки не увидят и этих картин… Но сегодня эти скалы, благодаря своей яркой белизне и контрасту с голубыми водами моря, представляют собой одну из самых фотогеничных точек на Юрском побережье.

Пейзажи обратной дороги

Так как приехала я на автобусе (номер 50 из Борнмута в Суонедж), на обратном пути я решила пройти другой дорогой.

Навигатор рисовал часовую прогулку.

Но этот путь, в отличие от первого, шел уже совсем не по равнине.

И если я эти примерно 5 км спускалась вниз (и местами довольно круто),

то навстречу мне попадались туристы, в том числе и преклонного возраста, упорно идущие вверх!

А ведь перепад высот на маршруте от Суонеджа (уровень моря) до скал Олд Гарри составляет 275 метров.

Любовь к хайкингу (пешим прогулкам по пересеченной местности) у англичан впечатляет!

Сначала я планировала сесть на автобус 50 в Новом Суонедже, но в итоге дошла самой конечной на автовокзале Суонеджа.

The post Old Harry rocks — скалы старого Гарри appeared first on Блог Милы.

Сюда я пришла пешком по тропе от Durdle door (2.5 км — полчаса ходьбы), так как приехала сюда с экскурсией, а микроавтобус должен был забрать нас именно от Лулворт коув. Пешком передвигаться гораздо удобнее именно в таком порядке — от Durdle door к Lulworth cove. Так как в противном случае придется довольно существенно подниматься в гору. Впрочем, если вы приехали на машине, то запарковаться лучше в Лулворт коув. Тогда в начале прогулки будет подъем, а по дороге обратно — спуск.

Вид с берега достаточно красив. Но еще лучше — сверху.

Stair Hole (Лестничная дыра)

По дороге от парковки к смотровой площадке на бухту сначала встречаю младшую сестру Durdle door — Лестничную дыру.

Две скальные арки чуть западнее Lulworth Cove носят название Stair Hole. Они являются частью обширного комплекса геологических образований, характерных для Юрского побережья (Jurassic Coast) Дорсета. На нем можно увидеть множество подобных уникальных форм, возникших под влиянием воды и ветра на протяжении миллионов лет.

Это как бы Lulworth Cove на начальной стадии развития. Волны промыли проход в стене из твёрдого портландского известняка (скалы тёмно-серого цвета) и постепенно вымывают глину и песок, которые находятся внутри этого пирога. По бокам провала виден слоёный пирог из светло-серого известняка (Purbeck limestone). Заметно, что слои идут не ровно, а складками из-за движений земной коры в течение миллионов лет.

Это интересное геологическое образование, называемое слоистыми (или складчатыми) скалами. Они часто встречаются на этом побережье. И, глядя на них, мы видим древние слои породы, образовавшиеся миллионы лет назад.

Они возникли на дне древнего океана. Тогда осадки, состоящие из минеральных частиц, накапливались на морском дне.

Позже эти слои осадочных пород были подвергнуты сильным тектоническим процессам. Из-за этого их структура изменилась и деформировалась, образовав складки, которые мы видим сегодня.

Но осадочные породы больше не лежат одна на другой, когда самые старые находятся внизу, а самые молодые — наверху, а перекручены так, что самые старые породы находятся ближе всего к морю, а самые молодые — в глубине суши.

Некоторые пласты раскрошены, перекручены и срезаны.

Эти слои состоят из глины, сланца, аргиллита и известняка. Окаменелости включают следы динозавров, крокодилов и рыб.

Смотровая площадка на бухту Лулворт

А теперь пройдем на смотровую точку Lulworth Cove Viewpoint. Она видна впереди на узком и обрывистом мысу. Странно, но на нем совершенно нет ограждения.

Отсюда открывается красивая картина не только всего залива, но и пролива, через который он соединяется с океаном.

Наибольшая глубина залива Лулворт-Коув достигает примерно 10–12 метров. Глубина может варьироваться в зависимости от приливов и отливов. Так как этот залив формировался под воздействием морской эрозии, его сравнительно мелкие воды делают его популярным местом для купания, снорклинга и прогулок на лодках. И здесь всегда тихая, без волн, вода!

Этот залив имеет форму почти идеального круга. Такую удивительную идеально-круглую форму бухта получила благодаря волнам. Проходя через узкое «горло», плоская волна выгибались в дугу, постепенно подмывая более мягкие меловые берега.

Он привлекает к себе туристов по многим причинам. Так, увлекаясь геологией, можно заниматься ею на открытом воздухе.

Мы видим слои различных горных пород и начинаем разбираться в процессах эрозии.

Именно они создали такие уникальные формы на этом побережье.

Если мы просто зрители, то мы любуемся его чистыми водами, красивыми видами и доступом к пешеходным маршрутам, включая тропу к знаменитой арке Дёрдл-Дор (Durdle Door) — ещё одной известной достопримечательности побережья.

Ну, а для любителей порыбачить или поснорклить, кристально чистые воды залива предлагают знакомство со множеством обитающих в них морских существ. Это делает его привлекательным как для плавания, так и снорклинга. Считается, что Lulworth Cove является одним из самых известных природных памятников Англии и популярным местом для прогулок и отдыха на природе.

Деревушка Лулворт Ков

На западном конце залива расположилась небольшая деревушка Lulworth Cove.

Когда-то это место оценили контрабандисты. Они приплывали сюда и скрывались в деревне.

Сейчас её постоянное население составляет около 200 человек. Но в ней есть и кафе, и рестораны, и отели. Летом, в туристический сезон, ее посещают тысячи туристов. Так что в сезон тут не так просто забронировать места.

Сама деревня тоже заслуживает внимания. Тут много старинных домиков с колоритными крышами и садиками.

Рыбацкие лодки и всякие рыболовные снасти.

Гулять по такой деревне – удовольствие.

The post Бухта Лулворт (Lulworth Cove) appeared first on Блог Милы.

Как переводится Durdle Door? В то время, как значение второго слова очевидно – “дверь”, то происхождение “Durdle” противоречиво. Считается, что пришло из староанглийского “thirl”, т.е. “сверлить”. Имейте в виду, что с учетом британской фонетики произносится “Дёдл-Дор”.

Геологические особенности

Формирование Дердл-Дор началось около 140 миллионов лет назад в юрский период. Тогда этот район был покрыт теплым мелководным морем. Со временем накапливались слои отложений и обломков. А в процессе геологической складчатости горные породы были приподняты и наклонены. Со временем море размыло более слабые слои горной породы, оставив после себя более прочный известняк, который и сформировал арку.

Durdle Door образован слоем твердого известняка, который почти вертикально выступает из моря. Обычно слои известняка располагаются горизонтально. Только самая фундаментальная сила в геологии могла изменить эти породы таким образом — тектоника плит.

Около 25 миллионов лет назад Африканская тектоническая плита столкнулась с Европейской плитой. Огромное давление вызвало поднятие и складку горных пород, создав горную цепь, которую мы знаем как Альпы. Рябь от этого столкновения распространилась на север через земную кору и аккуратно сложила породы здесь, в том, что стало южным Дорсетом и Пурбеком.

Сама арка имеет высоту около 200 футов (60 метров) и ширину примерно 100 футов (30 метров). Арка является частью более крупного природного объекта Всемирного наследия Лулворт-Коув и Дердл-Дор, признанного за его геологическое значение и природную красоту.

Важно отметить, что процессы эрозии и выветривание продолжаются. Хотя сама известняковая арка относительно стабильна, скалы и береговая линия подвержены непрерывному влияние воды и ветра. Это приводит к отступлению береговой линии и формированию новых геологических особенностей. Скалы и каменистые участки могут быть неустойчивыми, поэтому важно оставаться на обозначенных тропах и избегать восхождения на скалы или сами арки.

Пляж Дердл-Дор

Пляж Дердл-Дор — красивый песчаный пляж, расположенный у подножия знаменитой известняковой арки Дердл-Дор. Он расположен в защищенной бухте.

К пляжу ведет крутая тропа вниз с вершин скал. Спуск (а особенно обратный подъем) может быть сложным для некоторых. Как написано в англоязычном путеводителе — если вы хорошо заправились крепким элем за обедом, то не торопитесь спускаться.

Но захватывающие дух пейзажи и очарование пляжа стоят затраченных усилий. Спуститься к побережью можно по узкой крутой лестнице.

Также стоит отметить, что пляжи расположены по обеим сторонам от скалы.

Если хочется уединения, тишины и покоя, посетите прекрасный пляж Человек войны с противоположной стороны арки.

Кстати, раньше над пляжем стоял дот времен II мировой войны. Но по причине эрозии из-за опасности обрушения доступ к нему и на тропу мимо него закрыли.

Пляж Дердл-Дор известен своими кристально чистыми бирюзовыми водами, которые идеально подходят для купания и снорклинга.

Защищенная бухта относительно спокойна и безопасна для плавания. Хотя всегда следует проявлять осторожность, особенно при изменении приливов и течений. Рекомендуется проверить местное время приливов и быть в курсе любых предупреждений о безопасности.

Песчаная береговая линия простирается перед аркой, предоставляя достаточно места для принятия солнечных ванн, пикников и пляжных игр.

Посетители могут расслабиться на мягком песке, понежиться на солнце и полюбоваться великолепным видом на известняковые скалы и саму арку.

Это отличное место, чтобы отдохнуть, устроить пикник с семьей и друзьями или просто прогуляться по берегу.

Если пройти дальше на запад вдоль пляжа, сможно взглянуть на головокружительные 100-метровые белые известняковые скалы.

Важно отметить, что пляж Дердл-Дор представляет собой естественную и относительно нетронутую среду.

Поэтому посетителям рекомендуется уважать красоту этого района и его хрупкую экосистему. Мусор надо уносить с собой (на пляже нет мусорных контейнеров).

А за любыми дикими животными следует наблюдать с почтительного расстояния, чтобы не беспокоить их.

Прогулки по окрестностям

Дердл-Дор восхищает не только своими геологическими особенностями, но и потрясающими прибрежными пейзажами. Из этого района открывается захватывающий вид на Ла-Манш и Юрское побережье, известное своей разнообразной геологией и скалами, богатыми ископаемыми.

Посетители могут прогуляться по прибрежным тропам, исследовать близлежащие пляжи и полюбоваться панорамными видами с вершин скал.

Дердл-Дор предлагает несколько живописных прибрежных троп для пешеходов и туристов, желающих исследовать окрестности.

Желательно обуть удобную обувь и помнить о пересеченной местности.

Путь на запад по прибрежной тропе, которая прижимается к вершине скалы. Здесь есть короткий крутой участок над Свайр-Хед (Swyre Head), после чего она снова спускается к Батс-Хед (Bat’s Head), откуда открывается еще один отличный вид на побережье (добавьте еще 30 минут на прогулку в одну сторону до Батс-Хед).

Имейте в виду, погода в Дорсете может быть разной и изменчивой, поэтому перед поездкой рекомендуется проверить прогноз.

Возьмите подходящую одежду, солнцезащитный крем, зонт и будьте готовы к перемене погодных условий. Особенно если вы планируете проводить длительное время на пляже или гулять по прибрежным дорожкам.

Сверху можно полюбоваться потрясающим силуэтом скальной арки, пляжами, многочисленными пещерами, высеченными у подножия меловых скал, поверхностью Ла-Манша и островом Портленд.

Один из наиболее интересных маршрутов для всех – двухкилометровая дорога, соединяющая Дердл-Дор с близлежащей бухтой Лулворт. Микроавтобус довез нас до арки, но забирать должен был от бухты Лулворт (полчаса ходьбы).

Поэтому по этой дороге мы, конечно, тоже прогулялись.

По всей длине тропы открывается захватывающий вид на скалы Юрского периода, залив Освальд.

Хорошо, что маршрут был построен именно таким образом, так как если идти в обратном направлении, от бухты к арке,

то придется подниматься в гору (а перепад высот составляет около 200 метров).

Как добраться до арки Дердл-Дор

До Дердл-Дор можно добраться на машине или общественном транспорте. Недалеко от участка находится парковка, но в часы пик она может быстро заполниться. Кроме того, можно сесть на автобус до близлежащей деревни Вест-Лалворт, выйти на трассе и дойти до Дердл-Дор пешком.

Мне оказалось проще купить экскурсию. Довезли/привезли на микроавтобусе, по дороге показали еще несколько интересных мест и развлекали рассказами.

От автостоянки живописная дорожка ведет к пляжу и арке. В пиковые туристические сезоны район очень оживленный. Поэтому рекомендуется приехать пораньше или посетить его в более спокойное время, чтобы в полной мере оценить природную красоту и спокойствие этой замечательной достопримечательности.

На автостоянке расположены общественные туалеты, а также киоски с едой и напитками. Но имейте в виду — у самой арки и на пляже туалетов и прочих удобств нет. Поэтому воду и перекус рекомендуется брать с собой. Особенно если вы планируете провести на пляже длительное время .

Между прочим, самая красивая каменная арка Великобритании является частной собственностью семьи Велд. Они настолько щедры, что позволяют всем посетителям бесплатно наслаждаться ее видом. Единственная плата – за парковку.

Дердл-Дор — это не только геологическое чудо, но и место природной красоты и исторического значения, предлагающее посетителям уникальный опыт на очаровательном Юрском побережье.

The post Арка Дердл-Дор (Durdle Door), Англия appeared first on Блог Милы.

Здание вокзала датируется открытием линии в 1885 году. После закрытия в 1970-х годах оно едва избежало сноса. А впоследствии было тщательно восстановлено трудолюбивой командой Swanage Railway.

Перенеситесь назад во времени, войдя в кассу вокзала, полную деревянных полов, угольных каминов и женского зала ожидания.

Вы можете послушать звон сигнальных колоколов, доносящихся из исторической сигнальной будки, прежде чем поезд появится в поле зрения.

Экспонаты музея включают фотографии,

оборудование и вывески,

а также личные вещи людей,

которые работали на железных дорогах в южном регионе.

В нем рассказывается о железнодорожной ветке, начиная с 1885 года и до ее закрытия в 1972 году,

а также о важной роли железных дорог в Первой и Второй мировых войнах.

Вы даже можете заглянуть внутрь оригинальной гостиной начальника станции, восстановленной в стиле 1950-х гг, со старым радио и газетами.

В вагоне Exhibition and Cinema Coach показывают фильм, который рассказывает историю до наших дней. Он посвящен добровольцам, которые осуществили свою мечту о восстановлении линии благодаря своему упорному труду и решимости.

Узнайте об истории этой железнодорожной ветки и необычайной борьбе за сохранение и последующее восстановление путей.

До и после

Посмотрите, как изменились железная дорога и станции, на фотографиях до и после.

Swanage

В 1974 году станция Swanage была продана городскому совету. Основная платформа была разобрана, а навес сорван.

В следующем году городской совет предоставил Swanage Railway право аренды станции Swanage. Добровольцы начали ремонтировать станцию ​​и прокладывать пути. Прокладка производилась вручную, это была тяжелая и медленная работа. Это был первый шаг к восстановлению линии. В 1979 году железная дорога запустила свой первый пассажирский поезд. В течение пяти лет он проехал всего несколько сотен метров. Однако, это принесло существенный доход для восстановления линии. По мере роста линии росла и популярность железной дороги. Теперь она приобретала репутацию исторической железной дороги и туристической достопримечательности.

Corfe Castle

В 1982 году линия достигла Херстона, в одной миле от Суонеджа. Работа продолжалась быстрыми темпами, и к 1987 году линию продлили до Харманс-Кросс. Теперь она растянулась на три мили. Следующей задачей было добраться до Corfe Castle и Нордена. Для этого требовалось одобрение правительства. Несмотря на возражения, разрешение было получено. В 1995 году первый поезд после 1972 года отправился в Corfe Castle и Норден.

Собираем все вместе

Проекты строительства включали станции, сигнальные будки и мосты.

Естественно, их сделали в стиле 1950-х годов, в соответствии с целью создания исторической железной дороги.

По мере роста линии построили новые станции в Херстон-Халт, а затем в Харманс-Кросс.

Это были первые станции, построенные в Дорсете за последние пятьдесят лет.

В 1990-х годах в замке Корф было отремонтировано оригинальное викторианское здание,

а в Нордене была создана новая станция.

Параллельно с этим восстановили ​​или построили сеть сигнальных будок.

Так, новые будки построили в Харманс-Кросс, Суонедже и замке Корф.

Также было отремонтировано более тридцати мостов, водопропускных труб и виадуков.

Музей открыт с апреля по сентябрь каждый день, а с октября по ноябрь — когда ходят поезда. Вход бесплатный.

The post Музей железной дороги Суонедж в Корф касл appeared first on Блог Милы.

Я бы сказала, что это своего рода кузены наших гаражей, с той лишь разницей, что в таких нарядных домиках англичане переодеваются, открывают двери, выносят столик и шезлонги и принимают солнечные или воздушные морские ванны. Этакие крохотные дачки, пляжные хижины (beach huts).

Пляжная хижина (также известная как пляжная кабина, пляжный ящик или купальный ящик) — это небольшая, обычно деревянная и часто ярко окрашенная коробка выше уровня прилива на популярных пляжах для купания. Обычно она используется как укрытие от солнца или ветра, для переодевания в купальный костюм и для безопасного хранения некоторых личных вещей. Некоторые пляжные хижины включают в себя простые удобства для приготовления пищи и горячих напитков либо с помощью баллонного газа, либо иногда с помощью электричества.

Сегодня в Великобритании насчитывается около 20 000 пляжных хижин. А почти 2 000 пляжных хижин вдоль пляжа Борнмут. Около 70% этих пляжных хижин находятся в частной собственности. Хижины вдоль набережной варьируются по стилю от традиционных, деревянных, похожих на сарай, конструкций до ультрасовременных пляжных капсул.

Пляжная хижина, история появления

Пляжная хижина начала использоваться в первые годы двадцатого века. Она произошла от колесных купальных машин, которые использовались викторианцами для сохранения своей скромности. Купание тогда было обременительным и дорогим делом. Мужчины и женщины купались на отдельных пляжах. А переодевание для купания в океане производилось вдали от глаз в купальном аппарате. Он буксировался на безопасное расстояние в море, прежде чем купальщик нырял в часто неприветливо холодную морскую воду.

Купальные кабины в Брайтоне в Австралии существовали еще в 1862 году. И существовали они не только в Австралии, но и на пляжах Англии, Франции, Италии и Кейптауна.

Когда наконец отказались от купальных аппаратов, многие остались брошенными на пляже. В эпоху Эдварда и в годы после Первой мировой войны вид людей обоих полов в купальных костюмах стал приемлемым. Однако переодевание на публике не одобрялось и могло повлечь за собой штраф. Поэтому советы предоставляли и взимали плату за пляжные хижины для переодевания. Предприимчивые люди использовали заброшенные купальные машины, снимая колеса и превращая их в пляжные хижины. Или использовали рыбацкие хижины, лодочные сараи. В качестве альтернативы пляжным хижинам некоторые приморские города предоставляли палатки в аренду вместе с шезлонгами. Они часто были ярко окрашены и украшены полосками.

Некоторые из самых ранних специально построенных пляжных хижин в Великобритании были возведены в Борнмуте, по обе стороны от пирса Борнмута в 1909 году. Эти пляжные бунгало были спроектированы и построены Фредериком Перси Доламором, главным помощником городского инженера и геодезиста.

В начале 20 века пляжные хижины считались «домами отдыха для трудящихся классов». Но в 1930-х годах их образ возродился. Георг V и королева Мария провели день в пляжной хижине в Сассексе, а среди других владельцев были семья Спенсеров и Лоуренс Оливье. Во время Второй мировой войны все пляжи Великобритании были закрыты. Повторное открытие в конце 1940-х и 1950-х годов привело к возрождению британского пляжного отдыха и расцвету пляжных хижин.

Пляжные хижины сегодня

Теперь можно купить собственную пляжную хижину или арендовать ее на день, неделю или месяц. В хороший солнечный день англичане проводят на берегу моря целый день. Могут и перекусить там же. Если правила позволяют, могут организовать барбекю.

Домики могут быть и для отдыха, и для спорта. Тогда здесь хранятся не только шезлонги и столики, но и доски для сёрфинга и даже каноэ.

Это дорого. Даже самый скромный пляжный домик в не самом популярном месте будет стоить весьма прилично. В некоторых местах пляжные хижины могут продаваться дороже, чем дома в других районах. А, учитывая, что вы не можете остаться в них на ночь, и многие нуждаются в ежегодном обслуживании, это действительно о чем-то говорит

В июле и августе цены подскакивают до 100 фунтов в неделю. Арендодатель отвечает за оформление экстерьера и внутреннее благоустройство, многие домики обеспечены Wi-Fi. Желающие приобрести кабинку в собственность должны располагать средствами от 10 до 40 тыс фунтов стерлингов, а в некоторых случаях гораздо больше.

Зимой такие пляжные хижины также пользуются спросом. Англичане те ещё экстремалы, и увидеть зимой сёрферов в гидрокостюмах легче лёгкого. Аренда зимой обойдётся дешевле. Зимой, кроме того, много желающих и просто полежать, закутавшись в одеяло, и подышать свежим морским воздухом. Особенно, если солнечно и нет ветра. Впрочем, врать не буду. В Англии ветер есть всегда

The post Пляжная хижина в Англии appeared first on Блог Милы.

Наверное, никакому другому замку в Англии не выпало на долю столько кровавых событий, сколько ему.

Замок Корф Corfe castle

В 890-х, желая защитить свои земли от набегов со стороны моря, король Альфред Великий приказал на самом высоком холме в этом месте выстроить замок. И это был самый первый саксонский форт на месте будущего замка Корф.

Сюда 18 марта 978 года в гости к своей мачехе саксонской королеве Эльфриде приехал подросток-король Эдуард вместе со своим сводным братом Этельредом. А дальше легенда говорит, что она убила пасынка, чтобы посадить на трон Этельреда.

Современный замок основан в 1066 года, когда начался нормандский период его жизни. Во времена Генриха I, сына Вильгельма Завоевателя была построена главная башня замка. Сейчас она полуразрушена, а когда-то ее высота достигала 21 метра.

У Генриха I не было сына. Поэтому на трон стала претендовать его дочь Матильда. Правила она, правда, всего год – ее отстранил от престола племянничек Стефан. Первую осаду Стефана замок выдержал. Но все-таки силы были неравны, и Матильда вынуждена была покинуть замок Корф и отправиться в Нормандию, к мужу.

Из владений короны замок вышел в 1572, когда дочь Генриха VIII Елизавета продала замок своему канцлеру, Кристоферу Хаттону. Он преобразовал замок из военной крепости в прекрасное место для жительства, вложив в это много денег. Но в результате продал замок семье Бэнкс. Джон Бэнкс был Главным Верховным Судьей при дворе короля Карла I.

Переходим к событиям Гражданской войны 1642-1651 годов. Семья Бэнкс была на стороне короля Карла I и выступала против парламентаристов Кромвеля. И даже после смерти главы семьи, его вдова отважная леди Мэри Бэнкс с 80 солдатами смогла выдержать две продолжительные осады замка. Три года держался замок! И пал только из-за предательства одного из солдат. Один из роялистов предложил ей устроить побег, но смелая женщина отказалась и осталась дома. А потом Кромвель приказал взорвать его, не жалея пороха.

Но… потерпевшая поражение леди Бэнкс дожила-таки до того времени, как труп Кромвеля достали из могилы и вздернули на виселицу, в Англию под ликующие крики толпы вернулся Карл II. Ну а ей за верность престолу вернули все ее земли, конфискованные решением парламента. Правда, к былому величию замок вернуть не удалось. Постепенно разрушающийся замок стал источником строительного камня для близлежащего городка.

До конца 20 века эти земли принадлежали древнему роду Бэнкс. Лишь в 1982 году Ральф Бэнкс решился передать поместье в собственность National Trust. И да, основал его… сэр Джон Бэнкс, предок… Вход для осмотра руин замка 15 фунтов, детям вдвое дешевле.

Сюда мы не дошли, успели посмотреть только деревню.

Деревня Корф касл (Corfe castle)

В старинные времена в этом месте было много каменоломен, соответственно множество домов построены из знаменитого английского известняка Пербек.

Многие из них остались целы и невредимы — иногда целые деревни, как эта.

Название «Корф» происходит от древнеанглийского слова ceorfan, означающего «резать» или «вырезать»,

что относится к пролому в холмах Пурбек, где расположен замок Корф.

Деревня небольшая, но очень уютная и аутентичная.

В ней сохранились старинные здания, выполненные в традиционном английском стиле с использованием местного известняка и зачастую крытые соломенными крышами.

Соломенные крыши в Англии

Традиция покрывать дома соломенными крышами уходит в глубину веков, причём в разных регионах можно встретить крыши из водного тростника, пшеничной соломы, камыша, ракитника, осоки, вереска и других природных материалов.

Самые распространённые крыши сделаны из пшеничных стеблей, и кровельную пшеницу выращивают отдельно.

Было время, когда соломенная крыша была признаком бедности домовладельца. Однако во второй половине XX века в связи с вновь возросшим интересом к органическим материалам, соломенные крыши получили новую путевку в жизнь.

Кстати, в современной Англии все дома с соломенными крышами находятся под защитой закона об охране исторических зданий, который запрещает заменять соломенную крышу на обычную.

Дома с соломенными крышами создают неповторимый колорит старой доброй Англии, сказочной и волшебной.

И снова про деревню Корф касл

Деревня широко известна своими узкими улочками, историческими пабами,

магазинами с местными сувенирами и, конечно же, видами из нее на руины замка.

Деревня состоит из двух главных улиц: Ист-стрит

и Вест-стрит, соединенных в северном конце на площади.

Вокруг площади

с крестом в честь Бриллиантового юбилея королевы Виктории 1897 года расположено несколько магазинов (включая почтовое отделение), церковь, три паба и два отеля.

Рядом с крестом находится недействующий деревенский насос с гербом деревни.

Отель Mortons House, являющийся памятником архитектуры II категории, был построен в 1590 году

и является одним из самых примечательных зданий в деревне.

Ратуша замка Корф, также являющаяся памятником архитектуры II категории, на Уэст-стрит, была построена около 1774 года. Сейчас здесь находится музей (бесплатный для посещения).

В деревушке Корф Касл любят селиться как британские, так и мировые знаменитости — актёры , писатели, режиссёры, и просто люди с с большим достатком.

Большинству домов 400-500 лет, все они под охраной.

Владельцы домов не имеют права менять их внешний вид.

Если например нужно поменять окно, которое пришло в негодность, — то изготовляют идентичное.

И так во всем.

Кстати, по данным переписи 2011 года во всем гражданском приходе Корф-Касл

было 738 жилищ, 612 домохозяйств и население 1355 человек.

Окна и двери

Что в деревне сразу бросается в глаза?

Очень низкие двери!

И, знаете, это явно не для сохранения тепла,

так как окна в коттеджах довольно большие.

Учитывая, что большинству домов около 500 лет,

так и напрашивается вывод:

в старину люди действительно были ниже и изящнее, что ли, чем теперь.

Да и вся деревня выглядит кукольной, как из мультиков Уолта Диснея,

Только автомобили плохо вписываются в мультяшную картинку.

Церковь св. Эдварда

В деревне есть церковь Св. Эдуарда.

Церковь, вероятно, датируется XII веком, а самые ранние известные записи датируются 1280 годом.

Она была названа в честь Святого Эдуарда Мученика, убитого 18 марта 978 года по приказу королевы Альфрит, его мачехи.

В 1859-60 годах церковь подверглась серьезной реставрации, в основном потому, что стены выпирали на фут (30 см).

Поэтому все стены были снесены, кроме башни, и перестроены.

Галереи, которые были установлены в XVIII веке, были демонтированы, а крыша церкви была перекрыта.

В церкви есть алебастровые запрестольные перекрытия с резьбой из белого мрамора, спроектированные Джорджем Эдмундом Стритом Р.А., известным викторианским архитектором. были подарены лордом Элдоном в 1876 году.

Одну из капителей в южном нефе не заменили в викторианские времена. Её украшают цветы (возможно, розами), и ее сохранили в качестве образца из оригинальной церкви. Она датируется 13-м веком.

В церкви есть совершенно потрясающий орган и витражи.

Витражи в основном викторианские.

Так, витраж в часовне Богородицы начал Мартин Трэверс в 1944 году с использованием частей старого витража и завершил Л. Ли в 1948 году.

Башню колокольни построили между концом 14-го и началом 15-го века семья Бофорт (констебли замка в то время). Башня возвышается на 65 футов снаружи.

Окружают башню 4 горгульи, которые выполняли функции водосточных труб (но больше не используются), и 4 гротеска.

Горгулья наверху цепляется за башню пальцами ног.

Нагулявшись по старинной деревне, на паровозе вернулись в Свонадж (Swanage), откуда еще предстоял час обратного пути в Борнмут на 50 автобусе.

The post Деревня Корф касл (Corfe castle) appeared first on Блог Милы.

Этот инженерный и архитектурный шедевр в стиле викторианской готики – один из самых узнаваемых символов британской столицы.

Его поддерживают две 65-метровые башни, которые на 44-метровой высоте стянуты горизонтальными перекрытиями. По ним проходят дорожки, по которым пешеходы могли пересекать Темзу даже в то время, когда мост разводили.

Для этого, правда, надо было подниматься и спускаться по крутым лестницам внутри башен, так что желающих было немного. И в 1910 году пешеходные галереи закрыли.

Сейчас они снова работают, но уже как смотровые площадки – в рамках экспозиции Тауэрского моста. Вход платный и очередь на вход из-за узких проходов собирается внушительная.

Создание моста

Строительство моста началось в 1886 году; открыт в 1894 году. Тауэрский мост – самый большой и самый сложный на тот момент разводной мост в мире. Его строительство обошлось почти в 1 миллион 200 тысяч фунтов стерлингов. На сегодняшний день это 150 млн долларов.

Разводные механизмы приводились в движение гидравликой, питавшейся от гигантских паровых машин. Каждое тридцатиметровое крыло весит больше тысячи тонн, но на подъём их до угла в 86 градусов требовалась лишь минута.

Тауэрский мост и сегодня регулярно разводят, чтобы пропустить парусники и круизные лайнеры. Правда, уже не так часто, как раньше. Узнать, когда его крылья поднимутся в следующий раз, можно на сайте моста.

Сегодня без Тауэрского моста трудно представить себе Лондон. Но 100 лет назад он вызывал не только восхищение, но и критику.

«Это квинтэссенция безвкусия и претенциозности и архитектурной фальсификации», – писал тогда один специалист. А другой добавлял: «Более абсурдная структура, чем Тауэрский мост, никогда ещё не перебрасывалась через какую бы то ни было реку стратегического значения».

Первоначально Тауэрский мост был выкрашен в цвет шоколада. Но в 1977-м королева Елизавета II праздновала четвертьвековой юбилей со дня коронации. Тогда мост перекрасили в цвета британского флага – красный, белый и синий. Впоследствии его цвета были восстановлены в синий и белый.

Интересные истории с Тауэрским мостом

Многие верят в то, что вид разведённого Тауэрского моста приносит удачу. Зрелище это, безусловно, захватывающее. Но оно вряд ли сравнится с ощущениями, которые пережили пассажиры двухэтажного рейсового автобуса в 1952 году. Мост начали разводить, когда автобус находился на нём. И водитель, чтобы избежать катастрофы, надавил на газ. И машина перепрыгнула через уже образовавшуюся пропасть шириной в метр. Удивительно, но серьёзно пострадавших не было.

Другой инцидент произошёл на Тауэрском мосту в 1997 году. Тогда в Лондоне гостил тогдашний президент США Билл Клинтон. Парусник, заранее заявивший о намерении пройти под мостом, подошёл к нему минута в минуту. А Клинтон, отужинав с британским премьером Тони Блэром, ехал с опозданием. В результате мост начали разводить, когда на нём находился кортеж американского президента. Кавалькада разделилась надвое – к недовольству охраны. Представитель Тауэрского моста потом объяснил, что его люди пытались связаться с посольством США, но там никто не снимал трубку.

Тауэрский мост порой путают с Лондонским мостом, который на самом деле находится чуть выше по течению Темзы. Эта путаница, если верить легенде, недёшево обошлась американцу Роберту Маккалоху. Он в 1968 году купил старый Лондонский мост и установил его в штате Аризона. Утверждают, что Маккалох по простоте душевной был уверен в том, что приобретает Тауэрский мост. Хотя и сам он, и член совета лондонского Сити, который выступал в сделке продавцом, этот слух гневно опровергали.

В 2006 году американская певица Ферги записала песню London Bridge. Однако на обложке сингла и в видеоклипе фигурирует именно Тауэрский мост.

The post Тауэрский мост appeared first on Блог Милы.

История Трафальгарской площади

Раньше, в XIV-XVII веках на территории современной Трафальгарской площади располагались помещения, где содержались королевские соколы, позже – конюшни Уайтхолльского дворца, который был одной из самых больших королевских резиденций в мире.

В начале XIX века решено было реконструировать территорию и снести конюшни. Сначала архитектор Джон Нэш предложил проект просторной площади как места отдыха горожан. В начале своего существования площадь носила имя короля Вильгельма IV. А в 1830 году ее переименовали в честь победы Англии в битве у мыса Трафальгар, состоявшейся в 1805 году.

В этой битве английскому флоту удалось победить объединенную франко-испанскую армию. В битве погиб Горацио Нельсон – командующий флотом Британии. И память о нем увековечили, возведя 44-метровую колонну в центре Трафальгарской площади в 1842 году.

Завершить оформление площади по плану Джона Нэша в 1845 году удалось другому архитектору – Чарльзу Берри, который известен также проектом по восстановлению Вестминстерского дворца после пожара.

Современная Трафальгарская площадь

Trafalgar Square не зря в народе называется «сердцем Англии», ведь это одно из самых красивых и любимых горожанами и туристами мест. Кроме красоты площади с фонтанами и окружающими известными зданиями, туристов привлекают интересные скульптуры и памятники на ее территории.

Памятники площади

Монумент лорду Нельсону

Центром Трафальгарской площади считается колонна Горацио Нельсона (монумент лорду Нельсону), выполненная из темно-серого гранита скульптором У. Рейлтоном. Сама статуя Нельсона составляет 5,5 метров в высоту.

Статуя Нельсона «смотрит» в сторону Адмиралтейства и Портсмута. Там навечно ошвартован его корабль, флагман королевского флота линкор «Виктори». Вправо от монумента, если встать к нему спиной, уходит церемониальная аллея Мэлл. На ней установлены флагштоки, на вершине каждого – изображения кораблей английской эскадры.

Самый верх колонны украшают бронзовые листья, отлитые из британской корабельной пушки. Квадратный пьедестал декорирован четырьмя панелями с барельефами батальных сцен. Они отлиты из трофейных французских орудий. Также при сооружении колонны были использованы 29 пушек с линейного корабля «Георг», однотипного с нельсоновским «Виктори». Изображены на панелях знаменитые сражения Нельсона: сражения при Сент-Винсенте (1797 г), при Абукире (1798 г), при Копенгагене (1801 г) и при Трафальгаре (1905 г).

Несколько лет назад колонна Нельсона пережила масштабную реставрацию. В ходе работ выяснилось, что памятник значительно ниже, чем считали ранее. Не 56 метров от основания до верхушки адмиральской треуголки, а 52.

Огромные бронзовые львы у подножия колонны Нельсона появились через четверть века после установки самого памятника. По одной из версий, художник сэр Эдвин Ландсир, ни разу в жизни живого льва не видел, а эскизы делал со своих собак. Поэтому, мол, грозные звери так, совершенно по-собачьи, высунули языки. И это не единственный миф о трафальгарских львах. Ещё говорят, что каждую полночь, с боем часов Биг-Бена, бронзовые хищники встают, зевают и потягиваются.

В 1925 году пронеслась весть, что шотландский мошенник Артур Фёргюсон продал колонну Нельсона какому-то американцу. Фёргюсон вообще торговал лондонскими достопримечательностями оптом и в розницу. Кроме колонны, он якобы продал Биг-Бен и Букингемский дворец. И ещё колонна Нельсона почему-то пользовалась особой любовью Адольфа Гитлера. В случае завоевания Британии фюрер собирался перевезти монумент в Берлин. Однако Нельсон так и продолжает стоять в центре Лондона.

На вершину колонны Нельсона не раз забирались. Цели у верхолазов были самые разные. Кто-то выражал недовольство политикой апартеида в Южной Африке или китайского правительства в Тибете. Кто-то поддерживал канадских эскимосов. А кто-то поднимался к адмиралу Нельсону просто так – чаю с сэндвичами попить.

Фонтаны на площади

Огромные фонтаны на Трафальгарской площади планировались с самого начала. Но в XIX веке они служили вовсе не эстетическим целям. Их построили, чтобы сократить свободное пространство, уменьшить количество собирающихся на площади людей. А вдруг они задумают дурное? Как контролировать слишком большую толпу? Воду в фонтаны из артезианской скважины нагнетал паровой двигатель.

Около 80 лет назад на месте старых фонтанов установили новые, с каменными чашами и новым насосом. А старые фонтаны продали меценатам, которые, в свою очередь, подарили их Канаде. Так что в Оттаве и Реджайне лондонские фонтаны красуются до сих пор. Недавно на Трафальгарской площади сменили и насосы.

Новые способны выбрасывать воду на 24-метровую высоту. Это примерно высота восьмиэтажного дома.

Памятник Карлу I

С южной стороны площади находится бронзовый монумент, посвященный Карлу I, сидящему на коне. Этот памятник является первым конным монументом в Англии, создан он в 1630 году французским скульптором Хубертом Лёсюёром (Hubert Le Sueur) по заказу лорда Ричарда Вэстона.

Во время гражданской войны статую конфисковали и отправили на переплавку, но памятник сохранили и установили на площади во время правления Карла II в 1675 году. Каждый год к монументу в день казни короля (30 января) возлагают венок.

Раньше на месте памятника располагался Чаринг-Кросс – один из крестов, установленный в честь остановки похоронной процессии Элеоноры Кастильской – супруги Эдуарда I – по пути в Вестминстерское аббатство.

Затем это место было известно как место казни цареубийц. После установления памятника Карлу I рядом с ним установили т.н. позорный столб, где публично наказывали преступников. Место монумента считается центральной точкой города, т.к. от него отсчитывают все расстояния в Лондоне.

Постаменты на площади

По углам площади расположены 4 постамента, три из которых занимают памятники: генералу Чарльзу Напиру, присоединившему пакистанскую провинцию Синд к британским владениям в Индии,

генералу Генри Хейвлоку, сумевшему подавить восстание в Индии,

и королю Георгу IV.

На последнем постаменте до 1999 года не было никакой скульптуры. Сейчас на нем выставляются произведения современного искусства, которые привлекают как туристов, так и местных жителей.

Самыми интересными работами за время существования 4 постамента как выставки современного искусства стали: «Корабль Нельсона в бутылке» работы Й. Шонибаре, «Модель отеля» Т. Шютте, фигура мальчика на игрушечной лошади работы Элмгрина и Драгсета, фигура синего петуха работы К. Фритч.

Еще одной интересной инсталляцией была работа скульптора Э. Гормли «Один и другой», в которой принимали участие обычные жители Лондона, каждый час меняющие друг друга. На пьедестале за 100 дней инсталляции в 2009 году побывали около 2400 человек.

Окружение площади

Интерес представляют музеи и другие достопримечательности Лондона, окружающие Трафальгарскую площадь.

Лондонская национальная галерея

Единственное на Трафальгарской площади здание с куполом – Национальная галерея. Её фронтон с несколькими портиками занимает всю северную сторону Трафальгарской площади.

В первой половине XIX века британское правительство приобрело 38 полотен у наследников Юлиуса Ангерштейна. Этот брокер и меценат, наполовину русский, наполовину англичанин, родился в Санкт-Петербурге, жил в Лондоне. Потом коллекция пополнялась за счёт частных пожертвований.

В результате собрание получилось относительно небольшим, если сравнивать его с другими подобными музеями Старого Света. Но специалисты ценят Национальную галерею за хронологическое разнообразие. В галерее хранится более 2300 работ, которые охватывают период с XIII по XX века.

Важное отличие лондонской галереи в том, что в основе её собрания не национализированные королевские или герцогские коллекции, как, например, в парижском Лувре или мадридском Прадо. То есть коллекция с самого начала принадлежала, да и теперь принадлежит гражданам Соединенного Королевства. Потому и вход в галерею бесплатный, за исключением специальных экспозиций.

Здание галереи регулярно критиковали за эстетические недочёты и тесноту. В результате чуть больше ста лет назад в Лондоне появилась другой комплекс того же профиля – галерея Тейт.

А к Национальной галерее в 1991 году пристроили ещё одно, западное крыло. Пристройку назвали именем лорда Сэйнсбери и двух его братьев, которые стали главными спонсорами строительства. Снаружи крыло Сэйнсбери представляет собой яркий пример постмодернистской архитектуры. А внутри его – прекрасная коллекция живописи итальянского Возрождения.

Церковь Святого Мартина в полях

Северо-восточный угол Трафальгарской площади занимает знаменитая приходская лондонская церковь – Церковь Святого Мартина в полях (St Martin-in-the-Fields).

Находится она на северо-восточном углу Трафальгарской площади, в самом центре города. Между прочим, среди её прихожан — обитатели Букингемского дворца, в том числе и королевское семейство. У церкви имеется и собственный оркестр — академия Святого Мартина в полях.

Впервые вестминстерская церковь во имя св. Мартина Турского упоминается в 1222 году. Нынешнее здание церкви возведено в 1720-е годы по классицистическому проекту Джеймса Гиббса, который в своё время был принят неоднозначно, но впоследствии стал чтимым образцом английской церковной архитектуры, особенно в Новой Англии, где многие старые храмы повторяют облик церкви на Трафальгарской площади.

Здание по композиции представляет собой храм типа базилики («кораблём») с шестиколонным портиком коринфского ордера, напоминающим античные постройки, над которым возносится стройная колокольня, а её шпиль венчает золотая корона. Композиция с ярусной колокольней, расположенной по оси храма, но сдвинутой в глубину относительно фасада, необычна, но характерна для лондонских церквей периода классицизма.

Вместе с церквями Сент-Мэри-ле-Бау (1670—1683, К. Рен), Сент-Мэри-ле-Стрэнд (1714—1717, Дж. Гиббс) и Сент-Мартин, построенной Кристофером Реном в 1677—1684 годах, «Церковь в полях» считают одним из возможных прототипов композиции Петропавловского собора в Санкт-Петербурге.

Интерьер храма также необычен с классицистическими колоннами и хором второго яруса по обе стороны от алтаря. Кстати, в церкви захоронен выдающийся английский художник эпохи Тюдор-Ренессанса Николас Хиллиард.

Также вокруг Трафальгарской площади находятся некоторые посольства.

Представительство Южно-Африканской Республики

Здание, закруглённым углом выходящее на Трафальгарскую площадь, с балюстрадой и балконом, который подпирают четыре гигантские колонны, – представительство Южно-Африканской Республики.

Представительство ЮАР в Лондоне не называется посольством. Это не исключение. Почти все бывшие колонии и зависимые территории Британии, плюс Мозамбик и Руанда, входят в состав Содружества наций, бывшего Британского Содружества. По числу участников эта организация уступает только ООН: в ней 54 суверенных государства. И дипломатические миссии внутри Содружества называются не посольствами, а представительствами высокого комиссара.

Полвека назад ЮАР стала независимой от Британии, вышла из состава Содружества и стала проводить политику расовой сегрегации. В восьмидесятые у её представительства на Трафальгарской площади проходили громкие акции против апартеида. Здание даже поджигали, а один активист забрался на колонну Нельсона. Сейчас аналогичные пикеты проходят у посольства Зимбабве – через квартал отсюда на улице Стрэнд. Апартеид продержался в ЮАР 33 года. В середине девяностых в стране прошли выборы, и она вернулась в Содружество.

В 2001 году, в очередную годовщину отмены апартеида, с балкона этого здания выступал Нельсон Мандела, бывший президент ЮАР, который в своё время был одним из самых известных в мире политзаключённых.

Если вы собираетесь посетить столицу Англии, Трафальгарская площадь не должна ускользнуть из поля вашего зрения, т.к. здесь находятся многочисленные достопримечательности, культурные объекты и, естественно, атмосфера самого «сердца» Лондона.

The post Трафальгарская площадь — сердце Англии appeared first on Блог Милы.

Преимущества спокойной жизни у моря по достоинству оценили его знакомые, и спустя всего полвека в Борнмуте начала кипеть жизнь.

Описание пляжа Борнмута

Окруженные холмами пляжи Борнмута протяженностью 11 км покрыты мелким светлым песком. Доступ к берегу обеспечивается по лестницам, обустроенным в скалах.

Спуск в воду пологий, дно песчаное. Характерны длинные отмели, удобные для купания детей. Песок на пляжах и в воде чистый и комфортный.

Доступ с собаками разрешен не на всех участках пляжа.

Вдоль берега можно увидеть множество крошечных разноцветных домиков или пляжных хижин (beach huts) — специфическую особенность британских пляжных курортов.

В них отдыхающие хранят инвентарь — зонты, шезлонги, коврики, полотенца. Можно оставить здесь посуду и продукты с длительным сроком хранения. Некоторые пляжные хижины оснащены мини-кухнями. Домики сдаются в аренду на несколько часов или на весь купальный сезон.

По всей береговой линии обустроены душевые, туалеты, палатки, торгующие фастфудом и напитками, бары, кафе. Работают станции проката лодок, катамаранов, снаряжения для дайвинга, парасейлинга, виндсерфинга.

Борнмут пользуется огромной популярностью у людей разных возрастных групп и увлечений. Летом на пляжах многолюдно, несмотря на большую протяженность.

Сюда съезжается все Соединенное Королевство. Контингент отдыхающих увеличивается за счет туристов из всех стран мира.

Невзирая на холодную воду, которая редко прогревается до +18°C и выше, количество отдыхающих неизменно растет.

Пирс Борнмут

Bournemouth Pier — это прекрасное место для отдыха и расслабления. Он расположен в центре города и является одной из самых красивых достопримечательностей Борнмута. С пирса открывается великолепный вид на пляж и интересный обзор на город. Пирс также подходит для любителей рыбалки и тех, кто хочет насладиться свежим морским воздухом, наблюдая за закатами или рассветами.

Пирс Борнмута, строительство которого обошлось в 2600 фунтов стерлингов, был открыт лорд-мэром Лондона в августе 1880 года. Он состоял из открытого променада, простирался на длину 838 футов (255,4 м). Две реконструкции, в 1894 и 1909 годах, увеличили общую длину пирса до более чем 1000 футов (304,8 м). 

На пирсе есть кафе, где можно отведать вкусные блюда и насладиться прекрасным видом на море. Пирс Борнмута — это идеальное место для приятных прогулок в любую погоду.

Здесь всегда свежий ветер с моря, смешивающийся с ароматом выпечки из кафе, создающий романтическую атмосферу. Набережная пирса всегда радует гостей своим уютом и приятной атмосферой. Это место, которое стоит посетить во время вашей поездки в Борнмут.

Когда лучше ехать

Купальный сезон в Великобритании официально начинается 5 мая и заканчивается 30 сентября, но лучше отправиться в путешествие по британским пляжам в конце июня, когда температура воздуха прогреется до +25°C.

Вода в акватории королевства всегда холодная для купания — около +17°C, а в лучшем случае не выше +22°C в самых теплых местах, где протекает Гольфстрим.

Даже когда наступает аномальная для страны жара, моря вокруг островов остаются холодными. В сентябре погода может испортиться, несмотря на календарный бархатный сезон.

Чем заняться

Не слишком комфортная для купания вода не ограничивает отдыхающих в развлечениях. Можно кататься на катамаране, яхте, гидроцикле, водных лыжах.

Ветер и высокие волны привлекают в Борнмут виндсерферов.

На оконечности пирса стоит PIER ZIP Line — это первый в мире опыт катания на зиплайне от пирса до берега с вышкой для запуска, возвышающейся на 60 футов (18 метров) над морем.

У пирса на набережной расположен Океанариум с огромным количеством рыб, морских млекопитающих, земноводных.

Стоимость входа — £14.5 для взрослого, £10 для ребенка.

Имейте в виду, что в плохую погоду, а особенно в дни праздников и школьных каникул океанариум переполнен и придется стоять в очереди на вход прямо под дождем.

В районе пирса также находится Большое колесо Борнмута. Оно работает с 10:00 до 22:00 ежедневно. Как и следовало ожидать от сооружения высотой более 100 футов (30 м), с колеса открывается потрясающий панорамный вид на пирс, пляж и Нижние сады.

Самое заманчивое развлечение курорта — полеты на воздушном шаре «Борнмутский глаз». С высоты более 100 метров открывается восхитительная перспектива города, садов, горных склонов, поросших лесом, и золотистой береговой линии Ла-Манша. Цена полета — £12.5 для взрослого и £7.5 для ребенка.

The post Пляж Борнмута appeared first on Блог Милы.

Квинс-хаус — важный исторический, архитектурный и культурный памятник. Его включили в список всемирного наследия ЮНЕСКО, он находится под особой охраной.

История Queen’s house в Гринвиче

Дом возвели в 1614–1617 годах по проекту архитектора Иниго Джонса для супруги короля Якова I Анны Датской. После её смерти в 1635 г. Иниго Джонс перестроил дворец для новой королевы Генриетты-Марии, супруги Карла I. В 1642 году во время Гражданской войны королева вынуждена была уехать во Францию. Квинс-хаус разграбили, вынеся оттуда все ценные вещи.

Первоначально Гринвичский дворец закрывал вид на реку из дома Королевы. Однако во время Гражданской войны старый дворец Тюдоров пришел в упадок. Планы Карла II построить на его месте грандиозный новый дворец так и не были реализованы. Вместо этого в 1690-х годах на этом месте разместился Королевский госпиталь для моряков, благотворительное учреждение для ветеранов Королевского флота.

Королева Мария II поручила архитектору сэру Кристоферу Рену, чтобы новое здание не загораживало вид из Дома Королевы. Решение Рена, состоящее из расположения куполов и колоннад по обе стороны от центрального открытого двора, поместило Дом Королевы прямо в центр вида с реки. Двойные купола зданий, ныне известных как Старый Королевский военно-морской колледж, идеально обрамляют Дом Королевы, а вдалеке — Королевскую обсерваторию на холме.

Сама Мэри не проводила время в Доме Королевы. Однако ее решение определило этот участок Гринвича, создав один из самых красивых видов Лондона. Сам берег реки мало изменился с 18 века. Но вид на Темзу радикально поменялся со строительством и развитием Кэнэри-Уорф.

В XVIII—XIX веках Квинс-хаус использовался для нужд Адмиралтейства, в частности, здесь размещался военно-морской колледж. В 1807 г. дворец был соединён с фланкирующими его постройками Рена низкими колоннадами. Колоннады, простирающиеся по обе стороны от Дома Королевы, обозначают то, что изначально было главной дорогой из Лондона через Гринвич.

Последняя реставрация здания прошла в 1986–1989 годах.

Архитектура Queen’s house

Что касается архитектуры особняка, то она действительно уникальная. Квинс-хаус считается образчиком палладианского стиля (одной из форм классицизма). Это одно из первых зданий в Великобритании, построенное из белого кирпича. Четкое следование симметрии, нет излишеств и лепнины — в этом и заключается особенность палладианского стиля.

Благодаря своей симметричной форме и белому фасаду королевская резиденция резко контрастировала с дворцами из красного кирпича того времени.

Главной «изюминкой» особняка стала витая белоснежная Тюльпановая лестница, у которой нет центрального столба. Построили ее в 1635 году.

Балюстраду лестницы украшают цветы. Некоторые считают, что это не тюльпаны, а лилии — геральдический символ династии Бурбонов.

Сегодня большая часть оригинального декора и интерьера Квинс Хауса утрачена. Когда-то интерьер Дома Королевы украшали росписи Орацио Джентлески, но их перенесли в Мальборо-Хаус. Осталась только изящная винтовая лестница и некоторые элементы настенной живописи.

Галерея Квинс-хауса

Сейчас в Квинс-хаусе находится картинная галерея Морского музея, где хранятся уникальные произведения искусства.

Коллекция насчитывает более 450 картин,

в том числе произведения из студий Гольбейна, Ван Дейка и Ван де Вельдеса, а также современные произведения Кехинде Уайли, Кристи Симингтон и многих других.

Здесь вы можете увидеть такие полотна: «Вид электростанции Дептфорда из Гринвича» Лоури, «Прощальные возгласы» Генри О’Нила, портрет Елизаветы I — «Непобедимая армада», «Трафальгарское сражение» кисти Джозефа Уильяма Тёрнера и другие.

Основная тема всех полотен — море и история Англии.

Кстати, море вы сможете увидеть почти на каждом произведении.

Сожжение «Ройял Джеймса» в битве при Солебее, 28 мая 1672 г.

На этом монументальном гобелене изображена кульминация битвы при Солебе в мае 1672 года — безрезультатного морского конфликта между голландским флотом и объединенными силами английских и французских кораблей.

Гобелен Солебей, обрамленный сложной рамкой, изначально был частью серии гигантских гобеленов, заказанных королем Карлом II для записи битвы. Чтобы объединить серию, Чарльз задействовал талант художника-мариниста Виллема ван де Вельде Старшего, присутствовавшего при конфликте. Работая в своей мастерской на первом этаже Королевского дома, Ван де Вельде использовал свои рисунки для создания «мультфильмов» – крупномасштабных бумажных рисунков – которые служили руководством для ткачей, создающих гобелены.

«Армадный портрет» Елизаветы I.

Королева Елизавета I в инкрустированном жемчугом платье и с рукой, опирающейся на земной шар, изображается как зрелище женской силы и величия. Хотя личность художника неизвестна, картину написали в память о разгроме испанской армады в 1588 году — самом известном конфликте правления Елизаветы. Слева от Елизаветы виден английский флот и приближающаяся испанская армада. Справа от нее во время шторма терпит крушение Армада.

Генрих VIII, 1491–1547 гг.

Этот впечатляющий портрет Генриха VIII, излучающий власть и величие, стал абсолютным подобием знаменитого монарха Тюдоров. Генрих, созданный мастерской Ганса Гольбейна Младшего, изображен в вышитом золотом камзоле, красном пальто с меховой отделкой и черной шляпе, украшенной драгоценностями. На шее он носит кулон с изображением Святого Георгия и Дракона – символа национальной идентичности.

На этой работе Генриху около 40 лет, примерно в то время, когда он женился на своей четвертой жене, Анне Клевской, в Гринвиче. Генрих родился в Гринвичском дворце и за свою жизнь значительно расширил его.

Мария I Английская, 1516–1558 гг., и Филипп II Испанский, 1527–98 гг.

На этом портрете, приписываемом фламандскому художнику Лукасу де Хере, богато одетые в черные одежды королева Англии Мария I и король Испании Филипп II сидят отдельно. В 1553 году Мария I стала королевой Англии и Ирландии. Год спустя она вышла замуж за своего двоюродного брата Филиппа. Ее советники выступили против этого союза.

На этом портрете Филипп носит орден Подвязки, а Мария держит розу, что является отсылкой к геральдическому символу Тюдоров. Через открытое окно можно увидеть собор Святого Павла и Темзу.

Прощальное приветствие

В этой картине XIX века художника Генри Нельсона О’Нила сочетаются скорбь и ликование. Сцена, действие которой происходит на Темзе, изображает отплытие корабля (скорее всего, направляющегося в Северную Америку). Он оставляет позади скорбящих семей и друзей. На протяжении викторианской эпохи миллионы британцев эмигрировали, чтобы начать новую жизнь в таких странах, как США, Канада, Австралия и Новая Зеландия.

На набережной собираются группы представителей всех социальных слоев. Молодой уличный продавец фруктов сжимает в руках корзину апельсинов и задумчиво смотрит на корабль, а женщина в фиолетовой шали утешает вдову в черном траурном платье.

Чувство синевы

«Чувство синевы» — это новая работа современного искусства для Дома Королевы. Теперь она теперь висит в Зале Присутствия Королевы напротив Портрета Армады. Он был создан многопрофильной художницей Альбертой Уиттл и Dovecot Studios в Эдинбурге. Гобелен имеет более 150 различных цветовых комбинаций. Он включает такие материалы, как веревка и жемчуг, а также хлопок и лен.

Конвой, 1918 год.

На этой картине с пенящимися волнами и глубоким синим небом художник Джон Эверетт изобразил конвой торговых судов во время Первой мировой войны. Корабли покрыты «ослепительной росписью» — разновидностью камуфляжа, разработанной художником-маринистом Норманом Уилкинсоном. Это включало в себя окраску кораблей в контрастные цвета и геометрические формы, расположенные в виде зебровых узоров, чтобы создать эффект искажения. Это могло бы сбить с толку вражеские суда относительно размера, очертаний, курса и скорости корабля.

После своей смерти в 1949 году Эверетт завещал Национальному морскому музею более 2000 своих морских картин, от морских пейзажей до сцен на палубе.

Рабочие лодки со всего британского побережья

Эта яркая фреска художника Алана Эрнеста Соррелла была создана для бара авианосца HMS Campania. В 1951 году корабль совершил поездку по британским портам в рамках выставки Фестиваля Британии. Эта фреска, состоящая из пяти панелей, прославляет рыболовные сообщества Великобритании. Стая чаек связывает сцены вместе, держась за декоративную веревку.

Вывод из Дюнкерка, июнь 1940 г.

На этой панорамной картине, написанной с точки зрения низколетящего самолета, изображена эвакуация из Дюнкерка во время Второй мировой войны. В период с мая по июнь 1940 года более 338 000 британских и союзных солдат были эвакуированы из Дюнкерка на севере Франции в Англию, спасаясь от вторжения немецких войск.

Для создания этой картины художник Рихард Эрнст Эйрих использовал эскизы и фотографии спасения, а также свидетельства очевидцев. Он ярко изображает разрушения и ужасы войны: клубящиеся столбы дыма возвышаются над горизонтом, а очереди солдат на переднем плане забираются в лодки.

Вице-адмирал сэр Сэмюэл Корниш, капитан Ричард Кемпенфельт и Томас Парри

На этой работе художника Тилли Кеттл запечатлена встреча двух морских офицеров и клерка на британском военном корабле XVIII века. Сидящий справа от работы вице-адмирал сэр Сэмюэл Корниш отдает приказ поднять флаг капитану Ричарду Кемпенфельту, который стоит слева. Между ними сидит секретарь Корниша и заказчик этой картины Томас Парри, держащий в руках перо.

Эта работа, созданная в 1768 году, считалась шедевром Кеттла. После попыток пробиться на лондонскую художественную сцену Кеттл перенес свой бизнес в Индию. Там он стал первым британским художником, который начал прибыльную практику.

Вход в галерею бесплатный, но желательно забронировать билет онлайн, особенно в высокий сезон.

Музей Queen’s house открыт с 10.00 до 17.00 ежедневно, кроме некоторых праздников.

The post Дом королевы в Гринвиче (Queen’s house) appeared first on Блог Милы.

Это не самый большой из лондонских королевских парков, его площадь всего 23 гектара. Но ему около пятисот лет, так что этот парк – самый старый из всех.

История Сент-Джеймсского парка

Когда-то на месте парка были заливные луга в пойме речки Тайбёрн. На них фермеры пасли свиней. А в XIII веке здесь появилась лечебница для прокажённых женщин. Покровителем лепрозория был святой апостол Яков, по-английски – Сент-Джеймс. Отсюда и имя парка. Через триста лет, в первой половине XVI века, Англией правил Генрих VIII. Он был известен не только тем, что имел шесть жён, но и большой страстью к охоте на диких зверей. Генрих купил эти болотистые земли у Итонского колледжа и решил обустроить на них олений заказник.

В правление Елизаветы I, дочери Генриха VIII, в Сент-Джеймсском парке устраивались пышные зрелища, помпезные празднества и парады. А вот преемник Елизаветы Яков I взял на вооружение достижения ирригационной науки. Он осушил территорию парка и поселил в нём экзотических птиц и животных: верблюдов, крокодилов и даже одного слона.

Он же проложил дорогу, которая шла мимо Сент-Джеймсского дворца. Примерно по тому же маршруту теперь проходит церемониальная аллея Мэлл.

Подлинную перестройку Сент-Джеймсского парка затеял Карл II. Возможно, его не обуяла бы страсть к модернизации, если б не некоторые обстоятельства. В середине XVII века в Англии случилась гражданская война. Сторонники парламента, недовольные попытками монарха узурпировать власть, казнили короля Карла I. Его юный отпрыск бежал во Францию. Великолепные дворцы французских суверенов привели его в полный восторг. Когда в Англии была восстановлена монархия, он взошёл на престол под именем Карла II. После коронации монарх занялся не только казнями цареубийц, но и переустройством Сент-Джеймсского парка по французскому образцу. Он хотел придать почти дикому лесопарку видимость сформированного ландшафта. И прорыл канал длиной 800 метров.

Карл II открыл Сент-Джеймсский парк для публики. Он и сам захаживал сюда, смешивался с толпой, кормил уток и нередко развлекался с одной из своих многочисленных фавориток, актрисой Нелл Гуинн. Но монарх был не единственным, кто предавался утехам на лужайках и в рощах Сент-Джеймсского парка. Это место достаточно скоро обрело репутацию весёлого и… греховного. Известный английский поэт того времени Джон Уилмот даже написал об этом фривольное стихотворение. Оно называлось «Разгул в Сент-Джеймсском парке». Однако не только двуногие разгуливали в парке. Были в нём в то время и пастухи с коровами. Так что у публики имелась возможность отведать свежего молока, не покидая любимых лужаек.

Сент-Джеймсский парк снова стали перестраивать после того, как в XVIII веке корона приобрела в своё владение Букингемский дом.

На его месте вскоре появился королевский дворец, и восточную – дальнюю от дворца – часть длинного канала засыпали землёй. Устроили там площадь, на которой сначала просто муштровали пеших и конных солдат, а потом стали устраивать пышные парады. Сейчас это место называется плац Конной гвардии. И хотя плац от Сент-Джеймсского парка отделяет улица Хорс-гард-роуд, формально он по-прежнему находится на территории парка.

Сент-Джеймсский парк сегодня

В первой четверти XIX века за Сент-Джеймсский парк взялся королевский архитектор Джон Нэш. Под его присмотром дорожки парка были проложены заново. И превратились в романтичные извилистые аллеи. А построенный под линейку канал принял форму естественного водоёма. В парке появились диковинные птицы – их подарило Лондонское орнитологическое общество.

Под его же патронатом был построен дом смотрителя за птицами. И дом, и сама эта должность сохранились до сих пор.

Строительные работы продолжались в Сент-Джеймсском парке и в XIX, и в начале XX века. В это время его западную окраину украсил величественный мемориал королеве Виктории и эпохе великой империи.

А по северной границе парка прошла церемониальная аллея Мэлл.

В таком виде лондонский Сент-Джеймс предстает перед посетителями и сегодня: вековые деревья, ухоженные аллеи и зеленые лужайки, живописное озеро с фонтаном и двумя очаровательными островками.

На территории парка можно увидеть оригинальные клумбы, которые созданы недавно по принципам Джона Нэша. На клумбах представлены вьющиеся растения, летние цветы, кустарники, миниатюрные деревья, причем клумбы выглядят естественно и плавно переходят в газон, не имея четких границ.

Также в парке есть фонтаны, многочисленные скамейки, дорожки, кафе для проголодавшихся посетителей. А в хорошую погоду можно посидеть прямо под открытым небом. Чтобы насладиться красотой природы парка, можно взять шезлонги или кресла, некоторые располагаются прямо на траве – тут есть детские площадки и специальные места для пикников.

По всей территории парка растут платаны с массивными, мощными стволами. Эти деревья охраняются, поэтому можно заметить таблички с номерами. Рядом с озером растет инжир, но ходить возле самого озера запрещено, так как это место выделено для его диких обитателей.

Озеро

Парк Святого Джеймса знаменит, прежде всего, своим озером, которое считается домом для огромного количества птиц. В частности, на озере живут пеликаны. Первых особей подарил Карлу II еще в 1684 году русский посол.

Интересным зрелищем является ежедневное кормление пеликанов, которое происходит около 4 часов вечера.

Кроме пеликанов здесь можно увидеть уток, журавлей, гусей, аистов, лебедей и т.д.

Всего насчитывают около 30 видов птиц.

Всю информацию о них можно прочитать на стендах на территории парка.

Здесь обычно находится около 1000 птиц с подрезанными крыльями, а также дикие птицы.

На озере глубиной около 1,5 метров есть два острова, которые почти всегда закрыты для посещений.

Здесь, на этих островах птицы иногда скрываются от любопытных глаз.

На одном из них – Утином острове – располагается небольшой коттедж, изначально построенный для человека, ухаживающего за птицами.

Сейчас в этом домике располагается один из офисов Фонда лондонских исторических парков.

Лучший вид на озеро и его окрестности открывается с моста, расположенного в центре Сент Джеймс парка.

Отсюда видно само озеро, Утиный остров, купола и крыши окружающих парк зданий, в том числе Мемориал королевы Виктории перед Букингемским дворцом.

Современный синий изящный мост построен в 1950 году, он заменил подвесной металлический мост.

Также на территории парка расположены Мемориал артиллерии и Плац для парадов Конной гвардии. Фигуры мемориала отлиты из металла захваченных во время Первой Мировой войны германских пушек.

На Плацу летом проводят торжественную церемонию выноса знамени.

Посещение парка

Для посещений парк открыт каждый день с 5 утра до 12 ночи, причем вход на его территорию бесплатный. В теплое время – с конца мая до конца лета – на эстраде парка выступают оркестры.

Сент Джеймс считается одним из самых посещаемых на территории Европы. И это не вызывает удивления у туристов и англичан, побывавших здесь хотя бы раз.

The post Сент-Джеймсский парк appeared first on Блог Милы.

Улица длиной около 300 метров уходит от Йорк-роуд и проходит под платформами и путями станции Ватерлоо. Туннель на Лик-стрит является неофициальным центром граффити-культуры южного Лондона.

Нельзя сказать, что Лик-стрит находится в глуши. Но почему-то многие из толп, протаптывающих свой путь от Ватерлоо до Саутбэнк-центра, Лондонского глаза и других близлежащих достопримечательностей, никогда сюда не добираются. 

История граффити тоннеля Leake street

Туннель на Leake Street не всегда был законной стеной для граффити.  До 2008 года это был просто сырой и грязный туннель под станцией Ватерлоо.

Тогда это была часть въезда в старый терминал Eurostar. Пока терминал Eurostar находился в Ватерлоо, дорога была открыта для движения автотранспорта. 

Но в 2008 году Eurostar переехал в Кингс-Кросс. И движение по ней было отдано пешеходам.

Власти боялись, что тоннель станет прибежищем для бездомных. Все изменилось, когда британская суперзвезда уличного искусства Бэнкси решил провести в туннеле фестиваль уличного искусства под названием Cans Festival.

Бэнкси пригласил самых известных и ярких представителей международной сцены уличного искусства прийти и разместить свои работы в туннеле. 

И всё — Лик-стрит больше не сырое и грязное, а яркое, красочное и крутое место, где художники могут продемонстрировать свои работы.

Лик стрит тоннель сегодня

С тех пор граффити-туннель на Лик-стрит стал флагом лондонской сцены уличного искусства.

Сегодня каждый дюйм пространства покрыт постоянно пополняющейся коллекцией фресок.

И каждый может прийти и оставить свой след на стенах. Ведь это законная стена, а значит, художники могут спокойно здесь работать.

Улица стала популярной и теперь является известным местом, куда можно прийти и посмотреть или пофотографировать.

А также понаблюдать за работой лучших местных художников-граффитистов.

Огромное количество художников, работающих над туннелем, означает, что всегда есть чего увидеть нового. 

Два визита в тоннель никогда не будут одинаковыми.

Иногда грустно прощаться со старыми любимчиками.

Но положительным моментом является динамичность, привлекающая художников со всего мира.

На Лик-стрит теперь также есть ежегодный резидент-художник. Он проводит мастер-классы по граффити для любителей и курирует регулярную серию фресок и портретов в туннеле. 

Посещение Leake street arch тоннеля

Вход в граффити-тоннель бесплатный.

Посещение тоннеля не займет много времени. От 15 минут и больше, в зависимости от вашей любви к уличному искусству.

Место совершенно безопасное (конечно, как и везде, всё равно надо быть внимательным). Ведь множество посетителей рассматривает картины на стенах и наблюдает за работой художников.

Поскольку работа в тоннеле ведется непрерывно, то немного пахнет краской и несколько грязновато.

Кстати, в тоннеле можно не только полюбоваться на уличное искусство, но и перекусить:

здесь работают несколько баров.

В тоннель ведет несколько входов: с улицы Lower Marsh,

с улицы Addington street,

конечно, с улицы Leake street, и со Station approach road.

The post Leake Street графитти тоннель appeared first on Блог Милы.

В садах Кью находится одна из самых больших в мире коллекций живых растений. Более 30 тысяч растений растут в садах, а один из крупнейших по величине гербариев в мире включает 7 млн образцов. Библиотека содержит более 750 тысяч томов и более 175 тысяч рисунков растений.

Королевские Ботанические сады Кью, являясь комплексом ботанических садов, оранжерей и теплиц, также считаются очень важным научно-исследовательским и учебным центром. Кроме того, в парке можно увидеть много архитектурных сооружений и достопримечательностей различных стилей.

Это чудесное место для человека, который любит растения и цветы или увлекается садоводством. Оно понравится большинству женщин и почти наверняка — людям старшего возраста.

Растений великое множество, одно причудливее другого, и если вам хочется увидеть, как выглядят на самом деле известные из книг секвойи, гинкго, мангровые деревья или те же амазонские лилии — то это место для вас.

А еще здесь разбиты причудливые клумбы с необычными экзотическими растениями, масса теплиц с самыми разными тропическими диковинками и почти постоянно что-то цветет.

Самые популярные достопримечательности Кью гарденс:

Пальмовый дом (Palm House)

Пальмовый дом (Palm House) — оранжерея, которая знаменита своей коллекцией тропических пальм. Здание построили в 1844 году из стекла и кованных железных арок.

Круглый год в Пальмовом доме поддерживается влажная жара, которая так необходима тропическим растениям. В Пальмовой оранжерее представлены растения тропического влажного леса, поэтому воздух постоянно орошается путем мелкодисперсной водяной пылью (будьте осторожны с фотоаппаратами!).

В оранжерее растения джунглей сгруппированы в основном по географическому признаку, только в центре – самые высокие деревья, которые нуждаются в дополнительной высоте купола. Здесь можно посмотреть на банановые и манговые деревья, деревья какао и кофе, папайю, кокосы, цитрусы…. Для удобства посетителей оранжерея окружена специальной дорожкой на высоте 9 метров, чтобы можно было полюбоваться пальмами.

Рядом со зданием с восточной стороны установлены 10 статуй животных из камня.

Сад роз (Rose garden)

Розовый сад, где растут 170 различных видов и сортов роз, призван стать цветочным праздником для глаз с смелыми посадками смешанных кустарниковых роз. Розовый сад был спроектирован известным английским ландшафтным архитектором Уильямом Несфилдом в 1848 году.

В апреле, к сожалению, насладиться розами не удалось

Бордюры Большой широкой аллеи (Great Broad Walk Borders)

Считается, что это самые длинные травянистые бордюры в стране – и, возможно, в мире.

Более 320 метров Бордюров предлагают целое приключение для чувств – свежие ароматы, ослепительные цветочные клумбы и ковыльные травы – радостное зрелище, меняющееся в зависимости от времени года. В апреле это великолепие как раз было в процессе создания.

Первоначально задуманные как впечатляющий променад к Пальмовому дому, бордюры заново засадили в 2016 году.

Тематически расположенные на восьми больших круглых клумбах они демонстрируют впечатляющее разнообразие семейств растений — идеальное вдохновение для вашего собственного сада.

От замечательных сортов до диких видов, используемых в исследованиях в Кью, на этом пути можно много чего открыть. Лучше всего летом, но весной и осенью по-прежнему много интересного.

На каждой из восьми клумб есть список растений, который вы можете просмотреть.

Оранжерея Принцессы Уэльской (Princess of Wales Conservatory)

Оранжерея Принцессы Уэльской (Princess of Wales Conservatory) — оранжерея, которая была открыта в 1987 году Дианой, принцессой Уэльской.

Здесь находятся растения десяти климатических зон. Две основные климатические зоны — сухие тропики и влажные тропики — занимают большую часть этой оранжереи.

Дополнительно имеются восемь различных микроклиматов в оранжерее, созданные для специальных групп растений.

В собрании растений — бананы, имбирь, ананасы, орхидеи и многое другое.

Все растения показываются настолько естественно насколько возможно: папоротники и растения-альпийцы, цепляющиеся за выступы скал.

Дорожки на различных уровнях позволяют посетителям близко подойти к растениям так, что они могут рассмотреть тончайшие детали.

Дворец Кью (Kew Palace)

Дворец Кью (Kew Palace) — здание, которое представляет собой самый маленький из британских королевских дворцов, построенный в 1631 году.

Kew Palace — старейшее здание в садах, служившее летней резиденцией короля Георга III в 18 веке. Яркий фасад дворца отражает его происхождение. Построенный в 1631 году для богатого фламандского купца Сэмюэля Фортри, он первоначально назывался Голландским домом.

Столетие спустя Георг III получил образование во дворце Кью в период, который оказал глубокое влияние на его правление. Тогда начали расцветать новые идеи в области науки, искусства и производства.

Будучи королем, он предпочитал свои загородные поместья придворной жизни, проводя много счастливых летних месяцев во дворце Кью со своей женой королевой Шарлоттой и их 15 детьми.

Однако эти периоды расслабления были омрачены борьбой короля Георга с психическими заболеваниями: он страдал от неоднократных приступов, начиная с его первого эпизода в 1789 году и до объявления регентства в 1811 году.

После смерти королевы Шарлотты в 1818 году дворец Кью закрыли.

Дворец использовался для разных нужд королевской семьи, а для посещения его открыли лишь в 2006 году.

Сад королевы (Queen’s Garden)

Сад Королевы, спроектированный как дополнение к дворцу Кью, посвящен исключительно растениям и архитектурным стилям 17 века.

Большинство растений, которые здесь можно увидеть, относятся к видам, выращенным в 1600-х годах или ранее, что создает историческое путешествие в растительную жизнь Великобритании.

В Саду Королевы находятся самые старые скульптуры Кью. Он украшен множеством каменных украшений, в том числе венецианским колодцем и мраморным сатиром. А в окруженном живой изгородью партере с прудом в центре стоит копия статуи Верроккьо «Мальчик с дельфином». Это имитация оригинальной статуи, расположенной во флорентийском Палаццо Веккьо.

The Orangery — Оранжерея

Еще в саду есть постройка, которая называется The Orangery — Оранжерея. Это старейшее здание здесь, построенное сразу после покупки — в 1761 г. — очень известным архитектором Уильямом Чамберсом. Изначально это была оранжерея, сейчас внутри ресторан.

Лощина рододендронов (Rhododendron Dell)

Сэр Джозеф Хукер привез много новых экземпляров рододендрона из своих путешествий в Гималаи в середине 19 века. Пораженный потрясающей красотой этих ярких цветов, он воскликнул: «Великолепие рододендронов изумительно: на этом холме их 10 видов: алые, белые, сиреневые, желтые, розовые, темно-бордовые: ими действительно цветут скалы».

Сегодня, 150 лет спустя, в лощине цветут густые гроздья рододендронов, включая уникальные гибриды, не встречающиеся больше нигде в мире.

Этот укромный уголок Кью находится в расцвете сил в апреле и мае. Тогда огромные кусты расцветают, демонстрируя яркие лепестки под каждым углом. Так что мне как раз удалось насладится ими в полной мере.

Бамбуковый сад и дом Минка (Bamboo Garden and Minka House)

Бамбук — самое быстрорастущее древесное растение в мире. Он создает плотный и яркий ландшафт, где бы он ни рос. Бамбуковый сад содержит 130 видов бамбука из Китая, Японии, Гималаев и Америки, что делает его одной из крупнейших коллекций в Великобритании. Травы упорядочены по внешнему виду, чтобы максимизировать разнообразие форм и форм листьев: от тонких пестрых видов до фонтанирующих каскадов.

Некоторые виды очень агрессивны, поэтому используются прочные пластиковые барьеры, чтобы сдержать их быстрый рост.

Когда вы бродите между ветвями, перед вами появится дом Минки. «Минка» означает «дома людей». Это простые дома сельских жителей, распространенные в Японии до середины 20-го века. Многие из этих фермерских домов, являющихся ценным объектом японского наследия, сохранились как исторические достопримечательности.

Минка Кью принадлежала семье Ёнезу, которая жила в ней после того, как их главный дом был разбомблен в 1945 году. После смерти последнего члена семьи дом был подарен Кью Японской ассоциацией повторного использования и переработки минка в рамках Японского фестиваля 2001 года.

Озеро и переправа (Lake and Crossing)

Озеро занимает 2 гектара. По нему раскиданы четыре острова, которые обеспечивают яркие краски, усиливаемые их отражением в озере.

Переход через озеро, построенный в 2006 году, обеспечивает легкий доступ к некоторым менее посещаемым районам Кью.

Дорожка из черного гранита ведет вас над водой по извилистой тропинке, имитирующей округлые берега озера. При приближении к мосту его ограждение кажется сплошным, но постепенно начинает исчезать, если смотреть сбоку.

Озеро создали в 1856 году на территории, которую раскопали для получения гравия для террасы первоначального Темперейт-хаус. Подземные каналы соединяют озеро с Темзой, и впервые его заполнили в 1861 году.

Переправа через озеро открылась в 2006 году и стала первым мостом через озеро.

Темперейт-хаус (Temperate House)

Темперейт-хаус (Temperate House) — еще одна оранжерея. Ее строили в течение 40 лет (с 1859 по 1899 года). На сегодняшний день оранжерея является самой крупной из сохранившихся викторианских теплиц в мире. Ее длина составляет 188 метров, площадь пола — 4880 кв.м, а высота — 18 метров.

Здание Темперейт-хаус состоит из трёх частей: прямоугольная центральная секция, два восьмигранника и два боковых крыла. Это оранжерея для растений умеренной зоны со всего мира. К сожалению, внутрь я не попала — в 17 часов оранжереи закрываются.

Тропа по верхушкам деревьев (Treetop walkway)

Самый известный аттракцион — это, пожалуй, Treetop walkway, путь по верхушкам деревьев.

На высоте 18 м по вершинам деревьев проложили дорожку на опорах. Она хорошо огорожена, не качается. И с нее открывается потрясающий вид на парк. Развлечение наверняка понравится детям.

С его высоты можно наблюдать сложную экосистему верхних ветвей деревьев, мир, изобилующий птицами и насекомыми, лишайниками и грибами. Забраться на нее можно по лестнице или на лифте (в часы его работы).

Пагода (Pagoda) 

Пагода (Pagoda) — сооружение в китайском архитектурном стиле, построенное в 1762 году. Высота великой пагоды составляет 49 метров. А сама постройка выполнена из плитки с многочисленными фигурами драконов на фасаде здания. Пагода в течение многих лет была закрыта для посещения. Затем в 2015 году началась реставрация, после чего открыли для туристов.

Есть и другие достопримечательности, но до них я дойти не успела.

Все эти достопримечательности расположены в окружении великолепного парка. Ласкают зрение зеленые лужайки, поражают яркостью клумбы, цветущие ковры, водоемы с утками и белоснежными лебедями. 

Королевские ботанические сады Кью, советы перед посещением

Для прогулок по садам нужно выбрать подходящую обувь (лучше всего подходят кроссовки). Стоит взять зонтик, и вообще одеться в расчете на день на открытом воздухе.

Также стоит помнить, что сад очень большой, обойти его весь за день проблематично, поэтому ехать лучше пораньше.

На территории есть кафе и рестораны, цены выше, чем в среднем по городу. Но в парке разрешены пикники — можно взять еду с собой. Имейте в виду,я что в теплицах есть нельзя, можно только под открытым небом.

На базе Королевских ботанических садов Кью работает магазин, где посетители могут купить различные подарки и сувениры. Чего там только нет! Конечно, маленькие растения, а также мыло, крем для рук, книги о садоводстве, еду и напитки, свечи, сумки, детские игрушки, садовые инструменты и аксессуары, цветочные горшки и многое-многое другое.

Добраться проще всего на метро — станция Gardens Kew. А от станции идти примерно 500 м по указателям.

Режим работы

10:00-19:00 (летом в будние также, в сб-вс 10:00-20:00). Оранжереи 10:00-17:00.

Стоимость билета (цены указаны онлайн, на входе дороже)

Взрослый — от 12 £ в низкий сезон, от 20 £ в высокий.
Детский (от 4 до 15 лет) — от 4/5 £.
Посетители 16-29 лет — от 6/9 £.
До 4 лет бесплатно.
2 взрослых и 2 детей — от 27,50/43 £.
2 взрослый и 1 ребенок- от 24/38,50 £.

The post Королевские ботанические сады Кью (Kew Gardens) appeared first on Блог Милы.

Сегодня Импрессионисты и постимпрессионисты..

Старуха с четками, Поль Сезанн (1839-1906)

1885 г.

По словам писателя Жоахима Гаске, натурщиком была бывшая монахиня, сбежавшая из монастыря и бесцельно бродившая, пока Сезанн не взял ее в качестве служанки.

Фокс Хилл, Аппер-Норвуд, Камиль Писсарро (1830-1903)

1870 г.

Это одна из 12 сохранившихся картин, которые Камиль Писсарро сделал, находясь в добровольном изгнании на юге Лондона с конца 1870 до середины 1871 года во время франко-прусской войны. Возможно, это первая картина, которую он написал в Лондоне.

Авеню, Сиденхэм, Камиль Писсарро (1830-1903)

1871 г.

Вид из Лувесьена, Камиль Писсарро (1830-1903)

1869 г.

Писсарро и его семья переехали в Лувесьен весной 1869 года, и, возможно, он написал эту картину вскоре после этого или, возможно, весной 1870 года. Всего в 30 минутах езды на поезде к западу от Парижа Лувесьен был важным местом для раннего импрессионизма, поскольку это был один из небольших городков и деревень, которые часто посещали в конце 1860-х — начале 1870-х годов художники-импрессионисты.

Пейзаж с тополями, Поль Сезанн (1839-1906)

1885 г.

Автопортрет, Поль Сезанн (1839-1906)

1880 г.

Море в Л’Эстаке, Поль Сезанн (1839-1906)

1876 г.

Покинув Северную Францию, где он работал вместе с Писарро, Сезанн весной 1876 года вернулся на родной юг, остановившись в Л’Эстаке, рыбацкой деревушке недалеко от Марселя. Он работал на открытом воздухе, сосредоточившись на ярком средиземноморском свете, и его способности усиливать цвета и сглаживать объемы. «Это как игральная карта, — писал он, — красные крыши на фоне синего моря». Сезанн отправил эту картину на третью выставку импрессионистов в 1877 году.

Темза ниже Вестминстера, Клод Моне (1840-1926)

1871 г.

Моне был очарован лондонским туманом во время своего первого пребывания в столице с 1870 по 1871 год. Позже он сказал арт-дилеру Рене Гимпелю: «Без тумана Лондон не был бы красивым городом. Это туман придает ему великолепную широту».

Казнь Максимилиана, Эдуард Мане (1832-1883)

1867 г.

Фердинанд Максимилиан был возведен на престол, как марионеточный император Мексики в 1864 году, при поддержке императора Франции Наполеона III. Однако Наполеон III отказался от его военной поддержки. Захваченный в мае 1867 года националистическими мексиканскими и республиканскими силами, Максимилиан и два его генерала были расстреляны 19 июня того же года. Мане был возмущен смертью Максимилиана, которого многие считали жертвой политических амбиций и некомпетентности Наполеона III, и решил, что казнь заслуживает художественного обращения в эпических масштабах. Эта поврежденная картина является второй из четырех версий, написанных им между 1867 и 1868 годами.

Пляж в Трувиле, Клод Моне (1840-1926)

1870 г.

Эта картина и восемь других, написанных им летом 1870 года, показывают его как место отдыха с широкими песчаными пляжами, бодрящим воздухом и впечатляющей приморской архитектурой. Моне написал его в течение нескольких недель, которые он провел в Трувиле со своей женой Камиллой и их сыном Жаном.

Летний день, Берта Моризо (1841-1895)

1879 г.

Эта картина почти наверняка была выставлена ​​под названием «Озеро в Булонском лесу » на Пятой выставке импрессионистов в 1880 году вместе с другой картиной Берты Моризо «В Булонском лесу» . На двух картинах изображены одни и те же две женщины (возможно, профессиональные модели), которые на обеих картинах одеты в одинаковую одежду.Моризо жил недалеко от Булонского леса на западе Парижа. В 1850-х годах Наполеон III и ландшафтный архитектор Адольф Альфан превратили Буа из формального парка в «естественный» лесной массив, призванный привлечь жителей города. Сцена досуга среднего класса в окружении одомашненной природы, эта картина типична для образов, характерных для импрессионизма.

Юные спартанцы тренируются, Илер-Жермен-Эдгар-Дега (1834-1917)

1860 г.

Картина иллюстрирует отрывок из « Жизни Ликурга » римского историка Плутарха, в котором описывается, как спартанским девушкам было приказано заниматься физическими упражнениями, включая бег, борьбу и метание диска и копья, а также бросать вызов мальчикам. Однако это может быть сцена ухаживания, а не соревнования, поскольку аспекты причесок и поз девушек соответствуют описаниям таких ритуалов в трудах Плутарха. На среднем расстоянии группа женщин, матерей детей, окружает пожилого Ликурга, составившего правила Спарты. За ними находится город Спарта, за которым слева возвышается гора Тайгет, с которой были сброшены нежеланные спартанские младенцы.

Террасы Монте-Кассино, Джон Рассел (1858-1930)

1889 г.

Считается, что это было написано Расселом во время его пребывания с женой в Кассино, к югу от Рима, в 1889 году.

Портрет Греты Молл, Анри Матисс (1869-1954)

1908 г.

Грета Молл была скульптором, которая вместе с мужем Оскаром Моллем училась в художественной школе Матисса, которую он открыл в 1908 году. Ранее она училась в Берлине, где ее портрет был написан немецким художником Ловисом Коринтом. Когда ему показали фотографию этого портрета,то он ему категорически не понравился.

Расчесывание волос, Илер-Жермен-Эдгар-Дега (1834-1917)

1896 г.

Женщины, расчесывающие волосы, часто появляются в работах Дега, и эта картина — одна из его самых смелых трактовок этой темы. Служанка расчесывает волосы сидящей госпожи, которая еще не полностью одета. Голова оттянута назад взмахами руки и хозяйка поднимает правую руку к голове, как бы для того, чтобы удержаться или удержать волосы на месте.

Материнство, Пабло Пикассо (1881-1973)

1901 г.

Мать и дитя перекликаются с ренессансными изображениями Богородицы с младенцем, а в вытянутых руках матери видно влияние Эль Греко, с которым Пикассо столкнулся во время визита в Толедо в январе 1901 года. Модель была идентифицирована как Жермен (Лора) Флорентен, любовница каталонского друга Пикассо Карлеса Касагемаса, который покончил жизнь самоубийством в феврале 1901 года после разрыва их отношений.

Ле-Бек-дю-Ок ,Грандкамп, Жорж Сёра (1859-1891)

1885 г.

Сёра написал свои первые прибрежные сцены и морские пейзажи в Гранкампе в Нормандии, который он посетил летом 1885 года.

Радуга: этюд «Купальщицы в Аньере», 1883 г. (вверху справа); Этюд к «La Grande Jatte», 1884-1885 гг. (внизу справа); Утренняя прогулка, 1885 год (слева), Жорж Сёра (1859-1891)

К 1885 году Сёра уже разработал свой фирменный пуантилистический стиль, но в этих пейзажных этюдах часто используется более крупный мазок, типичный для импрессионизма. Он работал быстро, оставляя следы на панно. Вышеупомянутая работа «Радуга» представляет собой этюд «Купальщицы» (висит рядом). Цветная радуга была добавлена позже. Нижняя работа представляет собой этюд для La Grande Jatte (Чикагский институт искусств) и показывает, как Сёра экспериментирует с рисованием травы. Множество зеленых цветов и набросанные мазки напоминают мягкую растительность, которую также можно увидеть в «Утренней прогулке».

Канал Гравелин,Гранд Форт-Филипп, Жорж Сёра (1859-1891)

1890 г.

Это одна из четырех картин Сера, созданных в 1890 году недалеко от города Гравелин, небольшого порта на северном французском побережье между Кале и Дюнкерком. Находясь на песчаных дюнах Пети-Форт-Филипп, мы видим берег в утреннем свете после того, как отлив оставил на переднем плане широкий простор открытого пляжа.

Поздний день на нашем лугу, Камиль Писсарро (1830-1903)

В 1884 году Писсарро поселился со своей семьей в деревне Эраньи. Он нарисовал несколько видов этого луга, засаженного небольшими деревьями, все еще окруженными защитными клетками. Уже поздний вечер, и длинные тени, отбрасываемые деревьями, расходятся веером к левому углу. Одинокая фигура стоит на солнце, в одной руке корзина, другая на бедре. В 1885 году Писсарро познакомился с Жоржем Сёра и впоследствии перенял его пуантилистскую технику нанесения маленьких точек цвета рядом друг с другом для создания оптической смеси.

Бульвар Монмартр ночью, Камиль Писсарро (1830-1903)

1897 г.

Это один из 14 видов бульвара Монмартр в Париже, которые Камиль Писсарро нарисовал в 1897 году. К ним относятся бульвар, видимый в снегу, дожде, тумане, тумане и солнечном свете, а также утром, днем, на закате и ночью. Картина является единственным образцом ночной картины Писсарро.

Пшеничное поле с кипарисами, Винсент Ван Гог (1853-1890)

1889 г.

Летом 1889 года Ван Гог написал несколько вариантов картины «Пшеничное поле с кипарисами », когда он был пациентом психиатрической больницы Сен-Поль-де-Мавсоль в деревне Сен-Реми на юге Франции. Первая версия, которую он описал как этюд, была написана на месте в конце июня 1889 года. Картина Национальной галереи, которая была завершена в сентябре, когда Ван Гог был прикован к своей больничной палате, является законченной версией. Он также сделал ее уменьшенную копию для своей матери и сестры.

Два краба, Винсент Ван Гог (1853-1890)

1889 г.

Считается, что это было написано вскоре после выписки Ван Гога из больницы в Арле в январе 1889 года. 7 января он написал своему брату Тео: «Завтра я снова примусь за работу. Я начну с одного или двух натюрмортов, чтобы снова привыкнуть к живописи». Вероятно, его также вдохновила гравюра на дереве Хокусая «Крабы», которая была воспроизведена в майском выпуске «Le Japon Artistique» за 1888 год, отправленном Винсенту Тео в сентябре того же года.

Скиф (Ла Йоль), Пьер -Огюст Ренуар (1841-1919)

1875 г.

Эта залитая солнцем сцена на реке Сене типична для образов, которые стали характеризовать импрессионизм, и Ренуар включает в себя несколько знакомых импрессионистских мотивов, таких как модно одетые женщины, весельная лодка, парусная лодка и паровоз, пересекающий мост. Точное местонахождение не установлено, но мы, вероятно, смотрим на реку недалеко от Шату, примерно в десяти милях к западу от центра Парижа, которая была популярным местом для отдыха на лодках.

Пьяница, Сараус, Хоакин Соролья (1863-1923)

1910 г.

Пятеро пьяниц собираются в таверне Сарауса, баскского прибрежного городка, где Хоакин Соролья провел лето 1910 года. Один смотрит на художника слезящимися глазами, а другой подталкивает к нему сидр, подстрекая пьяных к дальнейшим излишествам. Третий угрожающе смотрит на художника. Края холста отсекают еще две фигуры, как на неуклюжем любительском снимке. Этот крупномасштабный импровизационный набросок — одна из шести сцен в таверне, написанных Сорольей тем летом. Это поворотный момент в его карьере, поскольку впервые за десять лет Соролья изобразил крестьян в порой суровой реальности их жизни.в течение десятилетия. Здесь Соролья создал одно из своих самых печальных произведений: изображение насмешки, жестокости и зависимости на дне и бравурное упражнение в сострадательном наблюдении.

Мужчины в доках, Джордж Беллоуз (1882-1925)

1912 г.

Когда Национальная галерея купила ее в 2014 году, это была первая крупная американская картина, попавшая в коллекцию.

Склон в Провансе, Поль Сезанн (1839-1906)

1890-1892 гг.

Стилистически картина связана со сценами пейзажа вокруг Экс-ан-Прованса, которые Сезанн писал в середине 1880-х годов.

Музей в Гавре, Клод Моне (1840-1926)

1873 г.

В 1870-х годах, когда он жил в Аржантее, на окраине Парижа, Моне несколько раз возвращался в Гавр, где он вырос. Город был процветающим торговым и промышленным центром и самым важным трансатлантическим портом Франции с рядом гаваней и оживленных доков. Для этой картины Моне расположился на стене внутренней гавани напротив городского музея изящных искусств и публичной библиотеки, впечатляющего здания, построенного в 1845 году.

Водяные лилии,заходящее солнце, Клод Моне (1840-1926)

Около 1907 г.

В течение последних двух десятилетий своей жизни Моне посвятил себя рисованию водного сада, который он создал в своем доме в Живерни, создав около 250 новаторских полотен. Его картины становились все более экспериментальными, поскольку он постепенно отказывался от изображений берегов пруда, его японского моста и традиционной линии горизонта, чтобы сосредоточиться на тонких модуляциях света, когда он преображал воду и отражения листвы и облаков.

Купальцы Ла Гренуэйр, Клод Моне (1840-1926)

1869 г.

Летом 1869 года Моне и Ренуар вместе рисовали в Ла-Гренуйер, немного хулиганском курорте на реке Сене, примерно в 12 километрах к западу от Парижа. В 1860-х годах он стал популярным местом отдыха на выходных.

Снежная сцена в Аржантёе, Клод Моне (1840-1926)

1875 г.

В 1871 году Моне переехал со своей семьей в Аржантёй, пригород к северо-западу от Парижа. За шесть лет своего пребывания там он написал около 200 картин города и его окрестностей. Эта картина — одно из 18 полотен Аржантёя, запечатлевших снежную зиму 1874/5 года.

Ваза с цветами, Поль Гоген (1848-1903)

1896 г.

Гоген написал этот натюрморт вскоре после своего второго и последнего пребывания на Таити в 1895 году. Экзотическая красная бугенвиллия и гибискус, белый и желтый франжипани, белая тиаре и большие синие листья вырываются из темного глиняного горшка. Они выглядят так, как будто они немного устарели, и некоторые цветы упали на столешницу. Что, кажется, заинтересовало Гогена, так это рисунок декоративных форм и тонкое переплетение красных, кремовых и синих оттенков на золотом фоне, а не садовые детали.

Дорога в деревне Бальдерсбронде (Зимний день), Лауриц Андерсен Ринг (1854-1933)

1912 г.

Лауриц Андерсен Ринг часто рисовал маленькую деревню Бальдерсбронде в Зеландии, крупнейшем острове Дании, где он жил несколько лет. Эта картина — прекрасный пример его несентиментального подхода к реалиям сельской жизни.Рамка почти наверняка оригинальна, ее простой формат основан на дизайне, излюбленном на ежегодной выставке Копенгагенского салона на рубеже веков. Он был сделан специально для картины, когда она была показана на очень влиятельной выставке современного скандинавского искусства, которая открылась в Нью-Йорке в 1912 году перед турне по США.

Водяные лилии, Клод Моне (1840-1926)

1916 г.

В 1916 году Моне построил новую студию в своем доме в Живерни, чтобы работать над огромными полотнами своего пруда с кувшинками, каждое из которых имело высоту более двух метров. Эти монументальные картины должны были составить целую декоративную схему, и 22 из них он подарил французскому государству после Первой мировой войны. Сейчас они размещены в двух овальных залах Музея оранжереи в Париже. Остальные масштабные полотна с водяными лилиями, одно из которых это, остались в Живерни до окончания Второй мировой войны.

Нападение в джунглях, Анри Руссо

Купальщики в Аньере, Жан-Поль Сёра

Стул Винсента с трубкой, Винсент Ван Гог

Подсолнухи, Винсент Ван Гог

The post Лондонская национальная галерея. Импрессионисты и постимпрессионисты appeared first on Блог Милы.

Лондонская национальная галерея — музей в Лондоне на Трафальгарской площади, содержащий более 2000 образцов западноевропейской живописи XIII — начала XX века. Картины в галерее экспонируются в хронологическом порядке.

Саломея получает голову Иоанна Крестителя, Микеланджело Меризи ди Караваджо (1571-1610)

Около 1609-1610 г.

История смерти Иоанна Крестителя изложена в Евангелии от Марка (6:16–29). Иоанн критиковал царя Ирода за то, что он женился на жене своего брата Иродиаде, и она стремилась отомстить. На праздновании дня рождения Ирода дочь Иродиады Саломея так восхитила царя своим танцем, что он пообещал ей все, что она пожелает. Воодушевленная своей матерью, она попросила голову Крестителя, и король казнил Иоанна.

Это поздняя работа Караваджо, вероятно, написанная в конце его жизни. Он свел историю к ее сути, сосредоточившись на человеческой трагедии и передав эмоциональную силу сцены с помощью ограниченного диапазона цвета, ярко выраженной светотени и драматического жеста. Жестокий палач кладет голову Иоанна на поднос, который держит Саломея, чье серьезное выражение и косой взгляд загадочны. Пожилая служанка сжимает руки от горя, задавая эмоциональный тон. Композиция, характерная для зрелых произведений Караваджо, кажется простой, но на самом деле скрывает сложное физическое и психологическое взаимодействие между главными героями.

Ужин в Эммаусе Микеланджело Меризи да Караваджо (1571-1610)

Юдифь в шатре Олоферна, Иоганн Лисс (около 1595-1631)

Около 1622 г.

Когда ее родной город Ветулия был осажден ассирийскими войсками, Юдифь проникла во вражеский лагерь. Она проникла в шатер ассирийского полководца Олоферна и, когда он напился после пира, схватила его меч и отсекла ему голову. Здесь она кладет голову Олоферна в мешок, который открывает ее служанка. Ее взгляд стальной и решительный, когда она поворачивается к зрителю, но ее щеки раскраснелись, кожа блестит от пота, а мясистые губы блестят. Между тем невозможно избежать струй крови, хлынувших из изуродованной шеи Олоферна.

Богородица с младенцем в объятиях, Сассоферрато (1609-1685)

Около 1660-1685 гг.

Персей превращает Финея и его последователей в камень, Лука Джордано (1634-1705)

Около 1660 г.

Свадебный пир Персея и Андромеды был насильственно прерван Финеем, с которым Андромеда была ранее обручена. Джордано проиллюстрировал драматический момент, когда Финеас и его последователи нападают на Персея. Сильно уступая в численности, Персей обнажил отрубленную голову горгоны Медузы, которую он недавно убил. Он отводит глаза, потому что все, кто взглянет на Медузу, тут же превращаются в камень. Нападавшие не успели среагировать, и Джордано ярко изобразил их плоть, превращающуюся из розовой в каменно-серую.

Философия, Сальватор Роза (1615-1673)

Около 1645 г.

Перед нами появляется хмурый мужчина в кепке ученого и коричневом халате. Его драпировка, плотно обернутая вокруг него, имеет гладкий, прочный вид скульптурного римского бюста. Половина его лица находится в тени, и холодный свет подчеркивает его длинный узкий нос, нечесаные волосы, небритое лицо и нахмуренные брови. Мужчина протягивает нам табличку с надписью на латыни, которая в переводе гласит: «Молчи, если только твоя речь не лучше молчания». Фраза взята из Антологии Стобея , сборника отрывков из греческих авторов пятого века. Было много споров о личности натурщика, но недавние исследования показали, что фигура изначально была нарисована,как олицетворение философии.

Автопортрет в роли Паскариелло, Сальватор Роза (1615-1673)

Около 1645-1649 гг.

Это один из нескольких автопортретов, написанных Роза во время его пребывания во Флоренции в 1640-х годах. Хотя он принимает множество разных обличий, Розу постоянно можно идентифицировать по современным описаниям, в которых он описывается как человек среднего роста, со смуглым лицом, темными и живыми глазами и густыми черными волосами до плеч.

Во Флоренции Роза посещал изысканные круги и основал собственную академию, известную как Accademia dei Percossi (Академия пораженных). В этой академии учились ученые, интеллектуалы, художники, поэты и драматурги, все они собирались вместе, чтобы обедать, читать стихи и сатиру и регулярно ставить пьесы. Роза часто брал на себя роль Паскариелло, и флорентийский биограф 17-го века Филиппо Бальдинуччи записал, что художник рисовал «самого себя, одетого в костюм Паскариелло, в рваных перчатках» своему другу-издателю Джироламо Синьоретти.

Илия, которого кормят вороны, Гуэрчино (1591-1666)

1620

Монументальная фигура на этой картине — Илия, ветхозаветный пророк, живший в Израиле в девятом веке до нашей эры. Предсказав, что страшная засуха опустошит землю, Илия повелел Богу спрятаться у потока Хорафа. Здесь вороны каждое утро и вечер доставляли ему хлеб и мясо.

В то время как история Илии олицетворяет благочестие, образ Гуэрчино глубоко человечен. Пророк сидит неуклюже, его старческое лицо выжидающе обращено к птицам над ним; они представляют собой как физическое, так и духовное питание, поскольку Илия верит в Божьи заповеди. У его ног лежит пустая миска, а одежда разорвана на плечах – напоминание о его голоде и невзгодах в пустыне.

Это одна из двух картин, написанных Гуэрчино в 1620 году для папского легата Феррары кардинала Якопо Серры, раннего и восторженного покровителя художника.

Святой Иоанн Богослов, Доменикино (1581-1641)

После 1620 г.

Святой Иоанн , автор четвертого евангелия, изображен в момент откровения. Его перо остановилось, и он отвернулся от книг, чтобы поднять глаза к истинному источнику своего вдохновения. Атрибутом святого был орел, птица, которая, как считалось, летела ближе всего к небу. Героическая фронтальная поза была основана на изучении живописцем античной скульптуры.

Неверие святого Фомы, Гуэрчино (1591-1666)

1621 г.

В Новом Завете рассказывается, как после распятия Христос воскрес из мертвых и явился своим ученикам. Один из них, Фома, отсутствовал и отказывался верить в воскресение Христа, не увидев его сам.

На этой картине изображена их встреча, когда Христос повелел Фоме прикоснуться к ранам, которые он получил на кресте. Растопырив пальцы, Фома неуверенно тянется к Христу, прижимая другую руку к груди; мы можем чувствовать его нервозность. Двое мужчин наклоняются к нему сзади, вытягивая шеи, чтобы увидеть, а Святой Петр смотрит через плечо Христа.

Гверчино создал сильное чувство предвкушения и напряжения благодаря плотному кадрированию изображения и драматическому освещению. Фигуры, завороженные Христом, наблюдают и ждут, что произойдет.

Воскрешение Лазаря Себастьяно дель Пьомбо (около 1485 — 1547) по эскизам Микеланджело (1475 — 1564)

1517-1519

По просьбе Марфы и Марии Иисус посетил могилу их брата Лазаря и воскресил его из мертвых (Иоанна 11:1–44). Себастьяно показывает Христа, стоящего с одной рукой, поднятой, чтобы призвать силу Божью, а другой указывающей на Лазаря, сидящего на краю своей каменной гробницы.

Христос произносит животворящие слова: «Лазарь выйди». Коленопреклоненный мужчина помогает Лазарю снять саван и путы, в которых он был похоронен. Мария в трепете становится на колени у ног Христа, а Марфа поднимает руки и отворачивает голову, не в силах смотреть. Святой Петр внизу слева падает на колени, а другие ученики в изумлении поворачиваются друг к другу.

Картина была заказана для Нарбонского собора на юге Франции кардиналом Джулио Медичи, который также заказал Рафаэлю «Преображение» для того же собора. Микеланджело предоставил рисунки некоторых главных фигур этой сложной композиции, поскольку он стремился помочь Себастьяно превзойти Рафаэля, их художественного соперника.

Поклонение пастухов, Гвидо Рени (1575 — 1642)

Около 1640

«Поклонение пастухов» — поздний алтарный образ Гвидо Рени. Высотой почти пять метров без рамы, это одна из крупнейших картин в коллекции Национальной галереи.

В хлеву в Вифлееме группа пастухов собирается вокруг новорожденного Христа. Рени устроил ночную сцену, максимально используя темноту, окружив Младенца Христа потусторонним сиянием, освещающим лица окружающих; они смотрят на его ясли с трепетом и преданностью. Небесный свет, кажется, льется с небес через просвет в облаках, и группа радостных путти несет свиток с надписью: GLORIA IN ECCELSIS DEO («Слава Богу в вышних»).

Эта работа была завершена в последние годы жизни Рени и принадлежала принцу Карлу Евсевию фон Лихтенштейну (1611–1684), который, возможно, заказал ее или приобрел в мастерской Рени после того, как ее содержимое было распродано после смерти художника.

Кардинал Карло Черри, Якоб Фердинанд Воэт (1639 — 1689)

1669-1679гг.

Кардинал сидит в красном бархатном кресле, украшенном золотой тесьмой. Одна его рука лежит на подлокотнике, другая держит на колене кардинальскую биретту (шапку). Позади него стоит книжный шкаф, полки которого заставлены очень большими томами в кожаных переплетах.

Натурщик идентифицирован по надписи на корешках книг как Карло Черри (1611–1690), декан высшего церковного трибунала, или «Рота». Рота — высший церковный суд, учрежденный Святым Престолом для судебных разбирательств в Католической церкви.

Черри назначил кардиналом, епископом Феррары и легатом Урбино 29 ноября 1669 года Папа Климент IX. Портрет, вероятно, был написан вскоре после этой даты, но до 1679 года, когда умер Клуве, сделавший гравюру с портрета. Надпись на книгах относится к самому важному труду Серри — «Decisiones Rotae» («Постановления Роты»).

Портрет кардинала Марко Галло, Джованни Баттиста Гаулли (Бачиччо) (1639 — 1709)

1681-1683 гг.

В 1681 году Марко Галло назначил кардиналом Папа Иннокентий X. С 1659 года он служил епископом Римини, города на северо-западе Италии. На этом портрете он носит на голове ярко-красную кардинальскую биретту и шелковую моццетту (короткую накидку). , его красивая переливчатость и объем, созданные тщательно нанесенными мазками.

На этом портрете Галло, должно быть, было около 60 лет, но он выглядит удивительно молодым. Его взгляд притягательный и прямой, выражение лица суровое. Гаулли запечатлел его седые волосы и тонкую бородку, а также легкую подбородок, но это симпатичный портрет чувствительного, созерцательного человека.

Уроженец Генуи, Гаулли провел большую часть своей карьеры в Риме в конце XVII века. Он рисовал многих выдающихся натурщиков, в том числе пап и других кардиналов, но сегодня известны лишь немногие из его работ. Это, безусловно, один из самых совершенных из его известных портретов.

Похищение Европы, Гвидо Рени (1575–1642 гг.)

1637-1639гг.

На этой картине изображена мифологическая история Европы, дочери царя Тира, к которой однажды, когда она играла на берегу моря, подошел послушный бык. Накинув на его рога цветочную гирлянду, Европа ничего не подозревавшая забралась ему на спину. Бык, который на самом деле был замаскированным богом Юпитером, увез ее на Крит. Мы видим момент ее похищения, как раз перед тем, как ее тревога сменяется любовью.

Биограф Гвидо Рени, Карло Чезаре Мальвазия, приводит три версии «Похищения Европы», написанные Рени для великих персонажей. Эту работу идентифицировали как работа, доставленную польскому королю Владиславу незадолго до 1640 года. Ее светящаяся тональность и холодные бледные цвета соответствуют позднему стилю художника, что подтверждает теорию о том, что она была создана около 1640 года. В этот период его творчества карьере, палитра Рени стала заметно светлее. Фигуры он изображал широкими мазками бледно-матового цвета, уделяя особое внимание статуарной элегантности поз и драпировок.

Лот и его дочери покидают Содом, Гвидо Рени (1575–1642 гг.)

Лот и его дочери бегут из грешного города Содома, предупрежденные Богом о его разрушении (Бытие 19). Семья сейчас разговаривает, возможно, обдумывая свой следующий шаг. Заметно отсутствуют детали, обычно связанные с сюжетом, такие как горящий Содом на заднем плане или элементы эротики, намекающие на более позднее соблазнение дочерей своего отца (попытка продолжить родословную своей семьи). Вместо этого трио полностью одеты, трезвы и целомудренны.

Эта картина была написана примерно во время знаменитой фрески Рени «Аврора» в Риме, где он жил и работал более десяти лет. Статные фигуры и солидное обращение с красками иллюстрируют стиль, который он там разработал. С середины семнадцатого века эта картина считается дополнением к картине «Сюзанна и старейшины» (также находится в коллекции Национальной галереи). Хотя они похожи по формату и оба иллюстрируют морализаторские сказки, их написали с разницей в несколько лет и изначально не предназначались для пары.

Святая Сесилия, Пьетро да Кортона (1596 — 1669)

1620-1625гг.

Святая Цецилия, покровительница музыкантов, безмятежно сидит за столом, держа в одной руке ладонь – символ ее мученичества, а в другой – нотный лист. Слева — переносной орган; справа ангел опирается на арфу. В правом верхнем углу мы можем увидеть верхние части классического храма, напоминающего о том, что этот святой жил в Риме третьего века. По легенде, Сесилия была христианкой, обратившей своего мужа в язычество; ангел подарил ей венок из роз. Здесь она носит корону из красных и белых роз перед нимбом.

Эта картина является ранней работой Пьетро да Кортона, одного из самых влиятельных и плодовитых деятелей римского барокко, украсившего многие римские церкви и дворцы. Это одна из небольшого числа работ, стилистически связанных с его фресками в Палаццо Маттеи в Риме, датируемыми незадолго до 1624–1625 годов.

Иаков со стадом, Лавана Хусепе де Рибера (1591 — 1652)

Вероятно 1638

Иаков сидит рядом с ручьем, держа в руках свой пастушеский посох, окруженный своим стадом. Отдыхая под деревом, он смотрит на небо, как будто ищет руководства или силы: согласно истории Ветхого Завета, Иаков согласился пасти стадо Лавана в течение семи лет, чтобы жениться на его дочери Рахили. Вместо выплаты заработной платы Лаван пообещал Иакову, что сможет оставить себе всех родившихся крапчатых ягнят. Джейкоб снял кору с деревянных веток и положил их в ручей (две плывут внизу слева). Любая овца, которая пила эту воду, зачала крапчатых ягнят, которых Иаков позже смог объявить своими.

Копия этой картины в Музее Серральбо в Мадриде показывает, что картину Национальной галереи существенно урезали с левой стороны. Холст изначально был более прямоугольным по формату и включал крапчатую овцу на левом переднем плане.

Рибера подписал картину внизу справа, указав свое испанское гражданство, обучение в Академии в Риме и дату 1638 года.

Сюзанна и старейшины, Гвидо Рени (1575 — 1642)

Около 1622-1623

В апокрифическом дополнении к Ветхому Завету описывается, как два развратных старца угрожали обвинить Сюзанну, красивую молодую женщину, в прелюбодеянии – преступлении, караемом смертью, – если она не уступит их желаниям. Гвидо Рени здесь иллюстрирует этот эпизод: один мужчина хватает Сюзанну за одежду и прикладывает пальцы к губам, приказывая ей замолчать, а другой поднимает руку, готовый прикоснуться к ней. Она хватается за драпировку, пытаясь прикрыть грудь.

Эта картина висела в Палаццо Ланчеллотти в Риме в 1640 году рядом с «Лотом и его дочерями, покидающими Содом», и сейчас также находится в коллекции Национальной галереи. Учитывая, что картины одинакового размера, некоторое время считалось, что они были созданы как сопутствующие произведения. Однако при чистке в 1984 году обнаружили манеру письма, которая предполагает разные даты создания работ. «Сусанна и старейшины» написали позже, чем «Лот и его дочери», и, вероятно, изначально их не задумывали как пару.

Сюзанна и старейшины, Людовико Карраччи (1555 — 1619)

1616

Молодая женщина приседает в правом нижнем углу, пытаясь прикрыть свою наготу плащом, в то время как двое бородатых мужчин пристально смотрят на нее и тянут за одежду. Это Сюзанна, героиня Ветхого Завета. В один жаркий день, когда она купалась в саду мужа, ее увидели двое старейшин – высокопоставленных членов еврейской общины – и пригрозили обвинить ее в прелюбодеянии, если она не переспит с ними.

Этот предмет был популярен среди коллекционеров того периода, поскольку давал повод изобразить частично одетую женскую фигуру, которой можно было восхищаться без особого чувства вины. Это поздняя работа Людовико, двоюродного брата Агостино и Аннибале Карраччи. Его композиция и освещение драматизируют сцену. Сюзанна ярко освещена, что подчеркивает ее моральное превосходство над призрачными старейшинами, а фигуры собраны вместе и видны крупным планом, что добавляет сцене напряженности.

Олицетворение славы, Бернардо Строцци (1581 — 1644)

Вероятно 1635-1635

Молодая женщина, одетая в ослепительную желтую юбку и красный корсаж, полулежат в темном пейзаже, из которого видны лишь некоторые камни и растения на переднем плане. Ее крылья и трубы, которые она держит, идентифицируют ее как аллегорическую фигуру Славы. Обычно Славу изображают с помощью одной или двух труб разной длины, которые символизируют хорошую и плохую славу, но здесь она держит золотую трубу в одной руке и деревянный инструмент – шаум (предшественник гобоя) – в другой. другой.

Картина представляет собой относительно позднюю работу генуэзского художника Строцци, который последние несколько лет своей жизни провел в Венеции. Яркая красочная палитра и виртуозная манера письма, проявляющаяся на юбке и белой рубашке, типичны для его техники.

Никаких других картин Строцци на эту тему не известно, и ее удлиненный формат предполагает, что она, возможно, предназначалась для использования в качестве надвратной двери.

Агония в саду, Людовико Карраччи (1555 — 1619)

Около 1590

Это ночь перед Распятием. Иисус, зная, что он будет предан и умрет на Кресте, взял Петра, Иакова и Иоанна, чтобы они присматривали за ним, пока он молится, но они уснули. Согласно Евангелию от Луки, Христос попросил Бога «отнять от меня чашу сию», и явился ангел, чтобы утешить его. Здесь он несет чашу, из которой ему придется пить, и указывает на видение орудий страданий – креста, тернового венца, колонны, у которой бичевали Христа, губки, пропитанной уксусом, которую ему дали. пить и древко копья, пронзившее ему ребра. На заднем плане Иуда ведет воинов, идущих арестовать Христа, в Гефсиманский сад: один несет лампу, свет которой сияет на их доспехах.

Людовико Карраччи написал несколько небольших картин на эту тему для частного поклонения. Это самая ранняя сохранившаяся версия.

Дидона принимает Энея и Купидона, замаскированного под Аскания, Франческо Солимена (1657 — 1747)

1710

Энеида, эпическая поэма римского писателя Вергилия, рассказывает историю Энея, троянского героя и сына богини Венеры. В первой книге Эней приходит в город Карфаген. Обеспокоенная за его безопасность, Венера придумывает заговор, чтобы защитить его: она отправляет в город Купидона под видом сына Энея Аскания, чтобы заставить Дидону, царицу Карфагена, влюбить в героя героя.

Монументальная картина Солимены изображает замаскированного Купидона, приближающегося к Дидоне – только мы можем видеть крылья и стрелы, которые его опознают. Эней в зеленом кожаном нагруднике протягивает руку, чтобы поприветствовать царицу. Кажется, ее интересует только Купидон, игнорируя предлагаемые ей драгоценные дары. Яркий свет освещает роскошные драпировки и блестящие доспехи фигур переднего плана, а также пухлое тело Купидона; другие служители наблюдают из тени. Сценическая композиция, вероятно, была вдохновлена современными оперными постановками.

Брак в Кане, Маттиа Прети (1613 — 1699)

Около 1655-60

Эта сцена многолюдного банкета показывает первое чудо Христа (Ин. 2:1–10). Его, его мать и учеников пригласили на свадебный пир в Кану Галилейскую. Когда вино кончилось, Мария рассказала об этом своему сыну, и он попросил наполнить водой шесть каменных кувшинов. Попробовав воду, выяснилось, что это вино высочайшего качества. Христос сидит справа рядом со своей матерью, которая велела слугам выполнять волю Христа. Удивленный стюард (вероятно, мужчина в красном слева) воскликнул: «Ты оставил лучшее вино напоследок».

Великий художник-нарративист Маттиа Прети ярко передает эмоциональный драматизм эпизода. На переднем плане слуги декантируют чудесное вино, а мужчина, сидящий рядом с Марией, в изумлении поднимает руку. В центре композиции управитель держит изысканный кубок, в который Черный слуга наливает золотую жидкость.

Посвящение Веласкесу, Лука Джордано (1634 — 1705)

Около 1692-1700

Название этой картины происходит от идеи, что она изображает Диего Веласкеса при испанском дворе в окружении королевских особ и выдающихся гуманистов. Считалось, что главные персонажи «Мениас» Веласкеса (Музей Прадо, Мадрид), в том числе сам Веласкес и юная испанская принцесса Маргарита, также были главными героями этой картины.

С тех пор эта теория была отвергнута. Более убедительная интерпретация идентифицирует главную фигуру как графа Сантистебана с его дочерью и членами его семьи. Он был правителем (наместником) Неаполя и владел «большим эскизом» Луки Джордано, описание которого соответствует этой картине. Джордано включил автопортрет: мужчина в очках внизу справа.

Считалось, что картина была написана Веласкесом в девятнадцатом веке, когда она принадлежала британскому художнику сэру Эдвину Ландсиру. Он, как и другие, должно быть, восхищался этой работой за ее уверенную манеру письма и качество эскиза: прыгающий спаниель на переднем плане — особенно живая деталь.

Богородица с Младенцем и Иоанном Крестителем, Валерио Кастелло (1624 — 1659)

Около 1650

Юная Дева Мария нежно смотрит на своего сына, младенца Христа, извивающегося у нее на коленях. Христос протягивает руку, чтобы обнять Святого Иоанна Крестителя, которого можно узнать по тростниковому кресту, который он держит. Композиция этой картины построена по диагоналям, и безмятежная осанка Богородицы резко контрастирует с оживленной, извивающейся позой Христа.

Это сравнительно поздняя работа генуэзского художника Кастелло. Ощущению движения в картине вторит мерцающий свет и характерная для Кастелло живая манера обращения с красками. Цвета богатые и насыщенные: яркий красный цвет платья Богородицы сочетается с темно-синим цветом ее плаща, а манера письма Кастелло энергична и свободна, особенно на белой ткани, на которой восседает Христос.

Дева с длинной шеей на этой картине вдохновлена работами Пармиджанино, а архитектурная обстановка напоминает портреты, написанные Ван Дейком в Генуе во время его продолжительного визита в Италию в 1620-х годах.

Ангел является Агари и Измаилу, Джоаккино Ассерето (1600–1649)

Около 1640 г.

Женщина, сидящая на фоне пейзажа, поражена внезапным появлением ангела, который указывает на небо и жестикулирует в сторону спящего мальчика вдалеке. Это ангел, являющийся Агари, египетской служанке Саре, жене Авраама, как сказано в Ветхом Завете. Агарь родила Аврааму сына Измаила, после чего ее изгнали в пустыню. Когда запасы закончились и Измаил был на грани смерти, появился ангел, указав на источник воды, где они могли пить, и объявил Агари, что ее сын возглавит великий народ (измаильтян).

Это зрелая работа генуэзского художника Ассерето. Плавная манера письма и ярко выраженный натуралистический стиль картины типичны для художника. Жестикуляционные фигуры Ассерето и смело укороченная композиция придают этой библейской сцене драматизм, в то время как приглушенные тона и ограниченная цветовая гамма отражают мрачное настроение, которого требует сюжет.

Испанский золотой век

Непорочное зачатие с двумя донорами Хуан де Вальдес Леаль (1622 — 1690)

Вероятно, 1661

Дева Мария, увенчанная 12 звездами и стоящая на полумесяце, окружена цветами, ассоциирующимися с ее чистотой, зеркалом и короной, обозначающими ее положение Царицы Небесной.

Картина отсылает к учению о непорочном зачатии (вере в то, что Деву зачали без греха). Большая часть образов, связанных с этим верованием, была заимствована из ветхозаветной Песни Песней Соломона, когда-то приписываемой Соломону, царю Израиля. Его трон, вероятно, можно отождествить с троном наверху лестницы слева. В нижних углах появляются две фигуры доноров в натуральную величину – старуха в траурном платье и мужчина, предположительно ее сын.

Вальдес Леаль использовал вариации света и тона, чтобы различать земное и небесное царство. Нас ведут от темных, твердых форм дарителей на переднем плане к более светлому образу Богородицы, а затем к бесплотной фигуре Бога.

Молодой человек пьет, Бартоломе Эстебан Мурильо (1617-1682)

1655-1660 гг.

Жанровые картины редки в творчестве Мурильо, и тематика этой картины остается загадочной. Молодой человек может и пьет вино, но делает это с достоинством и осторожностью, изящно держа бокал за основание. Возможно, он официант в таверне, но ссылка на Бахуса лучше объясняет его озорное выражение лица.

Крестьянский мальчик,опирающийся на подоконник, Бартоломе Эстебан Мурильо (1617-1682)

Около 1670-1680 гг.

Крестьянский мальчик опирается на отколотый каменный блок или подоконник и смотрит на что-то — или кого-то, — что вызывает у него улыбку. Именно такими картинами Мурильо известен больше всего. Когда бедность стала постоянно растущей проблемой в Севилье семнадцатого века, Мурильо специализировался на рисовании нищих мальчиков и беспризорных детей с необычайной человечностью. Выражение лица мальчика и его расслабленная поза показывают, что он в приподнятом настроении; кроме его рваной одежды ничто не указывало на суровые реалии бедности.

Непорочное зачатие Богородицы, Бартоломе Эстебан Мурильо и студия (1617-1682)

17 век

Окруженная ангелами, изящная и неземная Дева Мария скрещивает руки на груди и смотрит в небо. Она носит белую одежду и развевающийся синий плащ. Сцену заливает мягкий свет, а Богородицу окружает золотая дымка облаков, в которой словно растворяются ангелы. Под ее ногами видна вершина полумесяца — символа, связанного с изображениями Непорочного Зачатия (верования в то, что Дева была зачата без греха).

Когда-то считалась подражанием Мурильо, но работы по очистке, проведенные в 1980 году, выявили картину более высокого качества и возможное участие самого мастера. Низшие ангелы с выразительными руками, искривленными телами и энергичными движениями — одни из лучших ролей; они, скорее всего, принадлежат Мурильо.

Небесная и Земная Троица, Бартоломе Эстебан Мурильо (1617-1682)

Около 1675-82

Эта картина иллюстрирует веру в то, что Христос был одновременно человеком и божеством: воплощение «Двух Троиц». В центре композиции Младенец Христос составляет часть Небесной Троицы с голубем Святого Духа и Богом-Отцом наверху, а также часть Земной Троицы со своими человеческими родителями, Марией и Иосифом.

Сцена не основана на конкретном библейском событии, хотя история из Евангелия от Луки перекликается с ее темой. В 12 лет Христос исчез после поездки в Иерусалим; в конце концов его нашли в Храме за дискуссией с религиоведами. Столкнувшись со своими обеспокоенными родителями, Христос говорил просто о своей божественной миссии.

Мария с любовью смотрит на сына. Иосиф смотрит на нас, приглашая поклониться Христу, стоящему на скале с острыми краями. Возможно, это символизирует жертвенник или может относиться к библейским описаниям Христа как «краеугольного камня», на котором будет построен Божий дом.

Святой Иероним, как кардинал, возможно, Эль Греко (1541 — 1614)

1590-1600

На этой картине, которую когда-то ошибочно приняли за портрет кардинала, на самом деле изображен святой Иероним, одетый в кардинальские одежды. Его часто изображали таким образом как признание его высокого статуса в католической церкви, хотя при его жизни этой должности не существовало. Его главным достижением был перевод Библии на латынь. Здесь он указывает на эту великую работу, глядя вдаль, отмечая большим пальцем свое место.

Эль Греко и его студия нарисовали несколько вариантов этого изображения. Эта версия, которая имеет меньший размер, чем другие, и теперь уже довольно изношена, имеет худшее качество и, возможно, была сделана в виде уменьшенной копии, чтобы показать ее потенциальным покупателям.

Христос, созерцаемый христианской душой, Диего Веласкес (1599-1660)

Около 1628-1629 гг.

Привязанный к колонне Христос рухнул на пол. Его обмякшее тело, наклоненная голова и страдальческое выражение лица показывают его изнеможение и страдание. Веласкес показывает момент после бичевания, когда римские солдаты бичевали Христа — мы можем видеть палки и плети, которые они использовали, лежащие на переднем плане. О жестокости этого нападения свидетельствуют струйки и пятна крови на теле Христа и колонне. Рядом с Христом на коленях стоит мальчик, представляющий христианскую Душу и ее Ангела-Хранителя. Ангел мягко направляет мальчика к размышлению о страданиях Христа, и луч света исходит от головы Христа к сердцу мальчика. В семнадцатом веке верующих поощряли размышлять о страстях Христа (его пытках и распятии) и представлять, что они присутствовали при событиях, предшествовавших распятию.

Христос в доме Марфы и Марии, Диего Веласкес (1599-1660)

После 1618 г.

Горничная толчет чеснок в ступке, а на столе разбросаны другие ингредиенты: рыба, яйца, сморщенный красный перец и глиняный кувшин, вероятно, с оливковым маслом. Пожилая женщина указывает на нее, как будто давая ей инструкции или отчитывая ее за слишком много работы, или она может привлечь наше внимание к фигурам на заднем плане.

Сцена, видимая в правом верхнем углу, взята из Нового Завета (Луки 10: 38–42). Когда Мария сидит у ног Иисуса, слушая его, ее сестра Марфа жалуется, что ее нельзя оставлять одну подавать еду. Христос отвечает: «Мария взяла ту добрую часть, которая не отнимется у Нее». Мы видим его через отверстие, хотя его также читали как отражение в зеркале или картину, висевшую на стене. Фигуры на переднем плане, одетые в современные костюмы, могут быть задуманы как современные Марфа и Мария.

Филипп IV Испанский в коричневом и серебряном, Диего Веласкес (1599-1660)

Около 1631-1632 гг.

Филипп IV, король Испании, обычно изображался в довольно мрачной одежде. Поэтому необычное великолепие его костюма здесь предполагает, что эту работа сделали, чтобы отпраздновать что-то особенное. В 1632 году он надел похожий наряд на важную церемонию, на которой кортесы Кастилии принесли присягу на верность его сыну и наследнику Бальтасару Карлосу. Его безрукавка и бриджи, белые шелковые рукава и плащ богато украшены серебряной нитью, а шляпа украшена нежными перьями. Он носит знак Ордена Золотого Руна (престижный рыцарский орден) и опирается одной рукой на шпагу. Филипп появляется как молодой человек, его бесстрастное и напористое выражение лица передает его силу.

Мы можем видеть подпись Веласкеса на петиции, которую держит Филипп, в которой указывается его положение придворного художника. Художник редко подписывал свои работы, только те, которые считал важными.

Апостол, Хусепе де Рибера (1591 — 1652)

Около 1615-1619

Эта картина, вероятно, принадлежала серии Апостолов и изображает либо Святого Фому, либо Святого Матьяша, атрибутом обоих которых является копье. За свою карьеру Рибера нарисовал несколько таких серий — самая полная, датируемая примерно 1630 годом, находится в Музее Прадо в Мадриде. Серии «Апостолы» были распространены в Европе с шестнадцатого века, и Рибера, возможно, ссылался на те, что писал его предшественник Эль Греко.

По стилю можно предположить, что это юношеская работа. Известны как минимум пять других апостолов того же формата и такой же даты. В этой картине Рибера использует очень ограниченную цветовую гамму, а краску нанес густым слоем, что особенно заметно в бликах на лбу апостола. Его морщинистый румяный цвет лица контрастирует с мягкой бородой, а суровый реализм рук и грязных ногтей типичен для работ Риберы. Апостол проникнут удивительной человечностью – Рибера, должно быть, основывал его на реальном человеке – и он пристально смотрит на нас приковывающим взглядом.

Филипп IV Король Испании, Диего Веласкес (1599-1660)

Около 1656 г

Веласкес написал множество портретов Филиппа IV, короля Испании, на протяжении всего своего правления. Это последнее изображение короля, написанное человеком, который служил его придворным художником с 1623 года. Он выглядит усталым и средних лет: его дряблая плоть и опухшие глаза говорят о бремени ответственности, лежащей на его плечах во время его долгого правления ( 1621–65). Как и на многих портретах Веласкеса, у Филиппа характерные вздернутые усы.

Дон Адриан Пулидо Пареха, возможно, Хуан Баутиста Мартинес дель Мазо (1612-1667)

После 1647 г.

Это дон Адриан Пулидо Пареха, выдающийся капитан испанского королевского флота. Он носит рыцарский знак ордена Сантьяго, присужденный ему в 1647 году, в виде золотой медали, украшенной красным крестом в форме меча. В левой руке он держит широкополую шляпу, а в правой сжимает деревянную командирскую дубинку.

Филипп IV охотится на кабана, Диего Веласкес (1599-1660)

Около 1632-1637 гг.

Король Испании Филипп IV и сопровождающие его лица охотятся на кабана на лесной поляне. Король появляется верхом справа от центра, направив оружие на атакующего кабана, в сопровождении своего первого министра и, возможно, двух братьев. Слева на другого кабана нападает стая собак. Охота на кабана была дорогим занятием, и такие мероприятия традиционно устраивались по особым случаям. Возводили большой брезентовый забор — tela real («царский холст») и загоняли в него диких кабанов. Королева Изабелла и ее спутники смотрят из своих карет. На переднем плане толпа наслаждается зрелищем охоты, хотя многие не обращают внимания: мальчик в белом смотрит в нашу сторону, трое дворян беседуют, мужчина нагружает мула. Картину заказали для королевского охотничьего домика Торре-де-ла-Парада на окраине Мадрида.

Поклонение пастухов, неизвестный художник

Вероятно, 1630е

Дева Мария нежно поднимает новорожденного сына, а святой Иосиф, опираясь на посох, с умилением смотрит на Младенца Христа. Их окружают фигуры, в том числе два пастуха, которые в поклонении берутся за руки, а другие предлагают в качестве подарков домашнюю птицу и ягнят. Два связанных ягненка стратегически расположены перед Христом, намекая на его будущую жертву на Кресте.

Богоматерь с Младенцем ярко освещена слева, тогда как остальные фигуры, толпящиеся вокруг них, частично находятся в тени. На заднем плане пастухи показаны в более раннем эпизоде, в котором ангел возвещает им о рождении Христа.

Когда эту картину приобрела Национальная галерея, считалось, что она принадлежала Веласкесу. Его также приписывают другим испанским и неаполитанским художникам, включая Мурильо, Риберу и Сурбарана. До сих пор неизвестно, кто ее нарисовал, но, скорее всего, это был известный испанский художник, поскольку в Испании сохранилось несколько копий.

Королева Испании Мариана в трауре, Хуан Баутиста Мартинес дель Масо (около 1612/16-1667)

1666

Сидящая в роскошном интерьере королева Испании Мариана находится в трауре – она носит белый платок и черную одежду вдовы сорняков. Этот портрет — одно из лучших произведений Мазо — он написал через год после смерти ее мужа Филиппа IV, короля Испании. Их сын и наследник Карл был слишком молод, чтобы взойти на трон, и Мариана осталась править в качестве регента.

Она сидит на похожем на трон стуле в Алькасаре, королевском дворце в Мадриде, разрушенном пожаром в 1734 году. Хотя Мариана представлена как жена и мать, в правой руке она держит петицию, намекающую на ее официальные обязанности, на на которых стоит подпись Мазо и дата 1666 г.

На заднем плане появляется молодой Чарльз в сопровождении слуг. За ним стоит позолоченная «игрушечная» карета, в которой он возил по королевскому дворцу. Карл был хрупким ребенком, и его смерть в 1700 году без наследника ознаменовала конец правления Габсбургов в Испании.

Видение отца Симона, Франсиско Рибальта (1565 — 1628)

1612

Франсиско Херонимо Симон (1578–1612) был приходским священником Сан-Андрес в Валенсии. В 1612 году ему было чудесное видение: здесь он изображен стоящим на коленях перед высокой фигурой Христа, несущего крест, со слезами, струящимися по его лицу, когда он протягивает руку, чтобы обнять его. За Христом следует процессия трубящих римских солдат, святого Иоанна Богослова и Богородицы. Солдаты кажутся раздавленными, и теперь видна только часть Богородицы, поскольку картину уменьшили по обеим вертикальным сторонам и, вероятно, по верху.

Подпись Рибальты размещена на видном месте на листе бумаги, лежащем у ног Христа. Картина датирована 1612 годом, годом видения и смерти отца Симона. Последовал период пылкой преданности отцу Симону, пока его культ не запретили в 1619 году.

В конце своей карьеры Рибальта работал в Валенсии. На его искусство сильное влияние оказали итальянские художники Себастьяно дель Пьомбо и Караваджо, некоторые работы которого были известны в Испании.

Христос исцеляет расслабленного у купальни Вифезда, Бартоломе Эстебан Мурильо (1617-1682)

1667-1670 гг.

На этой картине изображен один из семи актов благотворительности, описанных в Евангелии от Матфея, и она является частью серии, которую Мурильо написал для церкви Госпиталя де ла Каридад в Севилье. Каридад был благотворительным братством, призванным помогать бедным и больным города; Сам Мурильо был членом. Купальню Вифезда в Иерусалиме периодически посещал ангел, и кто после этого первым прикасался к ее воде, тот исцелялся от болезни. Христос подошел к купальне и услышал, как больной жаловался, что кто-то всегда ступает в воду раньше него. Здесь Христос предлагает человеку встать, исцеляя его; их зеркальные жесты рук отражают мощную связь между ними. Поднятые вверх руки мужчины создают восходящее движение, как будто невидимая сила поднимает его с земли — визуальное воспоминание о происходящем чуде.

Автопортрет, Бартоломе Эстебан Мурильо (1617-1682)

Около 1670

Мурильо изобразил себя внутри вымышленной рамы. Его правая рука выходит из каменной рамы, как будто он оживает и входит в наше пространство. Этот автопортрет, вероятно, был написан примерно в 1670 году. Тогда Мурильо было чуть больше пятидесяти: его линия волос редеет, а усы поседеют. Он одет в черное, с тонким кружевным белым воротником, известным в Испании как валона. Он смотрит на нас, его поза одновременно расслабленная и уверенная в себе.

Разложенные на выступе внизу предметы — палитра и кисти, рисунок красным мелом, подставка для мела, линейка и циркуль — говорят нам о том, что Мурильо — художник. Латинская надпись показывает, что он нарисовал этот автопортрет, чтобы «исполнить желания и молитвы» своих детей.

Святой Франциск медитирует, Франсиско де Сурбаран (1598-1664)

1639 г.

Это одно из самых строгих и глубоко духовных произведений Сурбарана. Святой Франциск стоит на коленях в горячей молитве, его сцепленные руки баюкают череп. Тень закрывает его лицо, давая нам лишь проблеск его черт. Он носит одежду францисканцев, религиозного ордена, который он основал в тринадцатом веке. Его залатанный и оборванный вид напоминает обет бедности, данный всеми членами ордена. Сурбаран изображает святого в момент глубокого созерцания с запрокинутой вверх головой и приоткрытым ртом. Череп является символом смерти и относится к распятию Христа. Медитацию о смерти особенно любили иезуиты. А изображения святых, созерцающих черепа, часто встречаются в итальянской и испанской живописи XVII века.

Оплакивание мертвого Христа, Хусепе де Рибера (1591-1652)

Около 1620 г.

Рибера запечатлел момент, когда выкладывают бездыханное тело Христа после того, как его сняли с креста. Торжественный святой Иоанн Богослов, одетый в красное и зеленое, нежно поддерживает изящный труп Христа. Бледность Христа бросается в глаза – его губы и кожа становятся серо-синими, а лоб испачкан кровью, пролитой им от ношения тернового венца. В центре композиции изображена Дева Мария, сложившая руки в молитве и смотрящая на своего сына в глубокой печали. Мария Магдалина наклоняется и приближает свое лицо к ногам Христа, как бы собираясь поцеловать раны, нанесенные гвоздями, которыми Он был прибит к Кресту.

Святая Маргарита Антиохийская, Франсиско де Сурбаран (1598-1664)

1630-4

Святую Маргариту Антиохийскую, жившую в четвертом веке, изгнал ее отец, языческий священник, когда она обратилась в христианство. Ей пришлось самой заботиться о овцах. Она одета как богатая пастушка, в куртке из овечьей шкуры поверх живописного костюма и в модно надвинутой на голову соломенной шляпе. Сурбаран показывает, как она держит посох и молитвенник, а на одной руке у нее красочная седельная сумка, сделанная крестьянскими ткачами.

Святая, кажется, не обращает внимания на рычащего дракона – замаскированного сатану – у ее ног. Она смотрит прямо на нас с трезвым и решительным выражением лица. Согласно «Золотой легенде», средневековому сборнику биографий святых, зверь сожрал ее. Она вырвалась из его чрева целой и невредимой и позже взяла на себя роль покровительницы родов.

Яркое освещение подчеркивает ее безупречную кожу, насыщенные цвета и текстуры ее одежды, а также чешую дракона, пронзительные глаза и острые клыки.

Натюрморт с лимонами в плетеной корзине, Хуан де Сурбаран (1620-1649)

Около 1643-1649 гг.

Плетеная корзина доверху набита свежими лимонами. Их, кажется, только что сорвали с дерева, и их листья все еще держатся. По всей композиции разбросаны веточки цветов – цветы лимона, красные гвоздики, синие дельфиниумы, белые розы, лилейники и тюльпан. На краю изящной фарфоровой чаши, наполненной водой, сидит щегол, а на поверхности плавает одинокая лилия. Их почти наверняка задумали как символические: вода и лилия относятся к чистоте Девы Марии, а щегол часто ассоциируется со Страстями Христа (его пытками и распятием) и жертвоприношением. Это одна из примерно дюжины сохранившихся картин Хуана де Сурбарана, сына знаменитого художника Франсиско де Сурбарана.

The post Лондонская национальная галерея, XVII век итальянской живописи appeared first on Блог Милы.

Лондонская национальная галерея — музей в Лондоне на Трафальгарской площади, содержащий более 2000 образцов западноевропейской живописи XIII — начала XX века. Картины в галерее экспонируются в хронологическом порядке.

Бронзовый Змей, Питер Пауль Рубенс (1593-1678)

Вероятно 1635-40 г.

Моисей стоит слева, подняв руку и зовя людей посмотреть на бронзового змея, обвившегося вокруг шеста, который держит священник Елеазар. Сцена взята из Ветхого Завета. Бог послал язву «огненных змей», чтобы наказать израильтян за их греховность и неверие (Числа 21:6). Но всякий, кто последует указанию Моисея, будет защищен. Пока некоторые пытаются вырваться из лап змей, одна фигура – женщина в черном платье в центре группы – пристально смотрит на бронзового змея и поэтому остается невредимой. Вероятно, она основана на второй жене Рубенса, Элен Фурман.

Рубенс сделал эту картину с помощью своих помощников в студии. Возможно, они использовали модель (эскиз, используемый в качестве руководства для картины), чтобы заблокировать композицию, прежде чем Рубенс нарисовал детали.

Богородица с младенцем со святым Иоанном и его родителями, Якоб Йорданс (1593-1678)

1620 г.

Мы наблюдаем интимный семейный момент, видимо, незамеченный. Представляют двух детей – это Младенец Христос и его двоюродный брат, святой Иоанн Креститель. Хотя эта встреча не упоминается в Библии, она предвосхищает евангельский момент, когда Христос приходит к Иоанну для крещения.

Фигуры собраны в пространстве небольшой комнаты – Дева Мария держит Христа, а за ним стоят родители Иоанна, Елизавета и Захария. Ягненок и щегол — игривые, но значимые детали. Иоанн классно назвал Христа «Агнцем Божьим», а щегол является символом более поздних Страстей Христа (его пыток и распятия), которые были предсказаны Иоанном. Елизавета и Захария внимательно наблюдают, как маленькая птичка вылетает из клетки к Христу. Эта картина основана на более ранней картине Йорданса. Она сейчас находится в Художественном музее Северной Каролины в Роли.

Изнасилование сабинянок, Питер Пауль Рубенс (1577-1640)

Около 1635 — 1640 гг.

Легенда о похищении сабинянок римлянами описана несколькими классическими писателями. Хотя сведения расходятся, ключевые детали совпадают. Ромул, основатель, а затем царь Рима, построил впечатляющий город, но в нем не хватало женщин. Он пригласил сабинян, живших поблизости в горах, привести своих жен и дочерей на праздник гонок на колесницах. Он намеревался схватить незамужних женщин.

На этой картине Ромул сидит в силуэте. Он указывает на женщин на возвышении, как сигнал своим людям начать похищение. Женщины в отчаянии отшатываются, а на переднем плане крупным планом уносят первых жертв. Рубенс явно стремился подчеркнуть связанное с этим насилие. Противопоставляет темных, решительных, мускулистых римлян бледнокожим женщинам с широко раскрытыми глазами и беспомощностью. Но он также сделал этот момент эротичным. У нескольких женщин уже обнажена грудь, а у другой солдат задирает юбки.

Римский триумф, Питер Пауль Рубенс (1577-1640)

1630 г.

Толпа людей отдыхает на травяном берегу, наслаждаясь зрелищем яркой процессии, посвященной возвращению великого полководца и его армии. Над ними возвышаются колонны и ниши классических римских зданий. Внизу трубачи и волынщики трубят в свои инструменты, а животных ведут на жертвоприношение. Человек, опасно балансирующий высоко среди леса мерцающих факелов, зажигает свечу от пламени. Но в центре картины находится высокая фигура священника в ярко-красном.

Рубенс основывал свой образ на двух из серии из девяти монументальных картин Андреа Мантенья, «Триумфы Цезаря», одной из великих работ эпохи Возрождения. Рубенс видел картины, когда был в Мантуе. Вполне вероятно, что в течение нескольких лет он работал скачкообразно, экспериментируя и внося поправки для собственного интереса и удовольствия.

Самсон и Далила, Питер Пауль Рубенс (1577-1640)

Суд Париса, Питер Пауль Рубенс (1577-1640)

Около 1597-1599 гг.

На этой картине изображен критический момент в классической мифологии. Человек слева, повернувшись к нам спиной, — это Парис. Он вырос как пастух, но на самом деле он был принцем Трои. Его попросили судить конкурс красоты между богинями Венерой, Юноной и Минервой и наградить победительницу золотым яблоком. Мы видим, как Парис вручает яблоко Венере, покоренный ее обещанием наградить его любовью самой красивой смертной женщины — Елены, жены царя Менелая Спарты.

Это выбор, который в конечном итоге приведет к похищению Елены Парисом, попыткам греков вернуть ее и в конечном итоге к разрушению Трои. Здесь, однако, его решение не изображается как предзнаменование, а приветствуется богом Меркурием. В то время как четыре херувима спускаются с неба, чтобы помочь коронации Венеры. Юнона с выражением ярости на лице протягивает руку, словно пытаясь вмешаться. В то же время Минерва, стоящая спиной к нам, еще не отреагировала.

Портрет Сюзанны Лунден (?), Питер Пауль Рубенс (1577-1640)

Около 1622 — 1625 гг.

Почти наверняка это портрет Сюзанны Лунден (1599–1643), дочери антверпенского купца Даниэля Фурмена, старого друга и клиента Рубенса. Портрет, вероятно, был сделан вскоре после ее замужества с Арнольдом Лунденом. Это очень характерная картина — темные, огромные глаза натурщицы и преувеличенно длинная шея, а также фон вздымающихся облаков и простая цветовая палитра — все это способствует ее уникальному характеру.

Есть что-то и в том, как нам представляют натурщицу — возможно, ощущение двусмысленности. Ее глаза подчеркнуты голубизной неба, а ее расширенные зрачки — черным цветом шляпы. Но она не совсем отвечает на наши взгляды. Кажется, она либо только что отвела взгляд, либо набралась смелости, чтобы взглянуть вверх. Рубенс был явно очарован Лунден. И всего несколько лет спустя женился на ее младшей сестре Элен. Той в то время было 16 лет (ему было 52).

Минерва защищает Пакса от Марса («Мир и война»), Питер Пауль Рубенс (1577-1640)

Около 1629-1630 гг.

Эта картина была сделана для короля Англии Карла I. И передана ему Рубенсом, действовавшим в качестве посланника Филиппа IV Испанского, в 1630 году. Две страны находились в состоянии войны в течение пяти лет. И обе стороны стремились к миру.

Картина представляет собой аллегорию, фигуры представляют разные добродетели и другие абстрактные понятия, и в ней присутствует четкое моральное повествование. Среди ключевых фигур женщина в центре олицетворяет Пакс (Мир) и Цереру, богиню земли. Она делится своей щедростью с группой детей на переднем плане. Они представляют будущие поколения, но также являются портретами детей сэра Бальтазара Жербье, хозяина Рубенса. Сразу за Паксом Минерва, богиня мудрости, защищает группу от Марса, бога войны.

Общий посыл ясен: отказ от войны и стремление к миру принесет процветание и изобилие. Миссия Рубенса принесла свои плоды. В ноябре 1630 года между Англией и Испанией был подписан мирный договор.

Охота на львов, Питер Пауль Рубенс (1577-1640)

Около 1614-1615 гг.

На группу мужчин, отправившихся на охоту на львов, охотятся сами львы. В этом коричневом монохромном наброске Рубенс — известный мастер живописи лошадей — мастерски изобразил движения вставших на дыбы лошадей и метающих копья, а также испуганные лица людей, пытающихся отбиться от нападающего льва. Лев кажется вдвойне разгневанным и отчаявшимся после убийства своей львицы, чье мертвое тело лежит пронзенным копьем справа. Охотники тоже потеряли одного из своих: под серой лошадью лежит, растянувшись, мертвец.

Рубенс представил момент баланса и предвкушения перемен: кто победит, человек или зверь? Выживший лев превосходит численностью, и слабая фигура намекает на возможный исход. Этот человек приближается, его глаза устремлены на голову льва, его рука — и, возможно, оружие — поднята вверх.

Чудесный улов рыб, Питер Пауль Рубенс (1577-1640)

Около 1618-1619 гг.

Согласно Евангелию от Луки (5:1–11), Христос однажды подошёл к двум рыбацким лодкам на Галилейском море. Сев на абордаж и проповедуя из него, он велел рыбакам закинуть сети. Хотя они работали всю ночь и ничего не поймали, рыбак согласился; когда они затянули сети обратно, они были почти разорваны от обильного улова. Пораженные этим чудом, рыбаки стали учениками Христа.

Композиция этого эскиза основана на центральной панели триптиха, выполненного Рубенсом для Нотр-Дам-о-дел-де-ла-Диль, церкви Гильдии торговцев рыбой Мехелена. Эскиз был использован в качестве основы для гравюры Schelte à Bolswert, работавшей на Рубенса в Антверпене.

Апофеоз герцога Бекингема, Питер Пауль Рубенс (1577-1640)

До 1625

В этой яркой картине Рубенс словно намекает на то, что апофеоз – возведение человека в божественный статус – не является полностью величественным и достойным делом, как это представлено во многих других современных картинах. Здесь кажется, что любому великому человеку, взятому на небеса и дарованному богами бессмертие, предстоит немалое путешествие. Джордж Вильерс, герцог Бекингемский, одетый в версию римских доспехов семнадцатого века, поднимается по небу в водовороте движущихся фигур. Его ведут Минерва, богиня мудрости и войны, и Меркурий, посланник богов. Его глаза обращены к его цели высоко над головой: Храму Добродетели.

Это подготовительный этюд маслом к картине, заказанной для потолка резиденции герцога в Лондоне. Оно пережило его примерно на 400 лет, но и потолок, и портрет сгорели в 1949 году — сохранилась только эта эффектная картина.

Рождение Венеры, Питер Пауль Рубенс (1577-1640)

Около 1632-1633

Этот дизайн серебряной чаши изображает ряд эпизодов классического мифа. Венера, богиня любви, выходит из гигантской раковины, из которой, согласно «Теогонии» Гесиода и гомеровским гимнам, она родилась. Рождение Венеры из моря — игровая тема для дизайна бассейна: по мере того, как сосуд осушался, постепенно появлялась фигура богини. Она выжимает морскую воду из своих длинных волос, пока ее сопровождающие помогают ей добраться до берега Кипра, один из которых протягивает нить жемчуга.

Морской бог Нептун и его жена Салация, богиня моря, полулежат в бордюре над сценой, наблюдая, как херувимы играют с лебедями и катаются на морских коньках, а нимфы катаются на дельфинах. У основания границы обнимаются влюбленные Амур и Психея – отсылка к роли Венеры как богини любви. Рубенс разработал дизайн для Карла I, короля Англии, а отлил раковину антверпенский серебряник Теодор Рогирс.

Водопой, Питер Пауль Рубенс (1577-1640)

Около 1615-1622 гг.

Молодая доярка с медным кувшином на голове и ведром в руке ведет стадо коров на дойку. Восходящее солнце отражается в луже и проникает сквозь деревья, чтобы поймать гладкие белые шкуры некоторых коров. Это идиллическая деревенская сцена, но в ней есть энергия: люди работают, животные двигаются.

Во Фландрии семнадцатого века пейзаж стал восприниматься как отдельный жанр, а не как простой фон для повествовательных картин или портретов. В частности, для Рубенса это стало способом прославить фламандскую сельскую местность, которую он любил. Но в Англии пейзажной живописи все еще пренебрегали даже в восемнадцатом веке, пока такие художники, как Ричард Уилсон и Томас Гейнсборо, не обратили на нее внимание. Последний увидел Водопой в Лондоне в 1768 году и написал пейзаж, вдохновленный им, в честь Рубенса.

Повозка, переезжающая ручей, Питер Пауль Рубенс (1577-1640)

Одинокий возница ведет своих лошадей и повозку вниз по крутому берегу в нечто похожее на глубокий брод. Это идиллическая сцена, напоминающая дневной свет, просачивающийся сквозь лес, и сюжет типичен для всплеска интереса Рубенса к пейзажной живописи в последние пять лет его жизни. Скорее всего, это были не платные комиссионные, а сделанные в основном для его собственного удовольствия, когда он проводил больше времени в загородном доме, который купил в 1635 году.

Сельская местность, окружающая поместье, стала новым источником вдохновения: он написал около 20 пейзажей, некоторые из которых имеют монументальный размер. Повозка, переходящая вброд ручей намного меньше и не закончена — вы можете определить это по линиям, нарисованным черным мелом, и по тому, как листва большинства деревьев еще не заполнена. Похоже, это полноразмерный подготовительный набросок для картины Вечерний пейзаж с фургоном (сейчас в Музее Бойманса ван Бёнингена, Роттердам).

Вид на Хет Стен ранним утром, Питер Пауль Рубенс (1577-1640)

После 1636 г.

Прохладным осенним утром восходящее солнце бросает прохладный свет на усадьбу. Тени длинные, а на траве лугов есть намек на росу. Окна господского дома и извилистый ручей мерцают, а немногочисленные перистые облака отливают золотом. Мы высоко наверху, так что вид расплывается перед нами, позволяя нам выделить каждый инцидент в целом: мужчина, стреляющий в куропаток, пара, идущая на рынок, и хозяин и хозяйка поместья, соседняя няня, баюкающая их малыш.

Питер Пауль Рубенс работал дипломатом, а также художником, и был облагодетельствован как в Испании Филиппом IV, так и в Англии Карлом I. Его статус и богатство позволили ему приобрести поместье Хет Стен, недалеко от Малина (ныне известное как Мехелен), в 1635 году. В этом пейзаже он прославляет то, что он ценил больше всего: возможно, собственный успех, а также процветание и мир во Фландрии, его родной земле.

Пейзаж с пастухом и его стадом, Питер Пауль Рубенс (1577-1640)

Около 1638

Рубенс создал впечатление широко открытого пространства, изобразив достопримечательность на правом переднем плане — пастуха, пасущего своих овец, — затем используя резкие диагональные линии реки, дороги, краев облаков и граблей. свет, обманывающий наш глаз. Подобно пастуху, нас привлекает взгляд на пейзаж, при этом возвышенная точка обзора создает впечатление, что мы видим дальше вдаль.

Большинство пейзажей Рубенса были созданы в последние пять лет его жизни, в его новом поместье в сельской местности Брабанта недалеко от Антверпена. Его картины не только вызывают взгляды, но и отсылают к идеям деревенского блаженства, заимствованным у авторов-классиков. Рубенс делал больше, чем просто отражал современную пасторальную сцену – он демонстрировал свои литературные знания и, как следствие, поднимал сельскую местность своей родины до того же культурного статуса, что и Римская Италия и Древняя Греция.

Портрет эрцгерцога Альберта, Питер Пауль Рубенс (1577-1640) Мастерская

Около 1615 г.

На темно-красном фоне эрцгерцог Австрии Альберт обращен к нам прямым, но нежным взглядом. Его левая рука лежит на рукояти меча, но его поза расслаблена и не устрашает. Его правая рука повернута к нам, демонстрируя тонкий узор на рукаве и кружевную оборку на запястье.

Альберт был членом семьи Габсбургов, одной из могущественных правящих династий в Европе того времени, и некоторые черты его лица безошибочно напоминают Габсбургов: длинные щеки, орлиный нос и высокий лоб. Филипп II Испанский назначил Альберта губернатором испанских Нидерландов, и он взял на себя задачу покорить мятежных протестантов в семи северных провинциях. Вскоре после этого он женился на Изабелле, любимой дочери Филиппа. Пара владела совместным суверенитетом Нидерландов до смерти Альберта в 1621 году.

Портрет мужчины, Неизвестный фламандский художник

1636 г.

Неизвестный молодой человек смотрит на нас прямым взглядом. Нарисованный неизвестным художником, он изображен прислонившимся к каменной арке, закрытой белой атласной занавеской. Его дорогой кружевной воротник и манжеты хорошо видны. Его молодость подчеркивают редкие усы и клочок бороды, а поля огромной шляпы обрамляют длинное бледное лицо. В одной руке он держит кожаные перчатки — дорогая роскошь; другой жестикулирует, словно приглашая нас к себе.

Рядом с молодым человеком находится каменный рельеф, на котором изображен один купидон, его стрела поднята, чтобы поразить второго купидона с завязанными глазами. Сцена символизирует триумф «Божественной любви» над «Земной любовью» и делает вероятным, что портрет был написан, чтобы отпраздновать помолвку или свадьбу натурщицы.

Портрет инфанты Изабеллы, Питер Пауль Рубенс (1577-1640). Мастерская

Около 1615 г.

Изабелла Клара Евгения, эрцгерцогиня Австрии, дочь короля Испании Филиппа II. Она изображена роскошно одетой в черное и золото, с эффектно большим воротником и остроконечными кружевными манжетами. Она смотрит на нас с намеком на улыбку в глазах и вокруг рта.

В 1599 году Изабелла вышла замуж за своего двоюродного брата Альберта, эрцгерцога Австрии, и ее отец сделал их совместными правителями семнадцати провинций Нидерландов. Когда Альберт умер в 1621 году, Изабелла была подтверждена как самостоятельная правительница. Она неустанно пыталась положить конец боевым действиям в Нидерландах, вспыхнувшим после срыва 12-летнего перемирия между протестантскими северными провинциями, боровшимися за независимость от Испании, и южными провинциями (Фландрией), в которых преобладало римское католичество.

Рубенс был придворным художником и доверенным советником Изабеллы на протяжении всего ее правления. Когда она умерла в 1633 году, капеллан описал ее как «самую мудрую и самую опытную принцессу».

Портрет Лукаса Файд’Эрбе, возможно Питер Франшуйс (1606 — 1654)

Около 1640 -1650 г.

Мы можем почувствовать уверенность и энергию человека на этом портрете. Он расположен немного выше зрителя, поэтому мы должны смотреть на него снизу вверх. Он отвечает на наш взгляд прямым, несколько отстраненным выражением глаз. Его поза, кажется, отражает его жизненную силу и чувство веры в себя. В небрежном наклоне его тела, повороте головы и сильных углах рук, согнутых в локтях, чувствуется уверенность и динамизм.

Его опознали как Лукаса Файд’Эрбе (1617–1697), успешного скульптора и архитектора, который жил и работал в Мехелене и, вероятно, был одним из последних учеников Рубенса. На картине нет подписи, поэтому мы не можем быть уверены, кто ее сделал, но самым сильным кандидатом является Питер Франшуйс, художник-портретист и художник-фигурист, приходившийся двоюродным братом Файд’Хербе. Он также был учеником Рубенса и тоже жил и работал в Мехелене.

Портрет неизвестного мужчины, Франс Поурбус-Младший (1569 — 1622)

1591 г

В этом портрете есть поразительная непосредственность, но мы не знаем личность натурщика. Согласно искусной надписи в верхней части холста, ему 56 лет. Его преклонный возраст проявляется в складках на лбу и бумажной коже вокруг глаз. Мягкая плоть резко контрастировала с резкими линиями его жесткой бороды и усов. Поурбус пользуется этой возможностью, чтобы продемонстрировать свое невероятное мастерство в изображении различных текстур. Это видно на прозрачном воротнике, стеганых атласных рукавах и мягкой лайковой перчатке, которую мужчина держит в правой руке.

Ничто не намекает на профессию натурщика. Хотя его предполагаемая уверенность и изысканный костюм предполагают, что он был фигурой определенного положения. Подвесной портрет его жены, который сейчас находится в Музее изящных искусств в Сан-Франциско, изображает ее в столь же изысканном платье. Две картины когда-то висели вместе в замке Вайссенштайн в Поммерсфельдене, пока не были разделены при продаже части коллекции в 1867 году.

Увиденная здесь проницательная характеристика определила раннюю карьеру Поурбуса в Антверпене. В 1591 году, когда был написан этот портрет, он был принят мастером в Гильдию Святого Луки в возрасте двадцати двух лет. В эти годы его невероятный талант был признан торговцами и патрициями. А позже он продолжал служить при королевском и герцогском дворах в Брюсселе, Мантуе и Париже. Гиперреализм, достигнутый в таких ранних работах, как эта, в сочетании с беспрецедентной силой и чувством характера, сыграл фундаментальную роль в закладывании основ натуралистического стиля, который стал доминировать в голландской и фламандской портретной живописи семнадцатого века.

Благотворительность, Антонис Ван Дейк (1599-1641)

Около 1627 -1628 гг.

В своем первом послании к коринфянам святой Павел подчеркивает важность веры, надежды и милосердия, называя милосердие величайшим из трех. В то время, когда была написана эта картина, милосердие означало соединение любви к Богу с любовью к ближнему. Начиная с шестнадцатого века благотворительность часто изображалась в виде женщины, кормящей грудью ребенка или детей.

Вместо этого Ван Дейк показывает трех младенцев, цепляющихся за нее. Она небесное Милосердие, и ее восходящий взгляд связывает ее с небесами — источником ее силы, когда она изо всех сил пытается удовлетворить потребности других. Плащ, развевающийся за ее спиной, окрашен в оттенки ультрамарина, традиционного цвета Девы Марии.

Ван Дейк написал это вскоре после своего возвращения из долгого пребывания в Венеции, где он находился под влиянием произведений Тициана. Богатые цвета художника видны в блестящих драпировках, хотя считается, что они изменились со временем и когда-то были немного более приглушенными.

Леди Элизабет Тимбелби и ее сестра, Антонис Ван Дейк (1599-1641)

1635 г.

Энтони ван Дейк был в значительной степени ответственен за представление Британии двойного портрета или портрета «дружбы». Неформальная композиция этой картины, а также количество мерцающего шелка на выставке прекрасно иллюстрируют привлекательность нового стиля Ван Дейка для аристократических британских покровителей, жаждущих инноваций.

Две женщины на портрете, Дороти и Элизабет, были старшими выжившими дочерьми Томаса, 1-го виконта Сэвиджа. Когда-то считалось, что картину написали примерно во время скандального побега Дороти в 1637 году и что она была сестрой, сидящей справа. Но эта теория была опровергнута, и современная копия картины идентифицирует Дороти, как стоящую слева. Елизавета носит платье шафранового цвета, который, как говорят, носили невесты в Древней Греции. Она новобрачная, получающая розы от Купидона, бога эротической любви.

Женский портрет, Антонис Ван Дейк (1599-1641)

Около 1625 -1627 гг.

Темно-красная занавеска на заднем плане придает этому портрету теплую, роскошную атмосферу и дополняет каштановые волосы модели и сверкающие карие глаза. Ее полуулыбка и роза, заткнутая за ухо, говорят о приятном, может быть, даже озорном характере.

К сожалению, личность этой обаятельной молодой женщины неизвестна. Старая этикетка на обратной стороне копии этой картины идентифицирует натурщицу, как Антонию Демарини, родившуюся в 1603 году, но нет надежно идентифицированных ее портретов, которые помогли бы подтвердить это. Также высказывается предположение, что она является маркизой Каттанео и что картина является подвеской к портрету Джованни Баттиста Каттанео Ван Дейка, также находящемуся в коллекции Национальной галереи.

Однако подвесные портреты мужа и жены почти всегда делались так, чтобы их можно было повесить, показывая, что пара повернута друг к другу. На этих двух картинах натурщики смотрят в одну сторону, поэтому маловероятно, что их задумывали, как пару.

Святой Амвросий не пускает Феодосия в Миланский собор, Антонис Ван Дейк (1599-1641)

1619 — 1620 гг.

На этой картине святой Амвросий (ок. 340–398), епископ Миланский, не дает императору Феодосию (ок. 346–395) и его свите войти в городской собор. Это было наказанием за резню Феодосия жителей Фессалоники, которые убили его полководца Бутериха. Эта история была записана в «Золотой легенде» , средневековом сборнике жизнеописаний святых. В нем также рассказывается, как святой Амвросий упрекнул в высокомерии последователя императора Руффина, заявив: «У тебя не больше стыда, чем у собаки» — на что ссылается Ван Дейк, изображая собаку у ног Руффина.

Эта картина основана на увеличенной версии сюжета Питера Пауля Рубенса (Художественно-исторический музей, Вена), написанной примерно в 1615–1616 годах. Ван Дейк работал в мастерской Рубенса в качестве его помощника и находился под сильным влиянием старшего художника.

Уильям Фейлдинг, 1-ый граф Денби, Антонис Ван Дейк (1599-1641)

1633 г.

Уильям Фейлдинг, 1-й граф Денби, выходит вперед с пистолетом в руке. Он показан в натуральную величину. Мы смотрим на него снизу, что подчеркивает его властную позу, но элегантность и учтивость, обычно присутствующие в официальных портретах Антониса ван Дейка, кажется, отсутствуют. Отчасти это связано с непринужденной одеждой графа — смесью современной индийской и европейской моды — и с тем, что поза несколько надуманная и неуклюжая.

Индийский слуга указывает на попугая, которого граф уже может видеть. Ван Дейк, должно быть, тесно сотрудничал со своими натурщиками, обсуждая одежду и позы. Он рисовал их такими, какими они хотели их видеть, но также представлял их характеры такими, какими они открывались ему. Граф вернулся из путешествия в Индию и, должно быть, хотел отметить это путешествие.

Конный портрет Карла I, Антонис Ван Дейк (1599-1641)

Около 1637 — 1638 гг.

Мужчина сидит на мускулистом коне, возвышаясь над слугой, который передает ему шлем, завершающий его доспехи. Латинская надпись на табличке, висящей на дереве, идентифицирует его как «короля Великобритании» — это Карл I, осматривающий свое королевство.

Антонис ван Дейк написал несколько портретов Чарльза, но самый большой из них имеет высоту более 3,5 метров и ширину почти 3 метра. Другие детали сообщают о статусе короля: золотая цепочка на его шее показывает, что он является членом элитного общества под названием Орден Подвязки, а командный жезл, который он держит, свидетельствует о его высшем воинском звании. Другой рукой он сжимает поводья своего мощного коня — символ власти, которую он имеет над своим государством, которую он должен был потерять всего несколько лет спустя во время Гражданских войн в Великобритании. В январе 1649 года он предстал перед судом за измену и казнен.

Портрет аббата Скалья, Антонис Ван Дейк (1599-1641)

1634 г.

Аббат Скалья (1592–1641), полное имя которого было Чезаре Алессандро Скалья ди Верруа, был священнослужителем и дипломатом, хорошо известным в Риме, Мадриде, Лондоне и Париже за его службу Савойскому дому и Филиппу IV Испанскому. Скалья также был известным коллекционером произведений искусства, знавшим, среди прочего, Рубенса, Ван Дейка, Йорданса и Веласкеса. После их встречи в 1620-х годах Скалья стал одним из самых важных покровителей Ван Дейка.

На этом портрете, написанном в Антверпене в 1634 году, Скалье было 42 года. Ван Дейк изображает его, как живую статую, а его поза и одежда, напоминающая тогу, напоминают римские скульптуры. На теле, вытянутом для придания элегантности и жизни, сидит голова человека, повидавшего многое в жизни. Это грозная фигура, привыкшая вращаться в высших эшелонах придворных кругов. Ее выражение лица трудночитаемое, тем не менее подтверждает оценку Рубенсом его как «человека острейшего ума».

Аббат Скалья, поклоняющийся Богородице с младенцем, Антонис Ван Дейк (1599-1641)

Около 1634 — 1635 гг.

Аббат Скалья (1592–1641), священнослужитель, дипломат, шпион и один из самых важных покровителей Ван Дейка, заказал эту картину, страдая от плохого здоровья и в задумчивом состоянии ума. Он предназначался для церкви ордена августинцев «Воспоминания» в Антверпене. Через несколько лет Скалья уйдет из общественной жизни в свой монастырь.

На картине изображен аббат, стоящий на коленях перед Богородицей с младенцем и получающий благословение от младенца Христа, который, кажется, на мгновение остановился от того, чтобы игриво извиваться на коленях своей матери. Неформальность Христа и радостные краски контрастируют с серьезностью Скальи, устремленной на спасение своей души, и спокойной серьезностью Богородицы. Ее лицо, двойной подбородок и все такое прочее похоже на портрет. Наиболее вероятным кандидатом на его роль является принцесса Генриетта Лотарингская Фальсбург. Ей Скалья завещал картину. Ван Дейк создал сцену, в которой человеческое и божественное взаимодействуют с трогательной естественностью.

Принц Руперт, граф Палатин, Антонис Ван Дейк (1599-1641). Мастерская.

Около 1637 г.

Элегантный и полный уверенности в себе молодой принц Руперт до последнего дюйма является членом королевской династии Стюартов. Известный как Руперт Рейнский, он поразительно похож на своего двоюродного брата принца Уэльского, позже Карла II. Портрет предназначен для того, чтобы поместить нас у его ног. И все же он смотрит прямо на нас, прием, распространенный в картинах королевских особ. Но его взгляд, кажется, не привлекает нас — он над нами, далекое существо, которым можно восхищаться и почитать.

Во время Гражданской войны в Англии Руперт воевал в армии роялистов в качестве командира кавалерии. Сначала он имел большой успех. Но позже, когда ему не удалось удержать город Бристоль для Карла I, он был изгнан и вернулся в Европу. Когда Карл II был восстановлен на престоле в 1660 году, Руперт стал командиром эскадры Королевского флота, активным членом правительства и ведущим членом лондонской общественной жизни.

Портрет Джорджа Гейджа с двумя слугами, Антонис Ван Дейк (1599-1641)

Около 1622 — 1623 гг.

Центральной фигурой в этой работе является Джордж Гейдж, известный торговец произведениями искусства и политический агент в 1620-х годах, действовавший на короля Якова I, а затем на Карла I. И он, и Ван Дейк были в Риме в 1622 и 1623 годах, и весьма вероятно, что картину он написал тогда.

Ван Дейк изобразил Гейджа элегантной фигурой в разгар переговоров с торговцем классическим антиквариатом. Торговец пристально смотрит на него, указывая на скульптуру. В то же время Гейдж может выглядеть застенчивым, он переводит взгляд и, кажется, собирается заговорить. Фигура на заднем плане смотрит через них и прямо на нас. Он держит скульптуру и тоже указывает на нее. Мы могли бы интерпретировать это по-разному. Возможно, он указывает на значимость предмета или, возможно, пытается соблазнить нас как потенциальных покупателей. В любом случае, мы чувствуем себя вовлеченными в переговоры не только как участники, но и как наблюдатели.

Портрет Джованни Баттиста Каттанео, Антонис Ван Дейк (1599-1641)

Около 1625-1627 гг.

Антонис ван Дейк провел большую часть своих двадцатых годов в Италии и, в частности, в Генуе. Там богатая купеческая аристократия была страстным покровителем его лестного и привлекательного стиля портретной живописи. Многие из них были нарисованы в полный рост, изображения грациозных фигур, ясно осознававших свой статус. Это более скромный, поясной портрет. Но натурщик все равно смотрит на нас сверху вниз уверенным, непоколебимым взглядом.

Картина находится в довольно плохом состоянии. Поэтому мы не можем быть уверены, что ее написал сам Ван Дейк, а не последователь. Но надпись на письме в правой руке натурщика гласит: «Джованни Баттиста Каттанео, Генуя» (здесь она едва различима, но ясна на другом варианте картины из частной коллекции). Каттанео были выдающейся генуэзской знатью, в которую входили дожи, кардиналы, ученые и государственные деятели. Эта картина и несколько других портретов Ван Дейка находились в семейной коллекции до начала двадцатого века, в том числе « Женский портрет » (также в коллекции Национальной галереи).

Портрет Корнелиса ван дер Геста, Антонис Ван Дейк (1599-1641)

Около 1620 г.

Корнелис ван дер Гест был одним из самых выдающихся коллекционеров произведений искусства своего времени. Поэтому этот заказ, должно быть, был чрезвычайно важен для Антониса ван Дейка. Ему в то время был всего 21 год. Он применил относительно консервативный подход, используя традиционный формат: крупный план лица натурщика, обрамленного белым воротником. Но его манера письма виртуозна.

Для волос и бороды он использовал длинные тонкие мазки. В то время как в других местах он использовал гораздо более густую краску — например, чтобы добавить текстуру краям воротника. Влага в глазах натурщика подчеркивается тонкими белыми пятнами. Положение головы и взгляда ван дер Геста также тонко эффектно. Он слегка оглядывается на нас, как будто только что отреагировал на наше присутствие. Позже картину увеличили, почти наверняка не Ван Дейк, до бюста, и на ней показали часть руки натурщика. Большая рамка теперь закрывает дополнения.

Святое семейство и святой Иоанн Креститель, Якоб Йорданс (1593-1678)

Около 1620 — 1625 гг.

Младенец Христос — центральная фигура этой картины, но он единственный, кто не смотрит прямо на нас. Сжимая свои четки (католические четки, используемые для подсчета молитв), он задумчиво смотрит за раму. В то время как Иосиф, Дева Мария и молодой Иоанн Креститель смотрят вперед.

Йорданс, вероятно, написал эту картину, имея в виду Мадонну с Розарием Караваджо (картина путешествовала из Неаполя в одну из многочисленных католических церквей Антверпена в начале семнадцатого века). Здесь снова появляются четки, и в сочетании с внешним взглядом Христа они могут намекать на что-то за пределами его детства. Тростниковый крест, который держит Иоанн, заменяет распятие Страстей (муки и распятие Христа), которые созерцались с помощью молитвы розария. Иосиф, Мария и Иоанн обращаются к нам, а Христос обращается к своему будущему.

The post Лондонская национальная галерея, Рубенс и ван Дейк appeared first on Блог Милы.

Сегодня картины голландских художников, в том числе Рембрандта.

Букет в глиняной вазе, Ян Брейгель-Старший (1568-1625)

Около 1609 г.

Ян Брейгель Старший считается отцом-основателем жанра цветочных натюрмортов, в которых цветы являются не просто декоративными или аллегорическими аксессуарами, а единственным центром картины. Этот главный пример новаторских натюрмортов Брейгеля показывает впечатляющий букет с высокой точки зрения, чтобы все тщательно прорисованные цветы и насекомые были хорошо видны.

Натюрморт с куропатками, Виллем ван Алст (1627-1683)

1671 г.

Цветы в стеклянной вазе с цветами, Рэйчел Рюйш (1664-1750)

1716 г.

Цветочные картины Рюйша полны движения. Она сочетает в себе мельчайшие детали с ощущением букета как органического целого. Здесь цветы вот-вот распустятся, полосатая канареечник колышется, а жимолость, кажется, наклоняется к зрителю. Эти эффекты стали более выраженными в течение долгой карьеры Рюйша. Великолепный тюльпан венчает вершину этого красочного сооружения. Глубокая светотень напоминает о более ранних работах Рюйш. Но главное отличие этой картины от « Цветов в вазе » заключается в характерном для более поздних работ художницы ощущении обилия. В 1708 году ее исключительный талант был вознагражден престижным назначением придворной художницы курфюрста Палатина в Дюссельдорфе.

Цветы в вазе из белого камня, Дирк де Брей (1635-1694)

1671 г.

Для этого букета де Брей отобрал только цветы, цветущие в одно и то же время года, в начале лета. Таким образом, целью художника было нарисовать естественный букет, а не воображаемый. Суровая красота этого букета сильно отличается от более типичных, густонаселенных композиций.

Де Брей мастерски сбалансировал высоту пиона с висячими ипомеями. Палитра резко ограничена, красные и белые лепестки резко контрастируют с темным, непроницаемым фоном. Эти цветовые акценты искусно расставлены. Как, например, божья коровка , ползущая по мрамору, которая создает умный красный контрапункт среди синих нот. Этой картине присуще тихое, мистическое качество, переданное такими деталями, как шмель, тихо спрятавшийся за горшком.

Стеклянная ваза с цветами, маком и гнездом зяблика, Ян ван Хейсум (1682-1749)

Розы на переднем плане этой картины, изображенные на разных стадиях развития, и маковые анемоны разных оттенков, возможно, были выращены в собственном саду ван Хюйсума в Амстердаме, который был предоставлен цветоводами из близлежащего Харлема. Обратите внимание, как свет проходит через букет, создавая беспрецедентное ощущение пространства. Вдоль главной диагональной оси, идущей из нижнего левого угла в верхний правый, цветы демонстрируют тонкие различия цвета и текстуры с вариациями белого и розового цветов. Любовь Ван Хюйсума к своей работе прекрасно проявляется в оттенках зеленого на молодых и старых листьях, а также в прозрачных каплях воды, которые нарисованы на листьях. Точное изображение художником каждого экземпляра гарантирует, что даже мох в гнезде можно идентифицировать.

Цветы в стеклянной бутылке на мраморном постаменте, Ян Давидс де Хем (1606-1684)

Около 1670 г.

Самый знаменитый художник- натюрморт своего времени, де Хем внес ряд новшеств в искусство цветочной живописи. Здесь из его букета вырываются стебли и усики, добавляя композиции движения и динамичности. Цветы обращены в разные стороны и выходят из вазы, что резко контрастирует с более ранними, более статичными композициями , в которых все цветы были обращены к зрителю. В этой композиции де Хем подчеркивает округлость, от мраморного пьедестала и стеклянной вазы, отражающей окно студии, до пышных цветов и изогнутых стеблей хмеля и пшеницы. Этому эффекту способствуют даже формы улитки, шмеля и крестовика на краю плинтуса. Яркие цвета цветов искусно распределены. Красный цвет тюльпана и мака вверху справа, например, находит аналог в красной смородине внизу слева, а богатая охра подсолнуха вверху уравновешивается жимолостью и колосом пшеницы внизу справа.

Концерт, Хендрик тер Брюгген (1588-1629)

Около 1626 г.

Кажется, мы подобрались на расстояние соприкосновения с этой небольшой группой музыкантов, которые с удивлением поворачиваются к нам. Тщательно сфокусированный источник света создает резкие блики, интенсивные тени и ощущение драмы и интимности. Драматические световые эффекты, подобные этому, сейчас распространены, но в 1620-х годах это был революционный способ рисования. Человеком, ответственным за эту революцию, был Микеланджело Караваджо, работавший в Риме между 1597 и 1607 годами.

Тер Брюгген был первым важным голландским художником, который вернул идеи Караваджо в Голландию, и эта композиция раскрывает его влияние другими способами. Поясные фигуры, сглаженные внутри композиции и заполняющие живописное пространство – вплоть до краев кадра, типичны для итальянского художника, как и четкость и реалистичность изображения винограда на переднем плане.

Мужчина играющий на лютне, Хендрик тер Брюгген (1588-1629)

1624 г.

Картины одиноких музыкантов, написанные в пояс, были особой специализацией группы художников, базировавшейся в Утрехте в 1620-х годах. Они были известны как «голландские караваджисты», потому что жили и учились в Риме и находились под сильным влиянием характерного драматического стиля Караваджо и его последователей.

Натюрморт с оловянным кувшином и двумя чашами Мин, Ян Янс Трек (1605-1652)

1651 г.

Здесь Ян Янс Трек взял на себя задачу воссоздать блеск и искаженные отражения в серебре, олове, стекле, фарфоре и яичной скорлупе, а также сложные тени на скомканной льняной ткани. Это был очень ценный навык в голландской живописи натюрморта, и этот довольно красивый образец жанра имеет особенно спокойную эстетику.

Общая цветовая гамма приглушенная, преобладают серые, зеленые и коричневые оттенки, выделяются только ярко-красные ягоды. На наш взгляд, выбор предметов также кажется довольно обыденным: это последствия еды, когда тарелки, блюда и кувшин временно отодвинуты в сторону вместе с выброшенной салфеткой. Но две бело-голубые тарелки — это не обычная домашняя посуда. Это очень дорогой китайский фарфор позднего периода Мин. Это были экзотические и очень желанные товары, а эта картина — торжество роскоши.

Натюрморт Ванитас стиль, Ян Янс Трек (1605-1652)

1648 г.

Сложная, но мрачная картина Трека представляет собой vanitas , тип натюрморта, который несет моральное послание. Натюрморт часто представляет в элегантной композиции дорогостоящие предметы, которыми зритель может любоваться и обсуждать, как, например, музыкальные инструменты, лаковая шкатулка, рейнский кувшин и платок, выполненный золотыми и серебряными нитями.

Ванитас нарушает безмятежность , вводя предметы с символическим значением: жизнь коротка, а роскошь и жадность – ношение гламурных одежд, распитие вина и курение – ничего не стоят перед лицом неминуемой смерти. На картине Трека это череп, перевернутые песочные часы, соломинка для выдувания пузырей, которые лопнут и исчезнут, и использованная трубка, рядом с которой еще тлеют угольки. Тем не менее, хотя картина напоминает нам о тщеславии всех человеческих усилий, она также подчеркивает, что искусство — и живопись Трека — выживет.

Натюрморт с рогом, Виллеи Калф (1619-1693)

Около 1653 г.

Этот натюрморт — один из самых популярных жанров в Голландии семнадцатого века — воспевает трудности изображения игры света на различных поверхностях и текстурах. Посмотрите на тонкие блики на переплетении турецкого ковра, блеск и блеск серебра и стекла, влажную мякоть лимона и восковую текстуру его кожуры. Выбранные предметы также напоминают о роскошном образе жизни. Омар был роскошным блюдом, а лимоны были редкими и дорогими, как и тонкое стекло, восточный ковер и серебряная посуда. Вероятно, его заказали члены Гильдии лучников Святого Себастьяна в Амстердаме. Основание серебряной подставки, на которой держится рог для питья, изображает мученичество святого Себастьяна — его связали и прострелили стрелами. А на опоре под столом вырезана фигура римского бога Купидона, известного своими стрелами любви.

Иаков упрекает Лавана, Хендрик тер Брюгген (1588-1629)

1627 г.

Двое мужчин, один старый, другой молодой, с поднятыми руками и указующими пальцами, кажется, спорят. Нам показывают ключевой момент истории, но, поскольку у картины нет сохранившегося названия, мы должны сделать обоснованное предположение о том, что это такое.

Наиболее вероятным кандидатом является описание брака Иакова в Ветхом Завете. Иаков влюбился в свою кузину Рахиль. Чтобы заработать ее руку в браке, он согласился работать пастухом у ее отца, Лавана, в течение семи лет. Но когда время истекло, Лаван заменил Рахиль своей старшей дочерью Лией. Иаков был горько разочарован обманом, но согласился работать еще семь лет, чтобы жениться и на Рахили. Итак, здесь мы видим наставление Иакова Лавану на следующее утро после свадьбы, с Лией в голубом и Рахилью на заднем плане.

Мальчик и девочка с кошкой и угрем, Джудит Лейстер (1609-1660)

Около 1635 г.

«Тот, кто играет с кошками, тот царапается» — другими словами, тот, кто ищет неприятностей, получит их. Это старый голландский девиз, который, по-видимому, является возможным источником для веселой картины Джудит Лейстер, и высказывается предположение, что картина задумывалась как восхитительное развлечение и предупреждение.

В других голландских моральных картинах того времени ожидалось, что маленькая девочка подаст хороший пример; у этой есть старший брат, чтобы сбить ее с пути. В глазах у нее злобный огонек, а пальцы ее руки обвивают кошачий хвост, готовый его дернуть. Лейстер уловила полувиновное, полубесстыдное выражение лица мальчика, когда он дразнит кошку — кажется, он проверяет, как далеко он может зайти.

Сцена в таверне, Адриан Брауэр (1605-1638)

Около 1635 г.

Мы находимся в грязной таверне с небольшой толпой пьяниц и курильщиков, сидящих на корточках на низких деревянных табуретах и ​​стульях. В центре их внимания — и нашего — драка, происходящая между мужчиной и молодой женщиной в левой части картины. Изображение на редкость непристойное. Мужчина в расстегнутых спереди брюках раздвигает коленом ноги женщины и засовывает руку ей под юбку. Она сопротивляется, пытаясь оттолкнуть его руку и решительной хваткой дергая его за волосы. Резкий крик боли, исказивший его лицо, привлек внимание его товарищей по выпивке. Наблюдаем ли мы, как проститутка отбивается от пьяного клиента, сексуальное насилие над барменшей или просто наблюдаем за размолвкой любовников, не раскрывается.

Юнона застает Юпитера с Ио, Питер Ластман (1583-1633)

1618 г.

Истории о злодеяниях греческих и римских богов были популярными сюжетами для картин в семнадцатом веке. Питер Ластман был в Риме и видел новаторские картины Караваджо и его последователей. Он использует их использование светотени — драматическое использование света и тени — и выразительное движение, чтобы рассказать об этом моменте открытия в истории Ио, взятой из « Метаморфоз» Овидия .

Юпитер, глава римских богов, соблазнил Ио, молодую человеческую женщину. Прерванный Юноной, его женой, он поспешно превратил Ио в корову. Ластман показывает, как Юпитер смотрит испуганными глазами на разъяренную Юнону. Ее сопровождают павлины, являющиеся ее атрибутом. Две фигуры стягивают бордовую ткань с головы трансформированной Ио. Один из них — Купидон, мальчик-бог любви с луком у ног. Другой — аллегория Обмана, в соответствующей маске.

Суд Париса, Иоахим Втеваль (1566-1638)

1615 г.

Роскошная картина Втеваля, наполненная мягкими, тонкими красками, изображает предвестник мифологической Троянской войны. Юпитер, правитель богов, послал Эриду (олицетворение раздора), чтобы спровоцировать спор о том, какая богиня красивее: Минерва, богиня войны, с ее шлемом и копьем; Юнона, жена Юпитера, ее павлин на деревьях; или Венера, богиня любви, с жемчугом в волосах. Пастух Парис, на самом деле троянский принц, был избран судьей; он протягивает Венере золотое яблоко с надписью «Прекраснейшей». Венера предложила ему Елену, жену царя Менелая Спарты и самую красивую женщину в мире, в качестве взятки, посеяв семена войны. Но на данный момент стадо Париса и его собака лежат посреди мира и изобилия — мех прижимается к плоти, шелк к лепесткам и сочные раковины среди перьевых трав.

Лот с дочерьми, Авраам Блумарт (1566-1651)

1624 г.

Эта картина является ярким примером позднего стиля Авраама Блумарта, одного из самых влиятельных голландских художников семнадцатого века. На нем изображен момент из ветхозаветной истории Лота и его дочерей, в котором рассказывается, как Лот и его семья бежали после разрушения безнравственного города Содома. После того, как жена Лота была превращена в соляной столб за неподчинение Божьему повелению не оглядываться на горящий город, две дочери Лота поверили, что только они остались живы на земле, и пошли на отчаянную меру, соблазнив собственного отца, чтобы обеспечить продолжение человеческого рода.

Монументальный стиль полотна привел к тому, что на протяжении многих лет его приписывали нескольким художникам, в том числе Питеру Паулю Рубенсу. Однако обнаружение подписи Блумарта и даты 1624 года во время реставрации картины в 2004 году показало, что это прекрасный образец произведения, написанного на пике художественной зрелости художника.

Воскрешение Лазаря, Иоахим Втеваль (1566-1638)

Около 1605-1610 гг.

Согласно Новому Завету (Иоанна 11), Лазарь был мертв уже четыре дня, когда Иисус посетил его могилу и чудесным образом вернул его к жизни. Драма воскрешения Лазаря дала Втеваэлю возможность изобразить взволнованные фигуры в скрюченных позах, используя динамичные жесты рук.

Недавняя реставрация этой картины в Национальной галерее принесла много интригующих открытий. Картина послужила образцом для нескольких копий, сделанных Втевалем и его мастерской. Втеваль, кажется, вернулся к картине позже и внес ряд изменений, таких как увеличение размера корзины на переднем плане и изменение цвета некоторых предметов одежды для эстетического эффекта.

Святой Себастьян, Геррит ван Хонтхорст (1592-1656)

Около 1623 г.

Четыре кровавые стрелы пронзают, казалось бы, безжизненное тело Святого Себастьяна. Один проткнул ему ногу, и кажется, что из ее кончика в наше пространство вливается струйка крови. Святой был римским центурионом, принявшим христианство, и в наказание римский император Диоклетиан приказал однополчанам Себастьяна привязать его к столбу и расстрелять стрелами.

Хонтхорст, должно быть, видел много изображений мученичества святого в период своей работы в Риме, но, вероятно, он написал эту работу через несколько лет после того, как вернулся в свой родной Утрехт в 1620 году. После чумы 1624 и 1626 годов Себастьяна почитали, как «чумного святого», который, как полагали, защищал от смертельной и очень заразной болезни.

Христос перед Первосвященником, Геррит ван Хонтхорст (1592-1656)

Около 1617 г.

Эта большая, атмосферная картина, скорее всего, изображает момент суда над Христом в Синедрионе (еврейском судебном органе). Композиция симметрично сбалансирована вокруг зажженной свечи на центральном столе: мерцающее пламя освещает лица Христа и сидевшего лицом к нему человека, вероятно, священника Каиафы, но не более того. Картина намекает на то, почему, когда он работал в Риме между 1610 и 1620 годами, Хонторста прозвали Герардо делла Нотте (Герардо ночи).

Хотя по форме картина напоминает алтарь, картина, вероятно, была написана для хранения во дворце маркиза Винченцо Джустианиани, важного покровителя Геррита ван Хонтхорста. Джустиниани принадлежала еще одна картина того же сюжета, написанная после 1570 года генуэзским мастером Лукой Камбьязо. Ван Хонтхорст за десять лет пребывания в Риме впитал стили итальянских мастеров, а стилистическим источником стали такие художники, как Камбьязо и Караваджо, в результате чего появились скудно освещенные композиции, лишенные ненужных деталей.

Портрет Эче Класдр, Рембрандт (1606-1669)

1634 г.

Оптическая иллюзия, созданная этой картиной, очень мощная. Рембрандт использовал контрасты между светом и тьмой — например, черный и белый цвета одежды натурщицы, блики на ее носу и тяжелую тень под ее подбородком — для создания очень убедительного трехмерного эффекта. Голова пожилой женщины, кажется, выступает за пределы картины. Не только световые эффекты делают этот портрет таким реалистичным. Рембрандт изобразил пятнистую, испорченную и дряблую кожу пожилой женщины, используя краску разной текстуры и толщины. Борозды и тени, морщины и пухлость делают ее лицо почти осязаемым. Он делал это живой кистью, плавно нанося краску короткими и изогнутыми мазками, а также мазками и точками.

Долгое время считавшееся портретом бабушки Рембрандта, натурщица теперь идентифицирована, как Эче Класдр (1551–ок. 1635), вдова роттердамского пивовара Яна Пессера, умершего в 1619 году.

Мужчина,сидящий и читающий за столом в высокой комнате, последователь Рембрандта

Около 1628-1630 гг.

На этой атмосферной картине изображена одинокая фигура, сидящая перед огромным томом, открытым на столе перед ним. Яркий солнечный свет заливает полумрак на стену комнаты. Большая часть силы изображения заключается не только в драматическом напряжении между светом и тьмой, но и в том, как художник использовал густую белую краску и серые детали, чтобы запечатлеть преломление и отражение света оконным стеклом. В глубоких тенях за этими бликами мы можем разглядеть полки с книгами и два глобуса, закрепленные на стене над ними. Это библиотека, поэтому человек за столом должен быть ученым.

Но, несмотря на то, что это очень вызывающее воспоминания, эта картина также оказалась спорной. Когда она была куплена Национальной галереей в 1917 году, она считалась важным ранним произведением Рембрандта. Недавний анализ предполагает, что это мог быть неизвестный современник, который был знаком с работами Рембрандта.

Анна и слепой Товит, Рембрандт (1606-1669)

Около 1630 г.

Холодный, серый свет проникает через открытое окно в комнату, которая сама по себе очень старая — в окне нет стекла, тяжелая деревянная ставня, открытый огонь, а рядом глиняный котел. Свет падает на старика. Он сидит лицом к комнате, сцепив руки, опустив голову, его лицо почти потеряно в тени. Это Товит; он сидит рядом со своей женой Анной, которая наматывает шерсть на раму. Апокрифическая история говорит нам, что Товит был хорошим и святым человеком, но Бог сделал его слепым, чтобы испытать его веру. Пожилая пара ждет возвращения своего сына Тобиаса, который ушел забрать деньги, причитающиеся Товиту, чтобы облегчить их бедность. После многих приключений Тобиас возвращается, принося чудесное лекарство от слепоты Товита. Вместо чуда Рембрандт решил прославить возраст, терпение и веру старика и женщины, пока они ждут.

Ecce homo, Рембрандт (1606-1669)

1634 г.

«Ecce Homo», латинское название этой картины, взято из Библии и означает «Вот человек!» Это были слова Понтия Пилата, римского правителя Иудеи, когда он сидел судьей во время суда над Христом. Пилат, изображенный здесь в чалме и поднимающийся на ноги, представляет Христа толпе. Картина передает лихорадочную атмосферу этого показательного процесса, в ней преобладают образы земной власти. Христос стоит немного выше своих похитителей – он единственная фигура, смотрящая вверх, к «истинному» судье, Богу.

Эта небольшая черно-белая картина (известная как гризайль) не предназначалась для продажи. Это полноценный подготовительный этюд к одному из офортов Рембрандта – единственный известный пример такой работы. Рембрандт был плодовитым гравером, и его студия выпустила сотни изображений для продажи. Это был один из его самых популярных.

Женщина, уличенная в прелюбодеянии, Рембрандт (1622-1654)

1644 г.

Женщина плачет на ступенях темного храма, а вокруг собираются члены еврейского правящего совета. Боясь популярной проповеди Христа, они планировали обманом заставить его нарушить иудейский закон. Они сказали ему: «Учитель, эта женщина поймана в прелюбодеянии. В законе Моисей повелел нам побивать камнями таких женщин. Что ты о ней скажешь?

Это момент решения, который может заманить в ловушку молодого проповедника. Мужчина прикладывает палец к губам, словно успокаивая толпу. Будет ли Христос молить о милосердии или будет соблюдать закон? Похоже, что в любом случае его осудят так же, как и женщину.

Его ответ стал одной из самых известных цитат в истории христианства: «Кто из вас без греха, пусть первый бросит в нее камень». Женщину отпустили, обвинители были сбиты с толку. Христос снова мог проповедовать, но не без напутственного слова кающейся женщине: «Иди и впредь не греши».

Молодой человек в меховой шапке, Карел Фабрициус (1622-1654)

1654 г.

Этот портрет — одна из последних работ Карела Фабрициуса, сделанная в последний год его короткой жизни. Он был учеником Рембрандта между 1641 и 1643 годами и обычно считается одним из его самых талантливых учеников. Хотя в этом нельзя быть уверенным — документально подтвержденного изображения Фабрициуса не существует — это почти наверняка автопортрет.

Интенсивность взгляда и поза напоминают серию более ранних автопортретов, сделанных Рембрандтом и другими его учениками. Костюм, который он носит, включая солдатский нагрудник, также соответствует этой традиции: Рембрандт, например, изобразил себя солдатом в 1630-х годах. Тот факт, что это был автопортрет, вероятно, в то время не считался важным. Изображения типов личности или персонажей разных профессий, известные как трони , были популярны, и художники использовали себя в качестве моделей для рисования.

Портрет Маргарет де Гир, жены Джейкоба Трипа, вероятно, Рембрандт (1606-1669)

1661 г.

Маргарета де Гир была замужем за Джейкобом Трипом — очень богатым торговцем. Торговал оружием — почти 60 лет. Рембрандт нарисовал крупномасштабные изображения каждого из них, которые изначально были предназначены для того, чтобы висеть вместе. Оба портрета сейчас находятся в Национальной галерее. Этот портрет Маргарет меньшего размера был написан примерно в то же время, в 1661 году.

Он датирован и подписан «Рембрандт», но технический анализ и некоторые различия между тем, как написаны этот и больший портреты, вызвали вопросы об авторстве. Хотя это убедительное подобие, нарисованное с большим мастерством, подпись не является подлинной, и это заставило некоторых подумать, что это может быть современная или немного более поздняя версия оригинала Рембрандта. Но картина настолько качественная, что и это не является удовлетворительным решением проблемы.

Задумчивый Святой Павел, Рембрандт (1606-1669)

Около 1659 г.

«Задумчивый Святой Павел» Рембрандта принадлежит к серии поясных картин религиозных деятелей, написанных художником в конце 1650-х — начале 1660-х годов. Мрачная картина лишена лишних деталей, но традиционные атрибуты святого почти видны: перед ним на столе лежит раскрытая книга, а позади него к стене прислонен меч. Медальон в верхнем левом углу изображает ангела, прерывающего Авраама, который собирается принести в жертву своего сына Исаака по приказу Бога.

Этот важный эпизод Ветхого Завета был одобрен Рембрандтом, который нарисовал и выгравировал его, прежде чем включить сюда. Для святого Павла жертва была примером веры в Бога. В протестантском богословии святой Павел считался самым авторитетным толкователем Евангелия — возможная причина увлечения Рембрандта апостолом.

Женщина,купающаяся в ручье (Хендрикье Стоффелс), Рембрандт (1606-1669)

Автопортрет в возрасте 34 лет, Рембрандт (1606-1669)

Пир Валтасара, Рембрандт (1606-1669)

Старик в кресле, вероятно, Рембрандт (1606-1669)

1650 г.

На некоторых из самых ярких картин Рембрандта изображены мужчины и женщины, погруженные в размышления, изображенные смелой кистью и драматическими световыми эффектами. Сгорбившись боком на стуле, держась одной рукой за деревянный подлокотник, а другой слегка опираясь на висок, этот пожилой мужчина находится именно в таком настроении. Его глаза устремлены в пол, и свет, падающий на его тело из-за левого плеча, отбрасывает их в глубокую тень.

Это не портрет, а исследование «типа характера», и Рембрандт использовал его для экспериментов с наводящим на размышления, иногда довольно грубым стилем живописи. Блики на левом рукаве, например, изображены всего полдюжиной очень широких мазков. Это вызвало сомнения в его подлинности, но теперь считается, что этот в высшей степени новаторский подход представляет собой важный экспериментальный шаг в развитии Рембрандта к грубой манере его более поздних работ.

«Саския в костюме пастушки» Рембрандт (1606-1669)

1635 г.

Мы видим первую жену художника. Художник писал жену множество раз, порой одевая ее в фантастические костюмы. Фигура Саскии словно выплывает из таинственной глубины темного фона. Она воплощает богиню цветов Флору и женскую красоту. Плавно ниспадают складки одежды. И в то же время улыбающиеся глаза, чуть приоткрытый рот придают ей вид обычной счастливой женщины.

Портрет написан в 1635 году, в самую светлую пору жизни Рембрандта, когда ничто не предвещало скорую смерть жены, лишения и одиночество, которые выпадут на долю великого художника.

Портрет Хендрикье Стоффельс, Рембрандт (1606-1669)

Около 1654 -1656 гг.

У натурщицы, имя которой Рембрандт не назвал, почти царственная осанка. Она смотрит на нас с небольшой высоты, ее правая рука покоится на том, что должно быть частью подлокотника кресла, но имеет вид скипетра. Она носит дорогие жемчужные серьги и украшения, а также что-то похожее на меховую накидку. Все это может намекать на атрибуты королевской власти, но это также интимный — даже эротически заряженный — портрет. Ее платье кажется расстегнутым, а мантия слегка приоткрывается, обнажая гораздо больше ее груди, чем это было бы приемлемо на формальном портрете того времени. Так что этот портрет, написанный, вероятно, в середине 1650-х годов, скорее всего, Хендрикье Стоффельс, экономки Рембрандта. Они стали любовниками, и в 1654 году у них родилась дочь Корнелия.

Портрет Фридриха Риэля верхом на лошади, Рембрандт (1606-1669)

Около 1663 г.

Это одна из крупнейших картин, когда-либо написанных Рембрандтом, и один из двух конных портретов простых граждан в натуральную величину в истории голландского искусства. Гонщиком оказался преуспевающий бизнесмен Фредерик Рихель. Его ярко-желтая куртка, нарядные перчатки, блестящие рукава и шляпа с плюмажем ярко выделяются на довольно мрачном, схематичном фоне.

Несмотря на мрак, можно различить части процессии, петляющей по водной полосе позади Рихеля. Слева — фасад одних из ворот в город Амстердам, а перед ним — карета с ярко-красно-желтым салоном, перевозящая трех пассажиров. На правом заднем плане — два (а возможно, и три) всадника верхом на лошадях. Вероятно, это представляет собой процессию, сопровождавшую въезд принца Вильгельма Оранского в Амстердам в 1660 году, в которой Рихель участвовал в качестве одного из почетных караулов Амстердама.

Авеню в Мидделхарнисе, Мейндерт Хоббема (1638-1709)

1689 г.

Речной пейзаж с всадником и крестьянами, Элберт Кейп (1620-1691)

Около 1658 — 1660 гг.

Ясный мягкий свет освещает умиротворяющий пейзаж, создавая ощущение, что все на своих местах и ​​с миром все в порядке. Но внимание всадника привлекает молодой парень, который, кажется, с тревогой указывает на что-то, что может нарушить спокойствие. Спрятавшись в кустах слева, мужчина целится из ружья в птиц на реке.

Кейп был, вероятно, самым важным из голландских художников-пейзажистов, которые опирались на опыт и стиль других голландских художников, которые жили и работали в Риме в течение нескольких лет, восхищаясь их изображениями пасторальных идиллий, залитых золотым светом. Когда эта картина прибыла в Великобританию в 1764 году, она получила высокую оценку, что вызвало всплеск энтузиазма по поводу творчества Кейпа, и многие из его самых важных картин были привезены в страну.

Вид на Тибр, Ян Бот (1615 — 1652)

Около 1641 г.

Ян Бот был одним из группы голландских художников, совершивших долгое и часто опасное путешествие через Альпы в Италию, которая в то время считалась сердцем великой живописи. Он остался на десять лет, став лидером в развитии голландско-итальянского пейзажа, показывающего выносливых крестьян на фоне мягко светящегося неба.

Эта картина необычна для Бота. Он показывает городской взгляд на архитектуру, а не на пейзаж, и его вид на Рипа-Гранде — старый порт Рима — частично воображаемый. В других его картинах с другой точки зрения сцена более узнаваема. Создается впечатление, что, рисуя эту картину по возвращении в Нидерланды, Бот пишет отчасти по памяти, отчасти по воображению, но всегда с любовью к покинутой им залитой солнцем земле.

Замок Убберген, Элберт Кейп (1620-1691)

Около 1655 г.

Руины этого замка, кажется, были поглощены ландшафтом. Элберт Кейп использовал ту же палитру цветов и те же камуфляжные узоры для изображения осыпающихся стен, которые он использовал для осеннего леса и склона холма позади. Отражения в спокойных водах озера усиливают впечатление, что каменные башни и полуразрушенные валы сливаются с окружающей средой.

Эта сцена могла вызвать некоторый резонанс у современной публики, которая, вероятно, узнала замок. Это замок Убберген, недалеко от Неймегена в голландской провинции Гелдерланд. Здание четырнадцатого века было разрушено в 1582 году во время испанской оккупации Нидерландов и поэтому считалось символом национальной независимости. Эта картина не датирована, но, вероятно, была сделана в 1655 году, менее чем через десять лет после Мюнстерского договора (1648 г.), когда голландцы наконец добились независимости от Испании.

Пейзаж со скотиной и женщиной у ручья, Паулюс Поттер (1625-1654)

1647 г.

Ферма с мертвым деревом, Адриаен ван де Вельде (1636 — 1672)

1658 г.

Как и многие картины Адриана ван де Вельде, это спокойная картина. Разговор между дояркой и мужчиной с корзиной кажется дружеским, и ничто не мешает ритмичному шелесту молока в ведре. Свинья подтягивается на корточках, словно вот-вот перевернется и снова заснет под весенним солнцем. Скелет мертвого дуба резко выделяется на фоне неба, но облака мягкие и пушистые, движутся медленно.

Ван де Вельде написал эту картину, когда ему было всего 22 года, и она демонстрирует замечательную зрелость. Три отдельные группы животных и фигурок, каждая из которых сама по себе представляет собой интересную виньетку, объединены широким теплым солнечным светом. Блестящий синий цвет юбки доярки оживляет мягкие коричневые, кремовые и серые оттенки переднего плана и гармонирует с голубизной неба.

Рыночная площадь и Гроте Керк в Харлеме, Геррит Беркхейде (1638-1698)

1674 г.

Геррит Беркхейде поместил нас среди горожан и самых важных зданий своего родного Харлема, и сегодня посетитель рыночной площади увидит вид, похожий на тот, что изображен на этой картине 1674 года. Гроте Керк (Великая церковь), которая посвященная святому Бавону, доминирует в композиции и залита ярким солнечным светом. Справа от площади среди соседних зданий выделяется городской мясной рынок с украшенным ступенчатым фронтоном. Будучи сыном мясника, Беркхайде был бы хорошо знаком с этим торговым заведением. Портик ратуши Харлема с колоннадой занимает правую сторону городского пейзажа, и Беркхайде поставил свою подпись на основании угловой колонны.

Эта картина подчеркивает религиозные, политические и коммерческие функции Харлема, а жители города, собравшиеся на площади, буквально живут своей жизнью между этими учреждениями, добавляя слой тонкой символики.

Два мальчика и девочка занимаются музыкой, Ян Минсе Моленар (1610-1668)

1629 г.

Озорные улыбки троих детей освещают унылую комнату с голыми стенами и маленькой мебелью; бочка предполагает, что это может быть задняя комната гостиницы. Их одежда ветхая и рваная, но у каждого есть блеск в глазах, и они выглядят, как будто находятся дома. Мальчик в красной куртке стоит босыми ногами на женской грелке для ног, пустой от углей. Моленар мог предположить, что женщина из этой семьи отсутствует или слишком занята, чтобы сидеть с комфортом. Пустая клетка и сломанное горлышко большой глиняной бутылки придают этой сцене неуправляемый и слегка загадочный характер. Но Моленар был заинтересован не только в том, чтобы дать нам картинку с историей. Он любил детали и нарисовал отражение доспехов девушки в ложке, которую она держит в левой руке.

Молодой мужчина и женщина, занимающиеся музыкой, Ян Минсе Моленар (1610-1668)

Около 1630 — 1632 гг.

Счастливая молодая пара занимается музыкой в ​​элегантной обшитой панелями комнате с дорогой мебелью. Открытая дверь, мраморные колонны по обеим сторонам открывают вид на комнату за ней, где на окне висит тонкая занавеска. Молодой человек сидит непринужденно, его длинные пальцы перебирают струны теорбы — древнего инструмента, на котором теперь редко играют. Молодая женщина играет на цитроне, инструменте, которым легче овладеть.

Моленар демонстрирует свои великолепные навыки в рисовании множества богатых текстур. Он также собирает головоломки, помещая предметы, которые в его время могли быть и часто читались, как символы. Красный чулок и выброшенная туфля могут означать выброшенную добродетель и намекать на тайную встречу. Но собака может обозначать верность, а закрытый кувшин — добродетель молодой женщины, предполагая, что музыка, которую они играют, — это песня истинной любви.

Семейная группа в пейзаже, Франс Халс (1584-1666)

Около 1647 — 1650 гг.

Мы смотрим на семейную группу, мать и отец в окружении семерых детей, а няня держит на руках последнего младенца. Среди натурщиков два центра внимания, сформированные вокруг двух младших детей — как раз то, что можно ожидать в большой семье. Эти позы и взаимодействия могут показаться спонтанными, но аранжировка тщательно составлена. Существует, например, четкая иерархия полов. Мужчины составляют ядро ​​семейной группы, в центре которой находится отец, а по бокам от него — два его старших сына.

Хотя мы не знаем имени семьи, стиль костюмов предполагает, что они, вероятно, были написаны в конце 1640-х годов. Полотно, вероятно, было срезано сверху и снизу. Фоновый пейзаж написан другим художником, возможно, Питером де Молейном или Рейером Класом Сайкер.

Портрет девушки, Исаак Луттичейс (1616 — 1673)

Около 1650 г.

У колонны и балюстрады стоит молодая девушка, ее волосы связаны шиньоном сзади, а по обеим сторонам лица свисают локоны. Платье девушки датирует картину концом 1640-х годов. Исаак Луттичейс часто рисовал своих натурщиков на архитектурном фоне, и на первый взгляд стиль картины кажется похожим на портреты художника середины 1650-х годов. Однако фасон платья девушки делает вероятным более ранние года .

Портрет Константина Гюйгенса и его клерка (?), Томас де Кейзер (1596-1667)

1627 г.

Константин Гюйгенс был высокопоставленным дипломатом, говорил на нескольких языках и обладал широкими познаниями в области искусства и науки. На этом портрете он запечатлен в действии, получая сообщение от молодого клерка. Прервавшись на работе, он носит костюм для верховой езды, как будто готовый в любой момент отправиться в путь по государственным делам. Предметы, которые де Кейзер решил положить на стол Гюйгенса, рассказывают о его официальных обязанностях и многих других его интересах и талантах — это китаррон (щипковый инструмент), архитектурные планы и пара земных и небесных глобусов.

Гюйгенс был, вероятно, самой влиятельной фигурой в культурной жизни Голландской республики. Он писал стихи и проектировал сады, знал ученых и художников своего времени, в том числе Рембрандта. Портрет де Кейзера воспевает дух Голландской республики в одном вежливом и блестящем человеке.

Вид на Вестеркерк, Амстердам, Ян ван дер Хейден (1637 — 1712)

1660 г.

Это один из лучших примеров семнадцатого века того, что сегодня мы можем назвать изображением с высоким разрешением. Детали и манера письма настолько хороши, что независимо от того, как внимательно вы смотрите на изображение или увеличиваете его масштаб, оно никогда не кажется пиксельным.

Однако художник допустил очень странную ошибку. Посмотрите внимательно на фигуры и вы увидите, что на них нет отражений. Возьмите двух маленьких девочек и собаку, писающую на столб. Мы видим изображение столба, отражающегося от поверхности канала, но не собаку или девочек. Подобные фигуры обычно добавлялись после того, как остальная часть картины была завершена, поэтому кажется, что ван дер Хейден просто забыл внести коррективы. Он определенно считал картину законченной, поскольку она была передана его клиентам, губернаторам Вестеркерка в Амстердаме – церкви в центре картины.

Молодая женщина играет на клавесине для молодого человека, Ян Стен (1626-1679)

1659 г.

Элегантно одетая молодая женщина играет на клавесине для мужчины, опирающегося на инструмент. Музыка в голландских картинах часто связана с любовью, но, в отличие от других жанровых сцен такого рода, пара не выглядит флиртующей. Молодая женщина концентрируется на нотном листе. Надписи на латыни, размещенные на инструменте, дают остроумный и ироничный комментарий. Слова «SOLI DEO GLORIA» («Слава только Богу») появляются под клавишами, подразумевая, что молодая женщина играет исключительно во славу Бога. Но надпись на открытой крышке гласит: «ACTA VIRUM PROBANT» («поступки доказывают мужчину»): поклонник молодой женщины собирается предпринять более активные действия. Предположительно, вскоре он присоединится к женщине в интимном дуэте, сопровождая ее на теорбо, который несет паж, увиденный в открытую дверь.

Двор дома в Делфте, Питер де Хох (1629-1684)

1658 г.

В солнечном свете тихого дня этот двор кажется излучающим спокойствие. Все неподвижно, включая фигуры: юную горничную, чистую и спокойную, держащую за руку маленькую девочку, и призрачную фигуру женщины в коридоре слева, предположительно матери ребенка, которая отвернуласьв сторону домов напротив. Де Хуч поместил мать в формальной части дома, расписанной в архитектурных деталях, а горничная и ребенок стоят в зоне, более близкой к природе.

Картина демонстрирует мастерство де Хоха в изображении архитектуры, но это также видение роли женщины в стабильности дома. В то время, когда это было написано, писались трактаты по ведению домашнего хозяйства и семьи; «Хаувелик» Джейкоба Кэтса был адресован непосредственно женщинам, его главы разделены на «Деву», «Возлюбленную», «Невесту», «Домохозяйку», «Мать» и «Вдову». Некоторые художники, в том числе де Хох, представили картины, которые были подтверждением и поощрением идеалов, выдвинутых в таких книгах.

Женщина учит ребенка читать, Каспар Нетшер (1639-1686)

1670 г.

На первый взгляд Каспар Нетчер показывает двух очаровательных детей, оба занятых. Девочка учится читать, а мальчик играет с собакой, его игрушки, включая волчок, брошены на пол. В картине может быть мораль, хотя, скорее всего, ее купили для развлечения. В популярной книге эмблем того времени есть изображение волчка с рукой над ним, размахивающей хлыстом. Девиз в книге гласит: «Чем дальше жезл от изнанки, тем ленивее они становятся в служении Богу». Не похоже, чтобы кнутом кто-то пользовался рядом с задом маленького мальчика, и его счастливое выражение лица говорит о том, что это маловероятно. На картинке прежде всего показана очаровательная сцена, красиво нарисованная опытной рукой Нетшера.

Магазин птицы, Геррит Доу (1613-1675)

Около 1670 г.

Это один из лучших примеров мастерства Геррита Доу в изображении различных поверхностей и текстур, таких как изношенная ткань, смятая под ведром, гладкий камень подоконника, перья в крыле утки и рябая кожа на ее груди и шее. Доу был одним из самых успешных художников в Лейдене. И его рассказы о таких повседневных сценах, как эта — молодая женщина, покупающая птицу и дичь, — пользовались особым спросом.

Как и здесь, многие из них были помещены в архитектурную раму. Это необычный прием, потому что, хотя детали и фигуры чрезвычайно реалистичны, продавец птицы из Лейдена определенно не стал бы выставлять свою продукцию в такой грандиозной обстановке. Однако это было очевидно устройство, которое оказалось популярным среди клиентов Доу. И оно также позволило ему придать своим сценам большую иллюзию глубины.

Женщина, играющая на лютне для двух мужчин, Герард тер Борх (II) (1617-1681)

Около 1667 — 1668 гг.

Сцены небольших групп людей, занимающихся музыкой, были обычным явлением в голландской живописи семнадцатого века. Они отражали популярную социальную активность среди искушенных семей и как таковые могли символизировать гармонию семейной жизни или группы дружбы. Но такие вечеринки также были общепринятым способом встречи молодых мужчин и женщин и поэтому часто ассоциировались с эротическими встречами.

В этой картине отношения между тремя персонажами остались неопределенными. Они не явно флиртуют, и их язык тела нейтрален. Но пара тонких подсказок может склонить нас к определенному выводу. На заднем плане — кровать — возможно, это тоже в мыслях главных героев — и туз пик предполагает игру в карты, которая часто ассоциировалась с соблазнением. Это всего лишь намек, но этого достаточно, чтобы задуматься о том, что же скрывается за непроницаемыми выражениями лиц музыкантов.

Два мальчика пускают мыльные пузыри, Каспар Нетшер (1639-1686)

1670 г.

Бархатная занавеска, отдернутая от каменного окна, показывает маленького мальчика, который смотрит вверх на пузырь, проплывающий мимо него в темноту. В тени сзади маленький ребенок столь же яростно концентрируется. Используя длинную трубку, он пускает пузыри в мыльной жидкости, находящейся в раковине моллюска. Уже формируется крошечная радужная сфера. Картина представляет собой homo bulla («человек — это пузырь»). Поскольку пузыри лопаются так быстро, это аллегория, призванная намекнуть на краткость жизни.

Традиция homo bulla восходит к средневековью, когда детей изображали обнаженными, в виде путти или херувимов с крыльями. Голландцы, хотя и восприняли эту идею как предупреждение о жизни, похоже, предпочли, чтобы их дети были более реалистичными и полностью одетыми.

Игроки в гольф на льду возле Харлема, Адриаен ван де Вельде (1636 — 1672)

1668 г.

Картины жизни на замерзших водных путях Голландии во время Малого ледникового периода были очень популярны среди коллекционеров в то время. Их создавали многие художники, обычно известные тем, что рисовали реки или пейзажи. И Адриан ван де Вельде был одним из самых успешных.

Но в этой картине он сосредоточился на отдельных персонажах и их действиях, а не на деталях ледяного пейзажа. Мужчины на переднем плане играют в гольф , предшественника гольфа. Участвовать могли люди всех рангов, и это гарантировало привлечение зрителей к высказыванию мнений и советов. Игрок с щегольскими красными кисточками на брюках нижней юбки прицеливается, чтобы попасть в столб, поставленный человеком, который только что выглянул из-за его спины. Маленький мальчик с засунутыми в карманы руками и намеком на снег на одном сапоге наблюдает, держа свою палку для гольфа сбоку, как будто желая присоединиться к происходящему.

Поклонение королей, Ян Брейгель-Старший (1568-1625)

1598 г.

Ян Брейгель словно втиснул в свою крошечную картину целый мир. Толпа терпеливо ждет своей очереди, чтобы приблизиться к маленькому ребенку на коленях у матери. Младенец голый, чтобы показать нам, что он настоящий человеческий младенец. Но серебристая стрела света говорит нам нечто большее. Коленопреклоненный старик — король. Он не носит короны, как и короли по обе стороны от него. Это младенец носит истинный венец — тонкий ореол, который затмит любой земной венец, ибо он провозглашает его Сыном Божьим.

Тонкая картина Брейгеля была написана цветом тела (акварель, смешанная с белым пигментом, чтобы сделать ее непрозрачной) на пергаменте и была сделана так, чтобы ее можно было держать в руках. Это была тема для разговора, но также и напоминание о великом религиозном событии. Его владельцу понравилась бы странная смесь красоты и безобразия, которую художник часто вкладывал в свои картины, вовлекая обычных людей в события большого значения.

Христос в терновом венце, Давид Тенирс-младший (1610-1690)

1641 г.

В глубине караульного помещения, больше похожего на фламандскую таверну, чем на тюрьму, на голову Христа возлагают терновый венец. Этот унизительный момент, описанный в Евангелиях от Матфея, Марка и Иоанна, был одним из ряда таких эпизодов в преддверии распятия Христа. Здесь приспешники одеты в современную одежду, что придает сцене нетипичный для того времени вид реализма.

Давид Тенирс Младший сегодня наиболее известен своими изображениями повседневной жизни, но он также занимался предметами истории. Он нарисовал эту сцену на медной пластине, так как ее гладкая поверхность хорошо подходила для его высококлассной живописной техники и сохраняла живость красок. Исключительно крупный формат этой медной пластины позволяет предположить, что картина была предметом коллекционного кабинета — напоминание о том, что Тенирс рисовал для клиентуры, далекой от мошеннических персонажей, которых он изображал.

Пейзаж с путешественниками и крестьянами на тропе, Ян Брейгель Старший (1568-1625)

Колонна путешественников в конных экипажах встречает группу крестьян, танцующих под музыку скрипки. Можно увидеть и другие анекдотические сцены, например, человека, отдыхающего в траве. На заднем плане открывается вид на обширную долину, откуда открывается вид на город вдалеке.

Между 1600 и 1610 годами Ян Брейгель создавал все больше и больше крестьянских сцен, в которых видно влияние его отца Питера Брейгеля Старшего, например, танцующие пары. Эта картина также указывает на то, что около 1600 года художник использовал более ортогональные композиции с вертикальным акцентом, заданным деревьями слева, и горизонтальным, заданным холмами справа. В более ранних работах, таких как сцена в гавани с проповедью Христа, все обычно более организовано по диагональным линиям.

Коллекционеры в комнате, увешанной картинами, Неизвестный фламандский художник

1620 г.

Одиннадцать хорошо одетых мужчин осматривают и обсуждают содержимое большой комнаты, заполненной произведениями искусства, астрономическими инструментами и антиквариатом. Их отличительные черты предполагают, что это могут быть портреты известных художников, знатоков, коллекционеров и арт-дилеров — «знатоков» названия картины — хотя ни один из них не был надежно идентифицирован.

Картины, скульптуры и гравюры, по-видимому, представляют собой точные миниатюрные копии реальных произведений художников шестнадцатого и семнадцатого веков, в основном местных жителей Антверпена, но собрать их вместе в преувеличенно большом помещении — фантазия художника. Скорее всего, функция этой картины заключалась в том, чтобы продемонстрировать ряд лучших в городе как своего рода список желаний для любителей искусства. Но присутствие на подоконнике обезьяны — традиционного символа глупости человеческих усилий — является, пожалуй, напоминанием о крайней тщетности накопления красивых и дорогих вещей.

Сцена на льду недалеко от города, Хендрик Аверкамп (1585-1634)

Около 1615 г.

В семнадцатом веке Малый ледниковый период распространился по Северной Европе. Реки и каналы в Голландии замерзли, и люди вышли на лед для работы, отдыха и несчастных случаев. Хендрик Аверкамп, только начавший карьеру художника, тоже увлекся этим. Делом его жизни стало изображение зимних сцен, полных происшествий, с людьми, которых он знал и с которыми вырос, в качестве своих персонажей. Под серым светом зимнего дня они продолжали свою жизнь почти без изменений — вели дела, сплетничали, занимались детьми, веселились, — но разгонялись на коньках.

Картина Аверкампа достойна изучения. Любопытный глаз может открыть для себя бесконечные истории и зарисовки персонажей: мужчина, задирающий юбки девушки, которая упала; люди, играющие в колф, предшественника гольфа; старик на стуле, предположительно олицетворяющий зиму. На всем этом изображен флаг новой независимой Голландской республики, к которому голландский владелец картины относится с гордостью.

The post Лондонская национальная галерея, голландцы и Рембрандт appeared first on Блог Милы.

Сооружение построили в период между 1832 и 1838 годами и за свою длительную историю несколько раз расширялось. Только неоклассический фасад, выходящий собой на Трафальгарскую площадь, является именно тем, что осталось ещё от первоначального дизайна.

В коллекции представили более 2 300 картин, большинство из которых датируются периодом с XIII по XIX века. Вход в музей совершенно бесплатный, и с более чем шестью миллионами посетителей в год он является восьмым по посещаемости музеем в мире.

Давайте же поближе познакомимся с некоторыми из самых известных картин Национальной Галереи Лондона – мировыми сокровищами, которыми вы просто обязаны будете восхититься, если планируете посетить данный удивительный музей в самом сердце английской столицы

Лондонская национальная галерея

Помимо того, что это одна из самых великолепных коллекций картин в мире, Национальная галерея, несомненно, является и одной из наиболее экономных: вход в нее бесплатный!

Экспозиционный маршрут занимает весь первый этаж и концентрируется вокруг четырех групп залов. Эти группы следуют хронологическому порядку. Произведения XIII-XVI веков выставляются в залах «синей зоны», произведения XVI-XVII веков — в «фиолетовой зоне», XVII — XVIII веков — в «оранжевой зоне», и наконец, живопись с XVIII до начала ХХ века можно увидеть в «зеленой зоне».

Редко в каком музее можно встретить такую ухоженность, внимание, отлично продуманную организацию и умение представить посетителям всю необходимую информацию об экспонатах. Здесь нет лишнего света, две картины никогда не будут висеть рядом просто так, случайно, или не на основании четких критериев. Все экспонаты снабжены табличками с необходимой информацией. Представьте себе, что в последние десятилетия даже имели место споры о слишком усердной поддержке чистоты. Тем не менее, все произведения хранятся в безупречном состоянии.

Маршрут очень простой и понятный, начиная с первых залов крыла Сейнсбери (Sainsbury Wing). Вы останетесь приятно поражены умелой организацией визуальной последовательности произведений из разных стран. Настоящим шедевром экспозиционного искусства можно считать организацию основных залов, посвященных итальянскому Кватроченто. Полотна выгодно оттенены на фоне арок с профилями из серого камня. В глубине зрителя ждет шедевр: «Распятие» Рафаэля.

В глубине нового крыла находится переход к залам с произведениями 16-го века. В отдельном зале, защищенный от сильного света, вас ждет абсолютный шедевр Леонардо: огромный картон Мадонны со Святой Анной.

Войдя в старое здание музея (датируется XIX веком), вас ждет целая череда шедевров. В некоторых залах преобладают итальянские работы. Двойной портрет «Послы» Гольбейна обозначает условный переход к другим европейским школам. Экспозиционный маршрут заканчивается картинами импрессионистов.

Мне не остается ничего другого, как пожелать вам счастливого пути в этом путешествии через семь веков великой европейской живописи!

ЛЮБОПЫТНЫЙ ФАКТ: среди тех, кто дарил или оставлял в наследство музею собранные произведения искусства, возможно, самое большое удовлетворение получил искусствовед Денис Маон. В 1945 году у него отказались купить предложенную за 200 фунтов стерлингов картину Гверчино. Завещанная после смерти коллекционера картина на момент передачи в музей стоила 4 миллиона фунтов стерлингов!

Леонардо да Винчи. Св. Анна с Марией и младенцем Христом. (Картон Бурлингтонского дома)

1499, мел на бумаге, 139.5x101cм, Национальная галерея

Под крышей Национальной галереи собрали шедевры всех европейских школ живописи за период с середины VIII до начала XX веков. В такой необъятной коллекции живописи, которая содержит более двух тысяч полотен, настоящей жемчужиной является «Картон Бурлингтонского дома» руки Леонардо да Винчи.

Картон (этюд для фрески) был создан в период с 1499 по 1500 год как предварительная версия полотна «Святая Анна с Мадонной и младенцем Христом», которое на сегодняшний день находится в Лувре. Удивительно то, что картон, приостановленный в стадии эскиза и сейчас находящийся в Национальной галерее, является единственным сохранившимся этюдом Леонардо да Винчи.

Мадонна в скалах, Леонардо да Винчи

Сейчас я расскажу об одном из шедевров гениального Леонардо да Винчи: картине «Мадонна в скалах» (Vergine delle rocce).

Картина, на которую вы смотрите, является второй версией на один и тот же композиционный сюжет. Первую «Мадонну в скалах» написал примерно в 1485 году и хранится в Лувре, в Париже. Работу над нашей картиной начал в последнее десятилетие XV века. Завершил ее в начале следующего столетия. Картину Леонардо заказало братство Непорочного Зачатия церкви Франческо-Гранде в Милане. Картина покупалась и перепродавалась несколько раз, пока не попала к английскому дворянину, графу Саффолку, который продал ее Лондонской национальной галерее за 250 тысяч франков.

Группа участников изображается на фоне, в котором преобладают скалы, доминирующие даже на расстоянии в глубине перспективы. Богородица укрывает Иоанна Предтечу своим плащом. Святой стоит на коленях, преклонившись перед Младенцем Иисусом, который благословляет его. Младенца нежно поддерживает левой рукой ангел. Изначально двое детей были настолько похожи друг на друга, что верующие путали их. Позднее Иоанну Предтече добавили крест и свиток с надписью: «Вот Агнец Божий». Эти два характерных атрибута позволяют безошибочно определить Крестителя.

По сравнению с картиной в Лувре, лондонская версия отличается большей стилистической ясностью. Пейзаж выписан более четко и резко и позволяет проникнуть взглядом далеко внутрь пещер. А теперь попробуйте представить этот образ в часовне, для которой он и был создан. Свечи, рама и нарисованные скалы должны были, безусловно, создавать неописуемый эффект таинственного грота, который символически намекал на материнское лоно, хранящее божественное чудо.

В этой работе Леонардо отходит от традиционного окружения непорочного зачатия и использует легенду о встрече между Иоанном Предтечей и Младенцем в пустыне. Обычно в картинах с таким сюжетом главной героиней всегда выступала Богоматерь. Поэтому отход от традиционной композиции придает картине еще большую загадочность.

ЛЮБОПЫТНЫЙ ФАКТ: а вы знали, что Леонардо написал третью версию «Мадонны в скалах»? Она хранится в частной коллекции, даже нет, в сейфе швейцарского банка и была оценена в 50 миллионов долларов.

Портрет четы Арнольфини, Ян ван Эйк

Войдя в зал, посвященный фламандской живописи XV века, вы соприкоснетесь с искусством с большой буквы. Говоря о многих шедеврах Яна Ван Эйка, хочу обратить особое внимание на свадебный портрет, известный «Портрет четы Арнольфини». Это одна из наиболее известных и копируемых работ в мире. Возможно, одна из причин такой привлекательности этой картины кроется в тайне, окружающей ее персонажей.

Считалось, что на портрете изображаются богатый купец из города Лукка Джованни Арнольфини со своей женой в уединении уютного дома в Брюге. Но в последнее время идентичность главных героев поставили под сомнение. Следовательно, вызывают новый интерес и две других меньших фигуры, отображенные в зеркале. В зеркале идеально отражается даже художник, который рисует супругов. Кстати, художник – не единственный обитатель зеркального отражения. За его спиной виднеется профиль еще одного мужчины. Кто этот человек? Случайный гость или участник происходящего? Как видите, на табличке с описанием картины теперь стоит знак вопроса.

С другой стороны, автор и дата написания сомнений не вызывают: картина подписана и датирована! Подпись можно увидеть на дальней стене над выпуклым зеркалом. Но странно то, что эта надпись на латыни, в то время как на других картинах (вы можете убедиться в этом здесь, в зале) Ван Эйк подписывается на голландском или на французском языках.

Ван Эйк изобразил незабываемую сцену. Люстра в центре композиции выписана с поразительным реализмом, подчеркнутым отблеском позолоченной бронзы. Все предметы расположены с большой аккуратностью. Элегантные одежды и аристократичные черты двух молодоженов говорят о том, что перед нами представители богатого социального класса. Милая длинношерстая собачка и забытые пантофли на полу подчеркивают домашнюю обстановку и намекают на верность, которая так важна для супружеской жизни. Наличие зеркала поворачивает и удваивает пространство картины, включая мебель, предметы и людей напротив двух главных персонажей. При помощи этого художественного приема автор вовлекает в действие самого зрителя, который больше не является посторонним «прохожим», а превращается в активного участника сюжета.

Кстати, а что именно здесь происходит? На этот вопрос тоже нет однозначного ответа. Большинство искусствоведов уверены, что это парадный портрет семейной пары, написанный уже после смерти супруги. О том, что героини нет в живых, намекают потухшие над ее головой свечи и изображения сцен из Евангелия после смерти Христа на стороне женщины. Хотя, с такой же вероятностью можно предположить и противоположный сценарий. Перед нами не окончание брака, а его первые мгновения, и Джованни Арнольфини с женой здесь изображены в день свадьбы. Пусть вас не смущает огромный живот женщины – это всего лишь складки ее роскошного одеяния, в XV веке такой фасон был в моде.

ЛЮБОПЫТНЫЙ ФАКТ: детали картины выписаны с невероятной остротой и проницательностью. Если посмотреть за облицованное кирпичом окно, можно увидеть даже дерево со спелыми красными вишнями. Так Ван Эйк дает нам понять, что спальня находится на первом этаже, и что на дворе июнь.

Послы, Гольбейн

Естественно, в Национальной галерее собрано множество работ придворных художников английских королей — Антониса ван Дейка и Ганса Гольбейна. Так, Ван Дейк оказал значительное влияние на развитие живописи в стране и в большей степени — на английский портрет.

А сейчас я расскажу об одной из самых популярных картин Лондонской национальной галереи. Это Портрет французских послов Ганса Гольбейна Младшего. Картина с подписью и датой в нижней части считается высшим образцом мастерства художника немецкого происхождения и абсолютным примером самого зрелого и сложного портрета всей эпохи Возрождения. Художник написал картину в Лондоне, где сразу после приезда стал одним из фаворитов двора короля Генриха VIII и даже его личным портретистом.

Судя по размерам (два на два метра), можно понять, что речь идет о памятном портрете. Он был заказан французским послом в Лондоне Жаном де Дентевилем в память о визите своего друга Жоржа де Сельв на Пасху 1533 года. Де Сельв изображен справа в строгих, но изысканных церковных одеждах. Пол очень похож на пол Вестминстерского аббатства, что подтверждает то, что встреча происходила в Лондоне.

Двое молодых людей одного и того же социального сословия, очевидно, разделяют общие вкусы, манеры и интерес к науке. Об этом свидетельствуют предметы, которыми наполнена картина. Оба главных героя опираются с небрежной элегантностью на разложенные на столе предметы. Видно, что оба молодых человека интересуются музыкой и им не чужда математика.

Но самую большую ценность и интерес картина представляет из-за своего символического наполнения и почти осязаемой тревоги. Начнем с самой знаменитой детали: серого пятна в самом центре картины. Если смотреть на картину снизу, то вы увидите череп. Он изображен при помощи такого художественного приема, как оптическая деформация или анаморфоз. Поэтому не удивляйтесь, если увидите, некоторых посетителей, лежащих на полу под картиной. Человеческий череп придает всему невероятную драматическую остроту, которая усиливается еще больше вопиющей непропорциональностью предмета.

В открытой книге легко угадать стихи религиозных гимнов, используемых Мартином Лютером, которые были также широко распространены в католической традиции. Здесь Гольбейн, вероятно пытается намекнуть на попытки Жоржа де Сельва примирить две враждующих стороны. У лютни порвана струна – это намек на неустойчивость гармонии и красоты, а также, возможно, на сложное искусство дипломатии в трудные времена, когда мир «висит на волоске».

ЛЮБОПЫТНЫЙ ФАКТ: Ганс Гольбейн также написал портрет принцессы Кристины Датской. Портрет понравился королю Генриху VIII Тюдору настолько, что он попросил руки принцессы. Помня, какая участь постигла одну из предыдущих жен короля, Анну Болейн (она была обезглавлена), Кристина отказалась, сказав: «Если бы у меня было две головы, я бы с большим удовольствием подарила одну королю Англии».

Диана и Актеон, Тициан

1556-1559 годы

Размеры: 185 х 202 сантиметра

«Диана и Актеон» – одна из работ Тициана – одного из самых известных художников эпохи Возрождения, которая была приобретена Национальной Галерей Лондона (столица Англии) на пару с Шотландской Национальной Галереей в Эдинбурге (столица Шотландии). Оба музея заплатили за эту работу колоссальные 50 миллионов фунтов стерлингов.

На картине отображён момент, когда Актеон неожиданно входит в то место, где купаются Диана и её нимфы, чем сильно тревожит девушек. Его судьбу предсказывают череп оленя на постаменте и шкуры бывшей добычи Дианы, висящие над ее головой. Завершение истории показано на другой картине Тициана в Национальной галерее «Смерть Актеона». Возмущенная богиня превращает Актеона в оленя, которого растерзают его собственные собаки.

Картины были частью знаменитой серии мифологических картин, созданных для короля Испании Филиппа II, когда Тициан был на пике своего могущества. Произведения беспрецедентной красоты и изобретательности, их сюжеты в основном основывались на «Метаморфозах» римского поэта Овидия – сам Тициан называл их «poesie» (стихотворениями). «Диана и Актеон» были созданы для того, чтобы их вешали вместе с Дианой и Каллисто (совместно принадлежащими Национальной галерее и Национальным галереям Шотландии) — их пейзажный фон и поток на переднем плане кажутся непрерывными.

Портрет Папы Юлия II, Рафаэль Санти

1511-1512 годы

Размеры: 108 х 80,7 сантиметров

«Портрет Папы Юлия II» изображает великого мецената эпохи Возрождения – Папу Юлия II – незадолго до его смерти в 1513 году. Картина была написана Рафаэлем Санти – одним из самых влиятельных художников Высокого Возрождения.

В тот самый период Рафаэль находился в итальянской столице – вечном городе Риме, где получал бесчисленные заказы, многие из которых были предоставлены человеком, изображённым на этом портрете. В то время это была революционная работа, и всё из-за невероятного реализма, в котором был изображён Папа.

Этот портрет измученного заботами Папы Юлия II (1443–1513) обычно датируется полуторагодичным периодом, в течение которого он носил бороду. Он вырастил его в 1510 году в знак унижения, выздоравливая от серьезной болезни, вызванной потерей Болоньи французами, и поклялся не сбривать его до тех пор, пока французские войска не будут изгнаны из Италии, что произошло в 1512 году.

Юлий был великий покровитель искусств, поручивший Рафаэлю украсить папские апартаменты в Ватикане и приказав восстановить собор Святого Петра в Риме. Два золотых желудя на стуле Папы намекают на его фамилию делла Ровере (ровере по-итальянски означает «дуб»). Портрет был выставлен 12 декабря 1513 года, после смерти Юлия, в римской церкви Санта-Мария-дель-Пополо. Он оказал огромное влияние и стал образцом церковной портретной живописи на следующие 200 лет.

Ужин в Эммаусе, Караваджо

Среди шедевров XVII века Лондонской национальной галереи особого внимания заслуживает «Ужин в Эммаусе» Микеланджело Меризи, известного как Караваджо.

Холст, написанный в первые годы XVII века, считается переходом от ранних работ, где часто изображены молодые люди с музыкальными инструментами, за игрой в карты или в образе Эроса либо Вакха, к более зрелому периоду с характерным острым драматизмом и темными тонами.

Картина посвящена сюжету, описанному в Евангелии от Луки, где Иисус после Воскресения является двум своим ученикам. Клеопа с другом встречают неизвестного странника по дороге в Эммаус, небольшую деревню в нескольких километрах от Иерусалима. Вскоре после знакомства они останавливаются в таверне, и здесь странник ломает хлеб с тем же благословением, которое было дано Христом во время Тайной Вечери. Именно в этот момент ученики узнают Спасителя.

Как видите, Караваджо выбрал самый момент благословения, передав удивление присутствующих. Два обедающих не верят своим глазам. Тот, что справа раскрывает руки, словно имитируя распятие. Тот, который слева, повернутый спиной к зрителю, поднимаясь, упирается в подлокотники кресла, выражая всем телом крайнее и внезапное удивление. Локоть Клеопы и пальцы его друга (у которого на груди нарисована ракушка Святого Иакова, символ пилигримов, направляющихся в Компостелу), кажется вот-вот прорвут холст и втянут зрителя в происходящую сцену с чудом. Единственный, кто не понял значения происходящего, — это трактирщик. Он по-прежнему внимательно смотрит на Иисуса, которого Караваджо изобразил здесь без бороды.

Льющийся с левой стороны свет подчеркивает с ослепительной ясностью как самого главного героя, так и прекрасный натюрморт на столе. Все выглядит настолько реалистично, что зритель почти не замечает одной чудесной детали. На самом деле тень, которую отбрасывает трактирщик на стену, должна закрыть и часть лица Иисуса. Но лик последнего остается полностью светел.

ЛЮБОПЫТНЫЙ ФАКТ: среди мяса, кувшинов и кусков хлеба хорошо видна корзина с фруктами. Она очень напоминает известнейший натюрморт Караваджо, который хранится в музее Амброзиана в Милане. Здесь корзина тоже балансирует в хрупком равновесии на краю стола. Кажется, что если вы коснетесь холста, то она упадет.

Дама, стоящая у верджиналя, Ян Вермеер

Около 1670

А сейчас перейдем к картине «Дама, стоящая у вирджиналя» Яна Вермеера, одного из величайших голландских художников XVII века. Картины этого художника, выполняемые с большой медлительностью и тщательностью, являются большой редкостью. Во всем мире их насчитывается всего около тридцати пяти. Ян Вермеер родился в Дельфте в Южной Голландии и славился картинами с изображениями повседневной домашней жизни. В этих работах часто фигурируют молодые женщины, которые ведут спокойный размеренный образ жизни, и запечатлены они в очень интимных моментах одиночества.

На картине перед вами молодая женщина, стоящая перед клавишным инструментом, на котором чаще всего играли именно представительницы слабого пола. Женщина одета в элегантное платье с голубым лифом, пышными желтыми рукавами и окантовкой из бисера и лент. Волосы её собраны в пучок, из которого выбиваются несколько локонов, спадающих на лоб.

А теперь окиньте взглядом комнату. Остановитесь на деталях меблировки. Пол из черно-белой мраморной плитки и плинтусы из белой керамики с синим рисунком свидетельствуют о том, что это дом довольно богатого человека. С левого окна льется свежий дневной свет, который с большой точностью выделяет каждую деталь. На задней стене видны две картины: пейзаж в позолоченной раме и Купидон, который держит игральную карту. Купидон интерпретируется как символ любви и верности одному человеку. И действительно, прикасаясь пальцами к клавишам, дама всматривается вдаль, словно ждет кого-то. Возможно, это был человек, сидящий в кресле на переднем плане… Создается впечатление, что она смотрит далеко за пределы картины, прямо на зрителя, пытаясь вовлечь его в безмолвный загадочный диалог.

Кроме прочего, необходимо учесть, что тема музыки была тесно связана с эротизмом и в голландской живописи того периода к ней обращались довольно часто. Музыка считалось «пищей любви» и была прекрасным развлечением для буржуазного класса, поскольку символизировала, как гармонию, так и скоротечность существования. Если вам нравится сравнивать, хорошо рассмотрите эту картину, а затем найдите другую, того же Вермеера. Здесь изображена дама, которая сидит за музыкальным инструментом.

Девушка за клавесином, Ян Вермеер Делфтский

1670

Голландской живописи 17-го века вообще была присуща любовь к символике. Современный зритель почти утратил умение ее “читать”, воспринимая в картине то, что лежит на поверхности — любуется колоритом и умело построенной композицией и ,конечно. восхищается мастерством передачи фактуры предметов, в котором голландцы достигли совершенства. В картине Яна Вермеера Делфтского “Девушка за клавесином” он отметит типичный облик юной северянки — полноватой блондинки со светлой кожей, круглолицей, с пухлыми губами и большими выпуклыми глазами.

Интересно смотрится старинный клавесин, на крышке которого изображен пейзаж, детали интерьера — картина, висящая над головой юной музыкантши, ее платье, роскошная портьера, виола на переднем плане слева. Таким образом перед нами сценка из жизни обитателей преуспевающего бюргерского дома. однако иначе понимали подобные композиции современники Вермера (1632-1675 гг). Они видели здесь символическое изображение любви. Ключ к такому пониманию — виола, которая не просто отставлена в сторону, а приготовлена специально для возлюбленного, которого с нетерпением ожидают. Недаром художник изобразил девушку, обращенную словно навстречу входящему, лицом к зрителю. Вот-вот кавалер появится и начнется дивный музыкальный дуэт. так обыденный, незамысловатый на первый взгляд сюжет обретает глубокий поэтический подтекст.

ЛЮБОПЫТНЫЙ ФАКТ: еще одна известная картина Вермеера под названием «Девушка с жемчужной сережкой» стала источником вдохновения для целого фильма!

Аллея в Миддельхарнисе, Мейндерт Хоббема

1689 г

Среди замечательных произведений голландского пейзажа — “Аллея в Миддельхарнисе” Мейндерта Хоббемы (1638-1709 гг). Это лучшая картина живописца. В ней остро подмечен облик страны с ее плоскими равнинами, аккуратно возделанными полями и огородами, обведенными каналами, бескрайним облачным небом, нависшим над землей. Уходящая вдаль дорога завораживает, зовет. Это словно символ бесконечной жизни.

Хоббема создал замечательный эффект в этой необычной картине, используя деревья аллеи, чтобы направить наш взгляд прямо в центр картины, и сильные вертикали, чтобы направить взгляд вверх. Наш взгляд также обращен в сторону пейзажа, как через дорогу, сворачивающую вправо, так и через сильные боковые линии дорожек и полей слева. Как будто в основе всей картины лежит трехмерная сетка – невидимая геометрия.

Композиция оказала сильное влияние на более поздних художников. Им восхищался Ван Гог, который подражал его эффектам в нескольких картинах после того, как впервые увидел его в Национальной галерее в 1884 году, и, вероятно, он также вдохновил Камиля Писсарро на написание «Авеню в Сиденхэме». Дэвид Хокни даже сделал свою собственную версию в 2017 году «Высокие голландские деревья после Хоббемы (полезные знания)».

Рембрандт

Почитателям творчества Рембрандта тоже будет на что посмотреть — галерее принадлежит довольно крупная коллекция его работ, отражающих всю жизнь великого живописца. Например, на полотне «Саския в костюме пастушки» мы видим первую жену художника,

На скромной работе «Портрет Хендрикье Стоффельс» — уже его вторую супругу Хендрикье Стоффельс.

Также в коллекции есть предсмертные работы Рембрандта.

А теперь поговорим о трех картинах Рембрандта ван Рейна, одного из самых выдающихся голландских художников XVII века. Начнем с самой маленькой картины, написанной в 1654 году. Это — «Молодая женщина, купающаяся в ручье», одна из любимых работ художника.

Молодая женщина, купающаяся в ручье

Быстрыми и объемными мазками художник изображает молодую женщину, приподнявшую сорочку, чтобы искупаться. Женщина улыбаясь смотрит на свое отражение. Здесь передан невероятно интимный и спонтанный момент, о чем свидетельствует как поза женщины, так и используемая техника живописи. Согласно одному из предположений, девушка была любовницей Рембрандта. Тем не менее, оставленный на берегу богатый ярко-красный плащ, подбитый золотом, наводит на предположение о том, что это может быть библейская Сюзанна или Вирсавия, а возможно — мифологическая богиня Диана.

Пир Валтасара

В этом зале находится и другая не менее примечательная картина: «Пир Валтасара».

Полотно было написано примерно в 1630 году, в период, в котором произведениям художника характерны полнота света, богатство цвета и монументальность фигур. Основой картины послужил библейский сюжет. Вавилонский царь Валтасар (в центре) только что призывал приглашенных на свой банкет пить из золотых и серебряных чаш, украденных из храма в Иерусалиме. Но из воздуха вдруг появляется рука, которая пишет на стене загадочную фразу. Надпись предвещает конец царствования Валтасара в ту же ночь. Рембрандт изобразил кульминационный момент, когда царь поворачивается и застывает в ужасе, глядя на пишущую руку. Его внезапное движение пугает до смерти всех остальных. Кубки и чаши опрокидываются, Валтасар переворачивает металлическое блюдо, объятые ужасом гости кричат. Только музыкант на фоне продолжает играть, ничего не замечая вокруг.

Картина «Пир Валтасара» Рембрандта примечательна тем, как художник смешал религиозную и историческую темы, создавая произведение, которое обращает внимание не только на библейский сюжет, но и на вечные темы власти, гордыни и человеческой натуры.

Автопортрет в возрасте 34 лет

А теперь перейдите к третьей картине: «Автопортрет в возрасте 34 лет». Этот автопортрет обозначил самый счастливый период в жизни и творческой карьере художника.

Подпись и дата проставлены на парапете, на который опирается богато одетый художник. На нем — подбитый мехом плащ, тонко вышитая рубашка и широкая бархатная шляпа, отороченная золотой цепочкой. А теперь сравните эту работу с другим «Автопортретом», который тоже находится в этом зале, но был написан в 63 года, незадолго до смерти художника. Даже качество мазка, дряблое и ослабленное, подчеркивает невероятно личным и глубоко поэтическим путем физический упадок и дряхлость мастера.

ЛЮБОПЫТНЫЙ ФАКТ: «Автопортрет в возрасте 34 лет» был навеян картиной Рафаэля, которую Рембрандт видел на аукционе в Амстердаме. Но он был не в состоянии купить работу. Таким образом, чтобы утешить себя, художник решил нарисовать похожий портрет!

Самсон и Далила, Питер Пауль Рубенс

Великий Рубенс представлен не менее широко — в собрании имеются 24 полотна этого нидерландского мастера. Большинство хранящихся в галерее работ относятся к позднему периоду творчества Рубенса, когда он уже добился славы и стал позволять себе писать для собственного удовольствия.

1609-1610 годы

Размеры: 185 х 205 сантиметров

«Самсон и Далила» – одно из самых увлекательных произведений в творчестве Питера-Пауля Рубенса (годы жизни 1577-1640) – одного из самых известных художников эпохи барокко. На полотне изображён момент, когда Самсону стригут волосы, произошло это после того, как он заснул на коленях Далилы. Толпа филистимских солдат выжидает момент, когда Самсон потеряет свою силу, они уже готовы напасть на него. Но, возможно, Далила заплатит за свое предательство. Профиль пожилой женщины позади нее — поразительное, но увядшее подобие ее собственного, возможно, предполагающее, что однажды она потеряет красоту, которая стала причиной падения Самсона.

Во время визита в Италию Рубенс увидел эксперименты Караваджо по использованию очень контрастных светотеней и глубоких, насыщенных цветов. По возвращении он использовал эти новые техники для рисования Самсона и Далилы по заказу своего друга и покровителя Николааса II Рококса, мэра Антверпена, для его частной коллекции.

История Самсона и Далилы рассказана в Ветхом Завете, она была весьма популярной темой в истории искусства.

Уильям Хогарт “Модный брак”

1743-1745 гг.

Среди самых известных картин собрания — серия “Модный брак” выдающегося английского художника Уильяма Хогарта (1697-1764 гг). Одна за другой проходят перед зрителем сцены из жизни молодой супружеской пары. Цикл из шести картин завершается смертью обоих героев, но как ни странно, этот трагический конец не особенно печалит зрителя.

Мастер сознательно избегает психологических характеристик. Его персонажи напоминают марионеток. Невольно сравниваешь их с теми безделушками, которыми переполнен богатый, но холодный дом, в котором разворачивается действие. Их жизнь, силою обстоятельств превращенная в светскую игру, называемую браком по расчету, прожита никчемно.

Впервые в живописи середины 18-го века за изящной легкостью проступает социальный смысл. ”Я старался разрабатывать свои сюжеты как драматический писатель. Картина была для меня сценой, мужчины и женщины- моими актерами”, — писал Хогарт.

Портрет четы Эндрюс, Томас Гольбейн

«Портрет четы Эндрюс» — одно из наиболее ранних произведений знаменитого английского художника Томаса Гейнсборо, признанного мастера портретной и пейзажной живописи. Работа датируется 1750 годом. Почти 200 лет она принадлежала потомкам семьи Эндрюс и ее впервые выставили на публику только в 1960 году.

Новобрачные Роберт и Фрэнсис Эндрюс одеты по последней моде 40-х годов XVIII века, что подчёркивает их социальный статус — оба происходили из богатых семей. На женщине — элегантное голубое платье и соломенная шляпка. Мужчина же изображается в охотничьем костюме и с ружьём, а у его ног стоит собака.

Стоит отметить и потрясающий своей детализацией пейзаж картины: деревья, облака, гроздья пшеницы и пасущиеся вдалеке овцы выписаны с поразительной точностью. Скорее всего новобрачные изображаются в их собственном поместье в Садбери, родном городе и самого Гейнсборо.

Позади мистера и миссис Эндрюс открывается широкий вид на юг, на долину реки Стоур. Роберт Эндрюс владел почти 3000 акрами земли, и большая часть земли, которую мы видим здесь, принадлежала ему. Гейнсборо продемонстрировал свое мастерство художника, изображающего убедительно меняющуюся погоду и натуралистические пейзажи, что в то время было еще в новинку.

Неокрашенное пятно на коленях миссис Эндрюс, возможно, было оставлено для того, чтобы позже нарисовать ребенка. Окруженные красотой лесов и облаков сельской местности Эссекса, застенчиво позирующие рядом с плодородными полями урожая и хорошо заселенными пастбищами, мистер и миссис Эндрюс продолжают жить, трогательно представляя себя дома, в своем собственном ландшафте.

Эксперимент с птицей в воздушном насосе, Джозеф Райт

1768

Эта работа иллюстрирует научный эксперимент, который был характерен для эпохи Просвещения. Тогда интерес к науке и познанию был на пике. На картине «Эксперимент с птицей в воздушном насосе» изображается группа ученых и их ассистентов, проводящих научный опыт с помощью вакуумного насоса. Он используется для откачки воздуха из сосуда, в котором содержится птица. Наступила ночь, и комната освещена единственной свечой, горящей за большим круглым столом. Белого какаду поместили в стеклянный контейнер, из которого откачивали воздух для создания вакуума. Будет ли лектор полностью выгонять воздух и убивать птицу, или впускать воздух обратно и оживлять ее? Райт акцентирует внимание на разной реакции зрителей — от девушки, которая не может смотреть, до влюбленных, которые смотрят только друг на друга.

Это самая большая, самая амбициозная и драматичная из серии картин «при свечах», написанных Райтом в 1760-х годах. В нем запечатлена драма постановочного научного эксперимента, но он также функционирует как vanitas — картина о течении времени, пределах человеческого знания и хрупкости самой жизни. Картина является отличным примером живописи Просвещения, которая пытается соединить науку и искусство. Она отражает интерес к научным открытиям и просвещению, который был характерен для эпохи. Свет и тени на картинах Райта подчеркивают важность исследования и создают драматическую атмосферу.

Портрет Сары Сиддонс, Томас Гейнсборо

1785 год

Обращение к театру, привнесение в изобразительное искусство элементов театрализации типичны для 18-го столетия. Театр моден, имена актеров у всех на устах. Художники почитают за честь написать портрет того или иного кумира сцены. Не все такого рода полотна были апофеозами. Сейчас мы можем любоваться такими искренними произведениями, как портрет Сары Сиддонс кисти Томаса Гейнсборо (1827-1788 гг).

Это не единственное изображение прославленной актрисы. В той же галерее находится работа Д.Рейнольдса, где она изображена в виде музы трагедии. А портрет Гейнсборо лишен каких бы то ни было мифологических атрибутов. На картине Сара Сиддонс в модном современном платье. Она носит черную бобровую шапку, отделанную лентой и страусиными перьями, и синюю полосатую «накидку», желтую мантию и муфту из лисьего меха, сидит в легкой непринужденной позе. Она будто бы случайно ненадолго зашла в мастерскую художника, присела поговорить с ним.

Лицо актрисы не отличается тонкими чертами, даже немного наоборот. Во время работы над портретом Гейнсборо всё ворчал: “Мадам,вашему носу просто нет конца”. И все же художник изобразил гордый профиль актрисы. Её образ восхищает внутренней силой. В то время, когда Гейнсборо писал ее, миссис Сиддонс играла величайшую из всех своих ролей — леди Макбет. Что-то от силы и страсти этой роли чувствуется в портрете, который некоторые считают шедевром художника.

Казнь Джейн Грей, Поль Деларош

1833

На картине изображается трагическая сцена, которая произошла в английской истории. Джейн Грей была королевой Англии всего лишь в течение девяти дней в 1553 году. Ее короткое правление завершилось, когда Мария Тюдор, также известная как «Кровавая Мария», пришла к власти и приговорила Джейн Грей к смерти. На картине изображается момент казни, когда Джейн стоит перед палачом, готовым выполнить приговор.

Деларош показывает последние минуты жизни леди Джейн с завязанными глазами, когда она умоляет: «Что мне делать? Где блок?» Ее ведет к нему сэр Джон Бриджес, лейтенант Тауэра. Ее верхняя одежда уже снята и собрана на коленях у рухнувшей на землю фрейлины. Позади нее, лицом к стене, стоит вторая фрейлина, не в силах смотреть. Справа ждет палач. Используя неглубокое сценическое пространство, театральное освещение и фигуры в натуральную величину, Деларош разыгрывает зрелище невинной молодой жертвы на грани мученичества, заставляя нас реагировать на сцену перед нами.

Поль Деларош воссоздал эту историческую сцену с большой драматичностью и реализмом. Он акцентирует внимание на лицах и эмоциях персонажей, создавая атмосферу трагедии и сожаления. Картина является ярким примером романтической живописи XIX века. Она часто обращалась к историческим событиям и персонажам для выражения человеческих эмоций и моральных уроков.

Дождь, пар и скорость, Уильям Тёрнер

Картина «Дождь, пар и скорость — Великая западная железная дорога» считается одной из самых известных во всей Англии. Ее написал знаменитый пейзажист-романтик Уильям Тёрнер в 1844 году.

Паровоз приближается к нам, пересекая под дождем железнодорожный мост Мейденхед. Мост, спроектированный Изамбардом Кингдомом Брюнелем, был завершен в 1838 году. Мы смотрим на восток в сторону Лондона, а поезд направляется на запад. Преувеличенно резкий ракурс виадука, за которым наш взгляд следует к горизонту, предполагает скорость, с которой поезд прорывается сквозь дождь. Слева ещё можно различить арочный мост и лодку, а остальной пейзаж словно тонет в синеве. Тернер часто рисовал сцены из современной жизни и особенно интересовался промышленностью и технологиями. Поскольку он часто использовал новые виды транспорта, в том числе паровозы, маловероятно, что картина является отказом от современности. Вместо этого он видел и поезд, и мост как объекты, достойные рисования.

Это типичная работа Тёрнера — здесь отсутствуют границы между различными элементами пейзажа. Вся картина наполнена светом. Неудивительно, что впоследствии из живописи Тёрнера «вырастут» импрессионисты.

Нападение в джунглях, Анри Руссо

1891.

Дословно с французского название картины переводится как «Тигр во время тропической грозы». Это одна из наиболее известных икон французского наивного искусства. Картина отражает экзотичность и магию тропиков, а также выделяется своей атмосферой загадочности и природной дикости.

Тигр низко приседает в густой листве джунглей, выгнув спину и оскалив зубы. Не совсем понятно, что происходит: тигр съеживается от вспышки молнии или выслеживает добычу?

Это была первая из примерно 20 картин Руссо, посвященных джунглям, которые входят в число его самых популярных работ. Эти джунгли полностью воображаемы: Руссо никогда не покидал Францию, несмотря на его заявление о том, что он служил во французской армии в Мексике. Листва представляет собой смесь домашних комнатных растений и тропических сортов, которые он видел в Ботаническом саду в Париже. Его стиль характеризуется простыми контурами, яркими цветами и отчетливой надеждой на фантазию.

Руссо был художником-самоучкой-любителем, у которого живопись была хобби. Он относился к своей картине очень серьезно, несмотря на насмешки со стороны некоторых сторон. Но ряд художников и писателей, особенно представителей авангарда, приветствовали его как важную фигуру. Сейчас его считают пионером «наивного искусства».

Купальщики в Аньере, Жорж-Пьер Сёра

1884

Это произведение искусства является значимым представителем неоимпрессионизма, стиля в живописи, характеризующегося использованием точечной техники, известной как «дивизионизм» или «пуантилизм».

Эта большая картина была первой крупной композицией Сёра, написанной, когда ему еще не исполнилось 25 лет. Он намеревался сделать это грандиозным заявлением, которым он оставит свой след на официальном Салоне весной 1884 года, но оно было отклонено.

Несколько мужчин и мальчиков отдыхают на берегу Сены в Аньере и Курбевуа, промышленном пригороде к северо-западу от центра Парижа. Показанные в профиль, они неподвижны, как скульптуры, и каждый кажется поглощенным своими мыслями, не взаимодействуя ни друг с другом, ни с нами. Залитая ярким, но туманным солнечным светом, вся сцена царит почти жуткую тишину, как будто время остановилось и все движение временно замерло. На заднем плане виден железнодорожный мост, частично скрывающий параллельный автомобильный мост, а также дымоходы газового завода и заводов в Клиши, где, возможно, работают некоторые мужчины.

Особенностью этой картины является использование художником точечной техники. Вместо смешивания цветов на палитре, Сера наносил маленькие точки чистых цветов рядом друг с другом, позволяя им сливаться в воспринимаемые зрителем цветовые оттенки при просмотре издалека. Эта техника придает картине особое сияние и яркость, а также создает ощущение света и атмосферы.

Стул Винсента с трубкой, Винсент Ван Гог

Это одна из серии картин великого голландского художника Винсента ван Гога, созданная им в 1888 году в Арле. Произведение искусства представляет собой натюрморт, изображающий деревянный стул с плетеным сиденьем и трубкой.

Картина «Стул Винсента с трубкой» является частью серии работ, в которой ван Гог изучал форму и цветовую гамму этого обыденного объекта. Он создал несколько версий, каждая из которых немного отличается в стиле и цвете. Художник экспериментировал с разными оттенками желтого, синего и зеленого, создавая насыщенные и яркие краски. Картина отражает характерный стиль Ван Гога, который характеризуется бесконечной страстью к живописи и чувственной интерпретацией предметов. Даже такой обыденный предмет, как стул, становится объектом вдохновения и самовыражения художника.

Она была написана в конце 1888 года, вскоре после того, как его коллега-художник Поль Гоген присоединился к нему в Арле на юге Франции. Картина была парой к другой картине «Кресло Гогена» (Музей Ван Гога, Амстердам). Их нужно было повесить вместе, повернув один стул вправо, а другой влево. Оба стула функционируют как суррогатные портреты, отражающие личности и различные художественные взгляды двух художников. В то время как кресло Ван Гога простое и функциональное, кресло Гогена представляет собой элегантное кресло с тонкой резьбой. Стул Ван Гога, на который он положил трубку и табак, показан при ярком дневном свете. Гоген, с двумя романами на сиденье, был написан ночью и освещен свечой и газовым светом.

Его простой стул пуст, символизируя отсутствующего владельца, и представляет собой изображение, которое бесконечно грустно. Это необычный пример продвижения самого знакомого объекта за пределы натюрморта, чтобы он представлял самого художника. Включая свои трубку и табак, а также своё имя, написанное на ящике на заднем плане, художник мгновенно персонализировал объект, который в результате приобретал покров эмоционального выражения, не связанный с повседневной формой стула

Подсолнухи, Винсент Ван Гог

Наше посещение Лондонской национальной галереи заканчивается картиной «Подсолнухи» Винсента Ван Гога. Эта тема была особо дорогой сердцу голландского художника. Он неоднократно рисовал эти цветы на полотнах, которые затем стали всемирно известными.

Картина была написана летом 1888 года, когда художник находился в Арле, на юге Франции.

Как и многие другие работы на ту же тему, Ван Гог повесил эту картину в своем доме, где гостил его друг, художник Поль Гоген. Вместе они намеревались создать нечто похожее на сообщество художников, живших и работавших вместе. Затея продлилась всего несколько месяцев и завершилась внезапным уходом Гогена после ссоры. «Подсолнухи» стали свидетелями и главными героями этого короткого периода. Две версии висели в комнате Гогена, который изобразил своего друга во время работы над одной из этих картин.

Кроме того, сами «Подсолнухи» можно трактовать как символ цикличности жизни. Посмотрите внимательно на отдельные цветки в вазе: некоторые из них только в бутонах, другие уже увяли и склонили свои соцветия вниз. В этой картине жизнь и смерть идут рука об руку. Яркие подсолнухи имеют очень реалистичный вид, в основном из-за плотной и густой консистенции краски, хотя мазки сделаны быстро и легко.

Яркий контраст с реалистичным видом цветов создают ваза и стол, написанные в стилизованной манере, подчеркнутые толстой контурной линией. Обратите внимание на то, как переход от поверхности стола к стене передан двумя оттенками желтого: темного и более светлого, симметрично перевернутыми в вазе для цветов. Подпись художник нанес на вазу в виде украшения керамической поверхности.

ЛЮБОПЫТНЫЙ ФАКТ: картина представляет собой торжество желтого и оранжевого цвета. В дополнении к очевидной дани солнцу Прованса, желтый цвет у Ван Гога ассоциировался с дружбой и счастьем.

The post Шедевры Лондонской национальной галереи appeared first on Блог Милы.