Яблоки можно заменить на груши или сливы. Получится тоже очень хорошо!

Ингредиенты:

• 4 яйца
• 150 гр. сахара
• 125 гр. размягченного сливочного масла
• 250 гр. сыра Маскарпоне
• 100 гр. кокосовой стружки (молотого миндаля или других орехов)
• 3 ст. л. крахмала
• 1 ч. л. ванильного экстракта (0,5 пакетика ванилина)
• 1 пакетик разрыхлителя (15 гр.)
• 250 гр. муки
• 1 большое яблоко (300 гр.)
• немного сока лимона
• 1 ст. л. коричневого сахара для посыпки (можно простого)

Приготовление:

Яйца хорошо растереть с сахаром. Чем дольше, тем лучше. В идеале взбивать миксером минут 10-15. Добавить по порядку остальные ингредиенты, каждый раз хорошо перемешивая: размягченное сливочное масло, Маскарпоне по ст. ложке, кокосовую стружку (или молотые орехи), крахмал, ванилин, муку перемешанную с разрыхлителем. Замесить тесто до однородности. Оно получится довольно-таки густое.

У яблок удалить сердцевину, нарезать их на дольки, сбрызнуть соком лимона, чтобы не потемнели.

Выложить тесто в смазанную маслом и обсыпанную мукой форму (силиконовую форму я не смазываю). У меня в диаметре 25 см. Меньше диаметр использовать точно не стоит, т.к. теста получается много, плюс оно очень хорошо поднимается. Немного больше — можно. Сверху уложить порезанные яблоки, присыпать коричневым сахаром. Яблоки получше вдавить в тесто.

Выпекать в духовке при т.180-200º C 40-50 мин, зубочистка должна выходить сухой.

Пирог очень хорошо поднимается.

Посмотрите какое изумительно рыхлое получилось тесто

Итак, кокосовый пирог с маскарпоне готов. Приятного чаепития!

The post Кокосовый пирог с маскарпоне: нежный и рассыпчатый appeared first on Блог Милы.

Bесна, Сандро Боттичелли

203х314 см. Темпера, дерево. 1482 г. Галерея Уффици, Флоренция, Италия

Сандро Боттичелли родился во Флоренции в 1445 года в семье кожевенника. А в начале 1460-х годов был записан в ученики к художнику Филиппе Липпи. С 1467 года Сандро открыл свою собственную мастерскую. К 1475 году Сандро Боттичелли был вполне известным и востребованным мастером. Он стал создавать фрески, писать картины для церквей.

Боттичелли считали «своим» человеком практически везде, в том числе и в богатых королевских семьях. Лоренцо де Медичи пригласил Сандро Боттичелли жить у него и писать картины для интерьера. В это время Сандро пристрастился к мифологическим сюжетам и пронес влюбленность в античную культуру через всю свою жизнь.

Шедевр флорентийского Возрождения «Весна», был заказан семьей Медичи. Внутренний сюжет раскрывает тему смены времен года. На картине в апельсиновой роще и среди лавровых деревьев художник изобразил девять героев древних мифов. В центре полотна находится восхитительная богиня любви и плодородия Венера. Ее образ символизирует гуманность. Гуманизм одна из центральных идей эпохи Ренессанса. Богиня одета по моде XV века. Она стоит ровно по центру арки, которую образуют ветви апельсиновых деревьев. Над головой прекрасной Венеры кружит Купидон, стреляющий из лука. Моделью для образа божественной красавицы послужила Симонетта Веспуччи, в которую был безответно влюблен гениальный художник. Эту замужнюю даму называли первой красавицей Флоренции, а она отдала свое сердце Джулиано Медичи.

Слева расположена группа, состоящая из трех граций. Девушки держатся за руки и кружатся в танце. Они означают красоту, целомудрие и любовь. Морской жемчуг, вплетенный в распущенные длинные волосы прекрасных созданий, символизирует душевную чистоту. Одеяние граций сшито из полупрозрачной вуали.

Слева от девушек стоит Меркурий. Он одет, как и положено римлянину, в тогу красного цвета. Его миссия — охранять апельсиновый сад. Поэтому он вооружен. На ногах Меркурия крылатые сандалии.

Справа от Венеры находится группа из трех фигур. Это Зефир (он с краю). Его считают предвестником наступления теплого времени года. На картине Зефир преследует красавицу нимфу Хлорис. Ближе к Венере Флора (богиня весеннего обновления). Она символизирует возрождение природы, ее преображение. Картина «Весна» — это ода идеальной женщине и любви.

Рождение Венеры, Сандро Боттичелли

172,5х278,5см. Холст, темпера. 1482-86 гг. Национальная галерея Уффиции, Флоренция, Италия

Картина «Рождение Венеры» стала одним из символов Ренессанса. Заказ на эту работу Боттичелли получил в 1482 от Лоренцо Медичи. «Рождение Венеры» — одна из целой серии работ, которую художник посвятил прекрасной Симонетте Веспуччи. Сама того не желая, красавица-флорентийка стала символом женственности для известного художника. Сандро был опьянен ее образом, восхищался ангельской внешностью и кротким нравом. Она вошла в историю как Несравненная и Прекрасная Симонетта.

Сюжет этой картины основан на мифе: о том, как из пены морской появилась на свет богиня любви. Она плывет по волнам в раковине, которую подгоняет Зефир — западный ветер. Рядом с Зефиром его спутница нимфа Флора. Их нежные объятия символизируют нежную привязанность. Справа от Венеры стоит Ора Талло, одна из дочерей Зевса и Фемиды. Небесная привратница, охраняющая облачные ворота на Олимп. Она держит в руках плащ, в который предстоит завернуться обнаженной богине Любви Венере. Прибрежная полоса усыпана цветущими фиалками, это растение считается символом скромности. Растущее на берегу апельсиновое дерево ассоциируется с роскошью и великолепием. Остров, на который выходит из моря, Венера — Кипр. Маргаритки на плаще, цветы — символ любви и плодородия.

Боттичелли наделил свою героиню целомудрием. Прекрасное лицо героини напоминает лики Мадонн на картинах Боттичелли. И потому в этой работе сквозь античную тему звучит христианская.

Тайная вечеря, Леонардо да Винчи

450 * 880 см. 1495-98 гг. Санта-Мария-делла-Грация, Милан

Это одно из самых важных произведений в истории искусства. Его хрупкость лишь усиливает чувство благоговения перед ним. Эту роспись для свежепостроенной трапезной монастыря Санта-Мария-делле-Грацие в Милане заказал Леонардо его покровитель Лодовико Сфорца. Работа над ней шла с 1495 по 1498 г.

Тайная вечеря — последняя трапеза Иисуса с учениками, во время которой он объявил что один из них предаст его. В «Тайной вечере» Леонардо добился изображения идеальной перспективы. Она была необходима, чтобы создать эффект присутствия.

Фреска гениальна и своей композицией. Во-первых, точка схода перспективы приходится ровно на фигуру Иисуса. Во-вторых, Леонардо собрал фигуры апостолов в группы по три, что имеет и символическое значение. В истории Христа всюду фигурирует эта цифра: Троица, три волхва, 33 года.
-Первая тройка слева (Варфоломей, Исков мл. и Андрей) удивлена, лица апостолов обращены к Иисусу.

-Во второй тройке видим возмущенного Петра с ножом в руке, отшатнувшегося Иуду и Иоанна, который начал терять сознание клониться в сторону Петра.

-Справа от Христа Фома, Иаков ст. и Филипп. Фома изображен с поднятым пальцем, символом его будущего неверия в воскрешение Иисуса

-Замыкают композицию Матфей Фаддей и Симон, бурно обсуждающие новость между собой

-Обратите внимание. Иисус и Иуда одновременно тянутся рукой тарелке. Согласно Евангелию от Иоанна, Иисус предсказывает, что предатель протянет руку к еде вместе с ним.

Это роспись — пример того, как могут ошибаться даже лучшие умы человечество. Ее некорректно называть фреской, поскольку это техника предполагает работу краски по сырой штукатурке. Леонардо она не устраивала, поскольку фреска требует быстрой работы без возможности вносить существенные исправления.

Художнику было важно работать неспешно, используя фирменный прием сфумато, который требовал наложения множество полупрозрачных слоев. Поэтому он работал по сухому слою из смеси смолы, гипса и мастики. Это его и подвело. Фреска стала разрушаться очень быстро. Уже во второй половине XVI века говорили, что произведение практически разрушено. Также на месте ног Христа виден след замурованного дверного проема. Повреждение изображения произошло из-за того, что монахи решили установить дверь в этом месте стены.

Во время войны в 1943 году в здание попала бомба. Стена с фреской устояла лишь благодаря чуду. Масштабную реставрацию фрески начали в 1978 году. Длилась она 21 год.

Венера и Марс, Сандро Боттичелли

69,2х173,4. Дерево, темпера, ок. 1483, Лондонская национальная Галерея

Картину «Венера и Марс» флорентийский художник Боттичелли написал для богатой семьи Веспуччи, по форме напоминает крышки свадебных сундуков, популярный для той эпохи. Согласно древнеримскому мифу богиня Венера, пребывая замужем за уродливым Вулканом, влюбилась в красавца Марса. Сюжет этой любовной истории был популярен в Италии XV-XVI веков. Его описывали и Гомер в «Одиссе», и Овидий в «Метаморфозах», и средневековый «Роман о Розе».

На картине Венера, античная богиня любви, изображена грациозно полулежа, а правой рукой опирается на подушку. Она внимательно и с любовью смотрит на бога войны, лежащего напротив нее. Сцена происходит в миртовом гроте (мирт — растение Венеры).

Марс погружен в глубокий сок, который не могут прервать играющие фавны — самые веселые персонажи полотна, изображенные согласно античной традиции рогатыми, козлоногими и хвостатыми. Они развлекаются с оружие бога: один трубит в раковину Марсу прямо в ухо, другой примеряет на голову его огромный шлем, третий, вылезающий из-под руки бога, приспособил себе его нагрудный панцирь. Этот малыш фавг, самый веселый и забавный, он с любовью смотрит на красавицу Венеру. Одним словом, Марс обезоружен.

Картина имеет аллегорический смысл, как и все, связанное с античной мифологией. Основная ее идея — любовь побеждает войну или любовь побеждает все. Помимо основной идеи многое в работе может быть объяснено в символическом ключе. Вокруг Марса вьется рой ос (о них ничего не говорится в мифе). Осы, изображенные в правом верхнем углу, вносят интригу, намекают на заказчика и отражают игру слов. «Веспучи» — «Веспа» (с итальянского «vespa» — «оса»).

Полотно как раз было написано для семейство Веспучини и приурочено к бракосочетанию одного из членов семьи, что и определило выбор темы победы Любви. Готовое произведение имело оглушительный успех. Сандро Ботичелли картиной «фенера Марс еще раз доказал свой незаурядный художественный талант.

Портрет госпожи Лизы дель Джокондо, Леонардо да Винчи

76,8х53 см. Доска (тополь), масло. 1503-19 гг. Лувр, Париж

Картина Леонардо да Винчи «Мона Лиза» — это первое, с чем ассоциируется Лувр у туристов из любой страны. Это самое знаменитое и загадочное произведение живописи в истории мирового искусства.

Согласно официальной версии, это портрет Лизы дель Джокондо, молодой жены видного флорентийского торговца шелками Франческо дель Джокондо. Но историки-современники Леонардо не так однозначны. По мнению Джорджо Вазари, моделью могли быть Катерина Сфорца (представительница правящей династии Итальянского Возрождения, считалась главной женщиной той эпохи), Чечилия Галлерани (возлюбленная герцога Людовика Сфорца, модель еще одного портрета гения — «Дама с горностаем»), мать художника, сам Леонардо, юноша в женском одеянии и просто портрет женщины-эталона красоты эпохи Возрождения.

Улыбка Моны Лизы.

Самая хрестоматийная загадка «Моны Лизы» — ее улыбка, на протяжении нескольких веков не дающая покоя искусствоведам, ученым и просто зрителям. Первым на выражение лица на картине обратил еще Джорджо Вазари: «Улыбка дана столь приятной, что кажется, будто бы созерцаешь скорее божественное, нежели человеческое существо». Поэты, писатели, искусствоведы и философы стали предлагать свои трактовки. Это не улыбка, но хищная физиономия с холодными глазами и отчетливым знанием беспомощности той жертвы, которой Джоконда хочет овладеть», писал о ней Алексей Лосев, Булгаков считал улыбку зловещей, а Куприн развратной. Принципиально иное прочтение предложил Зигмунд Фрейд. В 1910 году он написал очерк «Одно раннее воспоминание Леонардо да Винчи», где разбирал связь художника с матерью, с которой он был разлучен в раннем детстве.

В середине ХХ века улыбку «Моны Лизы» пытались объяснять в основном медицинскими причинами. У модели диагностировали бруксизм (он мог деформировать ее челюсть) и сифилис, из-за лечения которого ртутью она могла стесняться оголять почерневшие зубы, ее мужа обвиняли в домашнем насилии, в результате которого она потеряла несколько зубов и даже получила шрам над верхней губой (позже выяснилось, что то, что принимали за зажившую рану, оказалось наслоением лака).

В ХХІ веке улыбке «Моны Лизы» нашли новые объяснения. В 2005 году картину проанализировали с помощью программы обработки биометрии и выяснилось, что мимика модели показывает 83% счастья. А в 2020 году профессор Дэвид Талер из Базельского университета опубликовал исследование, в котором объяснил странность улыбки «Моны Лизы» тем, что Леонардо смог запечатлеть сам момент возникновения улыбки, когда эмоциональная реакция уже есть, но тело только начинает на нее отвечать Сделать это до Винчи смог благодаря уникальной особенности своего зрения, которое могло улавливать до 100 «кадров в секунду, тогда как глаз обычного человека всего от 20 до 40. Благодаря этой способности Леонардо да Винчи смог, например, нарисовать стрекозу с передними поднятыми крыльями и задними опущенными положение, которое обычный человек может заметить только на замедленной съемке.

Витрувианский человек, Леонардо да Винчи

34,3х24,5 см. Бумага, чернила. 1492 г. Галерея Академии, Венеция

Витрувианский человек — изображение, созданное Леонардо да Винчи как иллюстрация для книги, посвящённой трудам античного римского архитектора Витрувия, и помещённый в одном из его дневников. На нём изображена фигура обнажённого мужчины

B двух наложенных одна на другую позициях: с разведёнными в стороны руками и ногами, вписанная в окружность; с разведёнными руками и сведёнными вместе ногами, вписанная в квадрат.

В соответствии с сопроводительными записями Леонардо, он был создан для определения пропорций (мужского) человеческого тела, как это описано в трактате античного архитектора Витрувия «Об архитектуре»:

• длина от кончика самого длинного до самого низкого основания из четырёх пальцев равна длине ладони;
• ступня составляет четыре ладони;
• локоть составляет шесть ладоней;
• высота человека составляет четыре локтя от кончиков пальцев, (и соответственно 24 ладони);
• шаг равняется четырём ладоням;
• размах человеческих рук равен его росту;
• расстояние от линии волос до подбородка составляет 1/10 его высоты;
• расстояние от макушки до подбородка составляет 1/8 его высоты;
• расстояние от макушки до сосков составляет 1/4 его высоты;
• максимум ширины плеч составляет 1/4 его высоты;
• расстояние от локтя до кончика руки составляет 1/4 его высоты;
• расстояние от локтя до подмышки составляет 1/8 его высоты;
• длина руки составляет 2/5 его высоты;
• расстояние от подбородка до носа составляет 1/3 длины его лица; расстояние от линии волос до бровей 1/3 длины его лица;
• длина ушей 1/3 длины лица;
• пупок является центром окружности.

Повторное открытие математических пропорций человеческого тела в XV веке, сделанное да Винчи и другими учёными, стало одним из великих достижений итальянского ренессанса.

Набросок, Леонардо да Винчи

Набросок Леонардо да Винчи для своего раннего рисунка. По утверждению исследователей Леонардо имел ненасытный интерес к необычным лицам, уродцам, которые для него были ещё более интригующими из-за его работы над системой идеальных пропорций тела.

Есть разные мнения по поводу истории создания данного наброска.
Позднее нидерлансдкий художник Квентин Массейс написал свою версию под названием «Уродливая герцогиня». На холсте изображена тирольская герцогиня Маргарита Маульташ. Квентин изображенную на картине лично не видел, поскольку жил много позже герцогини. Есть мнение, что свою работу он создал с эскиза Леонардо да Винчи, датированную примерно 1500 годом, который Маргариту Маульташ также знать не мог.

Выходит, делая набросок, возможно, да Винчи руководствовался, так сказать, негативными отзывами о даме.

Но вероятнее всего, что Массейс не копировал да Винчи, а вдохновился. А да Винчи не рисовал Маргариту «по слухам», а имел реальную модель, выглядевшую именно так, как на его эскизе. Натурщица, якобы, имела проблемы со здоровьем. Возможно, у нее была конечная стадия болезни Педжета (заболевание, в результате которого размягчаются и увеличиваются костные структуры).

Своими гротесковыми псевдопортретами Леонардо и Массейс создали прецедент, когда образ, не имеющий ничего общего с оригиналом, может быть использован в различных сатирических целях. Так встречается он в различных графических репродукциях, например, под названием «Королева Туниса» у Вацлава Холлара или как портрет Маргариты Тирольской. Наконец, в XVIII столетии как портрет сестры Папы Пия ѴІ, принцессы Порчии, которая с войском иезуитов пыталась спасти религию. Джон Тенниел при создании образа также герцогини вдохновлялся работой Массейса.

Люцифер, Франческо Скарамуццо

Бумага, год написания неизвестен

Франческо Скарамуццо итальянский художник, иллюстратор и поэт романтического периода Северной Италии. Он писал мифологические и исторические полотна, но наиболее известен своими интерпретациями литературных сюжетов, включая Данте, предприятию, которому он посвятил десятилетия. Родился в коммуне Сисса недалеко от Пармы в 1803 году, обучался в Академии изящных искусств Пармы, где стал профессором.

На иллюстрации изображен падший ангел Люцифер, который после своего падения, стал самым главным злодеем Мира. Произведение напоминает о том, что бесконтрольная гордыня может сыграть злую шутку с человеческой судьбой и способна превратить человека в беса.

Художник написал иллюстрацию для «Божественной комедии» Данте. Для Скарамуцца создавать рисунки к великому произведению литературы было честью и вызовом для проверки таланта. При работе над «Люцифером» художник вдохновлялся сценами страшного суда, написанными живописцами Северного Возрождения и средневековой Италии.

Уродливая герцогиня, Квентин Массейс

62,4х45,5см. Дерево, масло. ок. 1513 г. Лондонская национальная Галерея

Многие видели картину фламандского живописца Квентина Массейса: считается, что в ХѴІ веке он создал портрет тирольской высокопоставленной дамы Маргариты Маульташ. Неужели настолько некрасивая женщина существовала действительности, жила при дворе, наряжалась в драгоценные ткани и щеголяла с таким декольте? Оказывается, всё не так просто в судьбе безобразной герцогини… Это полотно, написанное ориентировочно в 1513 году, поначалу было известно как «Портрет уродливой старухи» или «Гадкая герцогиня». Мнение, что на картине изображена тирольская аристократка Маргарита Маульташ, было впервые озвучено только в ХѴІІІ веке, причем появилось, как говорится, на ровном месте. Массейс никогда не встречался с Маргаритой и, возможно, даже не знал о ее существовании. Вероятно, он «списал» образ с одного из набросков Леонардо да Винчи, который вдохновлялся людьми с необычной внешностью.

Реальная Маргарита жила в XIV веке и была дочерью короля Чехии. В 12 лет ее выдали замуж за 8-летнего герцога из Тироля Иоганна Генриха. Тирольская аристократия для закрепления успеха заключила тайный союз с императором Священной Римской империи Людвигом Баварским, и надо же было такому случиться, что Маргарита влюбилась в его сына, Людвига V Виттельсбаха. Недолго думая, она выгнала своего малолетнего мужа, не впустив в замок после охоты, и вышла замуж за Виттельсбаха. Пользуясь своей властью, свекр-император объявил брак девушки недействительным, со ссылкой на то, что на момент его заключения жених и невеста были детьми, а впоследствии брачные отношения у них так и не сложились из-за импотенции супруга.

Обиженный Иоганн Генрих нажаловался папе Римскому. Скандал был ужасный — мало того, что женщина инициировала развод, так еще и вышла замуж при живом муже! Да и указание на импотенцию не особенно обрадовало изгнанника. И тут, конечно, возникает вопрос о внешности Маргариты. Если она дважды вышла замуж, причем во второй раз по большой любви, была ли она так некрасива? К сожалению, реальных достоверных изображений дворянки не сохранилось, а письменные свидетельства не дают подробностей ее внешнего вида.

По мнению некоторых историков, все просто Маргарита пала жертвой «черного пиара» первого мужа. По его настоянию папа Римский отлучил Маргариту и Людвига от церкви, и на службах каноники бесконечно проклинали распутницу, попутно в красках расписывая все ее отвратительные качества. Разумеется, в их списке автоматически появилась и «гадкая» внешность.

Портрет четы Арнольфини, Ян ван Эйк

81,8х59,7 см. Дубовая доска, масло. 1434 г. Лондонская национальная галерея

Эта картина считается одной из самых оригинальных и загадочных в западном искусстве, благодаря своей красоте, сложной иконографии, геометрической ортогональной перспективе и расширению пространства с помощью зеркала. Многие вопросы, относящиеся к ней, до сих пор не получили однозначного ответа и являются предметом многолетних споров между учёными.

Прежде всего, искусствоведы не могут прийти к общему мнению, является ли этот двойной портрет свадебным. Некоторые эксперты видят в нём уникальную форму брачного контракта, заключение которого засвидетельствовал сам художник.

С большой долей вероятности можно лишь утверждать, что на картине изображён итальянский торговец Джованни ди Николао Арнольфини и его супруга, вероятно, в их доме в Брюгге.

Некоторые учёные по ряду признаков предполагают, что молодая дама на портрете на самом деле скончалась за год до написания картины или во время работы над ней. Например, в железной люстре над мужчиной изображена горящая свеча, а над женщиной погасшая. Второй признак сцены Страстей Христовых, выписанные в крошечных (в половину ногтя) медальонах в раме зеркала за спиной героев. Со стороны Арнольфини находятся прижизненные сцены Иисуса, со стороны жены сцены после смерти.

Подняв руку, мужчина либо произносит некую клятву, либо просто приветствует посетителей, которых можно рассмотреть в зеркале. В нём видно, что на пороге комнаты (как раз на месте зрителя) стоят два человека возможно, свидетели происходящего. Похоже, один из них сам живописец, что подкрепляется изящной надписью между зеркалом и люстрой: «Johannes van eyck fuit hic» или «Ян ван Эйк был здесь». Таким образом создаётся ощущение присутствия художника и его свидетельствования.

Бегство от критики, Пере Боррель дель Казо

Холст, масло, 1874 г.

Коллекция банка Испании, Мадрид

Пере Боррель дель Казо родился на крайнем севере Испании, горном регионе Пиренеев, и был связан с родными местами всю свою жизнь. Его отец был столяром. Учился в Школе изящных искусств. Уже перебравшись в Барселону, он неоднократно посещает Пиренеи, свой дом. Выставлялся по всей Испании. В 1878 году участвовал во Всемирной выставке в Париже. Писал в первую очередь виды природы, а также картины религиозной тематики находясь под влиянием искусства назарейцев. Наиболее известное полотно художника — картина «Бегство от критики», великолепный пример искусства тромплей.

Картина Борреля изображает бедно одетого мальчика, который выбирается из картинной рамы, чтобы попасть в другое измерение, в мир вне ее.

Точная идея художника и причина создания этой картины нам неизвестны, но искусствоведы утверждают, что, судя по названию, Боррель свою работу адресовал консервативным критикам своего времени, которые хотели видеть на полотнах только героев и воплощение этикета общества и не обращали внимания на реальную жизнь. Своего рода это явилось визуальным манифестом художника-реалиста. Пер Боррель дель Касо был мастером стиля тромплей, в котором и написано «Бегство от критики». Обманка, или Тромплёй (фр. trompe-l’ceil, «обман зрения») — технический приём в искусстве, целью которого является создание оптической иллюзии того, что изображённый объект находится в трёхмерном пространстве, в то время как в действительности он нарисован в двухмерной плоскости.

Портрет Папы Иннокентия Х, Диего Веласкес

140х119 см. Масло, холст. 1650 г. Галерея Дориа-Памфили, Рим

Картина была создана в момент посещения великим испанским художником Италии, бывшей тогда «законодательницей мод» в области искусств и славившейся как родина самых крупных и талантливых мастеров того времени.

Папа Иннокентий Х считался человеком жестоким, жадным и не слишком разборчивым в своих действиях. Но история этого полотна гласит, что мастер однажды, случайно, увидел истинное лицо папы, когда тот считал, что его никто не видит. Художник был поражен разительными переменами в облике этого человека, обличенного непомерной властью он был обычным, встревоженным и напряженно о чем-то думающем, таким же, как и все остальные люди.

Этот принцип мастер положил в основу своего полотна. Известно, что при взгляде на законченную картину папа с неудовольствием произнес «Слишком правдиво!», но богато наградил художника за его работу.

Действительно, картина впечатляет своим мастерством и внутренней силой. Это простой портрет, на котором папа изображен сидящим на троне в классическом одеянии римских пап. Цветовая гамма картины построена в основном на сочетании двух цветов — красного и белого. Но мастеру настолько хорошо удалось передать саму фактуру материалов, что картина совсем не кажется скучной или монохромной. Напротив, она гармонична и даже в чем-то изящна.

Первое, что привлекает внимание, это сияние красного атласа на верхней части папского одеяния. Выглядит ткань настолько реалистично, что буквально ощущаешь гладкость дорогого натурального шелка. Матовые белые кружева резко контрастируют с простоватым и достаточно грубым лицом понтифика. Его взгляд настороженно направлен в сторону зрителя, словно он ждет какого-то подвоха или неприятного комментария. Благодаря исключительно точной передаче фактур, красный цвет одежды не теряется на фоне красной же бархатной обивки трона и фона картины, тоже выполненной в приглушенных красновато-бордовых тонах. Этот портрет десятилетиями служил образцом для копирования учащимися, которые стремились постичь основы метода создания реалистичного портрета.

Этюд по портрету Папы Иннокентия Х работыВеласкес, Фрэнсис Бэкон

153х118 см. Масло, холст. 1953 г. Центр искусств Демойна

Английский художник-экспрессионист, мастер фигуративной живописи. Основной темой его работ является человеческое тело искажённое, вытянутое, заключённое в геометрические фигуры, на лишённом предметов фоне.

«Этюд по портрету папы Иннокентия Х работы Веласкеса» искажённая версия картины 1650 года «Портрет папы Иннокентия X» кисти испанского живописца Диего Веласкеса. Она является одним из первых в серии из около 50 вариантов шедевра Веласкеса, которые были созданы Бэконом в течение 1950-х и начала 1960-х годов, объединенных названием «Кричащий папа». Эти картины получили широкое признание в качестве очень успешных современных интерпретаций классики западного канона изобразительного искусства. Свои работы Бэкон называл «набросками» или «этюдами» и вообще относился к результатам своего творчества очень требовательно, недаром большая часть работ Бэкона до настоящего времени не дошла — художник попросту уничтожал картины, в которых находил изъяны. C Он постоянно учился, причем за основу и ориентир брал классиков, начиная Микеланджело, пытаясь перенять технику наложения мазков, способы работы со светом и тенью. Папы римские, их головы и весь спектр эмоций на их лицах буквально «преследовали » художника.

Человеческие фигуры, которые он писал, нельзя назвать портретами в классическом понимании. Его не интересует лицо, поскольку это некая социальная маска, форма которой неуловима. Бэкона интересует голова как плоть, как часть тела. Самым же красивым в теле человека художник считал рот. Этот орущий зубастый орган почти всегда крайне экспрессивно показан на картинах. А сформировался он под влиянием фильма Сергея Эйзенштейна «Броненосец Потёмкин» и книги о болезнях ротовой полости. Как замечал Жиль Делёз, автор одного из наиболее подробных исследований о Бэконе, у художника «крик процесс, когда всё тело выходит через рот».

Будучи азартным человеком, живописец следовал воле случая и в творчестве. Оно проявлялось, например, в технике. Художник всегда работал без набросков и эскизов. При этом он буквально сражался с холстом, используя в качестве инструментов тряпки, щетки или и вовсе бросая краску, как снаряд. Появлявшиеся изображения были отчасти игрой случая.

Послы, Ганс Гольбейн младший

207х209 см. Холст, масло, 1553 г. Национальная галерея, Лондон

Работа «Послы «наполнена скрытыми значениями и символическими чертами в лучших традициях Северного Ренессанса и поздней живописи Ванитас XVII века. Картина была заказана молодым послом Жаном де Дентевилем в ознаменование визита в Лондон его друга де Селе. Двое мужчин находились в сложной и в конечном итоге неудачной дипломатической миссии, чтобы залечить разрыв между Генрихом VIII и Римской Церковью, отсюда и название картины «Послы». Таким образом, главная тема картины в том, что никакое материальное богатство, сила или образование не могут предотвратить смерть и неизбежное. В этом случае «неизбежным» было решение Генриха VIII создать свою собственную Церковь.

Изображение двух героев написано технически блестяще и символично. Де Дентевиль, слева, одет роскошную светскую одежду. Тщательно вычерченная черная мания с мехом рыси, поверх розовой шелковой накидки. На его шляпе изображен череп — его личный знак отличия.

Епископ и ученый-классик Жорж де Сель одет в менее показную и скромную клерикальную одежду (вскоре он будет освящен епископом Лаварским, Франция), стоит на правой стороне картины. Примечательно, что он занимает меньше места. Он провел большую часть своей карьеры, тщетно пытаясь остановить волну лютеранской реформы и воссоединить католическую церковь.
Некоторые эксперты также указывают на то, что светские корни де Дентевиля и духовные корни де Сельва символизируют дисфункциональный характер союза между Францией и Ватиканом, а также общий конфликт между церковью (папой) и государством (Генрих VII).

Личности двух фигур контрастируют: де Дентевиль выглядит как человек действия, сжимая кинжал, в то время как де Сель кладет руку на книгу, указывая на его созерцательный характер. И кинжал, и книга написаны на латыни с указанием возраста: 29 и 25 лет соответственно. Хотя они кажутся жизненно важными и молодыми, эти надписи усиливают их смертность, как и брошь с черепом на кепке Дентевиля.

Кроме того, изображение лютни со сломанной струной (нижняя полка) является популярным символом раздора, либо усиливающего идею конфликта между Англией и Римом, либо намекающего на континентальный раскол между протестантами и католиками.

Эдип и сфинкс, Густав Моро

6,4х104 см. Масло, холст. 1864 г. Метрополитен-музей, Нью-Йорк

Густав Моро — человек с классическим художественным образованием и огромными познаниями в области искусства. Он стал одним из лидеров-символистов течения, набравшего силу во второй половине XIX века во Франции. Его картины используют исторические, библейские, сказочные, эпические мотивы, легенды и Мифы Древней Греции. Он сочетает классические цветовые решения и авангардные методы изображения в духе времени.

По рождению Гюстав Моро был парижанином, где появился на свет в 1826 году в семействе, бывшем достаточно близким к искусству — его отец был архитектором. Будущий художник учился в парижской «Школе изящных искусств». А уже в 1849 году начал выставляться в Салоне. Его интересовали образцы исторической живописи и работы старых мастеров, поэтому он отправляется в Италию. Там он изучал сохранившиеся творения лучших мастеров эпохи Возрождения.

В картине «Эдип и сфинкс» Моро общается к древнегреческому мифу о том, как герой и царь Эдип встретил по дороге в Фивы Сфинкса — крылатое чудовище с телом льва и головой женщины, которое всем путникам задавало одну и ту же загадку: «Кто ходит утром на четырех ногах, днем на двух и вечером на трех?» Никто не мог дать ответа, и Сфинкс пожирал их. Но Эдип догадался, что это человек в младенчестве, зрелом возрасте и в старости.

У Моро Сфинкс наделен головой прекрасной девушки, с грациозностью кошки, он прыгает Эдипу на грудь, отчего вся сцена приобретает особый чувственный оттенок. Сфинкс всё так же опасен, об этом нам напоминают тела умерших, расположенные у края картины. Но герой смотрит на это существо с интересом и опасением. Эдип в картине Моро гипнотизирует Сфинкса, покоряя его своей волей, останавливая опасное движение по своему телу.

Отношения Эдипа и Сфинкса Моро дополнительно «расшифровывает» через колонну, вынесенную в правый нижний угол. На вершине колонны стоит сосуд, к которому ползёт змея. Змея объединяет в себе и положительные и отрицательные черты. Но, обвивающаяся вокруг колонны змея скорее символ мудрости, которую олицетворяет сфинкс. Сфинкс воплощение природы, которая вечно задает человеку загадки.

Призрак блохи, Уильям Блейк

21х16 см. Красное дерево, темпера с золотом, 1819-20 гг. Галерея Тейт, Лондон

Уильям Блейк появился на свет 28 ноября 1757 года в Лондоне. Его родители были протестантами. Блейк проявлял интерес к искусству с детства, и родители отдали его на уроки живописи. В 1779 году молодой человек начал обучение в Королевской Академии искусств. Современники игнорировали и не принимали Блейка, считая его безумцем. Все изменилось в последние годы жизни, когда художник начинает получать заказы и продавать свои работы.

«Призрак блохи» — картина Уильяма Блейка с жутким мистическим сюжетом. На картине изображен человекоподобный мускулистый монстр в полумраке комнаты, слегка подсвеченной светом четырёх звёзд, одна из которых стремительно падает. Чудовище выглядит точно громадное жилистое животное, однако части тела напоминают человеческие. Сквозь кожу видны вены, длинная коса на спине, напоминает хребет ящера. Он крадётся к спящей жертве. Звериный взгляд и положение тела вызывают страх. Чудовище кровожадно смотрит на пустую чашу- символ «кровопийства», за спиной монстр держит острое шило, с которым готовится напасть на свою жертву.

Занавесы по обеим сторонам картины производят эффект театральной постановки. Человек-блоха на переднем плане «сцены» настоящий вампир. Телосложением чудовище напоминает быка. Это воплощение духа, что жаждет крови. Мрачный колорит, построенный на гармонии пары дополнительных цветов (жёлтого и фиолетового), создаёт сильнейший тональный и цветовой контраст и подчёркивает напряжённую динамику зловещего сюжета. Уильям Блейк использовал слегка хаотичные мазки для передачи мистической атмосферы. Художник утверждал, что призрак посещал его в видениях.

Алхимик , открывающий фосфор , Джозеф Райт

127х101,6 см. Холст, масло. 1771 г. Художественная галерея Дерби

Джозеф Райт — один из выдающихся британских живописцев XVIII столетия. Райт родился в Дерби в семье адвоката, большую часть жизни художник провел в провинции, среди его друзей было много знаменитых деятелей науки и культуры, промышленников, изобретателей. Картины Райта на тему зарождения науки из алхимии часто были основаны на темах, обсуждавшихся на заседаниях Лунного общества, группы влиятельных ученых и промышленников, живших в Мидлендсе, и отражают борьбу науки против религиозного мировосприятия в эпоху Просвещения.

Ha картине «Алхимик B поисках философского камня», изображен ученый-алхимик. Он обнаруживает фосфор и молится об успешном завершении своей операции, как это было принято у древних хиромантов-астрологов. Фосфор светится и освещает алхимика и предметы ближайшего окружения, среди которых книги с астрологическими символами и небесный глобус. Фосфор также освещает часы на колонне в глубине комнаты, которые показывают позднее время.

Джозеф Райт значительно приукрасил само происходящее. Он придал сцене некую загадочность, придал ей готичность, переместив место действия из лаборатории, в темное помещение с высокими потолками и колоннами. Стрельчатые, заострённые окна создают впечатление, что действие происходит в церкви. Чувство волшебства усиливается изображенным полнолунием.
Старец с окладистой бородой очень напоминает волшебника. Он стоит на коленях перед сосудом, и его руки раскинуты. Исследователи сравнивают эту позу с позой апостолов, получающих причастие. На передний план картины Райт поместил сам механизм, в котором и был получен фосфор. На втором плане появляются два ученика, один указывает на алхимика, как бы подтверждая значимость события.

Ночной кошмар, Генри Фюзели

281х225 см. Холст, масло, 1781 г. Музей Гете, Франкфурт-на-Майне

Иоганн Генрих Фюсли, или Генри Фюзели — швейцарский и английский живописец, график, историк и теоретик искусства, автор знаменитой серии картин на тему кошмара. Искусствоведами рассматривается как предшественник викторианской сказочной живописи.

При несомненном интересе к классической древности и тяге к классицизму иллюстрировал Шекспира, Блейка. В картине «Сцена ведьм» заметно пристрастие к мрачно-фантастическим сюжетам, заимствованным из литературы, фольклора и мифологии, гротескному изображению состояний страха и безумия, сверхъестественных существ (демонов, ведьм, призраков).

Наиболее известная работа Фюзели — произведение «Ночной кошмар». Фигура спящей или лежащей без сознания женщины, изображённой на картине, удлинена и изогнута. Фюзели намеренно написал её именно так, чтобы показать всю тяжесть инкуба, сидящего на её груди, воплощения кошмаров и бессознательных страхов. В прорези между штор видна голова слепой лошади, чей образ в данной картине предвосхищает демонический аспект, придаваемый этому животному в позднем французском романтизме.

На этой картине изображен страх, который испытывают до 20% людей за свою жизнь. Явление, происходящее, когда человек засыпает или просыпается, называется сонным параличом. В этот момент человек может видеть и слышать происходящее вокруг, однако не может двигаться. В этот момент также удушье и сильное давление на грудь. Периферическим зрением можно заметить присутствие кого-то еще в комнате.

Люди раньше не могли найти объяснения этим необычным явлениям, могли лишь их описать. И лучше всего это смог описать Фюзели, творчество которого всегда находилось на грани фантастики реальности. Автор первого готического романа Хорас Уолпол и вовсе утверждал, что Фюзели «поразительно безумен, безумен как никогда, безумен целиком и полностью».

Тем не менее, фантасмагорический «Ночной кошмар» уже два столетия привлекает внимание множества людей. Известно, что репродукция картины висела в приемной Зигмунда Фрейда. Но мало кто знает, что и у известного психоаналитика была не одна фобия.

Сцена с ведьмой из «Маски королевы» Бенджамина Джонсона, Генри Фюзели

76*88 см Холст, масло 1783 г Йельский центр британского искусства

Генрих Фюсли родился зимой 1741 года в городе Цюрих, Швейцария. Сын швейцарского художника и писателя Иоганна Каспара Фюсли, он учился в своем городе, но в 1763 году был вынужден бежать в Англию по политическим причинам. Художник, рисовальщик и писатель стал ведущей фигурой Лондонском мире искусства конца XVIII века и наиболее известен как создатель сюрреалистического шедевра «Ночной кошмар», но картина маслом 1781 года лишь вершина пресловутого айсберга странного и сверхъестественного творчество Фюсли. Его картины часто адски галлюцинаторны по своей интенсивности и изобилуют романтизированными темами насилия, безумия и ночного страха.

Бенджамин Джонсон — английский поэт и драматург, основоположник комедии нравов, внесший бытовой реализм в английскую ренессансную драму. Его драматургия стала крупнейшим после Шекспира явлением реализма в английском театре эпохи Возрождения.

Джонсон внёс вклад в развитие жанра придворной «маски» — праздничной постановки, которая проходила при дворе и включала обязательное присутствие монарха. Исполнителями часто бывали придворные, одетые костюмы античных героев. Участники располагались в строгой симметрии относительно монарха. Всё построение отражалось в огромном зеркале зала праздничных церемоний. «Маска» идеализировала королевскую власть и была эмблемой двора. Джонсон ввёл в жанр «антимаску», которая воплощала мир дисгармонии. Исполнителями в ней были профессиональные актёры. Первую придворную маску «Маску черноты» — Джонсон написал в 1605 по заказу королеви Анны, которая пожелала предстать в облике чернокожей провительницы в двенадцатую ночь 1605.

В 1609 была представлена «Маска королев», в 1612 «Возвращенна любовь», в 1616 «Меркурий, спасённый от придворных алхимиков».

На полотне Фюзели мы можем увидеть иллюстрацию одной из сцен из «Маски Королевы».

Сад земных наслаждений, Левая створка, Иероним Босх

220*390 см Дерево, масло 1500-е Национальный музей Прадо, Мадрид

1.Фонтан жизни.

Источник, дарующий жизнь всему сущему, скомпрометирован у Босха совой — символом тьмы, духовной слепоты и ереси. Должно быть, таким образом художник визуализирует популярную в те годы идею о том, что всякая жизнь — греховна.

Некоторые искусствоведы усматривают здесь астрологические коннотации. Розовый хитиновый фонтан — это Рак, сова — символ темного «несчастливого» Сатурна. Сатурн в Раке — зловещий астрологический прогноз, ассоциировавшийся во времена Босха с Судным днем.

2.Адам и Ева.

Создатель, взяв Еву за руку, как на обряде венчания, велит своим детям плодиться и размножаться — об этом недвусмысленно свидетельствуют кролики, во все времена считавшиеся символом плодовитости. Однако реагируют дети по-разному, что стало поводом для нескончаемых теологических дискуссий, которые веками ведут исследователи творчества Босха. Адам смотрит на Еву с восхищением и энтузиазмом. Ева же стыдливо потупилась, что, в самом деле, подозрительно. Если Ева еще не вкусила запретного плода, то не имеет понятия о таких категориях, как Добро и Зло. И, по идее, должна не ведать стыда. Выходит, концепция гендерного равноправия была Босху не близка — женщин он считал изначально порочными.

3. Хищники и жертвы

На левой створке триптиха кто-то то и дело кого-то ест. Лев не возлежит рядом с агнцем, как положено в Эдемском саду, а обедает — намеренная нестыковка с библейским каноном.

4. Утки-лебеди

Слева от источника жизни плавают утки, считавшиеся во времена Босха «низкими тварями», поскольку они «погружаются в грязь по самые глаза». Справа — царственный лебедь, непорочный символ Братства Богоматери, в котором Босх состоял до самой смерти. Не исключено, что это противопоставление. Впрочем, лебедь движется в ту же сторону, что и презренные земноводные. Возможно, утки и лебедь, напротив, воплощают идею райской терпимости: фонтан дает жизнь всему — и возвышенному, и земному.

5. Птицы

Черные птицы ассоциируются с грехом. Смысл усиливается пернатой очередью, выстроившейся к полому яйцу — символу ложной веры или пустой души, не познавшей бога. Босх снова привносит в райскую идиллию темный элемент. Если рассуждать логически, подобный дуализм ничуть не свидетельствует о принадлежности Босха к еретическим сектам. Зло должно было существовать уже в Эдеме. Иначе, совершая первородный грех, Адаму и Еве было бы нечего познавать.

6. Полумесяц

Конструкция из двух округлых плоскостей, скрепленных поперечной осью — образ, который встречается у Босха довольно часто (см. самоходные уши на правой створке). Расшифровать его смысл никому из вменяемых исследователей до сих пор не удалось. Однако венчающий скрепу-ветвь полумесяц — недвусмысленный символ. Во времена Босха полумесяц прочно ассоциировался с врагами христианской веры

Сад земных наслаждений, Центральная створка, Иероним Босх

220*390 см Дерево, масло 1500-е Национальный музей Прадо, Мадрид

1. Голые и смешные

Некоторые исследователи считают, что Иероним Босх состоял в секте адамитов, члены которой совершали свои обряды нагишом и проповедовали свободу сексуальных отношений, — отсюда обилие обнаженных персонажей в самых затейливых позах. Это занятная, но маловероятная версия: инквизиция во времена Босха свирепствовала. Да и при всем уважении к прогрессивности средневековых адамитов, трудно поверить, что они были настолько заводными и изобретательными. Скорее, Босх рисовал героев триптиха голыми, чтобы максимально обнажить человеческие пороки. Чтобы сама человеческая природа не пряталась под рубищем, рясой или напудренным париком.

2. Ягоды

В зависимости от культурного или религиозного контекста, разные ягоды могли иметь различный смысл. К примеру, ежевика была символом чистоты Девы Марии, а земляника — знаком праведности и трудолюбия. Однако в целом, гигантские ягоды, очевидно, выступают у Босха аллегорией распущенности — в первую очередь, сексуальной. Должно быть слово «клубничка» вызывало в средневековых Нидерландах те же ассоциации, что и у нас сейчас.

Некоторые исследователи полагают, что на центральной части «Сада земных наслаждений» Иероним Босх изобразил Золотой век, когда не знавшая плуга земля изобильно плодоносила, а люди жили в сытости, праздности и неге.

3. Фонтан вечной молодости

Большинство исследователей сходится в том, что фонтан в центральной части триптиха — это эзотерический источник вечной молодости, а причудливые сооружения вокруг него обозначают четыре стороны света. В пользу этой теории говорят символы ложной веры и греха (вроде пустой яичной скорлупы или огромных ягод), щедро «разбросанные» Босхом, чтобы подчеркнуть свое отношение к алхимии как к ереси.

4. Круг зверей

Кавалькада всадников, восседающих на козерогах, тельцах, львах и других (экзотических и не слишком) животных — это, очевидно, сатирическое изображение еще одной лженауки и полуереси — астрологии. Круг животных (по-гречески — «зодиак») движется против часовой стрелки. То есть, по мнению Босха, противоестественным образом.

5. Пернатое Зло

И снова птицы отдуваются у Босха за присущие человеку пороки — на этот раз, в контексте видового разнообразия. Тут и знакомая нам по левой створке «грязная» утка. И удод, о котором современники Босха говорили, что он «греховнее, нежели сам дьявол», поскольку рядится в прекрасные перья, но питается испражнениями. И вездесущая сова, которая в данном случае — еще и очевидный фаллический символ.

6. Прозрачная сфера

Часто встречающиеся у Босха прозрачные сосуды, скорее всего, служат алхимической аллегорией: любовники «реагируют» друг с другом подобно химическим элементам в колбах и ретортах. Впрочем, люди, отгородившиеся от остального мира прозрачной «броней», могут символизировать такой порок как эгоизм. Кроме того, Босх часто зашифровывал в своих картинах местный фольклор. Некоторые искусствоведы считают, что этот фрагмент может иллюстрировать старинную нидерландскую поговорку: «Стекло и любовь — как они недолговечны!».

7. Критика духовенства

Рассохшееся дерево в форме перевернутой воронки — образ, который несет в себе двойную обличительную мощь. Полое дерево — это символ смерти, ада, безверия. Перевернутая воронка — атрибут ложной мудрости и мошенничества (см. «Извлечение камня глупости«). В данном случае дьявольская колода не случайно красного цвета — это намек на кардинальское платье. Прячущиеся под трухлявым пнем священники слепы, глухи и бессильны. Они также увязли во грехе, как алхимики и удод. Исследователи считают, что Босх противопоставляет им расположившуюся неподалеку группу «правильных католиков» (к примеру, членов Братства Богоматери в Хертогенбосе, родном городе художника). Они, хоть и укрыты прозрачным куполом истинной веры, но, кажется, тоже в ужасе от происходящего вокруг.

8. Рыба

Нет сомнений, что рыба, встречающаяся на картинах Босха не реже, чем его вездесущие совы, всегда несет важную смысловую нагрузку. Однако, символ этот настолько универсален, что о смысле, вложенном автором в какую-то конкретную рыбину — живую, мертвую, летучую или разумную — остается только гадать. В Средние века изображение рыбы могло означать Христа, знак зодиака, Луну, воду, флегматический темперамент, быть атрибутом любострастия, служить символом поста. В конце концов, рыба могла означать просто рыбу.

Сад земных наслаждений, Правая створка, Иероним Босх

220*390 см Дерево, масло 1500-е Национальный музей Прадо, Мадрид

1. Меланхоличное чудовище

Так называемое «меланхоличное чудовище» получило свое прозвище благодаря невозмутимому выражению лица. Кажется, его ничуть не тревожит тот факт, что его древесное тело высохло и растрескалось, а в чреве у него пирует компания разудалых социопатов. Мертвое дерево, полое яйцо — символы смерти и греха, которые изобличают в данном случае конкретный порок — пьянство. Ноги древесного существа неслучайно «обуты» в лодки — несмотря на основательную конституцию, парня штормит и покачивает. К слову, некоторые исследователи считают, что это автопортрет . Лицо дерева-выпивохи, в самом деле, выписано с особым тщанием, как будто Босх старался сделать его похожим на кого-то конкретного. Однако, если сравнить «меланхоличное чудовище» с другими предполагаемыми автопортретами, сходство обнаружится весьма условное. Свидетельств того, что Иероним Босх водил дружбу с бутылкой или, напротив, состоял в хертогенбосском обществе трезвенников, до нас не дошло. Так что, судить о том, насколько образ личный, трудно.

2. Птицеголовый монстр

По общепринятому мнению, птицеголовый монстр — это Дьявол, пожирающий души грешников. Восседая на «позорном стуле», он испражняется ими в адскую выгребную яму. На голове у Дявола — горшок, символизирующий (как и всякий пустой сосуд) безверие. Кувшины на ногах призваны подчеркнуть хромоту, которой Дьявол обзавелся вследствие низвержения с небес.

Впрочем, существует теория, согласно которой клювастое чудище — это безжалостное время. В астрологических книгах Сатурн или Кронос часто изображался хромым или одноногим, отсутствующую ногу нередко подпирал знак Водолея в виде кувшина. Кроме того, некоторые исследователи полагают, что кувшины на ногах Кроноса — это котурны, как у актеров, игравших в греческих трагедиях.

3. Музыкальный ад

Во времена Босха в Нидерландах было в ходу выражение «похоть — это музыка плоти». К музыке было принято относится как к легкомысленному развлечению, предваряющему любовные утехи. Полифоническую музыку считали греховным проявлением, а ее исполнение в церкви — изощренной формой ереси. Похоже, Босх разделял мнение католического престола, поскольку превратил музыкальные инструменты в пыточные орудия — точь-в-точь, как это делают в наше время некоторые музыканты-авангардисты.

4. Тройка, семерка, туз

Обнаженная девушка с игральной костью на голове, отрубленная кисть с кубиком на пальцах, перевернутый карточный стол, беременный демон, судя по всему, предлагающий партию в нарды. Смысл этого фрагмента очевиден: грешникам, предававшимся такому пороку как азартные игры, придется в День Страшного Суда буквально бросить кости. К слову, если приглядеться, среди разбросанных на земле карт можно разглядеть тройку и туза. Семерку Иероним, должно быть, припрятал в рукаве.

5. Задницы

Телесный низ — магистральная тема творчества Босха. Обусловлено это тем, что задница была едва ли не главной героиней средневекового нидерландского фольклора. Умудренные опытом мужи говорили в назидание юнцам, что «всякий человек сам готовит прут для своей задницы». Юных прелестниц пугали тем, что «если слишком долго любоваться своим отражением в зеркале, увидишь задницу черта». Изображение задницы, пронзенной стрелой, символизировало божью кару за грехи. Словом, это транскультурный символ, который ничуть не утратил важности за последние 500 лет. И во времена Босха, и сейчас неприятности валятся отнюдь не на наши головы.

6. Лестницы

Лестницы, которыми изобилует триптих «Сад земных наслаждений», символизируют путь к познанию, а познание, как известно, чревато грехопадением. То есть, лестницы у Босха выполняют те же функции, что и птицы, рассохшиеся пни или пустые кувшины — символизируют порок.

7. Ножи

Ассоциации, которые связаны с ножами, не нуждаются в сложных трактовках: мученическая смерть, пытки, воздаяние за грехи. Куда больший интерес вызывает клеймо «М», которым помечены клинки «Сада земных наслаждений». По мнению некоторых исследователей, «М» может означать начальную букву в слове «мир» — «mundus». А может и имя Антихриста, которое по средневековым пророчествам должно начинаться с этой буквы.

8. Свинья

Грешник, обнимающийся со свиньей в монашеском головном уборе, — еще один сатирический выпад в сторону католической церкви, чью жадность Иероним Босх неустанно критиковал в своих картинах. На коленях у него документ, скрепленный печатями, еще один персонаж (с символизирующей ересь жабой на плече) прикрывает печатью голову. Нужно полагать, это индульгенции, торговлю которыми Босх, не без оснований, считал мошенничеством.

9. Коньки

Часто встречающиеся у Босха персонажи на коньках, скорее всего, имеют инфернальное происхождение: согласно средневековым представлениям, нижний круг ада представляет собой замерзшее озеро. Кроме того, коньки, возможно, ассоциировались у художника с праздностью. К примеру, один из «конькобежцев» с триптиха «Искушение святого Антония» держит в клюве бумагу, на которой начертано слово «лень».

Извлечение камня глупости, Иероним Босх

1475-1480 r.r. 48х35 см. Дерево, масло. Музей Прадо, Мадрид.

Эта картина представляет фольклорную линию в творчестве художника. На первый взгляд, здесь изображена обычная, правда, опасная операция, которую хирург почему-то проводит под открытым небом, водрузив себе на голову воронку.

Вероятно, здесь высмеивается персонаж ярмарочного фарса простачок или муж-рогоносец (книга, положенная на голову женщине, понималась как «руководство» для жуликов и обманщиков). Перевёрнутую воронку, надетую на голову хирурга, объясняли как намёк на рассеянность учёного мужа, но в контексте она, скорее всего, служит признаком обмана. По другой версии, закрытая книга на голове монахини и Воронка хирурга, соответственно, символизируют о том, что знания бесполезны, когда имеешь дело с глупостью, и что врачевание подобного рода шарлатанство.

Голландское выражение «иметь камень в голове» означало «быть глупым, безумным, с головой не на месте». Во времена Босха существовало поверье: сумасшедшего можно исцелить, если извлечь из его головы камни глупости. На картине вопреки ожиданиям извлекается не камень, а цветок, ещё один цветок лежит на столе. Установлено, что это тюльпаны, а в средневековой символике тюльпан подразумевал глупую доверчивость.

Семь смертных грехов и четыре последние вещи, Иероним Босх

120х150см. Доска, масло. 1475-1480 г.г. Музей Прадо, Мадрид.

Алчность

Многие исследователи считают «Алчность» наиболее удачным фрагментом «Семи смертных грехов». Олицетворением алчности у Босха выступает судья-мздоимец, сама профессия которого в общественном сознании ассоциируется со взяточничеством. «Грех алчности», поясняет автор книги о Босхе Ольга Морозова, влечёт за собой умножение забот, внутреннюю злобу и замкнутость, провоцирует страх утраты и гнев на возможных конкурентов и неминуемо ведёт к зависти».

Зависть

Зависть также причисляется к смертным грехам, поскольку она порождена сомнением в справедливости данного Богом мироустройства. На этом фрагменте завистником выглядит человек с костью в руке, выглядывающий из окна. Он не без зависти смотрит на элегантно одетого сокольничего с птицей в руке. Собаки, делящие кости у ног прохожего, на своём уровне дублируют ту же ситуацию.

Чревоугодие

Слово «Gula» буквально переводится с латыни как «горло» или «глотка», а в переносном смысле означает чревоугодие, обжорство. Центральный персонаж еще не обглодал косточку из предыдущего яства, а ему уже несут следующее запечённую птицу. «Gula» еще может обозначать сластолюбие — грех, которому подчинены не только обжоры, но также и пропойцы (как персонаж у правого края фрагмента], любители плотских утех. Не случайно чревоугодник здесь обут в непарную обувь (так же как Странник с картины Босха, хранящейся в Роттердаме): в голландском языке идиома «надеть башмак и тапочку» подразумевала «быть крайне неразборчивым в связях».

Уныние

В отношении пола центрального персонажа фрагмента «Семи смертных грехов» мнения расходятся: до сих пор нет единства в том, мужчина это или женщина столь беспечно дремлет у камелька. Монахиня подаёт ему (или ей) четки, давая понять, что пришло время молиться, но всё без толку. Персонаж спит, спит и собака у его ног, а лежащая неподалёку Библия так и остаётся не раскрытой.

Гнев

Грех гнева иллюстрируется жанровой сценкой. Перед нами бытовая драка, грубая уличная потасовка. Оба дерущихся снабжены холодным оружием. Есть и более неожиданные детали: один запускает в другого кувшином, а у того на голову надет табурет. Кувшин обильные возлияния, а строение на втором плане, скорее всего, трактир. Предмет мебели, водружённый на голову, отражает популярную в Нидерландах поговорку «Быть тебе увенчанным трёхногим табуретом».

Символической деталью являются разбросанные туфли. Парные изображения обуви в северно-европейской живописи олицетворяли супружескую верность. Здесь туфли, наоборот, разрознены и вот-вот столкнутся «носок к носку», как ругающиеся супруги. Возможно, это намёк на то, что причиной драки стала супружеская неверность. Тем более, на картине присутствует женщина, пытающаяся сдержать одного из драчунов.

Гнев — не самый страшный из семи грехов. Но «злокачественность» гнева заключена в том, что он порождает другие грехи.

Гордыня

Из всех семи грехов гордыня самый тяжкий, так как является корнем множества других. Именно она привела к падению Люцифера, ангела света. Гордыня ведёт к тому, что грешник начинает кичиться своими достоинствами перед лицом Бога, забывая, что все они — божий дар.

У гордыни с картины «смертных грехов» женское лицо. Лица героини, олицетворяющей гордыню, мы не видим. Она повернулась к нам спиной, чтобы полюбоваться отражением в зеркале. Дабы зритель не сомневался, что гордиться собственной красотой грех, «подставкой под зеркало» служит дьявол. Ноту комизма всей сцене добавляет то, что дьявол обряжен в замысловатый чепец горничной. Мораль такова: как только кто-то впадает в грех гордыни и принимается любоваться собой, а ему тут же начинает прислуживать лукавый.

Похоть

Этот фрагмент нередко сравнивают с картиной Босха «Корабль дураков». Действительно, многие детали совпадают: игра на музыкальных инструментах (традиционно ассоциирующихся с любовной прелюдией], сосуды с вином, тарелка с вишнями (символом сладострастия). Но если шут в «Корабле дураков» сознательно отвернулся от происходящего, то здесь он полноправный участник игрищ. По его обнажённым ягодицам некто лупит гигантским черпаком. Возможно, это связано с голландской идиомой «ударить по ягодицам», обозначающей распутство. Этот же грех демонстрируют зрителю обе пары: возлежащая на лужайке и уединившаяся в «Шатре Венеры».

Смерть

Вокруг умирающего собрались священник, псаломщик и монахини, в ногах стоит его сын, в то время как невестка со служанкой в соседней комнате уже делят наследство. Ситуативно этот фрагмент похож на картину Босха «Смерть скупца». И там, и тут есть смерть в виде скелета с косой, ангел и чёрт, состязающиеся за душу умирающего. Распятие, повернутое священником в сторону зрителей, напоминает каждому: покайтесь, ибо смерть неизбежна.

Страшный суд

Здесь всё в рамках традиции: в день Суда Христос будет восседать на троне в окружении трубящих ангелов, в то время как умершие восстанут из земли и будут судимы в соответствии со своими делами. Оригинальная деталь одна небольшая сфера, на которую опираются ноги Христа. На ней изображён городской пейзаж и присутствующие на небе одновременно луна и солнце.

Рай

В верхней части композиции «Рая» Христос сидит с книгой в руках в окружении ангелов. На переднем плане изображена группа, состоящая из трёх святых с музыкальными инструментами. Кажется, это единственное живописное упоминание музыкальных инструментов у Босха, окрашенное позитивно (в большинстве случаев музыка, наоборот, ассоциируется с грехом и адскими мучениями, как, например, в «Саде земных наслаждений»). Апостол Пётр у райских ворот приветствует вновь прибывшего, а в это время черт пытается похитить его золотоволосую спутницу, но ему препятствует крылатый ангел.

Ад

В сцене ада «Семь смертных грехов» находят своё логическое разрешение. В эпоху Босха считали, что наказание за каждый грех будет не только неотвратимым, но и конкретным. Например, обнажённые мужчина и женщина, изображенные внизу композиции, олицетворяют грех гордыни и наказание за него. К детородным органам мужчины тенет клюв хищная птица, а у женщины в паху разместилась огромная жаба. Левее и выше них изображен грех любострастия: любовников на огромной алой постели демоны растаскивают в разные стороны, а к ним готовится присоединиться фантастический черный ящер. В центре полотна истязание тех, кто был подвержен зависти, чревоугодию и лени. Собаки треплют завистников. Перед обжорой вместо привычных ему блюд «аппетитные» змея, ящерица и жаба. Ленивца лупят по заднице молотком. В котле с надписью «Алчность» закипают скупцы и сквалыги, а черти подкидывают в котел деньги вперемешку с экскрементами. Выше и ниже котла распластаны еще двое грешников, мучимых разнообразными темными сущностями.

Искушение Святого Антония. Левая створка, Иероним Босх

131,5х225 см Дерево, масло. 1505-1506 г.г. Национальный музей старинного искусства, Лиссабон.

В житиях Антония рассказывается, как Сатана, раздражённый необыкновенным благочестием святого, насылает на него легион бесов. Демоны схватили святого, который молился в пещере, и истязали его, пока монах не упал замертво. В нижней части левой створки у Босха мы видим, как трое друзей в одеждах, характерных для монашеского ордена антонитов, ведут под руки вконец обессилевшего святого в последний момент им удалось вырвать его из власти бесов. Кстати, по мнению некоторых исследователей, в одном из тех людей, кто поддерживает Антония, можно узнать самого художника.

Вся эта фигурная группа ступает на хрупкий мост из прогнивших досок. В других работах Босха (например, в «Блудном сыне» из музея в Роттердаме) мост символ превратностей человеческой жизни. Под мостом укромно расположились демоны. Один из них ведёт некую переписку, возможно, готовит заговор или составляет донос. Внешне он похож на Александра VI, который был римским Папой в период с 1492 по 1503-й и многими считался Антихристом. Босх не однажды критиковал церковь за распущенность («Корабль дураков» и др.), но главу католиков в виде демона он показывает впервые.

С двух сторон от псевдо-Папы располагаются демоны-птицы. Большая цапля, стоящая на яйце, пожирает собственных едва проклюнувшихся птенцов. Зад птицы «повторяет цвет и форму головного убора «папы», отмечает Линда Харрис, очевидно, что это еще один «комплимент» в адрес Римской католической церкви».

Еще один демон в виде птицы одет в красную кардинальскую сутану, а на его голове воронка (подобная встречается на голове монаха в «Извлечении камня глупости»), по-видимому, символизирующая самозванство и профанацию истины. Этот демон-клирик стоит на коньках. Возможно, так художник указывает на его происхождение: в средневековых представлениях об устройстве преисподней (нашедших отражение, в частности, в «Божественной комедии» Данте) нижний круг ада представляет собой ледяное озеро Коцит. На зажатом в ключе бумажном листе написано слово «лень», так что коньки могут олицетворять еще и праздность.

В средней части левой створки изображается хижина, образованная из сращённых между собой тела великана и холма, покрытого зеленью. Левая нога человека перебинтована, что должно символизировать грех сладострастия. Само тело образует из себя бордель, в окне которого можно разглядеть женщину. Вход в хижину расположен аккурат между ног великана. Несколько бесов в церковных одеяниях направляются как раз туда. Эта аллегория Босха вполне прозрачна.

У левого края створки — еще два сложно синтезированных демона, один из которых — это рыба на колесах и с хвостом скорпиона (рыба христианский символ крещения). На её спине располагается шпиль собора. Большая рыба пытается проглотить рыбу поменьше. Возможно, здесь зашифрованы церковные «слияния и поглощения» или борьба официальной церкви с ересями.

Верхняя треть створки посвящена искушению Антония в небе. Бесы, принявшие форму зверей и чудовищных рыб, терзают святого, который не выходит из медитативного состояния и не перестаёт возносить молитвы к небу.

Искушение Святого Антония. Центральная часть, Иероним Босх

131,5х225 см Дерево, масло. 1505-1506 г.г. Национальный музей старинного искусства, Лиссабон.

В центральной части триптиха концентрация монстров на квадратный сантиметр площади достигает апогея. «Со всем богатством вымысла изображая сложный облик разнообразных демонов, вьющихся вокруг святого, Босх превзошёл самого себя», уверен Вальтер Бозинг, автор книги «Иероним Босх. Между адом и раем».

Ближе к левому краю белёсый деревянный обрубок превращается в торс и руки женщины в высоком остроконечном чепце, чьё туловище трансформируется в чешуйчатый хвост ящерицы. Держа на руках ребёнка, женщина торжественно восседает на исполинской крысе. Кувшин на лошадиных ногах несёт на спине странного демона с чертополохом на голове (чертополох символ первородного греха). Чуть ниже по реке плывёт, растопырив руки, человек, находящийся внутри полупрозрачной рыбины. Переведя взгляд влево, мы обнаружим демона с лошадиным черепом, играющего на лютне и сидящего на гусе с головой овцы, но в человеческих башмаках. Духи тьмы в облике птиц, людей и животных извергаются из гигантской красной ягоды — традиционного символа порока. Повыше неё еще один древесноголовый монстр ведёт под уздцы странный гибрид дракона, лошади и жареной птицы, впереди вышагивают собаки-броненосцы, песьеголовец с совой (символом тьмы и птицей дьявола) на голове.

Ни одна из земных стихий у Босха не свободна от чудовищ. Демонами так и кишат вода, суша и поднебесье. Куда же устремляются эти дьявольские полчища? Очевидно, что «пунктом назначения» для всех них служит разрушенная гробница в центре композиции. Внутри неё запечатлено явление Христа, указывающего на собственное распятие.

Ереси, магия, алхимия признаки всего перечисленного обнаруживаются в центральной части триптиха. Вокруг коленопреклонённого Антония разыгрывается дьявольская месса. Женщина в замысловатом головном уборе протягивает монахине чашу с причастием. Рядом за столом игроки бросают кости, искушая судьбу. В воздухе парят ведьмы, в глубине картины полыхает подожжённая ими деревня. Кстати, передача эффектов освещения в этой работе выдаёт в Босхе настоящего новатора.

«Цветовая гамма настолько гармонична и богата, пишет Вальтер Бозинг, что все эти изменчивые, даже самые омерзительные образы визуально прекрасны: триптих относится к числу тех произведений Босха, которые сохранились лучше всего, а недавно проведённая расчистка выявила всё колористическое богатство этой картины, где блистающие красные и зелёные тона чередуются с тонко модулированными переходами синевато-зелёных и коричневых».

Фигура Святого Антония расположена на пересечении диагоналей картины. Отвернувшись от всего, что совершается вокруг, он смотрит на зрителя и благословляет его. Жест Антония повторяет жест Христа, стоящего неподалёку. Спокойный и обнадёживающий взгляд сближает Антония с Христом в картинах Босха «Несение креста» (Мадрид) и «Коронование терновым венцом» (Лондон). И это показывает, что святой стоек в своём выборе, несмотря на все дьявольские козни.

Если боковые створки показывали Антония в минуты мучений и искушений, то центральная часть триптиха знаменует его торжество.

Искушение Святого Антония. Правая створка, Иероним Босх

131,5х225 см Дерево, масло. 1505-1506 г.г. Национальный музей старинного искусства, Лиссабон.

Темой правой створки триптиха являются плотские искушения, которым дьявол подвергает Святого Антония.

Грех чревоугодия находит воплощение в непристойной трапезе, где основание стола образуют обнажённые человеческие тела. Антураж (кувшин или ночной горшок, надетый вместо обуви, трубадур со странным музыкальным орудием) напоминает о «Саде земных наслаждений». Правее изображено дырявое чрево человеческий живот на ножках в красном колпаке, пронзённый большим кинжалом.

Об искушении грехом любострастия (прелюбодеяния) житийная литература сообщает, что после мучений Антония на земле и на небе дьявол явился к нему в женском обличье. Святой повстречал прекрасную царицу, когда та купалась в реке. Она привлекла Антония своим великодушием и щедростью и привезла ослеплённого её набожностью святого в свою столицу. Полёт на демонической рыбе над городскими строениями, башнями и мельницей показывает самый опасный момент, когда Антоний вот-вот готов поддаться искушению. Святой осознал, с кем имеет дело, только когда царица попыталась его соблазнить. У Босха она стоит обнажённая в воде под деревом с топорщащимися сухими сучьями в окружении демонов-придворных, прикрывая рукой «срамное место». (Похожий сюжет Босх разрабатывал и в плохо сохранившейся работе «Святые отшельники»).

Еще одно напоминание о дьяволе плывущий в фарватере реки дракон. Ему противостоит маленькая человеческая фигурка с палкой или пикой в руке. Поскольку такое же орудие мы видим в руках самого Антония на переднем плане, можно заключить, что в реке Босх нарисовал поединок самого святого отшельника с Сатаной.

Самоубийство Саула, Питер Брейгель Старший

35,5х55 см. Дерево, масло. 1562 г. Музей истории искусств, Вена.

Создавая картину «Самоубийство Саула», Брейгель обратился к одному из наиболее драматичных библейских эпизодов. B писании рассказывается: Филистимляне (народ, населявший юго-восточное Средиземноморское побережье и воевавший с иудеями) разгромили войско царя Саула, убив его сыновей. Он, жестоко израненный стрелами врагов, не желая попасть в плен, попросил своего ору- женосца заколоть его мечом, но тот в страхе отказался. Тогда царь бросился на свой меч и умер. Верный оруженосец повторил поступок повелителя.

Художник изобразил на высоком горном плато иудейского царя, одетого в тяжелые доспехи. Саул закрепил рукоятку меча в земле и бросился на его острие. В ужасе взирает на истекающего кровью повелителя оруженосец, который должен вершить то же самое. В его глазах страх и решимость: ненавистные враги уже поднимаются к нему по склону горы.

А внизу идет последнее сражение между филистимлянами и иудейской армией, лишившейся своего предводителя. В лучах солнца сверкают железные доспехи и мечи, развеваются на ветру знамена. Удивительно, как на такой маленькой по размерам доске, на которой была написана картина, художнику удалось уместить и сцену самоубийства, и пейзаж, и бесчисленные толпы сражающихся. Хотя Брейгель не выписывал как на миниатюре каждую человеческую фигуру, сражение выглядит очень убедительным и реалистичным.

Безумная Грета, Питер Брейгель Старший

115х161 см. Холст, масло. 1562 г. Музей Майер ван дер Берга, Антверпен

«Безумная Грета» (также известная как «Сумасшедшая Мэг») — персонаж фламандского фольклора, олицетворяющий жадность, алчность и порок. Таким именем называли любую злобную и сварливую матрону с дурным нравом. На картине Питера Брейгеля Старшего Грета возглавляет армию женщин, направляющихся грабить Ад. Несмотря на то, что у них уже полно добра, героиня и её гротескные спутницы готовы штурмовать преисподнюю в поисках большего.

Грета продвигается к развёрстой пасти Ада через место, населённое чудовищами-грехами. На ней мужской металлический нагрудник, перчатка и шлем. В такой же военный костюм одет монстр рядом, который опускает подъёмный мост. Кинжал на боку главного персонажа картины и меч в руке может быть намёком на поговорку «Он мог бы войти в Ад с мечом в руке». В книге, опубликованной в Антверпене в 1568 году, есть пословица, которая отвечает духу панели Брейгеля: «Одна женщина производит шум, две — кучу неприятностей, три — ежегодный рынок, четыре — ссору, пять — армию, а против шести у самого Дьявола нет оружия».

Ранее работа входила в коллекцию императора Священной Римской империи Рудольфа II, затем была вывезена шведскими войсками в 1648 году, и вновь появилась в Стокгольме в 1800-м. Коллекционер предметов искусства Фриц Майер ван ден Берг обнаружил панель в 1897 году на аукционе в Кёльне и приобрёл за копейки. Имя автора он открыл несколько дней спустя. Сейчас шедевр входит в собрание Музея Майера ван ден Берга в Антверпене.

Триумф смерти, Питер Брейгель Старший

117×162 см. Дерево, масло. 1562 г. Музей Прадо, Мадрид.

Картина Питера Брейгеля «Триумф смерти» необыкновенно мрачная. На ней изображено торжество смерти, которое царит во всем. Ощущается поистине глобальный конец всего человечества, хотя здесь, в отличие от более ранних полотен художника, бесовщины нет. Вдруг произошло так, что законы перестали действовать, а некая граница между царством живых и царством мертвых, которая была недостаточно надежна, исчезла.

Живописец не придумал этот сюжет. В эпоху Средневековья в иконах существовали подобные мотивы. В таких картинах миром начинает править смерть с вечной косой. Брейгель объединил те мотивы, которые были до него, и создал нечто свое. В его интерпретации смерть косит всех. Живописец также привнес элемент издевательства над людьми (смерть кажется внешне милосердной). Некоторые люди пытаются спастись. Так, человек высокого роста пытается противостоять Смерти, но тщетно. Мы видим пару влюбленных, которые занимаются музыкой и совершенно не подозревают о том, что случится в следующее мгновение.

На картине изображено судилище мертвецов. На возвышении — скелеты, одетые в некое подобие тог белого цвета. Они словно трибунал. Современники Брейгеля узнавали в такой сцене явный намек на Святую инквизицию и ее трибунал. Брейгель создает панораму, наблюдая за всем происходящим с высоты. Произведение Брейгеля более чем актуально, но смысл его скрыт под абсолютно традиционными мотивами сюжета.

Фламандские пословицы, Питер Брейгель Старший

117х163 см. Дерево, масло. 1559 г. Берлинская картинная галерея, Берлин.

Картина Брейгеля «Фламандские пословицы» являет собой пример немногочисленных живописных работ Брейгеля, которые носят неприкрый дидактический характер. Основой служит тема человеческого безумия существования в условиях «перевёрнутого мира». На картине продемонстрировано около сотни известных пословиц, хотя, вероятно, Брейгель на самом деле изобразил ещё больше пословиц, которые не расшифрованы сегодня. Некоторые из них распространены до сих пор, другие постепенно утрачивают своё значение. И всё это многообразие сюжетов-миниатюр художник сумел разместить в столь малом пространстве!

Расшифровка пословиц

1. «Она бы привязала чёрта к подушке» она не боится ни Бога, ни дьявола: эта мегера способна обуздать самого строптивого молодца; упряма как чёрт.

2.»Грызёт столб» лицемер, столп церкви, ханжа, святоша.

3.»В одной руке она несёт воду, а в другой огонь» — она женщина неискренняя, ей доверять не стоит. Выражение также использовалось для характеристики противоречивого поведения (служит и нашим, и вашим).

4. «Жарить селёдку, чтобы поесть икры» — выражение, часто употребляемое в значении «сорить деньгами». К этому же фрагменту применима другая голландская пословица: «Там селёдка не жарится», т.е. его попытки терпят неудачу, он не получает того, на что надеется.

5. «Сидеть в золе между двух стульев» проявлять нерешительность в каком-то деле, находиться в сложном положении, например, из-за упущенного момента для принятия правильного решения.

6.«Впусти собаку в дом, она заберётся в горшок или в шкаф» в буквальном смысле: войти в дом и обнаружить, что собака опустошила горшок или буфет; отсюда фигуральное выражение: прийти слишком поздно, упустить свой шанс, остаться ни с чем.

7. «Свинья вытаскивает затычку из бочки» значение: хозяин не следит за своим добром. Иное: его конец близок.

8. «Биться головой об стену» он захотел сделать невозможное, дело было заведомо обречено на неудачу, он получил мучительный отказ.

9. «Один стрижёт овцу, другой свинью» один использует ситуацию по мере возможного, другой стремится извлечь выгоду любой ценой; один пребывает в довольстве, другой впадает в нищету.

10. «Вешать коту на шею колокольчик» поднимать тревогу первым, поднимать скандал; делать первый шаг в деликатном деле. У Бранта в «Корабле дураков» также встречается: «Тот, кто привязывает коту колокольчик, позволяет крысам бегать, где им хочется».

11. «Быть вооружённым до зубов» — быть хорошо оснащённым для какого-либо дела.

12. «Этот дом имеет вывеской ножницы» в богатом доме есть чем поживиться. Ножницы обычно служили вывеской портных, которые имели обыкновение наживаться на своих клиентах.

13. «Глодать кости» быть чрезвычайно занятым, принимать что-то близко к сердцу, обдумывать, пережёвывать, решать трудную задачу.

14. «Щупать курицу» — это выражение имеет разные значения: домосед, который занимается лишь хозяйством и кухней; мужчина, уподобляющийся женщине.

15. «Он говорит двумя ртами» персонаж лжив, лицемерен, двуличен, ему нельзя доверять.

16. «Переносить свет корзинами» понапрасну тратить время; заниматься ненужными
делами.

17. «Зажигать свечи перед чёртом» льстить плохому правителю или неправедной власти ради получения выгоды или поддержки.

18. «Отправляться на исповедь к дьяволу» доверять свои тайны врагу или противнику. Также используется в значении «искать покровительства у того, кто не склонен его оказывать».

19. «Нашептывать кому-либо что-то на ухо»- говорить гадости, тайно настраивать кого-то, раскрывать кому-либо глаза на то, что от него скрывалось, побуждать недоверие или ревность.

20. «Прясть пряжу с чужого веретена» — заканчивать работу, начатую другими.

21. «Она надевает на своего мужа синий плащ» — она обманывает мужа, наставляет ему pora.

22. «Когда телёнок утонул, надумали засыпать яму» — исправлять ошибку или оказывать помощь уже поздно (как мёртвому припарка).

23. «Придётся согнуться, чтобы чего-то добиться в этом мире» — тот, кто хочет получить желаемое, должен вести себя услужливо.

24. «Бросать свиньям маргаритки» предлагать кому-то нечто такое, что тот не способен оценить (метать бисер перед свиньями).

25. «Он вспарывает брюхо свинье» дело уложено заранее; заранее подготовленная комбинация.

26. «Две собаки грызутся за кость» они спорят о том, что делать; противники редко могут договориться; они оба ожесточены одним и тем же делом. Так говорится и о том, кто сеет раздор.

27. «Лиса и журавль» — обманщика обставят; платить той же монетой; два сапога пара.

28. «Мочиться в огонь полезно» — удовлетворительного объяснения этому выражению не найдено, не исключено, что это намёк на суеверные действия.

29. «Он заставляет мир крутиться вокруг своего большого пальца» суетность и ложные притязания, это человек влиятельный, он получает то, что хочет.

30. «Вставлять палки в колёса» — мешать осуществлению какого-либо дела.

31. «Опрокинувший свою кашу не всегда может всю её собрать» — совершивший ошибку должен вынести и последствия, никогда нельзя полностью исправить последствия своей глупости.

32. «Он ищет топорик» он ищет лазейку, отговорку.

33. «Ему не удаётся дотянуться ни до одного, ни до другого хлеба» он вряд ли соединит один конец с другим; еле сводить концы с концами.

34. «Они тянутся, чтобы ухватить самый длинный кусок» — каждый ищет собственную выгоду.

35 «Зевать в печь» переоценивать свои силы, прилагать напрасные усилия.

36. «Господу Богу привязывать накладную бороду» — пытаться действовать обманным путём, вести себя лицемерно.

37. «Не ищи другого в печке, если сам там был» — тот, кто готов подозревать ближнего в чём-то дурном, наверняка сам имеет прегрешения.

38. «Она берёт куриное яйцо и оставляет лежать гусиное» она утаивает доказательства; жадность обманывает мудрость. Другое толкование: делать неправильный выбор.

39. «Провалиться сквозь корзину» не иметь возможности подтвердить сказанное; необходимость признать то, что ранее представлялось совершенно иначе.

40. «Сидеть на горящих углях» быть в страшном нетерпении; чего-то с тревогой ожидать.

41. «Мир наизнанку» — полная противоположность тому, что должно было быть.

42. «Справить нужду перед всем миром» он плюёт на всех; он всех презирает.

43. «Дуракам достаются лучшие карты» фортуна благоволит к дуракам; невежи гребут пригоршнями.

44. «Они водят друг друга за нос» они друг друга обманывают, оставляют с носом.

45 «Протянуть через кольца ножниц» — действовать бесчестно в рамках своего ремесла или профессии.

46. «Оставлять яйцо в гнезде» не тратить всё сразу, сохранить на случай нужды.

47. «Смотреть сквозь пальцы» закрывать глаза на неточность или ошибку, поскольку польза так или иначе будет извлечена.

48. «Венчаться под метлой» — жить вместе без церковного благословения.

49. «Там воткнута метла» там пируют.

50. «Крыши там покрыты сладкими пирогами» — там видно петуха в тесте; иллюзорное изобилие, молочные реки и кисельные берега.

51. «Мочиться на луну» означает, что дело для него плохо кончится. На картине «Двенадцать пословиц» легенда гласит следующее: «Никогда мне не удаётся достичь того, что
нужно, я всегда мочусь на луну».

52. «Два дурака под одним колпаком» — глупость любит компанию; два сапога пара.

53. «Брить дурака без мыла» — издеваться над кем-либо; смеяться, вышучивать кого-либо.

54. «Ловить рыбу за сачком» прибывать слишком поздно, упускать удобный случай, позволить другому убегать с добычей.

55. «Чесаться задом об дверь» — чихать, плевать на всех; ни на что не обращать внимания.

56. «Целовать дверной замок» влюблённый, получивший отставку, либо «поцеловать

замок» не застать девушку дома.

57. «Упасть (перепрыгнуть) с быка на осла» в ХVІ веке выражение имело два значения: совершать плохие дела; быть непостоянным, капризным.

58. «Старая крыша требует много заплаток» старая вещь требует большего ухода.

59. «Выпускать стрелу за стрелой» находить новое средство, играть козырной картой. В источниках, современных Брейгелю, можно найти ещё такое выражение: «Мы выпускаем лишь невозвратные стрелы».

60. «Там, где ворота открыты, свиньи бегут в посев» когда дом без присмотра хозяев, слуги делают что хотят; кошка спит мыши танцуют.

61. «Бегает как ошпаренный» быть в больших заботах.

62. «Вывешивать плащ на ветер» менять свои убеждения в зависимости от обстоятельств; плыть, куда ветер дует.

63. «Она смотрит вслед аисту» она ленива, тратит время понапрасну, считает ворон.

64. «Рассыпать перья или зерно по ветру» действовать непродуманно, беспорядочно; работать, не имея чётко поставленной цели.

65. «Большие рыбы пожирают малых» — могущественные угнетают слабых; съесть самому или быть съеденным.

66. «Ловить треску на корюшку» — жертвовать вещью малоценной, чтобы получить более дорогую, давать яйцо в надежде получить корову, ловко выуживать чей-то секрет.

67. «Не выносить блеск солнца на воде» — завидовать достатку или почестям, которые снискал другой.

68. «Плыть против течения» быть противоположного мнения; поступать вопреки обществу, стремиться к своей цели, несмотря на препятствия.

69. «Тянуть угря за хвост»- дело, которое окончится, вероятнее всего, неудачей; иметь дело
со скользким человеком.

70. «Из чужой кожи легко нарезать хорошие ремни» — быть щедрым за чужой счёт пользоваться с выгодой имуществом другого.

71. «Кувшин ходит по воду, пока не разобьётся» подвергать себя опасности; заканчивать
плохо.

72. «Вешать куртку за забор» отречься от духовного сана; бросить прежнюю профессию.

73. «Бросать деньги в реку» выбрасывать деньги на ветер; неразумно растрачивать своё
добро, быть расточительным.

74. «Справлять нужду в одну дыру»» неразлучные друзья, связанные общими интересами.

75. «Треснувшая стена скоро обрушится» Все быстро ломается без должного ухода.

76. «Ему не важно, что чей-то дом горит, раз он может погреться» — законченный эгоист, его не волнуют беды ближнего; он греется у чужого огня.

77. «Таскать за собой колоду» связываться с несговорчивым; делать нужную работу.

78. «Лошадиные яблоки — отнюдь не фиги» не стоит обольщаться, будьте реалистами, не надо принимать фонари за звёзды.

79. «Смотреть как медведи пляшут» голодать.

80. «Какая 6 ни была причина, но гуси ходят босиком» если дела идут как идут, значит, на то есть причина; или: не задавай вопросов, на которые нет ответа.

81. «Держать парус в глазу» быть настороже, не упускать ничего из внимания; держать нос по ветру.

82. «Справлять нужду у виселицы» быть шалопаем, ничего не бояться и ни о чём не заботиться.

83. «Необходимость заставляет пуститься вскачь и старых кляч» чтобы заставить кого-то действовать, нет лучшего средства, чем внушить ему страх.

84. «Когда слепой ведёт слепого, они оба упадут в яму» когда незнанием руководит Другое незнание, дело обернётся плохо.

85. «Никому не удаётся плутовать до бесконечности» всё тайное рано или поздно становится явным.

Воз сена. Левая створка. Грехопадение (Изгнание Адама и Евы из рая), Иероним Босх

190 х 135 см. Дерево, масло. 1500-1502 г.г. Прадо Эскориал, Мадрид

Итак, жизнь — это дорога, дальнее странствие, полное искушений и опасностей. На эту мысль настраивает зрителя путник с внешней стороны триптиха. Посмотрим теперь, чем она подкрепляется изнутри, когда картина предстаёт в открытом виде. Три внутренних створки называются «Изгнание из рая», «Воз сена» и «Ад».

Средневековая живопись часто совмещает в одном пространстве разные временные планы. Этому принципу следует и Босх. На левой створке у него находят место сразу три важнейших эпизода истории Адама и Евы. Вверху показано, как Бог-отец сотворил Еву из ребра спящего Адама, в средней части змей искушает первых людей попробовать плод с древа познания, на переднем плане — финал райской жизни Адама и Евы: ангел с огненным мечом прогоняет их от скалистых ворот рая.

А над Эдемским садом показано невероятное по силе впечатления зрелище: ангелы, превращаясь в насекомых, сыплются с неба. Оказывается, не только люди повинны в грехе гордыни. Ангелы тоже возгордились, восстали и за это были низвергнуты архангелом Михаилом, предводителем небесного воинства.

Босх изображает чудовищную метаморфозу — то, как ангелы меняют свою сущность: на самом верху, в облаках, во время последней битвы это всё ещё ангелы, но, по мере падения, трансформируются в насекомых. Из ангельских атрибутов у них остаются лишь крылья. Но и они не спасут: жужжащий рой поодиночке осыпается в море на горизонте и гибнет.

Босх оказался первым художником в истории мировой живописи, которому в голову пришло увязать два события — изгнание восставших ангелов с небес и изгнание первых людей из рая.

Эдем в интерпретации социального пессимиста Босха оказывается не таким уж райским местом, ведь даже там нет ни покоя, ни благодати.

Воз сена. Центр, Иероним Босх

190 х 135 см. Дерево, масло. 1500-1502 г.г. Прадо/Эскориал, Мадрид

Между раем (слева) и адом (справа) располагается центральная часть, давшая название всему триптиху, «Воз сена». Это образ земного мира. Картина мироустройства по Босху.

Почему для изображения существующего миропорядка Босх избрал именно такую аллегорию — воз с сеном? Истоки следует искать в нидерландском фольклоре, где существует пословица «Мир — это воз с сеном, и каждый старается отхватить от него клочок побольше».

Похожий образ сохранился и в народных песнях. Одна из них повествует о том, что Бог сложил все земные блага в одну кучу, подобно тому как поселяне сгребают всё сено в стог. Эта куча предназначается всем и должна быть по справедливости разделена на всех. Однако каждый, со свойственной человеку алчностью, толкается локтями, пытаясь урвать от стога побольше. В погоне за земными благами люди не отдают себе отчета в том, как они ничтожны. Ведь сено — дешёвый товар. Во фламандском языке слово «hooi» одновременно обозначало и «сено» и «ничто». Припев песни обыгрывает этот каламбур, пессимистически сообщая: «в конечном счете всё обернётся «һооі».

Но героев Босха это не останавливает. Они наперебой рвутся к заветному сену. Расталкивают друг друга. Подставляют лестницы, тянут рогатины. Кто-то гибнет под колёсами повозки. Кто-то готов вспороть ближнему горло. Исследователи считают, что в этом триптихе число драк, изображаемых Босхом, больше, чем на какой-либо другой из его картин.

Алчность (жадность, ненасытность, корысть) оказывается матерью всех пороков. Она не разделяет мир на бедных и богатых. В «Возе сена» у Босха представлены все социальные срезы: ремесленники и крестьяне, солдаты и монахи, ученые и неученые, мужчины и женщины. За повозкой следует кавалькада сильных мира сего император и даже Папа (босховед Вальтер Бозинг утверждает, что в нём можно узнать конкретную личность Папу Александра ѴІ). Они не принимают участия в общей давке лишь потому, что им и так принадлежит большая часть земных благ. Однако и император, и Папа одинаково бездумно и слепо следуют за колесницей, направляющейся прямиком в ад.

Вверху стога веселятся счастливые любовники. Внизу люди вершат свои мелкие делишки: грабят и обманывают, предаются обжорству и пьянству, мошенничают и прелюбодействуют. И никому нет дела до того, что мерзкие монстры в крысином, рыбьем и жабьем обличье увлекают повозку с сеном в преисподнюю. В повседневной греховной суете люди утратили перспективу. Они не осознают ни себя, ни направления своего движения. Лишь ангел на верхушке воза с сеном молится видимому в небе Христу, но упитанный демон явно «перевешивает».

Вывод Босха неутешителен: влияние на людей злого начала гораздо более ощутимо и действенно, чем принципы Божьих заповедей.

Воз сена. Правая створка. Ад, Иероним Босх

190 х 135 см. Дерево, масло. 1500-1502 г.г. Прадо Эскориал, Мадрид

Адское пламя полыхает на горизонте багровыми отсветами. По небу носятся ведьмы. А на переднем плане кипит работа: здесь черти «утилизируют» грешников.

Босх дает довольно смелую трактовку происходящего в аду: оказывается, там всё подчинено строительству дьявольской башни. Возможно, это пародия на знаменитую Вавилонскую башню символ возгордившегося человечества и неизбежно следующих за гордыней поражения и раздора.

Но есть и другая версия. Святой Григорий писал о том, что дома в раю строятся из золотых кирпичей, каждый из которых — это добрый поступок. Возможно, богословски образованный Босх даёт зеркальный вариант подобного строительства: башня в аду складывается из человеческих грехов, или, как писал монах Хосе де Сигуэнса (историк Эскориаля и один из первых интерпретаторов Босха), башня состоит из «навеки погубленных душ».

Падение мятежных ангелов, Питер Брейгель Старший

117х162 см. Дерево, масло. 1562 г. Королевский музей изящных искусств, Брюссель.

Брейгель создал эту картину под влиянием на него другого художника — Иеронима Босха. Фактически немного спародировал его. Как известно, Босх всё преувеличивал: у него лица были уродливы, чудовища были страшны, всё было какое-то жутковатое.

Брейгель создал точно такое же жуткое представление. Только тут старая история, точнее, легенда о падении ангелов из рая. Падение в самый ад, в самое пекло. Сверху мы видим яркий круг, это, видимо, рай, оттуда летят тени. Видим, как крылатые ангелы трубят в трубы и сражаются с нечестью. И уж тут художник постарался на славу — кого только здесь нет! Причём примитивного чёрта с копытцами вы вряд ли найдёте в этом месиве чудовищ. Но вот жаб, рыб и прочего, смешанного с чем-то другим, очень много. И всё это наступает на ангелов, одолевает и захватывает их. Из распоротых брюх чудовищ выползают, вылетают, выходят новые монстры.

Это непрекращающийся процесс. Война идёт такая, что крылья у ангелов уже не белого цвета, а почти кровавого. Кто-то из них уже погиб и превратился в чудовище, кому-то предстоит таковыми стать, но сражение идёт.

Вавилонская башня (Вена), Питер Брейгель Старший

114х155 см. Дерево, масло. 1563 г. Музей истории искусств, Вена.

Люди занимались изготовлением кирпичей, обожгли их и сказали: «Построим для себя город с башней высотою до неба». Но Бог решил усмирить их гордыню и смешал все языки, и они перестали понимать друг друга, он разнес их по разным частям света, и поэтому башню закончить так и не удалось.

Нимрод является легендарным завоевателем Вавилона во II веке до нашей эры, под его руководством строилась башня. Она может быть изображена как дорога, поднимающаяся по спирали наверх, или как последовательность ярусов — каждый из которых уже предыдущего. Нимрода иногда изображают в роли руководителя рабочими, которые таскают кирпичи. Идею множества языков художник выражает, изображая представителей разных рас.

Смешение языков, или вавилон (на евр. смешение), должно было отразить то впечатление, которое производили на племена, проживающие в пустыне, такие города, как Вавилон и его смешение наций и обычаев. Изображать вавилонскую башню было довольно модно в северном средневековом искусстве.

Юдифь и Олоферн, Микеладжело Меризи да Караваджо

145х195 см. Холст, масло. 1599 г. Палаццо Барберини, Рим

«Юдифь и Олоферн» — артина итальянского художника, написанная в 1599 году по мотивам ветхозаветной книги Иудифи.

Согласно легенде, Олоферн был полководцем армии Навуходоносора, вторгшейся в Иудею. Вавилоняне осадили город Ветулию, в котором жила целомудренная и богобоязненная молодая вдова Юдифь. Надежды для горожан не было никакой. Надев красивые одежды и взяв с собой служанку, она отправилась в стан врага и сделала так, что Олоферн проникся к ней доверием. Когда в один из вечеров он заснул пьяным, она отрезала ему голову и вернулась в родной город. Вражеская армия, оказавшись без начальника, в панике разбежалась. Юдифь вернулась к своей прежней жизни и до конца соблюдала безбрачие.

Юдифь убила Олоферна за то, что тот напал на её народ и пытался заставить евреев поклоняться Навуходоносору. Он был язычником, и Юдифь совершила убийство во славу своего единственно истинного бога. Это делало её поступок очень актуальным на фоне контрреформации, восстановления инквизиции и подавления ереси католической церковью. В то время Юдифь была примером в глазах многих религиозных фанатиков, а в современных Караваджо памфлетах, призывавших к убийству еретиков, Юдифь представлялась образцом добродетели.

Черты лица Юдифи на картине Караваджо выражают не триумф или страсть, а скорее решимость и отвращение. Она убивает беззащитного Олоферна без применения большой силы, стараясь держаться подальше от своей жертвы. Художник изобразил свою героиню не в шикарном барочном платье, как это сделал несколько лет спустя Кристофано Аллори, а одел её в лучшие одежды, какие могла себе позволить современная ему «женщина из народа».

Большинство художников изображали Юдифь уже после убийства, с головой Олоферна в руках. Караваджо, напротив, запечатлел сам момент обезглавливания, когда голова наполовину отделена от тела, но жертва всё ещё жива. Глаза Олоферна вылезли из орбит, рот замер в крике. Караваджо был зачарован процессом обезглавливания, которое тогда было привычной формой казни для преступников из аристократической среды. Есть предположение, что художник присутствовал на казни Беатриче Ченчи, убившей своего отца, и именно знакомство с обезглавливанием, которому подвергли Беатриче, позволило ему написать с такими натуралистическими физиологическими подробностями свою «Юдифь». Кроме этой картины Караваджо посвящает обезглавливанию «Жертвоприношение Исаака» (1603), «Обезглавливание Иоанна Крестителя» (1608) и «Давида и Голиафа» (1610). Есть версия, что лицо Олоферна это автопортрет, в котором художник выражал мазохистские желания быть жертвой насилия.

Давид с головой Голиафа, Микеладжело Меризи да Караваджо

125х101 см. Холст, масло. ок. 1610 г. Галерея Боргезе, Рим

Картина Караваджо, изображающая финальную сцену битвы Давида с Голиафом из ветхозаветной Книги Самуила.

Рисуя своего «Давида», Караваджо вдохновлялся аналогичной картиной Джорджоне, хотя их представления об этом библейском сюжете сильно различались. Трактовки того, что именно хотел сказать Караваджо, две.

Для дальнейшего осмысления нужно знать два факта: кто натурщик и какие у них отношения. Отрубленная голова — это сам художник, а Давид, по предположениям части ученых, — его подмастерье. Многие искусствоведы считают, что их отношения выходили за рамки рабочих и дружеских — они были любовные. Искусствовед Катерина Пулизи отмечает положение меча «Давида» и параллельный ему взгляд, направленный на голову художника. По ее словам, это подтверждает сильную связь между ними. Возможно Караваджо хотел показать на этой картине свою слабость и беспомощность перед ним. Он подчеркнул трагичность их отношений и неприятия их.

Другая часть искусствоведов убеждена, что на полотне художник нарисовал себя юного и взрослого. Своеобразное подведение итогов жизни. У Караваджо была неоднозначная биография: он был агрессивным и буйным, он бежал из Рима после того, как убил человека; от другого убийства его «отмазывали» и т.п. Исходя из этого, перед нами предстает молодой художник, в руке которого острый меч — именно таким смелым, безжалостным и опасным он был когда-то. Но не теперь. Отрубленная голова это символ раскаяния и смирения. Он признается и раскаивается через полотно во всех совершенных им грехах.

На рукоятке меча Давида есть аббревиатура Н-АЅ ОЅ. Которая расшифровывается, как «смирение убивает гордыню».

Медуза (Голова Медузы), Микеладжело Меризи да Караваджо

60х55 см. Холст, на деревянном щите, масло. ок. 1597 г. Уффици, Флоренция, Италия

«Медуза» — картина итальянского художника Караваджо, выполненная в двух вариантах маслом на холсте, предназначенном для натягивания на деревянный парадный щит. Первый вариант датируется примерно 1597 годом, второй — 1597-1598.

Картина заказана кардиналом Франческо Дель Монте для подношения в дар Фердинанду I, великому герцогу Тосканскому. Более известен второй вариант картины, хранящийся в настоящее время в галерее Уффици. Подлинность первой версии, находящейся сейчас в частной коллекции, не была установлена вплоть до ХХІ века, пока не прошла экспертизу средствами рентгенофлуоресцентного анализа. Также было подтверждено, что этот вариант, известный как «Медуза Муртола» (по имени генуэзского поэта Гаспаре Муртола, видевшего картину в мастерской Караваджо в 1600 году), был создан раньше холста, подаренного Фердинанду I.

«Медуза Муртола» имеет размеры 48 х 55 см и подписана «Michel A F» (лат. Michel Angelo Fecit Микеланджело сделал), по первому имени художника. Второй вариант, размером 60 х 55 см, не подписан.

«Медуза» известна не только экспрессивно-угрожающим выражением лица персонажа древнегреческих мифов, но и крайне сложной техникой, которую должен был использовать Караваджо для создания двух портретов на выпуклой поверхности щита.

Сюжет для него Караваджо взял из «Метаморфоз» Овидия. Герой греческого эпоса Персей отрубил голову горгоне Медузе, глядя на ее отражение в медный шит, данный ему богиней Афиной, чтобы не окаменеть от ее страшного взгляда. Караваджо изобразил на холсте отрубленную голову Медузы в момент смерти: ее глаза и рот в ужасе открыты, а из шеи потоками хлещет кровь.

Этот сюжет часто повторялся в итальянской живописи и до, и после Караваджо. Известно, что Леонардо да Винчи работал над картиной, вдохновленный тем же мифом, но она осталась незаконченной и впоследствии была утрачена. Не исключено, что свою «Медузу» Караваджо создавал в молчаливом соперничестве с Леонардо, пытаясь довести до совершенства то, что не удалось мастеру.

Обезглавливание Иоанна Крестителя, Микеладжело Меризи да Караваджо

361×520 см. Холст, масло 1608 г. Кафедральный собор Святого Иоанна (Сан-Джованни), Валлетта

Итальянский художник Микеланджело Меризи да Караваджо (1571-1610) был первым, кто обратился к реализму в живописи. Благодаря особому контрасту между светом и тенью, даже религиозные сцены на его картинах являлись глубоко драматичными.

После побега из Рима Караваджо, в надежде спастись от преследования тех, кто охотился за его головой, старался добиться покровительство Мальтийского ордена. Сделать он это мог только благодаря своему таланту живописца. Для начала он написал превосходную картину, на которой в виде святого Иеронима изобразил магистра Мальтийского ордена. В результате польщённый магистр обратился к папе с просьбой разрешить Караваджо вступить в братство рицарей и получил согласие.

Караваджо в качестве благодарности создал картину «Усекновение главы святого Иоанна Крестителя» для собора Святого Иоанна в Валлетте. Это было огромное полотно размером три с половиной на пять с половиной метров, на которой с невероятной достоверностью изображена цена убийства в подземелье святого Иоанна. Но, накануне торжественного показа картины Караваджо оказался закрытым под замок в том самом подвале, где писал полотно.

Его попытки стать примерным христианином оказались безуспешными. Радуясь окончанию работы и принятию в Мальтийский орден, он решил отметить это событие с товарищами по ордену. После обильного пиршества с вином друзья отправились гулять по улицам ночного города, разбудили старого почтенного рыцаря, который в гневе вылил на них помои из окна. Взбешенный Караваджо ворвался в дом, избил обидчика и нанёс ему ранения, а утром был закрыт в подземелье, которое с великим мастерством изобразил на своём полотне.

Неравный брак, Василий Пукирев

173 * 136,5 см. Холст, масло 1862 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Для того времени сюжет картины являлся очень актуальным. На картине мы видим церковный обряд бракосочетания. Таинство происходящего подчёркивает полумрак церкви и яркий луч солнца, пробивающийся сквозь окно.

Жених всем своим видом вызывает у зрителя отторжение. По всему видно, что это очень властный и циничный человек. Взглядом искоса, в котором прослеживается некое превосходство, он смотрит на невесту. Здесь он является хозяином положения, против воли которого идти не посмеет никто, особенно сама невеста. Его взгляд повелительный терпящий возражений. На его шее и левой груди Императорский орден Святого равноапостольного князя Владимира 2-й степени.

Рядом с женихом находится невеста. Её образ является полной противоположностью жениху. Девушка бледна и совсем потеряна. Против воли её выдают за старика, и она просто не в силах что-либо сделать. Зритель сразу обращает внимание на лицо невесты, искреннее сочувствуя бедной девушке. В белоснежном свадебном наряде она кажется настоящим ангелом, которого сломил жестокий мир, где правят власть, положение в обществе и деньги.

У девушки не остаётся сил. Левая рука со свечой безвольно повисла, она уже не может держать её как подобает на уровне груди, как это делает жених. Провую руку из последних сил она протягивает священнику, который собирается надеть на её палец обручальное кольцо. Художник изобразил мгновение, когда мир молодой девушки окончательно рушится.

Так же мы можем видеть ещё одну фигуру, мужчина стоит за невестой и всем своим видом выражает недовольство происходящим: он отвернулся и скрестил руки на груди. Это сам автор — Василий Пукирев. Не просто так художник расположия себя именно там, со стороны невесты. Они связаны тонкой сюжетной линией на этом полоте — на картине только эти двое молоды и объединены общими переживаниями. И не только на палоне, но и в жизни, ведь в образе невесты здесь изображена его возлюбленная Просковья Матвеевна Варенцова, которую точно так же выдали за более старшего жениха. А с ним, смотрит прямо на нас, его друг, художник. Петр Шмельков, который подсказал Пукиреву идею картины.

Обратите внимание на пожилых женщин, присутствующих на этой свадьбе. Одну мы видим четко, она стоит сразу за женихом. А вторая стоит прямо за священник мы едва можем разглядеть ее лицо. Но если вы смотритесь в них, вы увидите, что на их головок свадебные венки, такие же как у невесты. И одна из них, что стоит за женихом, даже белом свадебном платье. Двух невест на венчании в церкви быть не может. Не кажется ли вам, что наряд старой невесты не похож на праздничный, а скорее на похоронное платье — саван? Вторая стоит за священником, что странно. Ведь по церковных правилам, никого за священником стоять не должно. И вот тут мы и можем понять, что эти две старухи на самом деле мертвые. Те самые призраки, которые ожили в божественном свете — бывшие жены жениха.

Неизвестная, Иван Крамской

75,5х99 см. Холст, масло. 1883 г. Третьяковская галерея, Москва

История этой картины начинается в 1883 году, когда известный русский художник Иван Крамской решил представить свою новую работу на выставке передвижников. Он был крайне взволнован и, не выдержав собственного напряжения, даже ушел с вернисажа.

Однако, публика приняла картину с восторгом. На Крамского буквально обрушилась слава, а «Неизвестная» стала предметом всеобщего обсуждения и всех в первую очередь интересовал лишь один вопрос кто же эта дама, изображенная на полотне?

Ни в письмах, ни в личных дневниках мастера нет упоминаний о том, кем была эта женщина и существовала ли она вообще: Крамской нигде даже не упоминал о главной героине своего самого известного произведения. За несколько лет до появления «Неизвестной» была опубликована «Анна Каренина» Л. Толстого, и некоторые исследователи утверждают, что художник на своем полотне изобразил главную героиню одноименного романа. Другие же считают, что большее сходство с портретом принадлежит Настасье Филипповне героине романа Ф. Достоевского «Идиот». Или же эта женщина содержанка какого-то влиятельного и богатого человека, поскольку тогдашнее дворянство переживало глубокий упадок и дамы «высшего света», наоборот, не позволяли себе одеваться по последней моде.

Несмотря на это, Крамской изобразил «Неизвестную» очень чувственной и женственной. Её смуглое лицо он наделил морозным румянцем и легкой игривой полуулыбкой. Особое внимание автор уделил глазам большим и выразительным, с густыми ресницами и глубоким взглядом: в нем одновременно можно прочесть и легкую грусть, даже тоску, и демонстративное высокомерие, своеобразный вызов обществу. Что же касается места, послужившего фоном картины, то здесь нет никаких сомнений- это зимний Петербург. Предположительно, коляска героини находится на Невском проспекте и проезжает по мосту, ведущему к Аничкову дворцу.

Возвращаясь к вопросу о том, кто послужил прототипом этого загадочного образа, нельзя не отметить 3 самые распространенные на сегодняшний день версии. По одной из них — это некая крестьянка Матрёна Саввишна, которую вопреки мнению общества взял в жены молодой дворянин Бестужев. По другой версии, на картине изображена княжна Варвара Туркестанова — любовница Александра I. Большинство искусствоведов же склоняются к тому, что образ «Неизвестной» собирательный, и первоначально он задумывался для изобличения моральных устоев общества. Подтверждением этому выступает случайно обнаруженный этюд картины, который сегодня находится в одном из частных собраний в Праге. Этот этюд Крамского обнаружили спустя целых 60 лет.

Русалки, Иван Крамской

88х132 см. Холст, масло. 1871 г. Третьяковская галерея, Москва

Замысел «Русалок» возник у художника под впечатлением от повести Н. Гоголя «Майская ночь, или Утопленница». Согласно народным поверьям, девушки-утопленницы после смерти становились русалками. Именно их и решил написать Иван Крамской. Эта тема была для художника-реалиста весьма неожиданной и новой. Художник очень любил Гоголя и много раз перечитывал все его произведения. Он хотел передать саму атмосферу «Майской ночи», погрузить зрителя в таинственный мир украинского фольклора.

Во время работы над картиной художнику не давали покоя несколько тем. Во-первых, он был одержим идеей передать завораживающую красоту лунного света, что никак ему не удавалось: «Все стараюсь в настоящее время поймать луну. Говорят, впрочем, что частица лунной ночи попала-таки в мою картину, но не вся. Трудная штука луна…», сетовал художник. Задача осложнялась тем, что самой луны на картине не было, только ее блики на призрачных фигурах русалок.

Во-вторых, сама тема призраков и потустороннего мира, как говорили, была опасной. Многие современники Крамского всерьез считали, что гоголевские сюжеты могут сводить с ума живописцев. «Я рад, что с таким сюжетом окончательно не сломил себе шеи, и если не поймал луны, то все же нечто фантастическое вышло», — говорил Крамской. Критики соглашались с тем, что замысел был удачно реализован, и называли картину «крайним правдоподобием фантастического сна».

Однако на этом благосклонные отклики и закончились. А дальше началась мистика. На первой выставке Товарищества передвижников «Русалок» И. Крамского повесили рядом с картиной А. Саврасова «Грачи прилетели». Ночью пейзаж неожиданно упал со стены тогда шутили, что русалкам не понравилось такое соседство. Однако вскоре стало не до шуток.

П. Третьяков после выставки обе картины приобрел для своей галереи. Для «Грачей «место сразу нашлось в кабинете, а «Русалкам» долго не могли найти подходящего места, перевешивали из комнаты в комнату. Дело в том, что из залы, куда повесили картину Крамского, по ночам доносилось еле слышное пение и веяло прохладой, как у воды. Уборщицы отказывались заходить в помещение.

Не склонный к мистицизму Третьяков не верил слухам, но однажды сам обратил внимание на то, что чувствует усталость, когда подолгу находится рядом с этим полотном. Посетители галереи тоже жаловались на то, что рассматривать длительное время эту картину просто невозможно. А вскоре появились слухи о том, что барышни, которые подолгу смотрели на «Русалок», сходили с ума, а одна из них утопилась в Яузе. Конечно, веских доказательств взаимосвязи происшествия с картинной галереей не было.

Старушка нянька, которая жила в семье Третьяковых, посоветовала перевесить картину в дальний угол, чтобы днем на нее свет не падал: «Трудно русалкам при солнечном свете, оттого они даже ночью не могут успокоиться. А как попадут в тень, разом перестанут колобродить!». Третьяков, далекий от суеверий, все же послушал совета. С тех пор посетители галереи на эту картину не жаловались.

Менины, Диего Веласкес

318х286 см. Холст, масло. 1656 г. Музей Прадо, Испания

Диего Веласкес является одним из самых известных и величайших художников золотого века Испании. Из Севильи, где он родился в 1622 году Веласкес переехал в Мадрид, став королевским художником короля Филиппа IV. Его уникальный стиль и мастерство реализма, а также поразительное внимание к деталям и понимание света, делают его одним из величайших художников своего времени и в истории живописи. Веласкес также умело использовал символику и метафоры в своих произведениях, делая их более сложными и многослойными.

B картине «Менины» (менИны — фрейлины по испански) перед художником стояла непростая задача, показать всем, что они обязаны принять волю короля Филиппа II, который вот-вот должен был объявить наследницей престола свою племянницу инфанту Маргариту. Но через год у короля родился наследник, и полотно становится уже опасным для наследника. Поэтому в левом углу Веласкес изобразил себя. Ранее там художник напишет пажа, протягивающего Маргарите жезл символ королевской власти.

Согласно сюжету картины, пятилетняя инфанта Маргарита Тереза в сопровождении свиты решила посмотреть, как Веласкес будет писать портрет её родителей короля Филиппа IV и его супругу Марианну Австрийскую. Но эту сцену Веласкес написал очень своеобразно и необычно, вполне в своём духе. Нам кажется, что и девочка и все придворные смотрят прямо на зрителей. Но не всё так просто. На самом деле они глядят на короля с его супругой, которые находятся вне нашего поля зрения, но отлично видны инфанте и придворным. А о том, что они действительно присутствуют в комнате, можно судить по зеркалу, которое написано практически посередине картины, за спиной Веласкеса и в нём отражаются позирующая для картины королевская чета.

Картина, в тоже время, является дерзким ответом злопыхателям художника, на вопрос о его близости к королевской семьи. Семья короля позировала Веласкесу в его мастерской, которая находилась во дворце.

Данте и Вергилий в аду, Адольф Вильям Бугро

281х225 см. Холст, масло, 1850 г. Музей Орсе, Париж

Находясь в Риме, Бугро рассчитывал посылать свои полотна на Парижский салон. Одной из первых самостоятельных его работ стала большая (281х225 см) картина «Данте и Вергилий в аду», написанная в год прибытия в Рим. Художник так вдохновился фрагментом из «Божественной комедии» Данте, что явил миру шедевр, полный страсти и борьбы, а также красивых, почти скульптурных, мужских образов. В десятом рву восьмого круга (ров для алхимиков, фальсификаторов и фальшивомонетчиков), Данте в сопровождении Вергилия наблюдает бой между двумя проклятыми душами: Джанни Скикки, который выдал себя за покойного богача, чтобы от его имени составить завещание с выгодой для себя, атакует и кусает в шею еретика и алхимика Капоккио.

Обращаясь к сюжету из Данте, Бугро ставил чрезвычайно амбициозную задачу, особенно в передаче страстей, которые должны были превзойти Делакруа. Натуралистичность должна была заставить зрителей поверить в жестокость сил, царящих в Аду. Однако сцена вызвала нападки многих критиков и отвращение публики на Салоне 1850 года. Критик и поэт Теофиль Готье, однако, очень лестно отзывался о картине: «Джанни Скикки бросается на своего соперника, со страстью ярости, и господин Бугро великолепно передает это посредством изображения мышц, нервов, сухожилий и зубов. Борьба между двумя мужчинами вызывает горечь! Сила этого холста в его «прочности»: редкое качество!».

В самом деле, Бугро демонстрирует в этой работе грандиозное дерзновение: он изучает эстетические границы, преувеличивая структуру мышц и искажая их, гипертрофируя позы, контрастируя цвет и тени, а также изображая чудовищные фигуры и группы проклятых душ. Все в этой картине призвано подчеркнуть чувства страха и ужаса: темы, к которым Бугро больше никогда не возвращался.

Сотворение Адама, Микеланджело Буонарроти

1511 г. Сикстинская капелла, Ватикан

Фреска является четвёртой из девяти центральных композиций потолка Сикстинской капеллы, посвящённых девяти сюжетам книги Бытия. Фреска иллюстрирует эпизод: «И сотворил Бог человека по образу Своему».

«Сотворение Адама» — одна из самых выдающихся композиций росписи Сикстинской капеллы. В бесконечном пространстве летит Бог-Отец, окружённый бескрылыми ангелами, с реющей белой туникой. Правая рука вытянута навстречу руке Адама и почти касается её. Лежащее на зелёной скале тело Адама постепенно приходит в движение, пробуждается к жизни. Вся композиция сконцентрирована на жесте двух рук. Рука Бога даёт импульс, а рука Адама принимает его, давая всему телу жизненную энергию. Тем, что их руки не соприкасаются, Микеланджело подчеркнул невозможность соединения божественного и человеческого. В образе Бога, по замыслу художника, преобладает не чудесное начало, а гигантская творческая энергия. В образе Адама Микеланджело воспевает силу и красоту человеческого тела. Фактически, перед нами предстаёт не само сотворение человека, а момент, в который тот получает душу, страстное искание божественного, жажду познания.

У Микеланджело был хорошо документированный опыт работы в анатомии человека. Американский врач Фрэнк Мешберг в 1990 году обнаружил, что на фреске «Сотворение Адама» в изображении Бога на самом деле зашифровано анатомически точное строение человеческого мозга.

При близком рассмотрении, границы в картине соотносятся с основными бороздами в головном мозге, во внутренней и внешней поверхности мозга, ствола мозга, в лобной доле, базилярной артерии, в гипофизе и зрительного перекреста.

Избиение невинных (Избиение младенцев), Питер Пауль Рубенс

142 х183 см. Холст, масло. 1862 г. Художественная галерея Онтарио, Торонто

Серию картин на религиозные и мифологические темы Рубенс написал под впечатлением от поездки в Италию и Испанию. Там он знакомился с искусством Ренессанса. На полотне «Избиение невинных» изображено библейское событие: царь Ирод убивает младенцев. Делает это он, чтобы уничтожить потенциального конкурента. В момент рождения Христа Ирод, узнав о рождении младенца, которому суждено было стать иудейским царем, приказал убить всех новорожденных в Вифлееме и его окрестностях. Иисуса спасло то, что его семью предупредил ангел, и его семья успела скрыться.

На полотне события происходят в саду, который находится на территории дворца Ирода. Воины с обнаженными мечами вырывают младенцев из рук их матерей, горько рыдающих и противящихся насилию. Земля усыпана мертвыми телами.

В раннехристианском искусстве сюжет об избиении младенцев не был популярным. В тех же случаях, когда его все же использовали, то сами убийства обозначали без леденящих кровь подробностей. Начиная с эпохи Возрождения, художники старались изобразить драматизм этой сцены, акцентируя внимание на самом убийстве младенцев и горе их матерей.

Работа «Избиение младенцев» была приобретена неназванным частным коллекционером на аукционе «Сотбис» в Лондоне за 49506 650 фунтов стерлингов. Начальная цена составляла 6 миллионов фунтов.

Как сообщил Александр Белл, глава отделения Старых мастеров аукционного дома, эта работа Рубенса стала самой дорогой картиной, проданной на аукционе в Лондоне. Предыдущий рекорд принадлежал картине Винсента Ван Гога «Подсолнухи», проданной в 1987 году за 22,5 миллиона фунтов стерлингов.

Более двухсот лет это полотно считалось работой художника Яна ван ден Хеке (Jan van den Hoecke). Однако, когда несколько месяцев назад картина была передана на предпродажную экспертизу в аукционный дом «Сотбис», старший специалист по работам Старых мастеров Джордж Гордон (George Gordon) обнаружил, что она принадлежит кисти Рубенса.

Картина принадлежала одной семье с 1920 года. Они приобрели ее у торговца, купившего картину у королевской семьи Лихтенштейна, владевшей ей с 1700-х годов. Тогда работа была приобретена, как полотно Рубенса. Но позже, из-за ошибки, ее истинный автор был забыт, а картина считалась утерянной сотни лет.

Венера и Адонис, Тициан Вечеллио

207х186 см. Холст, масло. 1554 г. Национальный Музей Прадо. Мадрид, Испания

«Венера и Адонис» по праву считается одной из самых знаменитых картин в творчестве Тициана, что во многом объясняется сюжетом, дававшим повод для обращения к любовной теме, решенной как драма, исполненная страстей. Сюжет восходит к «Метаморфозам» и входит в серию из семи картин, написанную для короля Испании Филиппа II.

В центре композиции художник изобразил золотокудрую богиню Венеру и её любовника Адониса (пастух, охотник и необыкновенный красавец), суждена ему смерть на охоте и потому изо всех сил цепляется за него Венера, умоляя остаться. Тициан изображает непреклонного Адониса — о его решимости говорит и копьё в руке, поднятое вверх. Другой рукой он сдерживает собак, учуявших добычу. Взгляд Адониса, которым он одаривает Венеру сверху вниз, полон равнодушия и холоден. Слева, на пригорке прикорнул Амур, успевший поразить любовной стрелой только сердце Венеры. Его лук и колчан со стрелами висят без дела на дереве. Тициан изобразил Венеру в неловком развороте, выражающем горячий порыв предотвратить неизбежное. Венера ногой опрокинула чашу (символ любовного опьянения) это недобрый знак.

Драматическую сцену художник изобразил на фоне мирного утра. Красивый холмистый пейзаж с просветом ярко-голубого неба между крепких дубов, на первый взгляд, не предвещают беды, но колесница Авроры в небе уже осветила лучами рощу — место охоты, где притаился дикий вепрь, от клыков которого Адонису предстоит погибнуть. Из капель его крови вырастут красные анемоны, символизируя умирание И вечное возрождение природы, но это будет потом. Тициан останавливает мгновение, драматическое и страстное, когда, вопреки всем предсказаниям, Венера верит, что силой любви можно уберечь от смерти любимого.

Вакх и Ариадна, Тициан Вечеллио

176×190 см. Холст, масло. 1520-23 гг. Лондонская национальная галерея

Эта работа — одна из целой серии мифологических картин, написанных для украшения дворца герцога Феррары. Эту работу герцог изначально заказывал Рафаэлю, но тот умер, успев лишь набросать рисунок. Тогда заказ принял Тициан.

В основе сюжета картины «Вакх и Ариадна» произведения поэтов Древнего Рима- Катулла и Овидия. Бог Вакх (Дионис) справа. Он влюбляется в Ариадну моментально и выходит из колесницы, запряженной двумя гепардами. Красавицу совсем недавно оставил Тесей: его корабль еще можно разглядеть вдали. Тициан изображает момент первой встречи героев. Вакх выходит из лесной чащи со своей многочисленной свитой и устремляется к Ариадне, которая пугается его. В этой композиционно сложной сцене все персонажи и их действия объясняются античными текстами.

Свита Вакха совершает свои обряды: один сатир демонстрирует, как его обвивают змеи, другой размахивает телячьей ногой, а сатир-малыш тащит за собой голову животного. Это Пан — бог скотоводства и пастухов. Весёлый мальчик приглянулся Вакху, и он взял его в свою свиту. Вакх умел заставить людей забыть о бытовых про- блемах и предаваться безудержному веселью, полностью оправдывая свой статус бога виноделия.

Картина Тициана не только демонстрирует замечательное мастерство еще молодого художника, но и свидетельствует о его широкой эрудиции.

Смерть Актеона, Тициан Вечеллио

178,4х198,1 см. Холст, масло. 1559-75 гг. Лондонская национальная галерея

«Королем живописи и живописцем королей» называли Тициана еще при жизни. Один из титанов эпохи Возрождения, он родился более 500 лет назад, а прожил долгую жизнь, дожив до 90 лет. Будущий художник появился на свет в семье видного политического деятеля, недалеко от Венеции. Отец разглядев талант мальчика и страсть к художеству, отправил его учится в художественную мастерскую в Венецию.

«Смерть Актеона» — это полотно создано венецианским живописцем в конце творческого пути. Оно входит в серию из семи полотен, написанных мастером для испанского короля Филиппа II.

Сюжет картины навеян «Метаморфозами» древнеримского поэта Овидия. В то время они считались настолько откровенными, что их завешивали гардиной в присутствии дам. Актеон был внуком Аполлона и земной женщины. Кентавр Хирон обучил его охотничьим премудростям. Самая распространенная версия мифа пове ствует, что однажды, охотясь в лесу, он забрел в пещеру, где ненароком увидел обнаженную богиню Артемиду, купающуюся в ручье. Покровительница женского целомудрия и охоты находилась в обществе нимф.

Овидий интерпретировал миф в «Метаморфозах». В его изложении Актеон не просто увидел купающуюся в долине богиню, но и предпринял попытку овладеть ей. Этот сюжет легче примиряет с жестокостью поступка богини. Картина наполнена динамикой.

На переднем плане бегущая Артемида. Божественная мощь удивительно сочетается с женской красотой. На лице праведное негодование и стремление наказать обидчика. Справа фигура Актеона в окружении собак. Он еще сопротивляется, но исход очевиден. Зритель мало сочувствует несчастному, все внимание приковано к Артемиде.

Аллегория благоразумия, Тициан Вечеллио

76,2х68,6 см. Холст, масло. 1550-65 гг. Лондонская Национальная галерея, Лондон

Перед нами абсолютно иносказательное творение живописца. Для расшифровки этой необычной аллегории нужно обратить внимание на надпись на латинском языке. Разглядеть ее можно в верхней части полотна. «Настоящее должно обязательно опираться на прошлое. Только в этом случае оно не будет вредить будущему»

Тициан изобразил не только себя, но и сына с племянником. Их портреты представляют одно целое с головами трех животных царственного льва, верной собаки и одинокого волка. В символике этот зверь с тремя головами как раз и обозначал Благоразумие. И в его составе было три значимых вещи: память, знание и опыт.

В античности символы нужны были для того, чтобы как можно более точно обозначать важные понятия. Мужчину зрелых лет живописец справедливо уподобляет льву. Он властен надо всем. Он истинный правитель этого мира. Юноша настолько доверчив, как и молодая собака, которая несет свою службу. Старость же умудрена, отлично знает жизнь, но при этом немощна физически и одинока. Она сродни волку.

Во времена Возрождения становятся очень популярными работы философа Древнего Рима Макробия. Он описывет статую Сераписа. Этот бог солнца — настоящий монстр с тремя головами: льва, волка и собаки. Это некий цербер. Но Макробий истолковывает данный образ иначе. Он говорит о том, что это три важных аспекта временного характера. Во времена Ренесанса данный образ соединяется с олицетворением благоразумия, которое тоже было трехглавым. В результате образовалось одно целое.

Аллегория художника поражает непростой живописностью. Все границы абсолютно размыты, темы религии и мифологии трактуются очень тонко на уровне психологии. Кажется, что этот холст соткан из размашистых мазков кисти, которые местами втерты просто пальцами. Тона дополняют и взаимопроникают. В результате создается единство. Именно из него берут свое начало краски и формы.

Диана и Каллисто, Тициан Вечеллио

187х204,5 см. Холст, масло 1556-59 гг. Национальная галерея Шотландии, Эдинбург

Тициана увлекали яркие мифы Древней Греции и Древнего Рима. Произведение «Диана и Каллисто» является частью серии из семи известных «полотен», изображающих мифологические сцены из «Метаморфоз» Овидия, написанных для Филиппа | Испанского. Тициан в присущей ему форме, рассказывает о порочном коварстве верховного божества.

Каллисто, в древнегреческой мифологии, дочь Ликаона, находилась в числе постоянных девственных спутниц Дианы-охотницы. За несохранение девственности Каллисто была обращена в медведицу, впоследствии родила Аркаса и Пана.

Когда Аркас, незнавший своей матери, и воспитанный Майей и Гермесом, хотел убить Каллисто, Зевс перенес обоих на небо созвездиями: Каллисто стала большой Медведицей, Аркас — Арктуром. Преследовавшая Каллисто жена Зевса ревнивая богиня Гера лишила ее возможности освежаться часть суток в волнах океана; поэтому большая Медведица аллегорически никогда не заходит.

Больница Генри Форда, Фрида Кало

38х31 см. Масло, холст, 1932 г. Дом-музей Долорес Олмедо, Мехико

Вероятно, ни одно из последствий страшной аварии, которая на всю жизнь искалечила юную Фриду, не принесла ей столько душевных страданий, как невозможность стать матерью. И огромная внутренняя сила, которая помогала ей справляться с физической болью, никак не могла помочь ей в этом. Фрида мечтала родить ребенка от любимого Диего, но каждая беременность заканчивалась выкидышем, еще сильнее подрывая и без того хрупкое здоровье художницы.

Летом 1932 года Диего и Фрида жили в Детройте: художник получил новый заказ, а никому неизвестная «миссис Ривера» его сопровождала. Когда Фрида узнала об очередной беременности, она сразу же обратилась к местным врачам. Но, несмотря на соблюдение строгого постельного режима, ее тело снова не справилось. 4 июля, пока Америка праздновала День независимости, Фриду очень медленно покидала зародившаяся жизнь. Именно так она это запомнила и так позже говорила о выкидыше «медленно». На картине «Госпиталь Генри Форда» символом этого мучительного течения времени выступает улитка.

Эта картина пугает, она смущает, заставляет зрителя чувствовать себя неловко. Это совсем не та живопись, которая, по мнению многих, должна в первую очередь радовать взгляд и пробуждать приятные чувства. Это квинтэссенция страдания, в которой боль, ужас, кровь и человеческие внутренности выставлены напоказ. И одновременно это спасение, единственная возможность для Фриды пережить то, что пережить так сложно.

Через несколько дней после срыва, пребывая в глубокой депрессии, художница просила принести ей потерянного ребенка, но врачи отказались выполнить ее просьбу. Вместо этого они и Диего принесли ей медицинские иллюстрации, которые она использовала для создания «Госпиталя Генри Форда». Ривера поддерживал ее желание рисовать, понимая, что именно живопись всегда помогала Фриде пережить невзгоды. Позже он говорил, что картины, созданные ею в 1932 году, были «намного лучше тех, которые она писала до потери ребенка». Однажды Диего заявил, что Фрида «единственная художница в истории искусств, которая вскрыла свою грудную клетку и собственное сердце, чтобы раскрыть биологическую природу своих чувств».

Американская готика, Грант Вуд

74х62 см. Биверборд (древесноволокнистая плита), 1930 г. Институт искусств, Чикаго

Летом 1930 года Грант Вуд посетил Элдон, штат Айова, чтобы увидеть художественную выставку города. Находясь там, его поразил маленький белый домик с окном в готическом стиле, который Вуд счел слишком «претенциозным» для такого скромного дома. Он набросал дом на бумаге, подготавливая основу для своей знаменитой картины.

На картине изображена пара средних лет (обычно интерпретируемая как фермер с женой), стоящая перед их домом лицом к зрителям. Это деревянный фермерский дом. В качестве позирующих моделей Грант Вуд пригласил свою сестру Нэн и 62-летнего дантиста Байрона Маккиби, запечатлев их в традиционной одежде. Вероятно, врач Маккиби чувствовал себя немного обязанным, так как любовь Вуда к сахару (он даже добавлял его в салат) сделала его идеальным клиентом для дантиста. В свою очередь, у Вуда была возможность изучить своего врача досконально, в том числе его руки, которые в итоге держали символические виллы на картине Вуда.

В работе над полотном Вуд уделил много внимания деталям, которые имеют определенное значение. Если присмотреться, то можно заметить, что трезубец вил повторяется четыре раза, на комбинезоне фермера, на окне, которое на крыше, и на цветах в горшке, за плечом у женщины. Вуд просто любил повторяющиеся геометрические детали.

А вот цветы не просто так. Бегония и сансевиерия популярные комнатные цветы на Среднем Западе и к тому же символ хорошей хозяйки дома.

Женщине художник рисует на шее брошь с Персефоной богиней плодородия. Эту брошь Вуд хранил в память о матери.

В память об отце Вуд хранил круглые очки, которые нарисовал на картине. Дантист, который позировал для картины, носил очки более угловатой формы.

Красного ангара за спиной у фермера тоже не было, так же, как и людей. Он появился из воспоминаний художника. Такой ангар был нарисован на кухонном шкафу, который смастерил отец художника.

Судя по выражениям лиц героев, они, кажется, не живут полноценной или радостной жизнью. Как правило, в изображении людей в Америке 30-х годов есть некий аскетизм, который проявил себя и в «Американской готике». Причиной может служить тяжелая политическая и внутриэкономическая ситуация Великая американская депрессия. Четверг 24 октября 1929 года в Соединенных Штатах Америки до сих называют в этот день обвалился фондовый рынок и начался тяжелейший для страны «черным» период Великой депрессии, продолжавшийся долгих 12 лет.

Старый рыбак, Тивадар Чонтвари

45х59,5 см. Холст, масло. 1902 гг. Музей города Пешт, Венгрия

Венгерского живописца Тивадар Костка Чонтвари долгое время считали больным шизофренией. Однако отношение к нему изменилось после открытия, который совершил один музейный работник, изучая его картину «Старый рыбак». Чонтвари был самоучкой и нигде не учился живописи. Наверное, поэтому его работы не очень-то и жаловали, и сам он не пользовался успехом.

Его картина «Старый рыбак» вызывает двоякие чувства кто-то не может скрыть свой восторг, а кто-то попросту боится этого образа старика. Поэтому полотно с момента его создания было окутано всевозможными тайнами и легендами.

Причина таких противоречивых чувств, которые вызывает изображенный Тивадаром старый рыбак, раскрылась почти спустя столетия. Оказывается, весь секрет картины легко раскрывался, если приложить по центру обыкновенное зеркало.

Тогда, в зависимости от того, какую сторону будет направлено зеркало, мы увидим два совершенно разных портрета.

В одном случае мы видим образ Бога (повтор правого плеча старика) на фоне спокойного моря. Если же переставить зеркало (повтор левого плеча), то можно будет лицезреть уже совершенно противоположный образ Дьявола с бушующей стихией за спиной.

Таким образом, Тивадар Чонтвари заложил в картину философский подтекст — в каждом человеке есть как бы два начала, которые заложены в него с рождения — божественное и дьявольское.
Однако его современники не смогли разгадать это его зашифрованное послание и поэтому это полотно не было оценено при его жизни.

Офелия, Джон Эверетт Милле

76,2 х 111,8 см. Холст, масло. 1851-52 гг. Галерея Тейт, Лондон

«Офелия» или «Смерть Офелии» картина английского художника Джона Эверетта Милле, завершённая им в 1852 году. В основе картины лежит сюжет из пьесы Шекспира «Гамлет». Офелия была возлюбленной принца Гамлета. Но, узнав, что он убил её отца Полония, она помешалась рассудком и покончила с собой, утопившись в реке.

Милле воспроизвёл сцену, которая описана Королевой, матерью Гамлета. На картине Офелия изображена сразу после падения в реку, когда свои венки «повесить думала на ветках ивы». Она поёт горестные песни, наполовину погружённая в воду. Её поза — раскрытые руки и взгляд, устремлённый в небо, вызывает ассоциации с распятием Христа. Но также нередко интерпретировалась, как эротическая. Девушка медленно погружается в воду на фоне яркой, цветущей природы. На её лице нет ни паники, ни отчаяния. И хотя смерть неизбежна, на картине время как будто замерло. Милле удалось мастерски запечатлеть мгновение, которое проходит между жизнью и смертью.

Считается, что пейзаж «Офелии «- квинтэссенция английской природы. Милле создал его у реки Хогсмилл, в графстве Суррей, проводя у мольберта по 11 часов в день. Чтобы идеально изобразить детали, такие как эффект развевающихся длинных волос и платья из серебристо-золотой парчи под водой, Милле нанял девушку по имени Элизабет Сиддал. Она лежа в ванне, наполненной водой позировала для картины в течение четырех месяцев. Несмотря на то, что эта затея едва не закончилась для модели весьма трагично (она сильно заболела, лежа в остывшей воде, и чуть не умерла, художнику пришлось оплатить ее лечение), Элизабет и сама увлеклась рисованием.

Каким бы прекрасным ни был творческий союз Милле и Сиддал, эта молодая женщина с медными волосами стала особенной музой для Данте Габриэля Россетти. А в 1860 году и его невестой после нескольких непростых лет неверности Россетти, его отказов от обещания жениться.

Жизни Офелии и Элизабет Сиддал оказались связаны. Обе женщины, страдающие от горя и депрессии, покончили самоубийством, неспособные жить после потери любимых. В феврале 1862 года всегда склонная к меланхолии Сиддал приняла большую дозу лаудана и умерла несколько дней спустя. Поэтому «Офелия» Милле, изображающая молодую женщину с пустым лицом, кажется почти предчувствием. Когда зритель узнает о том, что случилось с моделью, становится сложно отделить одну девушку от другой.

Волшебница Шалот, Джон Уильям Уотерхаус

200х153 см. Холст, масло. 1888 г. Музей национального искусства Тейт, Лондон, Англия

Уотерхаус, как и другие художники-прерафаэлиты, стремился уйти от реальности, прибегая к мифологическим и библейским сюжетам, перенимая образы из легенд Старой Англии, рыцарских романов. Героини его картин сильные и обворожительные женщины, волшебницы и заклинательницы, одушевленные силы природы и мифические существа соответствующие канонам красоты Викторианской эпохи, но при этом нежные и манящие. Уотерхаус отдавал предпочтение трагическим и жестоким сюжетам, но при этом обладал талантом найти в них стоическую силу, спокойствие и красоту.

Полотно иллюстрирует поэму Альфреда Теннисона «Волшебница Шалот», популярное в Викторианской Англии. На картине девушка в лодке, на нее накинута ткань (по легенде девушка должна была все время прясть, чтобы проклятие не обрушилось на нее).

Уотерхаус в картине показал, тот трагический момент, когда героиня правой рукой отпускает цепь лодки, глядя бездонными и обреченными глазами на распятие, стоящее перед тремя свечами. Гаснущие свечи символизируют что надежды и жизнь подошли к концу. Две из них уже погасли, а третья вот-вот угаснет. Это авторская подсказка: ее жизнь скоро закончится, белые одежды невинность и напрасность жертвы. На её коленях лежит увядший лист, словно погасший свет уходящей жизни. Вытканный ей гобелен свисает из лодки в воду. На нём она вышивала предметы окружающего мира, которые видела в зеркале. Рот красавицы приоткрыт (она поет свою последнюю песню).

Леди Шалот художник писал со своей любимой супруги. Можно назвать эту картину легендой старой Англии. И она остается самым завораживающим и таинственным произведение Уотерхуса — одного из самых ярких художников движения прерафаэлитов.

Крик, Эдвард Мунк

1910 r. 83х66 см. Темпера, картон Музей Мунка, Осло

«Крик» знают все, даже далекие от изобразительного искусства люди, которые не сразу вспомнят фамилию художника. «Крик» стал страшным символом 20 века, многократно повторенный в массовой культуре, написанный на рубеже веков и перерисованный тысячу раз рекламщиками, аниматорами, киношниками и графическими дизайнерами. Такая неоднозначная популярность могла настичь шедевр мировой живописи только в одном случае: когда в нем на предельной мощности звучит техника, эмоция и идея.

Первый вариант «Крика» Эдвард Мунк написал в 1893 году. Есть, должно быть, какое-то глубокое психологическое объяснение тому, что самые важные свои картины Мунк повторял по несколько раз в течение всей жизни. Писал и писал заново одни и те же сюжеты. Но в истории с «Криком» самым важным смыслом четырех копий (плюс литография) можно смело считать смысл экономический и авантюрно-криминальный.

Та навязчивость, с которой художник повторял один и тот же сюжет в разных техниках и в разные периоды своей жизни, дала возможность обзавестись знаменитым полотном не только двум главным музеям Осло, но и частному коллекционеру за рекордные на тот момент деньги. 2 мая 2012 года за 119 млн. 922 тыс. 500 долларов счастливым обладателем пастельной авторской копии «Крика», созданной в 1895-м году, стал американский бизнесмен Леон Дэвид. По одной копии «Крика», выполненной на картоне в смешанной технике с использованием масла и темперы, находятся в экспозиции Национальной галереи Осло и в Музее Мунка (версия 1910 года). В Музее Мунка есть еще один «Крик» — написанный пастелью в 1893-м. Причем из обоих музеев картины однажды пытались украсть.

Впервые знаменитое полотно похитили в 1994 году из Национальной галереи. На всю авантюру понадобилось меньше минуты: разбить окно, снять картину, отключить сигнализацию. Похититель в записке поблагодарил охрану за плохую работу, но у той было серьезное оправдание — как раз в это время шла трансляция открытия зимних Олимпийских игр в Норвегии.

Насыщенная приключенческая история этого произведения связана не только с его немалой стоимостью, сколько с тем магическим воздействием, которое оказывает «Крик» на зрителя. Поговаривают, что все 4 копии прокляты, что они приносят боль и страх. Но самые главные шаманские приемы в этой картине это, конечно, цвет и линия.

Ощущение надвигающейся катастрофы, ужаса и безжалостной природной стихии здесь в дрожащих, как будто в знойном воздухе, линиях, в насыщенных, неестественных контрастах глубоких цветов. Это переживание настолько сильное, что критики, все как один, видят в этом образе всегда больше: то символ 20 века с его войнами, катастрофами и потрясениями, то враждебность природы, а иногда и всего мироздания, по отношению к человеку.

Отчаяние, Эдвард Мунк

Масло, холст. 1892 г. Галерея Тиля, Стокгольм, Швеция

Эдвард Мунк написал «Отчаяние» в 1892-1894 годах.

На мосту в Осло изображена фигура это повторяющийся образ в творчестве Мунка, наиболее полно проработанный в «Крик», но также представленный в нескольких других картинах. Все эти работы, кажется, были вдохновлены его опытом прогулки по дороге недалеко от Осло вечером с двумя друзьями. Он почувствовал легкую меланхолию и, подняв глаза, увидел, как небо стало кроваво-красным. Он смотрел на пылающие облака, которые, как он чувствовал, нависали над городом, как кровь и меч. Тогда он услышал бесконечный крик природы.

Стиль Мунка представляет собой интересное сочетание фигуративного и полуабстрактного, И это необычное сочетание способствует сильной эмоциональной силе, которую его работы способны вызвать. В отличие от импрессионистов, он хочет выразить то, что чувствует, и продолжает развивать эту тему. B конце концов, он развивает опыт и образы в картине, известной как «Крик».

«Отчаяние» — одна из картин, которые он рисует в рамках этого исследования. Хотя страдания людей на картинах проистекают из собственного опыта и страданий Мунка, он может сделать их универсальными, отчасти за счет намеренного сохранения общих, а не конкретных фигур.

Популярность его работ, несмотря на мрачные сюжеты, свидетельствует о том, что он действительно говорил с чувством духовной изоляции, свойственным многим людям. Он оказал большое влияние на немецкое экспрессионистское движение, возникшее в начале 20 века. Мать Мунка умерла, когда он был ребенком. И его отец, который страдал от крайней религиозности, очевидно напоминал детям, что их мать смотрит на них сверху вниз.

Это может частично объяснить тот факт, что главная фигура в «Отчаянии» и во многих других работах Мунка выражает жалкое самосознание. Молодая девушка на картине «Половое созревание» — еще один пример этого качества.

Это был не единственный способ, которым отец Мунка внес свой вклад в ментальный ландшафт художника. Он также читал детям рассказы Эдгара Аллена По, чьи мрачные и часто устрашающие рассказы могут оказать еще одно влияние. Хотя Мунк обычно считается символистом, его символизм это, по сути, личная и личная реакция на страдания, которую он смог универсализировать с помощью искусства.

Мадонна, Эдвард Мунк

1894-1895 r. 90,5х70,5 см. Масло, холст Музей Мунка, Осло

Некогда скандальная картина изображает Мадонну в необычном ракурсе. Из канонических деталей здесь лишь нимб непривычно красного цвета. Неприкрытая нагота, экстаз на лице и распущенные волосы произвели некогда на публику весьма неоднозначное впечатление. Максимальное очеловечивание образа Девы Марии, попытка показать ее земное, человеческое величие — вот главная задача, которая стояла перед автором.

Известно, что мастер несколько раз менял название этой работы. Среди версий были «Зачатие», «Любящая женщина». Автор остановился на «Мадонне», чтобы подчеркнуть свое отношение к изображаемой женщине.

Фигура героини пластична и округла, живот подчеркнут особенно, руки схематичны. Они словно исчезают за полупрозрачным фоном. Всякий может заметить неоспоримое сходство «Мадонны» с античными скульптурными образцами, послужившими источниками для работы. Вся фигура героини окружена неким сиянием. Создается ощущение некоего внутреннего сияния, магического, загадочного.

В цветовом смысле автор очень скромен: оттенки желтого, фиолетового, вкрапления белого и небольшие пятна красного. Колорит отвечает интимной атмосфере сюжета. В поздних версиях мастер добавляет в сюжет некоторые детали в виде человеческого зародыша и т. д. Критика убеждена, что настоящей глубиной и мастерством отличается именно ранняя версия картины, в которой нет ничего лишнего. Известно также, что, наряду с «Криком», именно эта работа была похищена из музея в 2004 году.

Тревога, Эдвард Мунк

94х74 см. Масло, темпера, пастель, картон. 1894 г. Музей Мунка, Осло

«Тревога «Эдварда Мунка основана на влиянии двух предыдущих работ, демонстрируя стихийные силы, которые уже были в «Крике».

Картина определенно была отражением психического состояния Мунка в то время. Мы можем видеть тот же причал, на котором сидят те же люди, изображенные как пришельцы. Озеро, лодки, церковь и другие постройки выглядят так же, как на картине «Крик». Предполагается, что «Крик» является отражением ужаса, который Мунк испытал в изоляции. Однако в этой работе тревога сохраняется, но чувства разделяются группой. Через два года после того, как Мунк завершил работу, он вернулся к ней. И добавил мотив, который ранее был замечен в его ранних работах.

На картине изображено душевное состояние взволнованного, умного художника и отчуждение, которое можно почувствовать в группе людей, окружающих его. Художник, безусловно, находил в своих картинах надежду и терапию во время болезни. Он особенно известен вызывающими воспоминания психологическими темами, которые доминируют в большинстве его работ.

Мунк оказал влияние на немецкий экспрессионизм в начале 1900-х годов. Мунк изучал инженерное дело и жил в нескольких европейских городах, включая Париж, Берлин и Кристанию. Берлин стал городом, который особенно повлиял на его искусство. Мунк сам страдал от беспокойства, которое, как говорили, доходило до безумия. У него были чувства преследования и галлюцинации, и он прошел курс электросудорожной терапии, которая, как говорят, помогла стабилизировать его личность. Он вернулся в Осло в 1909 году и провел большую часть последних двадцати лет своей жизни в одиночестве.

Ночная терраса кафе, Винсент Ван Гог

80,7х65,3 см. Масло, холст. Сентябрь, 1888 г. Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло

«Ночная терраса кафе» — одна из самых узнаваемых и цитируемых работ Ван Гога. В популярности она уступает разве что «Подсолнухам» и «Звездной ночи». Благодаря довольно необычному изображению звездного неба «Ночное кафе» перекликается с другими картинами Винсента, написанными в то же время: «Звездной ночью над Роной» и «Портретом Эжена Боша». Звезды на этих полотнах больше напоминают миниатюрные цветы. Из них год спустя вырастут огромные «подсолнечные» светила и спиральные вихри «Звездной ночи».

Еще задолго до переезда в Арль Винсент мечтал написать ночной пейзаж. Сначала на свет появилась «Звездная ночь над Роной». Существует легенда, согласно которой Ван Гог закреплял на полях своей соломенной шляпы свечи, чтобы освещать холст, поскольку уличное освещение было слишком скудным. О своей работе над изображением ночного кафе он упоминал в письме сестре Вильгельмине, вспоминая «Милого друга» Ги де Мопассана. А в одном из писем брату Тео Винсент писал, что звезды в ночном небе похожи на черные точки на незнакомой карте, обозначающие далекие города.

Кафе, увековеченное Ван Гогом на этой картине, находится на прежнем месте до сих пор. Теперь оно носит название «Le Café La Nuit». Однако туристов, побывавших в Арле и разместившихся на знаменитой террасе в надежде выпить кофе и в полной мере проникнуться атмосферой картин Винсента, ждет жестокое разочарование. Судя по отзывам, зайти в это кафе стоит разве что для того, чтобы в нем сфотографироваться. Но, несмотря на высокие цены, оставляющее желать лучшего обслуживание и качество блюд, поток туристов остается неизменным.

«Ночная терраса кафе» — одна из тех картин, которая может далеко завести. Например, исследователь Джаред Бакстер заявил об открытии: на этой террасе Ван Гог изобразил Тайную вечерю.

Империя света, Рене Магритт

1950 г. 79х99 см. Холст, масло Частная коллекция

Картина «Империя света» вызвала широкий резонанс среди художников и коллекционеров. Магритту удалось создать произведение, которое в свою коллекцию хотели все без исключения ценители искусства того времени. Ее сюжет до невозможности обыденный и довольно-таки реалистичный. Так что же в ней такого, что смогло впечатлить коллекционеров?,

Одна из многочисленных улочек бельгийского захолустья, в котором когда-то в детстве жил будущий художник, окутана мрачной пеленой ночи. Лишь только один уличный фонарь освещает темную дорогу. В некоторых домиках-коробках жильцы уже зажгли свет… Но стоит немного внимательней присмотреться к полотну, как мы сразу же понимаем, какая маленькая, но очень важная деталь смущала и не давала нам насладиться умиротворённостью этого места: по лазурному небосводу плывут алебастровые клубящиеся облачка…

Утренний купол неба и темная ночная улица. Что может быть загадочней? Магритт говорил, что это явление параллельных дня и ночи, сама мысль об этом способна изумлять и восхищать. И именно это Рене звал поэзией.

Картина действительно вызывает противоречия ее концепция опровергает саму себя. Светлый день отрицает темную ночь и наоборот. И процесс катарсиса, в ходе которого человек испытывает очищение в результате эмоциональной дестабилизации, заставил людей желать заполучить очередной ребус Магритта.

Сам художник впоследствии нарисовал целую серию картин, которые имели точно такую же концепцию. Всего Магритт написал 23 версии «Империи света». Шестнадцать из них написаны маслом, семь были выполнены гуашью. Это приносило ему колоссальное удовольствие и немалую прибыль. Последнюю версию «Империи света» Рене Магритт так и не успел завершить.

Состояние человека, Рене Магритт

1933 r. 100х81 см. Холст, масло Национальная галерея искусств, Вашингтон

«Состояние человека» обычно относится к двум похожим работам. Одна была завершена в 1933 году и находится в коллекции Национальной галереи искусств в Вашингтоне. А другая была завершена в 1935 году и является частью коллекции Саймона Спирера в Швейцарии. Существует также ряд одноименных рисунков, в том числе один в Кливлендском художественном музее.

Одним из наиболее распространенных художественных приемов Магритта было использование предметов, призванных скрыть то, что за ними стоит. Например, в картине «Сын Человеческий» (1964) яблоко скрывает лицо человека в котелке. В работе «Состояние человека» игра в сокрытие реализуется с помощью картины внутри картины. Магритт так сказал о своей работе: «Перед окном, видимым изнутри комнаты, я поместил картину, представляющую именно ту часть пейзажа, которая покрыта картиной. Таким образом, дерево на картинке скрывало дерево за собой, за пределами комнаты. Для зрителя это было как внутри комнаты внутри картины, так и снаружи в реальном пейзаже».

Сначала автоматически предполагается, что картина на мольберте изображает ту часть пейзажа за окном, которую она скрывает от глаз. Однако после минутного размышления можно понять, что это предположение основано на ложной предпосылке. То есть, что образы картины Магритта реальны, в то время как картина на мольберте является представлением этой реальности. На самом деле разницы между ними нет. Оба являются частью одной картины, одного и того же художественного произведения. Возможно, именно на этот повторяющийся цикл, в котором зритель, даже против своей воли, видит одно как реальное, а другое как репрезентацию, и ссылается название Магритта.

Влюбленные, Рене Магритт

1928 г. 54х73,4 см. Холст, масло Частная коллекция

Если не брать во внимание трагическую историю матери Рене Магритта, с которой часто связывают покровы на лицах героев картины «Влюбленные», существует еще одна версия о причинах, по которым художник так любил изображать «обезличенных» людей. Дело в том, что Магритт был страстным поклонником кинематографа, в частности, фильмов о Фантомасе 1913-1914 годов, снятых Луи Фейадом. По мнению некоторых искусствоведов, это увлечение во многом повлияло на творчество художника и пробудило в нем любовь к играм в прятки.

Существует несколько трактовок полотна «Влюбленные». Причем две из них являются полностью противоположными друг другу. Согласно первой, Магритт изобразил на картине олицетворение расхожей фразы «Любовь слепа». Причем слепота эта в данном случае абсолютна: герои картины являются загадкой и для окружающих, и друг для друга, к тому же, они так поглощены страстью, что не видят и не слышат ничего вокруг. Что касается второй, более оптимистической трактовки, мужчина и женщина на полотне сумели постичь любовь такой силы, что способны ощутить настоящую близость, несмотря на любые покровы тайн и разделяющие их преграды.

The post Самые загадочные картины мира appeared first on Блог Милы.

Ингредиенты:

Ингредиенты:

• 500 гр. кабачков,
• 0,5 ч. л. соли.,
• 100 гр. сыра фета,
• 40 гр. тыквенных семечек

Для маринада:

• 2 ст. л. оливкового масла,
• 1,5 ст. л. винного уксуса (или яблочного, или лимонного сока),
• 1 ст. л. меда,
• 1 — 2 зубчика чеснока,
• молотый черный перец,
• свежая зелень.

Приготовление:

Кабачки помыть и срезать кожуру. Если кабачки молодые, то можно делать и вместе с кожицей. Нарезать овощечисткой тонкими полосками. Также очень интересно будет выглядеть закуска, если нарезать кабачки в виде спагетти на терке для корейской моркови. Сложить в миску, посолить и оставить на 30 мин.

Приготовить маринад. Чеснок пропустить через пресс или мелко нарезать. Смешать его с оливковым маслом, медом (если мед густой, то растопить его на водяной бане или в микроволновке), винным уксусом (или лимонным соком), перцем и мелко порезанной свежей зеленью. Думаю, что сюда отлично подойдет кинза, базилик, эстрагон. У меня была петрушка с базиликом. Подготовленный маринад перемешать.

С кабачков слить образовавшуюся жидкость, отжать их руками. Затем залить маринадом и перемешать. Убрать в холодильник на 1 час.

При желании можно тыквенные семечки слегка (около 1 минуты) подсушить на сухой сковороде, чтобы усилить их аромат.

Сыр фета нарезать на кубики. Выложить салат на блюдо, сверху выложить кусочки сыра фета и посыпать семечками тыквы.

Итак, Ссалат с кабачками, сыром фета и тыквенными семечками готов. Приятного аппетита!

The post Салат с кабачками, сыром фета и тыквенными семечками appeared first on Блог Милы.

Здание обращено своим главным (юго-восточным) фасадом на красную линию ул. 1905 года (бывшей Переселенческой). Западным фасадом примыкает к двух этажному дому смешанного типа, памятнику истории (ул. 1905 года, 13).

Здание представляет интерес, являясь примером жилой городской застройки Новониколаевска начала XX века.

Дом был построен Гороховым в 1910 году на участке № 13 в квартале № 7 Вокзальной части Новониколаевска по ул. Переселенческой, заселявшейся, в основном, работниками железнодорожного транспорта. В исторических документах среди первых хозяев дома упоминается машинист Андрей Кириллович Казберук.

Архитектура дома по улице 1905-го года, 15

Одноэтажный, прямоугольный в плане объем с подвалом, дополненный со стороны северо-восточного фасада дощатым тамбуром, выполнен в простых формах. Цоколь кирпичный. Особенностью здания является мезонин, возведенный над средней частью дома.

Стены из бревен рублены «в обло» и обшиты рустованным тесом в горизонтальном направлении. Углы и узловые сопряжения закрыты профилированными лопатками. Крыши основного объема стропильные, кровля железная. Крыша мезонина двускатная, крыта железом.

Окна первого этажа обрамлены наличниками с филенчатыми ставнями. Наличники украшены пропильной резьбой растительного орнамента и сверху завешены профилированными карнизиками с наклонной полочкой. Междуэтажный пояс декорирован зубчиками.

Окна подвального этажа завершены сандриками. Мезонин увенчан треугольным полуфронтоном,
в тимпане которого расположена резная розетка.

Венчающий карниз украшен резьбой геометрического орнамента.

Вход в основной объем расположен со стороны главного фасада.

Внутренняя лестница спуска в подвал с ограждением из точеных стоек-балясин и профилированным поручнем. Со стороны северо-западного фасада расположена деревянная лестница входа в мезонин с ограждением из точеных стоек-балясин, с профилированным поручнем.

Габариты основного сруба в плане: 19,5 × 8,9 м.

Здание восстановлено после пожара 1989 г.

The post Дом по улице 1905-го года, 15 appeared first on Блог Милы.

Здание построил в 1910 году, вероятно, владелец соседнего дома Горохов.
До 1924 года владельцем дома была семья Кузьминых. Позже владелец дома и представитель Сибкрайсоюза подписали нотариальный договор о продаже строения.

Здание, связанное с ранним этапом деятельности А. Н. Косыгина, также представляет интерес как образец жилой городской застройки Новониколаевска начала XX века.

А.Н. Косыгин

Дом хранит память о видном деятеле государства советского периода Алексее Николаевиче Косыгине (1904–1980), дважды Герое Социалистического Труда. Судя по историческим документам, в 1929 году А. Н. Косыгин уже жил в этом доме, который купил Сибкрайсоюз для проживания
своих сотрудников.

А. Н. Косыгин родился в Санкт-Петербурге в семье токаря. В 15 лет добровольцем записался в Красную Армию. После гражданской войны учился в Петроградском кооперативном техникуме. В Новосибирске начиналась его трудовая биография. После окончания техникума 4 года работал в системе потребкооперации в Новосибирске и одновременно преподавал в кооперативном техникуме. Член ВКП (б) с 1927 года.

В 1930 году он уехал на учебу в Ленинград. Последний раз А. Н. Косыгин посетил Новосибирск в 1969 году в ранге председателя Совета Министров СССР. За заслуги перед государством А. Н. Косыгина наградили шестью орденами Ленина, орденом Октябрьской Революции, орденом Красного Знамени.

Архитектура здания

Основной, прямоугольный в плане, двухэтажный дом со стороны северо-западного фасада имеет двухэтажную деревянную пристройку. Первый этаж кирпичный (кроме стен северо-западного и юго-западного фасадов), второй – деревянный, рублен из бревен «в обло», частично «в лапу». Фундаменты основного объема ленточные бутовые. Крыша четырехскатная, крыта железом.

Особенностью является сквозной проезд в усадьбу в левой части здания, позднее переделанный в окно.

Декоративное оформление фасадов лаконично. Окна первого этажа с лучковым завершением имеют перемычки того же очертания с замковым камнем. А окна второго этажа декорированы наличниками с накладными деталями.

Фриз и венчающий здание карниз на резных кронштейнах украшены пропильной резьбой. Ворота восстановили по проекту ремонтно-реставрационных работ, выполненных в 1990 году.

Основные габариты в плане: 10,7 × 12,5 м

The post Дом по улице 1905-го года, 13 appeared first on Блог Милы.

Материалы:

пряжа красного цвета (Романтичная от Пехорского текстиля (100 % мерсеризованный хлопок, 100 гр. / 200 м)),
пряжа белого цвета (Yarn Art Tulip (100% микрофибра, 50 гр. / 250 м)),
светоотражающая пряжа (Mirror от фабрики PINORI Filati (63% стекло с высоким преломлением, 20% полиэстер, 17% полиуретан; 700 м/100 гр)),
крючок 2,5, замшевый шнурок

Описание работы:

Большой круг

Нитью красного цвета вязать цепочку из 6 воздушных петель, замкнуть в кольцо.

Вокруг петель первого ряда связать 12 столбиков без накида, замкнуть в кольцо.

Снова вокруг получившихся петель связать 18 столбиков без накида, замкнуть в кольцо.

Вокруг получившихся петель связать 18 столбиков без накида, замкнуть в кольцо.

Сменить нить на белую + Mirror.

За обе верхние полупетли последнего красного ряда связать 24 столбиков без накида, замкнуть в кольцо.

Вокруг петель предыдущего ряда связать 30 столбиков без накида, замкнуть в кольцо.

Вокруг петель предыдущего ряда связать 30 столбиков без накида, замкнуть в кольцо.

Перейти на вязание пряжей красного цвета.

За обе верхние полупетли последнего красного ряда связать 36 столбиков без накида, замкнуть в кольцо.

Вокруг петель предыдущего ряда связать 36 столбиков без накида, замкнуть в кольцо.

Вокруг петель предыдущего ряда связать 36 столбиков без накида, замкнуть в кольцо.

Нить оборвать и закрепить.

Среднего размера круги

Нитью красного цвета вязать цепочку из 6 воздушных петель, замкнуть в кольцо.

Вокруг петель первого ряда связать 12 столбиков без накида, замкнуть в кольцо.

Снова вокруг получившихся петель связать 12 столбиков без накида, замкнуть в кольцо.

Вокруг получившихся петель связать 12 столбиков без накида, замкнуть в кольцо.

Сменить нить на белую + Mirror.

За обе верхние полупетли последнего красного ряда связать 18 столбиков без накида, замкнуть в кольцо.

Вокруг петель предыдущего ряда связать 18 столбиков без накида, замкнуть в кольцо.

Вокруг петель предыдущего ряда связать 18 столбиков без накида, замкнуть в кольцо.

Перейти на вязание пряжей красного цвета.

За обе верхние полупетли последнего красного ряда связать 24 столбиков без накида, замкнуть в кольцо.

Вокруг петель предыдущего ряда связать 24 столбиков без накида, замкнуть в кольцо.

Вокруг петель предыдущего ряда связать 24 столбиков без накида, замкнуть в кольцо.

Нить оборвать и закрепить.

Маленькие круги

Нитью красного цвета вязать цепочку из 6 воздушных петель, замкнуть в кольцо.

Вокруг петель первого ряда связать 12 столбиков без накида, замкнуть в кольцо.

Сменить нить на белую + Mirror.

За обе верхние полупетли последнего красного ряда связать 18 столбиков без накида, замкнуть в кольцо.

Вокруг петель предыдущего ряда связать 18 столбиков без накида, замкнуть в кольцо.

Вокруг петель предыдущего ряда связать 18 столбиков без накида, замкнуть в кольцо.

Перейти на вязание пряжей красного цвета.

За обе верхние полупетли последнего красного ряда связать 24 столбиков без накида, замкнуть в кольцо.

Вокруг петель предыдущего ряда связать 24 столбиков без накида, замкнуть в кольцо.

Вокруг петель предыдущего ряда связать 24 столбиков без накида, замкнуть в кольцо.

Нить оборвать и закрепить.

Элементы соединить между собой, пришить сзади замшевый шнурок.

Итак, вязаное колье в стиле авангард крючком готово. Можно наряжаться!

The post Вязаное колье в стиле авангард, крючок appeared first on Блог Милы.

Здание вокзала датируется открытием линии в 1885 году. После закрытия в 1970-х годах оно едва избежало сноса. А впоследствии было тщательно восстановлено трудолюбивой командой Swanage Railway.

Перенеситесь назад во времени, войдя в кассу вокзала, полную деревянных полов, угольных каминов и женского зала ожидания.

Вы можете послушать звон сигнальных колоколов, доносящихся из исторической сигнальной будки, прежде чем поезд появится в поле зрения.

Экспонаты музея включают фотографии,

оборудование и вывески,

а также личные вещи людей,

которые работали на железных дорогах в южном регионе.

В нем рассказывается о железнодорожной ветке, начиная с 1885 года и до ее закрытия в 1972 году,

а также о важной роли железных дорог в Первой и Второй мировых войнах.

Вы даже можете заглянуть внутрь оригинальной гостиной начальника станции, восстановленной в стиле 1950-х гг, со старым радио и газетами.

В вагоне Exhibition and Cinema Coach показывают фильм, который рассказывает историю до наших дней. Он посвящен добровольцам, которые осуществили свою мечту о восстановлении линии благодаря своему упорному труду и решимости.

Узнайте об истории этой железнодорожной ветки и необычайной борьбе за сохранение и последующее восстановление путей.

До и после

Посмотрите, как изменились железная дорога и станции, на фотографиях до и после.

Swanage

В 1974 году станция Swanage была продана городскому совету. Основная платформа была разобрана, а навес сорван.

В следующем году городской совет предоставил Swanage Railway право аренды станции Swanage. Добровольцы начали ремонтировать станцию ​​и прокладывать пути. Прокладка производилась вручную, это была тяжелая и медленная работа. Это был первый шаг к восстановлению линии. В 1979 году железная дорога запустила свой первый пассажирский поезд. В течение пяти лет он проехал всего несколько сотен метров. Однако, это принесло существенный доход для восстановления линии. По мере роста линии росла и популярность железной дороги. Теперь она приобретала репутацию исторической железной дороги и туристической достопримечательности.

Corfe Castle

В 1982 году линия достигла Херстона, в одной миле от Суонеджа. Работа продолжалась быстрыми темпами, и к 1987 году линию продлили до Харманс-Кросс. Теперь она растянулась на три мили. Следующей задачей было добраться до Corfe Castle и Нордена. Для этого требовалось одобрение правительства. Несмотря на возражения, разрешение было получено. В 1995 году первый поезд после 1972 года отправился в Corfe Castle и Норден.

Собираем все вместе

Проекты строительства включали станции, сигнальные будки и мосты.

Естественно, их сделали в стиле 1950-х годов, в соответствии с целью создания исторической железной дороги.

По мере роста линии построили новые станции в Херстон-Халт, а затем в Харманс-Кросс.

Это были первые станции, построенные в Дорсете за последние пятьдесят лет.

В 1990-х годах в замке Корф было отремонтировано оригинальное викторианское здание,

а в Нордене была создана новая станция.

Параллельно с этим восстановили ​​или построили сеть сигнальных будок.

Так, новые будки построили в Харманс-Кросс, Суонедже и замке Корф.

Также было отремонтировано более тридцати мостов, водопропускных труб и виадуков.

Музей открыт с апреля по сентябрь каждый день, а с октября по ноябрь — когда ходят поезда. Вход бесплатный.

The post Музей железной дороги Суонедж в Корф касл appeared first on Блог Милы.

Состоит он, конечно же, из трёх основных ингредиентов: из яблок, мёда и орехов. В честь всех трёх Спасов. Кроме них, нужен еще и лимонный сок. Без него, во-первых, яблоки темнеют, а во-вторых, будет слишком сладко. Хотя если яблоки очень кислые — попробовать без лимона можно, но тогда нужно будет разводить мёд в небольшом количестве воды. Так он лучше распределяется по яблокам.

Хотя состав салата абсолютно элементарный, он очень-очень вкусен. Благоухание мёда, а также орешки, выделяющиеся на основном фоне более плотной консистенцией, позволяют яблокам предстать во всей своей красе! Этот салат прекрасен и без масла. Термической обработке мы тоже ничего не подвергаем, так что он подходит не только для поста и вегетарианцев, но и для сухоядения.

Ингредиенты:

• 2 яблока,
• половина лимона,
• 1 ст.л. орехов,
• 1 ч. л. мёда.

Приготовление:

Развести мёд в свежевыжатом лимонном соке до полного растворения. Яблоки разрезать на дольки, удалив часть с семенной коробочкой. Яблочные дольки очень тщательно размешать с медово-лимонной заправкой, они должны полностью покрыться ею. И в завершении посыпать наш постный салат с яблоками порубленными орешками.

Итак, постный салат из яблок Три Спаса готов. Приятного аппетита!

The post Постный салат из яблок Три Спаса appeared first on Блог Милы.

Я бы сказала, что это своего рода кузены наших гаражей, с той лишь разницей, что в таких нарядных домиках англичане переодеваются, открывают двери, выносят столик и шезлонги и принимают солнечные или воздушные морские ванны. Этакие крохотные дачки, пляжные хижины (beach huts).

Пляжная хижина (также известная как пляжная кабина, пляжный ящик или купальный ящик) — это небольшая, обычно деревянная и часто ярко окрашенная коробка выше уровня прилива на популярных пляжах для купания. Обычно она используется как укрытие от солнца или ветра, для переодевания в купальный костюм и для безопасного хранения некоторых личных вещей. Некоторые пляжные хижины включают в себя простые удобства для приготовления пищи и горячих напитков либо с помощью баллонного газа, либо иногда с помощью электричества.

Сегодня в Великобритании насчитывается около 20 000 пляжных хижин. А почти 2 000 пляжных хижин вдоль пляжа Борнмут. Около 70% этих пляжных хижин находятся в частной собственности. Хижины вдоль набережной варьируются по стилю от традиционных, деревянных, похожих на сарай, конструкций до ультрасовременных пляжных капсул.

Пляжная хижина, история появления

Пляжная хижина начала использоваться в первые годы двадцатого века. Она произошла от колесных купальных машин, которые использовались викторианцами для сохранения своей скромности. Купание тогда было обременительным и дорогим делом. Мужчины и женщины купались на отдельных пляжах. А переодевание для купания в океане производилось вдали от глаз в купальном аппарате. Он буксировался на безопасное расстояние в море, прежде чем купальщик нырял в часто неприветливо холодную морскую воду.

Купальные кабины в Брайтоне в Австралии существовали еще в 1862 году. И существовали они не только в Австралии, но и на пляжах Англии, Франции, Италии и Кейптауна.

Когда наконец отказались от купальных аппаратов, многие остались брошенными на пляже. В эпоху Эдварда и в годы после Первой мировой войны вид людей обоих полов в купальных костюмах стал приемлемым. Однако переодевание на публике не одобрялось и могло повлечь за собой штраф. Поэтому советы предоставляли и взимали плату за пляжные хижины для переодевания. Предприимчивые люди использовали заброшенные купальные машины, снимая колеса и превращая их в пляжные хижины. Или использовали рыбацкие хижины, лодочные сараи. В качестве альтернативы пляжным хижинам некоторые приморские города предоставляли палатки в аренду вместе с шезлонгами. Они часто были ярко окрашены и украшены полосками.

Некоторые из самых ранних специально построенных пляжных хижин в Великобритании были возведены в Борнмуте, по обе стороны от пирса Борнмута в 1909 году. Эти пляжные бунгало были спроектированы и построены Фредериком Перси Доламором, главным помощником городского инженера и геодезиста.

В начале 20 века пляжные хижины считались «домами отдыха для трудящихся классов». Но в 1930-х годах их образ возродился. Георг V и королева Мария провели день в пляжной хижине в Сассексе, а среди других владельцев были семья Спенсеров и Лоуренс Оливье. Во время Второй мировой войны все пляжи Великобритании были закрыты. Повторное открытие в конце 1940-х и 1950-х годов привело к возрождению британского пляжного отдыха и расцвету пляжных хижин.

Пляжные хижины сегодня

Теперь можно купить собственную пляжную хижину или арендовать ее на день, неделю или месяц. В хороший солнечный день англичане проводят на берегу моря целый день. Могут и перекусить там же. Если правила позволяют, могут организовать барбекю.

Домики могут быть и для отдыха, и для спорта. Тогда здесь хранятся не только шезлонги и столики, но и доски для сёрфинга и даже каноэ.

Это дорого. Даже самый скромный пляжный домик в не самом популярном месте будет стоить весьма прилично. В некоторых местах пляжные хижины могут продаваться дороже, чем дома в других районах. А, учитывая, что вы не можете остаться в них на ночь, и многие нуждаются в ежегодном обслуживании, это действительно о чем-то говорит

В июле и августе цены подскакивают до 100 фунтов в неделю. Арендодатель отвечает за оформление экстерьера и внутреннее благоустройство, многие домики обеспечены Wi-Fi. Желающие приобрести кабинку в собственность должны располагать средствами от 10 до 40 тыс фунтов стерлингов, а в некоторых случаях гораздо больше.

Зимой такие пляжные хижины также пользуются спросом. Англичане те ещё экстремалы, и увидеть зимой сёрферов в гидрокостюмах легче лёгкого. Аренда зимой обойдётся дешевле. Зимой, кроме того, много желающих и просто полежать, закутавшись в одеяло, и подышать свежим морским воздухом. Особенно, если солнечно и нет ветра. Впрочем, врать не буду. В Англии ветер есть всегда

The post Пляжная хижина в Англии appeared first on Блог Милы.

Ингредиенты:

• Армянский лаваш 150 гр.,
• Банан 300 гр.,
• Маршмэллоу мини 40 гр.,
• Шоколад тёмный 50 гр.,
• Арахис солёный жаренный 40 гр.
• Лимон (сок) 1 ст. л.

Приготовление: 

Маршмеллоу можно взять и обычного размера, но тогда его придется разрезать на 2-3 части. Бананы лучше брать с минимальным изгибом, чтобы удобнее было заворачивать в рулет.

На край лаваша выложить два банана.

Рядом с бананами выложить слой маршмэллоу, сбрызнуть соком лимона и добавить средние кусочки шоколада.

Арахис мелко нарубить и отправить к бананам.

Края с боков завернуть внутрь с двух сторон. Лаваш завернуть в плотный рулет поджимая края и прессуя.

Переложить на решётку сладкий лаваш и обжарить со всех сторон до румяной корочки. Затем оставить на время, чтобы всё дошло и расплавившиеся шоколад и мармеллоу остыли и стабилизировались. Десертный лаваш нарезать на порционные кусочки и переложить на тарелку.

Итак, рулеты с бананом и маршмеллоу на мангале готовы. Приятного чаепития!

Кстати, такие рулеты можно приготовить и дома, на сковороде гриль.

The post Рулеты с бананом и маршмеллоу на мангале appeared first on Блог Милы.

Наверное, никакому другому замку в Англии не выпало на долю столько кровавых событий, сколько ему.

Замок Корф Corfe castle

В 890-х, желая защитить свои земли от набегов со стороны моря, король Альфред Великий приказал на самом высоком холме в этом месте выстроить замок. И это был самый первый саксонский форт на месте будущего замка Корф.

Сюда 18 марта 978 года в гости к своей мачехе саксонской королеве Эльфриде приехал подросток-король Эдуард вместе со своим сводным братом Этельредом. А дальше легенда говорит, что она убила пасынка, чтобы посадить на трон Этельреда.

Современный замок основан в 1066 года, когда начался нормандский период его жизни. Во времена Генриха I, сына Вильгельма Завоевателя была построена главная башня замка. Сейчас она полуразрушена, а когда-то ее высота достигала 21 метра.

У Генриха I не было сына. Поэтому на трон стала претендовать его дочь Матильда. Правила она, правда, всего год – ее отстранил от престола племянничек Стефан. Первую осаду Стефана замок выдержал. Но все-таки силы были неравны, и Матильда вынуждена была покинуть замок Корф и отправиться в Нормандию, к мужу.

Из владений короны замок вышел в 1572, когда дочь Генриха VIII Елизавета продала замок своему канцлеру, Кристоферу Хаттону. Он преобразовал замок из военной крепости в прекрасное место для жительства, вложив в это много денег. Но в результате продал замок семье Бэнкс. Джон Бэнкс был Главным Верховным Судьей при дворе короля Карла I.

Переходим к событиям Гражданской войны 1642-1651 годов. Семья Бэнкс была на стороне короля Карла I и выступала против парламентаристов Кромвеля. И даже после смерти главы семьи, его вдова отважная леди Мэри Бэнкс с 80 солдатами смогла выдержать две продолжительные осады замка. Три года держался замок! И пал только из-за предательства одного из солдат. Один из роялистов предложил ей устроить побег, но смелая женщина отказалась и осталась дома. А потом Кромвель приказал взорвать его, не жалея пороха.

Но… потерпевшая поражение леди Бэнкс дожила-таки до того времени, как труп Кромвеля достали из могилы и вздернули на виселицу, в Англию под ликующие крики толпы вернулся Карл II. Ну а ей за верность престолу вернули все ее земли, конфискованные решением парламента. Правда, к былому величию замок вернуть не удалось. Постепенно разрушающийся замок стал источником строительного камня для близлежащего городка.

До конца 20 века эти земли принадлежали древнему роду Бэнкс. Лишь в 1982 году Ральф Бэнкс решился передать поместье в собственность National Trust. И да, основал его… сэр Джон Бэнкс, предок… Вход для осмотра руин замка 15 фунтов, детям вдвое дешевле.

Сюда мы не дошли, успели посмотреть только деревню.

Деревня Корф касл (Corfe castle)

В старинные времена в этом месте было много каменоломен, соответственно множество домов построены из знаменитого английского известняка Пербек.

Многие из них остались целы и невредимы — иногда целые деревни, как эта.

Название «Корф» происходит от древнеанглийского слова ceorfan, означающего «резать» или «вырезать»,

что относится к пролому в холмах Пурбек, где расположен замок Корф.

Деревня небольшая, но очень уютная и аутентичная.

В ней сохранились старинные здания, выполненные в традиционном английском стиле с использованием местного известняка и зачастую крытые соломенными крышами.

Соломенные крыши в Англии

Традиция покрывать дома соломенными крышами уходит в глубину веков, причём в разных регионах можно встретить крыши из водного тростника, пшеничной соломы, камыша, ракитника, осоки, вереска и других природных материалов.

Самые распространённые крыши сделаны из пшеничных стеблей, и кровельную пшеницу выращивают отдельно.

Было время, когда соломенная крыша была признаком бедности домовладельца. Однако во второй половине XX века в связи с вновь возросшим интересом к органическим материалам, соломенные крыши получили новую путевку в жизнь.

Кстати, в современной Англии все дома с соломенными крышами находятся под защитой закона об охране исторических зданий, который запрещает заменять соломенную крышу на обычную.

Дома с соломенными крышами создают неповторимый колорит старой доброй Англии, сказочной и волшебной.

И снова про деревню Корф касл

Деревня широко известна своими узкими улочками, историческими пабами,

магазинами с местными сувенирами и, конечно же, видами из нее на руины замка.

Деревня состоит из двух главных улиц: Ист-стрит

и Вест-стрит, соединенных в северном конце на площади.

Вокруг площади

с крестом в честь Бриллиантового юбилея королевы Виктории 1897 года расположено несколько магазинов (включая почтовое отделение), церковь, три паба и два отеля.

Рядом с крестом находится недействующий деревенский насос с гербом деревни.

Отель Mortons House, являющийся памятником архитектуры II категории, был построен в 1590 году

и является одним из самых примечательных зданий в деревне.

Ратуша замка Корф, также являющаяся памятником архитектуры II категории, на Уэст-стрит, была построена около 1774 года. Сейчас здесь находится музей (бесплатный для посещения).

В деревушке Корф Касл любят селиться как британские, так и мировые знаменитости — актёры , писатели, режиссёры, и просто люди с с большим достатком.

Большинству домов 400-500 лет, все они под охраной.

Владельцы домов не имеют права менять их внешний вид.

Если например нужно поменять окно, которое пришло в негодность, — то изготовляют идентичное.

И так во всем.

Кстати, по данным переписи 2011 года во всем гражданском приходе Корф-Касл

было 738 жилищ, 612 домохозяйств и население 1355 человек.

Окна и двери

Что в деревне сразу бросается в глаза?

Очень низкие двери!

И, знаете, это явно не для сохранения тепла,

так как окна в коттеджах довольно большие.

Учитывая, что большинству домов около 500 лет,

так и напрашивается вывод:

в старину люди действительно были ниже и изящнее, что ли, чем теперь.

Да и вся деревня выглядит кукольной, как из мультиков Уолта Диснея,

Только автомобили плохо вписываются в мультяшную картинку.

Церковь св. Эдварда

В деревне есть церковь Св. Эдуарда.

Церковь, вероятно, датируется XII веком, а самые ранние известные записи датируются 1280 годом.

Она была названа в честь Святого Эдуарда Мученика, убитого 18 марта 978 года по приказу королевы Альфрит, его мачехи.

В 1859-60 годах церковь подверглась серьезной реставрации, в основном потому, что стены выпирали на фут (30 см).

Поэтому все стены были снесены, кроме башни, и перестроены.

Галереи, которые были установлены в XVIII веке, были демонтированы, а крыша церкви была перекрыта.

В церкви есть алебастровые запрестольные перекрытия с резьбой из белого мрамора, спроектированные Джорджем Эдмундом Стритом Р.А., известным викторианским архитектором. были подарены лордом Элдоном в 1876 году.

Одну из капителей в южном нефе не заменили в викторианские времена. Её украшают цветы (возможно, розами), и ее сохранили в качестве образца из оригинальной церкви. Она датируется 13-м веком.

В церкви есть совершенно потрясающий орган и витражи.

Витражи в основном викторианские.

Так, витраж в часовне Богородицы начал Мартин Трэверс в 1944 году с использованием частей старого витража и завершил Л. Ли в 1948 году.

Башню колокольни построили между концом 14-го и началом 15-го века семья Бофорт (констебли замка в то время). Башня возвышается на 65 футов снаружи.

Окружают башню 4 горгульи, которые выполняли функции водосточных труб (но больше не используются), и 4 гротеска.

Горгулья наверху цепляется за башню пальцами ног.

Нагулявшись по старинной деревне, на паровозе вернулись в Свонадж (Swanage), откуда еще предстоял час обратного пути в Борнмут на 50 автобусе.

The post Деревня Корф касл (Corfe castle) appeared first on Блог Милы.

Еще у меня есть рецепт пирога с тунцом и помидорами.

Ингредиенты:

• 4 яйца,
• 120 мл молока,
• 150 гр. полутвердого сыра (например, российский),
• 130 гр. муки,
• 1 банка (185 гр) тунца в собственном соку,
• 150 гр. творожного сыра,
• 2-3 веточки зелени (зеленый лук, петрушка, базилик, укроп),
• 1 ст. л. кунжута (по желанию)

Приготовление:

Взбить вилкой яйца с молоком. Добавить муку, смешать до однородности. Сыр натереть на терке и всыпать в тесто, оставив горсть для украшения, перемешать.

Зелень мелко нарезать. Размять тунец, добавить творожный сыр и зелень, хорошо перемешать.

Форму диаметром 22-25 см слегка смазать маслом. Вылить в форму 2/3 теста, сверху выложить начинку, закрыть оставшимся тестом и разровнять.

Поставить в разогретую до 180° духовку на 30-35 минут, до золотистой корочки. Вынуть пирог, посыпать оставшейся горсткой сыра и кунжутом. Снова поставить в духовку на 5-7 минут до расплавления сыра.

Итак, сырный пирог с тунцом готов. Приятного аппетита!

The post Сырный пирог с тунцом appeared first on Блог Милы.

Этот инженерный и архитектурный шедевр в стиле викторианской готики – один из самых узнаваемых символов британской столицы.

Его поддерживают две 65-метровые башни, которые на 44-метровой высоте стянуты горизонтальными перекрытиями. По ним проходят дорожки, по которым пешеходы могли пересекать Темзу даже в то время, когда мост разводили.

Для этого, правда, надо было подниматься и спускаться по крутым лестницам внутри башен, так что желающих было немного. И в 1910 году пешеходные галереи закрыли.

Сейчас они снова работают, но уже как смотровые площадки – в рамках экспозиции Тауэрского моста. Вход платный и очередь на вход из-за узких проходов собирается внушительная.

Создание моста

Строительство моста началось в 1886 году; открыт в 1894 году. Тауэрский мост – самый большой и самый сложный на тот момент разводной мост в мире. Его строительство обошлось почти в 1 миллион 200 тысяч фунтов стерлингов. На сегодняшний день это 150 млн долларов.

Разводные механизмы приводились в движение гидравликой, питавшейся от гигантских паровых машин. Каждое тридцатиметровое крыло весит больше тысячи тонн, но на подъём их до угла в 86 градусов требовалась лишь минута.

Тауэрский мост и сегодня регулярно разводят, чтобы пропустить парусники и круизные лайнеры. Правда, уже не так часто, как раньше. Узнать, когда его крылья поднимутся в следующий раз, можно на сайте моста.

Сегодня без Тауэрского моста трудно представить себе Лондон. Но 100 лет назад он вызывал не только восхищение, но и критику.

«Это квинтэссенция безвкусия и претенциозности и архитектурной фальсификации», – писал тогда один специалист. А другой добавлял: «Более абсурдная структура, чем Тауэрский мост, никогда ещё не перебрасывалась через какую бы то ни было реку стратегического значения».

Первоначально Тауэрский мост был выкрашен в цвет шоколада. Но в 1977-м королева Елизавета II праздновала четвертьвековой юбилей со дня коронации. Тогда мост перекрасили в цвета британского флага – красный, белый и синий. Впоследствии его цвета были восстановлены в синий и белый.

Интересные истории с Тауэрским мостом

Многие верят в то, что вид разведённого Тауэрского моста приносит удачу. Зрелище это, безусловно, захватывающее. Но оно вряд ли сравнится с ощущениями, которые пережили пассажиры двухэтажного рейсового автобуса в 1952 году. Мост начали разводить, когда автобус находился на нём. И водитель, чтобы избежать катастрофы, надавил на газ. И машина перепрыгнула через уже образовавшуюся пропасть шириной в метр. Удивительно, но серьёзно пострадавших не было.

Другой инцидент произошёл на Тауэрском мосту в 1997 году. Тогда в Лондоне гостил тогдашний президент США Билл Клинтон. Парусник, заранее заявивший о намерении пройти под мостом, подошёл к нему минута в минуту. А Клинтон, отужинав с британским премьером Тони Блэром, ехал с опозданием. В результате мост начали разводить, когда на нём находился кортеж американского президента. Кавалькада разделилась надвое – к недовольству охраны. Представитель Тауэрского моста потом объяснил, что его люди пытались связаться с посольством США, но там никто не снимал трубку.

Тауэрский мост порой путают с Лондонским мостом, который на самом деле находится чуть выше по течению Темзы. Эта путаница, если верить легенде, недёшево обошлась американцу Роберту Маккалоху. Он в 1968 году купил старый Лондонский мост и установил его в штате Аризона. Утверждают, что Маккалох по простоте душевной был уверен в том, что приобретает Тауэрский мост. Хотя и сам он, и член совета лондонского Сити, который выступал в сделке продавцом, этот слух гневно опровергали.

В 2006 году американская певица Ферги записала песню London Bridge. Однако на обложке сингла и в видеоклипе фигурирует именно Тауэрский мост.

The post Тауэрский мост appeared first on Блог Милы.

Ингредиенты:

• 1 небольшой кабачок (300-400 гр.),
• 2 помидора,
• 100 г р. сыра фета,
• 1 ст. л. лимонного сока,
• 2 ст. л. растительного масла,
• 2 ст. л. измельченной зелени,
• соль мелкая морская,
• 1/2 ч. л. сахара,
• 1 ч. л. перца, черного или белого

Приготовление:

Кабачок вымыть, очистить и нарезать тонкими лентами, не трогая сердцевину. Нарезать удобно овощечисткой. Ленты присыпать солью, накрыть пленкой и оставить на 1 ч. Также можно натереть кабачок на терке для корейской моркови.

Помидоры вымыть и нарезать тонкими дольками. Сыр фета нарезать кубиками. Смешать лимонный сок, сахар, перец, соль и растительное масло. Кабачок отжать и выложить в миску. Добавить помидоры и сыр. Перемешать и заправить салат.

Итак, салат из кабачков и помидоров с сыром фета готов. Приятного аппетита!

The post Салат из кабачков и помидоров с сыром appeared first on Блог Милы.

Пешеходный бульвар появился в 2004 году, когда Тюменская область отмечала свое 60-летие. Его спроектировали екатеринбургские архитекторы. Прогулочная зона была открыта на месте парка культуры и отдыха и стадиона. Еще ранее (в XIX веке) здесь располагалась Торговая площадь. Но лишь в 2008 бульвар получил название «Цветной», видимо, по примеру Москвы, где на Цветном бульваре, как и в Тюмени, находится цирк.

Здесь садятся на колесо обозрения, чтобы увидеть город и бульвар с высоты птичьего полета. Летом покупают мороженое и наслаждаются прохладой у фонтана.

Зимой берут коньки и катаются по сияющему льду, а после рассматривают удивительные фигуры изо льда. Здесь работает большой каток с разными дорожками и иллюминацией.

На Цветном бульваре проходят крупные городские праздники и фестивали.

Цирк

История Тюменского цирка началась в 1839 году с выступления уличных гимнастов.

Современное здание было построено в 2004 году по проекту тюменского архитектора Игоря Литовко. Стоимость постройки обошлась в 170 миллионов рублей, общая площадь здания составила 5425 м3 , высота — 36 м.

У здания отсутствуют колонны, и все необходимые приспособления закреплены на его потолке. Арена цирка имеет диаметр 13 м, а за представлением могут наблюдать 1600 человек. Цирк также оборудован слоновником на 6 мест и конюшней на 15 стойл.

Скульптурная композиция «Трио»

На Цирковой площади установлены скульптуры трех знаменитых клоунов: Юрия Никулина, Олега Попова и Михаила Румянцева, известного под творческим псевдонимом Карандаш. Все фигуры выполнены в натуральную величину.

Юрий Никулин в клоунских ботинках, костюме и маленькой шляпе замер в необычной позе. Кажется, что он показывал смешную миниатюру и на секунду остановился.

Карандаш стоит рядом со своей любимой собакой Кляксой.

Олег Попов облокотился на небольшой стул, на который присаживаются гости города и жители, чтобы сфотографироваться с клоуном.

Скульптуры клоунов стоят неподалеку друг от друга неслучайно – помимо того, что этих людей связывало общее дело, их судьбы были тесно переплетены. Молодой Никулин начинал свою карьеру в Московском цирке, в группе клоунов под руководством Румянцева, ставшего уже тогда довольно знаменитым, там же Никулин познакомился и с Олегом Поповым.

Работа выполнена Екатеринбургским художественным фондом, как и другие скульптуры, размещенные на Цветном бульваре.

Конек-Горбунок на Цветном бульваре

Скульптура установлена на Цветном бульваре в центре большой цветочной клумбы рядом с детскими аттракционами.

Автор художественного объекта тюменский мастер Игорь Соболев.

Еще одна скульптура Конька-Горбунка находится у Тюменского театра кукол.

Колесо обозрения

Увидеть Тюмень с высоты птичьего полета, полюбоваться городской панорамой можно с тюменского колеса обозрения. Колесо обозрения — это городская достопримечательность и всесезонный аттракцион нового поколения.

Его открыли в 2017 году, его высота составляет 37 м, туристы и горожане могут разместиться в теплых кабинках. Внутри комфортно — есть обогрев зимой и кондиционер летом, и безопасно — кабинки из ударопрочного стекла.

В каждую кабинку вмонтированы динамики, — в «полете» звучит приятная музыка.

Музыкальные часы

Главная особенность и украшение колеса обозрения — музыкальные часы, самые большие в России. Они были торжественно запущены 27 июля 2018 года.

Диаметр циферблата часов 11 м, в центре часов находятся Солнце и Луна. Вокруг них расположились домики 12 сказочных персонажей. Все они знакомы нам по сказкам А. С. Пушкина: Золотой петушок, Русалка, Кот Баюн, Белка, «Свет мой, зеркальце», Старик и Золотая рыбка, Царь Салтан, Баба Яга, Кощей Бессмертный.

Каждый час с 10 до 22 часов открываются часы с музыкой и сказочными героями. В нечетные часы открывается одно «своё» окошечко, и сказочный персонаж начинает приветствовать горожан. Все фигурки двигаются, а у Кощея даже светятся глаза. В четные часы открываются по очереди все окошки циферблата.

Аналогичные часовые музыкальные механизмы есть только в Москве у кукольного театра Сергея Образцова, в Чехии и Грузии.

Интересный факт: герои сказок Пушкина расположились на часах не случайно: именно здесь несколько десятилетий стоял памятник Александру Сергеевичу.

Фонтан «Времена года»

В центре Цветного бульвара находится самый большой фонтан города — «Времена года».

Это подарок от мастеров Екатеринбургского художественного фонда.

Представляет собой шатер из металла и цветного витража, под которым расположились четыре бронзовые статуи молодых женщин в легких развивающихся одеждах.

Фонтан символизирует климат региона в Тюменской области, в котором выражены все времена года — сказочная зима, цветущая весна, жаркое лето и теплая осень.

Летом, в выходные и праздничные дни здесь устраивают шоу — живой танец воды.

Под звуки музыки изменяется напор и высота струй, а лазеры и прожекторы создают световые эффекты.

Фонтан «Времена года» стал центром притяжения для горожан всех возрастов и туристов.

Нежность

Скульптура стоит на сферическом постаменте из стеклополимерного композита. Представляет собой девушку с запрокинутой назад головой.

Автор скульптуры – Георг Геворкян, профессор кафедры композиционно-художественной подготовки Уральской архитектурно-художественной академии, Заслуженный художник России, известный скульптор.

По мнению автора, скульптура воплощает образ женственности, мягкости и нежности.

Мелодия

Скульптуру установили на сферическом постаменте из стеклополимерного композита. Изображает она играющую на флейте древнегреческую музу. Музы — в древнегреческой мифологии дочери Бога Зевса. От муз происходит слово «музыка», первоначально обозначавшее не только музыку, но и любое искусство или науку. Музам посвящали храмы, которые называли «Мусейоны». От этого слова и произошло слово «музей».

Автор скульптуры – Георг Геворкян.

Дальше на Цветном бульваре стоят еще несколько скульптур, но до них я не дошла.

The post Цветной бульвар в Тюмени appeared first on Блог Милы.

У молодого картофеля клубни мелкие, а сахара в них ещё не превратились в крахмал. Этим объясняется особый нежно-сладковатый вкус молодого картофеля.

Ингредиенты:

• 500 г молодого картофеля,
• 1 веточка розмарина,
• 2 зубчика чеснока,
• 1 ст л. оливкового масла,
• 1 ч. л. морской соли.

Приготовление:

Молодой картофель вымыть под проточной водой и обсушить бумажными салфетками. Форму можно застелить фольгой, чтобы потом ее не мыть, и выложить в форму картофель. Смазать картофель растительным маслом.

С веточки розмарина оборвать листочки. Можно использовать как свежий розмарин, так и сушеный. Посыпать картофель розмарином.

Чеснок очистить от шелухи и мелко порубить ножом. Добавить чеснок к картофелю в форму.

Посыпать картофель крупной морской солью. Накрыть форму фольгой и отправить картошку в разогретую до 180-200 градусов С духовку на 35 минут.

Затем снять фольгу и готовить картошку еще минут 10-15, до румяной корочки.

Итак, молодой картофель, запеченный в кожуре в духовке целиком готов. Приятного аппетита!

The post Молодой картофель, запеченный в кожуре в духовке appeared first on Блог Милы.

Первый ярус выполнили из гранита, допускается его затопление в период половодья. Второй предназначен для пеших прогулок. Третий и четвертый уровни оборудовали смотровыми площадками, которые открывают прекрасный вид на водную гладь, прогулочными пешеходными зонами.

Главным украшением набережной в Тюмени являются многочисленные малые скульптуры, расположенные вдоль нее.

По проекту набережная делится на три тематические части: историческая, студенческая и губернская.

Отличить их можно не только по тематике скульптурных изображений, но и по форме фонарей. Архитекторы обыграли даже оформление лестничных перил: исполненные из гранита, они местами напоминают очертаниями волны.

Мы совместили приятное с полезным, а именно прогулялись вдоль этого волшебного и романтичного места и познакомились с местными произведениями монументального искусства.

Перед спуском на набережную мы встретили забавную скульптуру

Соболь

Скульптуру установили на скамье у дворца «Нефтяник». По центру скамейки сидит соболь в пиджаке, бабочке, в правой лапе держит ручку от лорнета, в левой лапе — тросточку. Для размещения соболя выбрали удачный фон — с видом на резиденцию губернатора и ДК «Нефтяник». Рядом можно присесть и сфотографироваться. Соболю-интеллигенту горожане дали имя Тюменьтий.

Автор скульптуры, выполненной из металла — тюменский скульптор Станислав Черновасиленко.

Причал Императора

Участок набережной от моста Челюскинцев до Масловского взвоза – так называемый причал Императора. В XIX веке здесь находились пристань и речной вокзал.

Участок включает в себя первую тюменскую железнодорожную станцию, Масловский взвоз, два каменных пакгауза, водонасосную станцию. Памятники архитектуры отреставрировали и передали городу.

Мост Челюскинцев

В октябре 1961 года по новому мосту пустили движение транспорта. Общая длина пролетов 318,5 метров, ширина – 14 метров.

Мост имеет особенность – иллюзию наклона в сторону левого, более низкого берега. На самом деле центральный пролет моста стоит строго горизонтально, как и положено, а вот пролеты, идущие от него к берегам, слегка наклонены.

А в 2015 году открылось движение транспорта по мосту-дублеру.

На набережной на опорах моста нарисовали несколько граффити.

Синичка на окне

Скульптура синички на окне вдохновлена строками из дневника Михаила Пришвина. Отрывок про тюменскую птичку русского писателя и прозаика также можно прочесть на арт-объекте. «В Тюмени, мне 19 лет, синичка на окне. И мое необычайное волнение от чувства связи их мира и нашего. Встреча с этой синичкой осталась на всю жизнь, как загадка и как задача выразить в этом себя самого». Русский и советский прозаик и публицист начал свой литературный путь именно в Тюмени.

Студенты

Эту часть набережной называют «Университетской».

Ее  украшают две скульптурные композиции, символизирующие студенчество. Скульптор:  Вострецов Геннадий Петрович.

Первая композиция является символом студенческих лет XIX века, в период, когда в Тюмени не было университетов, а только Александровское реальное училище.

Характерные костюмы, прически и песочные часы – такими видит художник учащихся позапрошлого века. В центре композиции – преподаватель, с одной стороны девушка
из женской гимназии, с другой стороны – юноша из реального училища.

Вторая скульптурная композиция символизирует студенчество XX-XXI столетий — время, когда в Тюмени было создано сразу два крупнейших вуза.

Юноша, преподаватель и атрибуты нашего времени: одежда, мобильный телефон, калькулятор. Это не конкретные люди, а собирательный образ – то, как видит современную молодежь автор.

Между скульптурами студентов стекает каскадный фонтан с водопадом, который зимой, естественно, не работал.

Далее, в исторической части набережной, находится три скульптуры. Все их установили в 2010 году. В течение трех месяцев их изготовил Екатеринбургский художественный фонд, руководит которым Сергей Титлинов. Сроки были сжатыми, поэтому скульпторы работали в несколько смен, чтобы сделать качественные эскизы и отлить фигуры.

Первому судостроительному заводу в Сибири

Скульптурная композиция посвящена основателям судостроения в Западной Сибири. Основоположниками развития судового строительства и сообщения в Сибири принято считать инженера, основателя механических мастерских в XIX веке Гектора Ивановича Гуллета и купца первой гильдии, учредителя «Товарищества Западно-Сибирского пароходства и торговли» и первой в Сибири судостроительной компании Ивана Ивановича Игнатова.

Именно на заводе Гуллета построили пароход «Русь», на котором после революции прибыл в Тобольск из Тюмени свергнутый император Николай II. В свою очередь, завод товарищества «Курчатов и Игнатов» в 1887 году выпустил грузопассажирский речной пароход «Святитель Николай», на котором позже В. И. Ленин был отправлен в ссылку. В память о выдающихся мастерах своего дела на набережной и установили скульптурную композицию «Первому судостроительному заводу в Сибири». Памятник символизирует тесное взаимодействие двух ремёсел, повлиявших на развитие судостроения и торговли в регионе.

Вверху изображен пароход «Основа». По легенде, его хотели назвать «Основатель», но вся надпись не вошла, и решили оставить ее сокращенный вариант. Первый пароход спустили не в Тюмени, но на реку Тура, в районе села Туринская слобода, сейчас это Свердловская область.

В начале ХХ века Тюмень стала одним из крупнейших в России центров судостроительства и судоходства. В Обь-Иртышском пароходстве работало 191 паровое судно, 135 из них было построено в Тюмени.

Композиция «Великим Камчатским экспедициям»

Композиция «Великим Камчатским экспедициям» прославляет имя капитана-командора Витуса Беринга – выдающегося мореплавателя, офицера русского флота. Именно под его командованием проведены Первая и Вторая Камчатские экспедиции в середине XVIII века, ставшие поистине величайшими исследованиями в области географии, биологии, ботаники и этнографии своего времени.

Чтобы увековечить подвиг путешественника, на набережной реки Туры установлена его бронзовая фигура: Беринг устремил свой взгляд в сторону реки и смело ведёт за собой корабль вперёд навстречу неизвестности. Рядом размещена историческая заметка, представленная в форме свитка. Интересен факт, что Тюмень может похвастаться самой точной копией портрета Беринга – её воссоздали учёные из Института судебной медицины РФ, основываясь на данных и материалах, полученных в результате длительного изучения сохранившейся о мореплавателе информации.

Как же этот город связан с северными путешествиями, если находится в центре России? Ответ прост: маршрут экспедиции был проложен через Тюмень, поэтому мореплаватель наносил визит каждый раз, когда отправлялся на Камчатку. Во времена первой экспедиции команда Беринга посещала город в 1725 и 1730 годах, а в 1733 году, во время Великой Камчатской экспедиции, они останавливались в Ямской слободе. Благодаря этим событиям город вошёл в историю географических открытий, позволивших укрепить территориальную целостность Российской империи и открыть научному миру ранее неизвестные виды животных и растений.

Учёные узнали, что пролив между Америкой и Азией существует, что представляет собой Северный Ледовитый океан и как выглядит берег Северной Америки. На карту нанесены Южные Курильские острова и обследованы побережья Камчатки, Охотского моря и отдельные участки побережья Японии – с этого начинается знакомство с Дальним Востоком нашей страны.

Сибирские картографы

Дальше стоит посвящение сибирским картографам. Это скульптура Семёна Ремезова — картографа, историка, географа, архитектора.

По поручению российского правительства им составлены три уникальных атласа: «Хорографическая книга Сибири», «Чертежная книга Сибири» и «Служебная книга Сибири». Все они являются ценнейшими памятниками русской картографии. Благодаря его работам исследователи российских территорий получили возможность выстроить более точный маршрут своих экспедиций.

Если рассмотреть скульптуру, то на втором плане изображен «Чертеж сибирских градов и земель», та книга, которую создал Ремезов. По сути, первая карта Тюмени была написана именно Семеном Ульяновичем. На верхней части монумента есть изображение Тобольского кремля – это главное детище Семена Ремезова. Кремль был построен в конце 17 века именно по его проекту.

Вдоль прогулочной зоны в исторической части набережной установлены бронзовые барельефы на темы истории Тюмени.

Барельефы

Излюбленное жителями города место для прогулок привлекает не только широтой пространства и красивым видом, но и своими культурными объектами. В каждом барельефе вдоль набережной хранится великое прошлое города в событиях и лицах. 

Над этим культурным объектом трудилось около тридцати архитекторов, скульпторов и художников, чтобы сделать главное городское место отдыха не только красивым, но и познавательным.

Бронзовые скульптуры и барельефы посвящены прошлому Тюмени. По сути, здесь создан музей под открытым небом. Зайти в него может любой желающий, но разгадать все секреты, зашифрованные в композициях, без помощи экскурсовода получится только у посетителей, хорошо знакомых с краеведением.

Ремёсла

В бронзе отражены и главные промыслы, развитые в Тюмени в XVIII-XIX веках.

Объемные картины полны загадок,

разобраться поможет историческая справка, которая рассказывает о том, сколько различных ремесел было в городе.

Из самых узнаваемых – элементы уникальной деревянной резьбы – объемного и глухого типа. При изготовлении барельефа использовали реальные тюменские наличники, имеющие высокую художественную ценность.

В галерее барельефов

имеются изображения

стеклодувного и колокольного производства, кузнечного дела.

Общеизвестно, что колокола завода Гилевых ценились по всей России и далеко за ее пределами. Они были настоящей гордостью Тюмени.

Есть здесь и сюжет, отображающий процесс кожевенного производства, которое было развито в Тюмени.

Еще одна из картин – девушка, сидящая за ткацким станом, изготавливающая ковер.

Тюменский ковер был знаменит на весь мир. Натуральный, шерстяной, с яркими бутонами на черном поле. Возле ног ткачихи сидит домашняя кошка, которую также полюбили посетители набережной.

Основатели Тюмени

Тюмень — первый русский город в Сибири, город с богатой историей. Он был основан 29 июля 1586 года воеводами Василием Сукиным и Иваном Мясным как крепость в устье реки Тюменка на древней караванной дороге из Средней Азии в Поволжье, на земле, за которую шла вековая борьба кочевников Южной Сибири. Следующий цикл композиций посвятили основателям города. Здесь изобразили тюменский острог, а также известные памятники архитектуры и знаковые места.

Видим узнаваемые здания: Знаменский кафедральный собор, Вознесенско-Георгиевский храм, Свято-Троицкий монастырь, мусульманская мечеть, католический собор, синагога, бывшее здание городской управы, здание музея-усадьбы Колокольниковых. Изобразили и Благовещенский собор, который взорвали в советские годы.

Прибытие Ермака на Сибирскую землю

Третий барельеф связан с прибытием атамана Ермака со своим отрядом на Сибирскую землю. На барельефе мы видим струги, на которых по реке Тура проходило войско Ермака. В 1582 году на Иртыше состоялось главное сражение с ханом Кучумом. По сути, все три барельефа рассказывают о том, что было на этой территории до создания Тюмени.

Чимги-Тура

Следующий барельеф посвящен первому городу Чимги-Тура, который находился на территории исторического центра Тюмени. Здесь традиционно проживали сибирские татары.

Охота древних людей

Первые три барельефа связаны с древней историей города. Один из них «Охота древних людей» повествует о том периоде, когда в наших краях жили такие животные как бизоны, мамонты, шерстистые носороги, пещерные медведи. И здесь уместно вспомнить один из самых известных экспонатов тюменского музея «Городская Дума» — скелет мамонта.

Скелет шерстистого мамонта был найден в 1885 году на берегу Туры. Экспедиция во главе с Иваном Яковлевичем Словцовым провела раскопки и обнаружила полный скелет древнего животного. Это один из самых высоких в стране скелетов мамонта. Его высота 3 метра 41 см. Экспонат появился в музее до революции и находится в нем по сей день. 

Мост влюблённых

Звание самого романтичного места в Тюмени по праву носит вантовый пешеходный мост через реку Туру недалеко от набережной города. Раньше мост носил название просто «Пешеходный» – чем же он заслужил своё современное название? Есть две легенды, связанные с историей современного названия сооружения.

Первая история повествует о том, что ещё в 1737 году великий учёный Стеллер познакомился с Эллен Бригиттой, вдовой известного исследователя Северо-Восточной Азии Даниэля Готлиба Мессершмидта, и сразу в неё влюбился – да настолько, что в этом же году и женился на ней. Счастье молодых было недолгим, так как в том же 1737 году Стеллер в качестве ассистента отправился в экспедицию и расстался с любимой навсегда.

Вторая версия современного названия пешеходного виадука берёт своё начало в 2003 году. Именно тогда местные диджеи организовали на нём конкурс на «Самый долгий поцелуй», который привлёк внимание большого количества жителей и гостей города. После этого главе города предложили переименовать мост и вместо Пешеходного назвать Мостом Влюблённых. 

Новое имя так полюбилось тюменцам, что начало себя оправдывать: прогулки здесь стали особой традицией для молодых пар, а на перилах можно увидеть многочисленные замки, оставленные новобрачными в знак долгой любви. Их даже пришлось уже срезать, так как вес замков составил 3,5 тонны — а это серьезная дополнительная нагрузка.

После реконструкции 2016–2017 годов мост заиграл новыми красками: вдоль ограждений и на пилонах сооружения установили современную динамическую управляемую осветительную установку. Официальное открытие обновлённого моста состоялось 29 июля 2017 года в День рождения города Тюмени. В честь праздника на Мосту Влюблённых состоялось грандиозное светомузыкальное шоу.

Теперь подсветку включают ежедневно в вечернее время – с ней мост превращается в непревзойдённую по красоте площадку для романтических прогулок. Кроме того, это место пользуется популярностью у любителей экстремального спорта: часто можно увидеть людей, прыгающих с одной опоры на другую.

Вид с моста раскрывает необычайную контрастность города, ведь в одну сторону посетители видят деревянные постройки времён начала освоения Сибири, но, если повернутся, перед ними развернётся панорама современного города.

Набережная продолжается и дальше. Так, сразу за мостом влюблённых на ней расположился каток. Но мы не пошли туда, а вышли с моста в город.

Исторический сквер

Что общего между Исторической площадью в Тюмени и социализмом? И то и другое начинается с Ленина и Республики! Если быть точнее, то площадь, также известная как Исторический сквер, находится в начале улиц Республики и Ленина и выступает площадкой для проведения крупных городских мероприятий.

Отсюда берёт начало Тюмень – на одном из самых высоких мест города больше 400 лет назад казаки под предводительством воевод Василия Сукина и Ивана Мясного построили первую деревянную крепость на берегу Туры. Кто бы мог подумать, что она положит начало огромному городу! К сожалению, непредсказуемая река в одночасье затопила постройку, однако в настоящее время неподалёку от этого места установлен камень-памятник, подсказывающий посетителям, что «На этом месте 29 июля 1586 года был основан город Тюмень», и ставший символом города.

Главное на площади — Мемориал памяти погибших воинов Великой Отечественной войны, где горит Вечный огонь. Он открыт еще в 1968 году, но к 70-летию Победы его реконструировали и полностью обновили барельеф.

Рядом в здании бывшей Городской Думы Тюмени размещается один из музеев Музейного комплекса имени И. Я. Словцова.

Иван Яковлевич Словцов — педагог, ученый, исследователь Сибири, принимавший участие в многочисленных экспедициях по Уралу, Западной Сибири, Средней Азии. Он был страстным коллекционером, его коллекции сибирских древностей составили основу Омского и Тюменского музеев.

Само здание — памятник архитектуры, одно из первых каменных гражданских зданий Тюмени. Его построили в 30-х годах XIX века, а башенные часы с боем на фасаде изготовил в 1857 году крестьянин Успенской волости А. Трусов. Краеведческий музей в здании был открыт еще в 1922 году.

Памятник Ермаку

Ещё одна композиция, украшающая площадь – памятник знаменитому казачьему завоевателю и землепроходцу Ермаку Тимофеевичу, установленный в 1992 году к 410-летию Сибирского Казачьего Войска. Монумент представляет собой чёрный металлический крест с гранитным камнем. История гласит, что знаменитый атаман зимовал в той самой крепости перед сражением с татарским ханом Кучумом. В настоящее время у Тюменского казачьего Союза Казаков России сложилась особая традиция: посвящать новобранцев в свои ряды у Поклонного креста.

Имя Ермака также носит сквер, расположенный около площади.  Удивительно, что раньше (с 1952 года) на месте монумента великому атаману стояла статуя В. И. Ленина, но в конце 80-х годов её убрали.

На этом наша прогулка по набережной завершилась.

The post Набережная Тюмени, уникальная, четырёхуровневая appeared first on Блог Милы.

Ингредиенты:

• 1 небольшой кабачок (300-400 гр.),
• 2 помидора,
• 1 ст. л. лимонного сока,
• 2 ст. л. растительного масла,
• 2 ст. л. измельченной зелени,
• соль мелкая морская,
• 1/2 ч. л. сахара,
• 1 ч. л. перца, черного или белого

Приготовление:

Кабачок вымыть, очистить и нарезать тонкими лентами, не трогая сердцевину. Нарезать удобно овощечисткой. Ленты присыпать солью, накрыть пленкой и оставить на 1 ч.

Помидоры вымыть и нарезать тонкими дольками. Смешать лимонный сок, сахар, перец, соль и растительное масло. Кабачок отжать и выложить в миску. Добавить помидоры. Перемешать и заправить салат.

Итак, салат с кабачками и помидорами готов. Приятного аппетита!

The post Салат с кабачками и помидорами appeared first on Блог Милы.

Золотое семейство кошачьих прекрасно видно издалека! А в сумерках сквер с его пушистыми обитателями выглядит по-особенному таинственно и сказочно: шерстка котов красиво блестит в свете уличных фонарей.

До 2008 года аллея в Центральном округе Тюмени просто соединяла улицы Ленина и Республики, и была безымянной. Ко Дню города прошел конкурс на лучшую идею по новому оформлению пространства аллеи. Победитель конкурса Инна Евгеньевна Диева предложила превратить безымянный сквер в Аллею кошек.

Они свисают с постаментов в самых разных позах, не желая позировать никому, как поступают и обычные усатые. Кажется, что еще чуть-чуть — и гордые животные уйдут из-под прицела фотоаппарата.

12 кошек выполнены из чугуна и покрыты золотистой краской, а принадлежат они руке скульптора Марины Альчибаевой. Фигурки кошек родом с Южного Урала, Их отлили из чугуна на знаменитом заводе в Каслях. Авторы литья также из Челябинской области: Елена Зимина (г. Касли), Светлана Глазкова (г. Кыштым), Павел Пахаруков (г. Карталы).

Почему кошки?

Сквер сибирских кошек — место с историей! Место названо в честь спасительниц блокадного Ленинграда. Его не смогли оккупировать гитлеровцы, но практически захватили крысы. Миллионы грызунов поедали скудные запасы съестного, уничтожали произведения искусства, нападали на обессиленных людей и могли погубить блокадников, распространяя смертельную эпидемию.

С крысами смогли справиться только кошки! Сначала пушистиков завезли из Ярославской области, затем отправили пятитысячный «десант» из Западной Сибири.

Согласно легенде, тюменские милиционеры, собиравшие ополчение из домашних животных, первым добровольцем записали черно-белого кота Амура, которого хозяйка принесла на приемный пункт.

Сибирских крысоловов использовали, в частности, для охраны художественных ценностей в музеях и дворцах. Потомки тех самых кошек до сих пор официально служат в Эрмитаже.

The post Сквер сибирских кошек appeared first on Блог Милы.

Ингредиенты:

Для начинки:

• Куриное филе — 3 шт.
• Лук репчатый — 1 шт.
• Сыр — 100-150 г
• Сливки 10% — 200 мл
• Соль — по вкусу
• Перец — по вкусу
• Масло растительное — для жарки

Приготовление:

Приготовить тонкие блины на молоке (или кефире). Я сделала из 750 мл жидкости.

Сыр натереть на терке, куриное филе мелко нарезать, лук очистить и тоже мелко нарезать.

На растительном масле обжарить лук. Добавить куриное филе, посолить и поперчить по вкусу. Обжарить до полуготовности (3 минуты).

Добавить сливки и сыр (часть сыра оставить для посыпания фаршированных блинов). Готовить начинку до загустения. Снять с плиты, дать немного остыть.

В блинчики положить приготовленную начинку и свернуть конвертиком. Выложить конвертики из блинов в смазанную маслом форму или на противень, застеленный бумагой для выпечки, посыпать сыром и отправить в разогретую до 200 градусов духовку. Запекать блинчики с начинкой примерно 15-20 мин.

Итак, запеченные блинчики с начинкой из куриного филе и сыра готовы. Приятного аппетита!

The post Запеченные блинчики с начинкой из куриного филе и сыра appeared first on Блог Милы.

Такая тишина, что хочется шептать

Автор Любовь Скоропупова.

Адрес ул. Герцена, 80.

Любовь Скоропупова — это художница Александра Мельникова. Псевдоним взяла по фамилии бабушки. Начала рисовать на улицах в Петербурге — сначала в мозаичном дворе, потом в арке на Фонтанке. Затем проекты вышли за пределы города — работы появились в Тюмени, Владивостоке.

Затерявшийся в городской сети маленький сельский домик, в окружении сада, на фоне заката, как напоминание об истоках становления первого сибирского города и знаменитой фразы «Тюмень – столица деревень». Только еще десятилетие назад это было даже обидно, не дотягивал город до современных городских стандартов качества, а сейчас звучит очень трогательно. Тюмень быстро развивается и с каждым годом выглядит все современнее, становится инновационнее.

Жизнь в таком домике в наше время – настоящая романтика, в окружении вишни, с растущим во дворе базиликом, мятой и неспешными разговорами на закате по вечерам, больше не нужно заниматься сенокосом или заводить хозяйство. Село – это символ тесной связи с природой, тишина, шелест листьев, пение птиц. В домике видны милые душевные интерьеры со шторами в горошек, сельская пара вышла во двор за малиной к вечернему чаю после работы.

Появляется ещё характерный для города зелёный забор. Заборов много и в селах, каждый уникальный. На этом зелёном деревянном заборе рисунки и надписи, новый вид холста и намёк на рассвет уличного искусства в городе. Здесь же есть и характерная отсылка к знаменитому тюменскому деревянному зодчеству и тюменскому наличнику.

Эскиз дома вплетается в фасад и взаимодействует с игрой света, появляется там, где по вечерам отбрасывается тень, как будто и село уходит в тень, оно уже не во главе, но и его ждет рассвет. Ведь русские домики уникальны своей изобретательностью, ярким наивным визуалом и устройством! Это про труд, стремление и самобытную красоту.

Цвета в работе максимально чистые и яркие: оранжевые, голубые. Они превращают теневой двор в солнечное пятно, напоминая нам о лете, теплых днях, бескрайнем небе и широком поле. Техника наивного свободного рисования баллоном вторит идее о самобытности, ручном труде, желании каждого человека проявить себя творческого.

10к

Автор Ян Посадский.

Адрес ул. Володарского, 22.

На здании изображен самый большой арт площадью 567 кв.м.

Многие считают, что слово «Тюмень» произошло от монгольского «тумен» — воинское соединение в 10 000 человек. Одной из ассоциаций художника с десятью тысячами оказалась купюра. Стрит-арт отсылает к купюре номиналом в 10 000 рублей времён конца 90-х. Купюра изображена узнаваемой, но вместо Красноярска — Тюмень начала 20 века, вместо часовни — нефтяная вышка, сверху — курс доллара.

Так в работе появляется актуальная повестка: тут и падение цен на нефть, и намек на то, что тюменская нефть не только обогатила экономику, но и подсадила её на иглу.

Работа создавалась в 2020-м и удивительно актуальной выглядит именно сейчас.

Музыка

Автор Ян Посадский.

Адрес в сквере Згерского на ул. Республики, 29.

Работа вдохновлена историей первого директора Тюменской филармонии — Леонида Згерского.

Картину на стене старой тюменской швейной фабрики создавали на протяжении недели в ночное время, с 22:00 до четырех часов утра. В сумме работа заняла 35 часов. Используя множество архивных материалов, которые предоставили сотрудники филармонии и родственники Згерского, художник создал мурал в полуабстрактной манере, отражающей связь Леонида Мечиславовича с музыкой и Тюменью.

Мурал состоит из двух частей. Основу левой части составляют фотографии здания и барельефа тюменской филармонии 70-х годов, а также профиль Леонида Згерского и руки дирижера. В правую часть вписана схема отрывка песни Юрия Гуляева на стихи Роберта Рождественского «Желаю вам». Выбор композиции не случаен: именем этого легендарного советского исполнителя назван один из концертных залов Тюменской филармонии.

Песню можно воспроизвести при помощи технологии Virtual ANS — симулятора фотоэлектронного синтезатора АНС, который впервые позволил рисовать музыку в виде спектрограммы без участия живых инструментов и исполнителей. АНС создал советский изобретатель Евгений Мурзин в период с 1938 по 1958 год.

Панно из серии «Архитектура»

Автор Светлана Растебена.

Адрес Челюскинцев, 30.

Светлана Растебина — художница и мозаичистка, которая заскучала в профессии архитектора и вырвалась из прагматики офисов в мозаичную романтику, открыв бренд Rastebina.

Композиция — это всегда отпечаток впечатлений Светланы. Для фестиваля она вместе с помощницей разработала эскиз в контексте своей коллекции мозаик под названием «Архитектура».

Работа вписывается в городскую среду и привлекает внимание цветовой гаммой, где использована градация ультрамаринового цвета. Это цвет моря, неба и чистоты.

В 2021 году Светлана Растебина подарила городу одно мозаичное панно. Но в заборе было еще три лопасти, куда просились мозаичные работы. Решили заполнить их в соответствии с эскизом Светы, но теперь – вместе с жителями, организовав лабораторию. Присоединиться мог любой тюменец. 21 день 300 человек резали и клеили плитку в мастерской.

Мальчик с парусником

Адрес сквер Владислава Крапивина на ул. Ленина.

Это симбиоз стрит-арта и иллюстрации. Композиция собрана из разных иллюстраций произведений Крапивина, автор этих рисунков — Евгения Стерлигова. В результате получился коллаж, но изображения очень узнаваемы. Особенность такой картины на стене дома — это момент недосказанности. Ведь это иллюстрация к художественному произведению. Для картины на стене выбран монохром в кирпичном тоне.

Жауме Молера

Автор Жауме Молера.

Адрес Ленина, 29.

Жауме Молера — уличный художник и живописец из Барселоны (Испания), имеет степень по изобразительному искусству Барселонского университета. Первый иностранный участник «Морфологии улиц».

На картине изображены фрукты в стиле, близком к абстракционизму. Конечно, здесь есть определенный смысл, но мне нравится, когда люди видят что-то свое, поэтому я не люблю раскрывать ту идею, которая была у меня. Очень занимательно, как по-разному люди могут смотреть на одну и ту же картину, находя каждый свое объяснение увиденному.

Тюменский ковёр

Авторы команда «ДАЙТЕ СТЕНУ» — команда художников из Тюмени: Саша Мельникова, Василий Кирилов, Александр Кузьмин, Савелий Мельчаков.

Адрес Красина, 10 / Ленина, 9.

Это изображение традиционного тюменского ковра. Внутри работы спрятаны «пасхалки». Там есть область, где пространство сжимается, появляется глитч, как будто это место – портал.

Есть мнение, что деревня — это что-то старое, колхозное, безвкусное. Хочется это изменить и гордиться слоганом «Тюмень — столица деревень», поднять планку до уровня швейцарской деревни. Донести, что деревня — это круто, там есть душа, семейные ценности и традиции, а еще теплые воспоминания.

«Я начала работать с этой темой, когда жила в деревне Нариманова в Тюменской области. Уникальные разномастные домики, колодца с чистейшей ледяной водой, бабушки и дедушки, походы в лес за ягодами и грибами, пробежки в поле. Деревня или дача за городом подпитывает и восполняет энергию. Это возвращение к корням.

Работа создана специально для этого места и фасада, который не равномерный, а очень интересный и со своей уникальной историей. Вокруг дома академическая кирпичная застройка, много учебных корпусов, старый жилой фонд. Несколько недель ушло на создание эскиза, который обсуждали с архитекторами, жильцами дома, командой. Решили сделать более современную версию ковра не на черном, а на кирпичном фоне. Полностью готовую стену мы увидели за неделю до начала, после демонтажа баннера и плитки, поэтому эскиз дорабатывали буквально перед разметкой. Наша миссия как художников заключалась в том, чтобы поработать с контекстом стены и сохранить ее идентичность», — рассказала Саша Мельникова.

Оборачиваемость

Автор Астро.

Адрес ул. Перекопская, 15а.

Иван Астро — уральский художник, который живет и работает в Москве. Его работы можно встретить в Германии, Финляндии, Индонезии, Таиланде, Израиле.

Внимание к сигналам — тема новой работы Ивана в Тюмени. Мы многое не замечаем вокруг себя, поэтому художник предлагает не сбрасывать звонки от жизни, а научиться видеть взаимосвязи событий и принимать решения.

Эскиз создавался в паре с работой другого участника фестиваля Романа Kreemos (Смешанные чувства), для Астро это стало экспериментом. Хоть ребятам и не удалось разместить работы рядом, но связь между ними сохранилась.

Тропические сны

Автор Светлана Бабичева

Адрес ул. Республики, 3 к. 1.

Это первый проект художницы, и она захотела сделать его ярким и нетипичным. Когда еще увидишь в Сибири столько тропических оттенков, цветов? А теперь они здесь есть.

Вера, Надежда, Любовь

Автор Владислав Тахтау.

Адрес под мостом «Челюскинцев».

Граффити было создано в рамках проекта «Большая история», приуроченного к Году памяти и славы в Российской Федерации. Композиция олицетворяет женщин разных возрастов в период Великой Отечественной войны. Находясь на фронте и в тылу, они приближали Победу, внося свой неоценимый вклад в общее дело

Первой изображена девочка — ребенок военного времени. Всего на тюменской земле в 1941-1943 годах было создано 97 детских домов, детских интернатов и ясельных групп, которые приняли более 12 тысяч детей из блокадного Ленинграда, Москвы, Украины, Калмыкии, других регионов и городов нашей страны.

Центральной фигурой арт-объекта стала отважная участница партизанского движения, Герой Советского Союза Мария (Марите) Мельникайте. В начале войны она была эвакуирована из Литвы в Тюмень, где до ухода на фронт работала на заводе «Механик».

Справа изображена пожилая женщина, ветеран Великой Отечественной войны. Она символизирует Родину и спокойствие.

Конёк — Горбунок

Автор Андрей Егоров.

Адрес Челюскинцев, 6к1 (Опоры моста).

Это граффити, на котором изобразили героев известного произведения П. Ершова. Сказка «Конек-Горбунок» широко известна за пределами России. Автору удалось создать гениальное произведение, взяв за основу сибирские сказания. Граффити получилось четырехметровым в ширину и 11-метровым в длину.

На стене гаража по адресу ул. Сакко, 32 представлена целая галерея граффити

Ласка

Автор ANTONIA LEV

Адрес Сакко, 32

 художница из Москвы. Ее работы есть в городах России, Грузии, Великобритании. Мечтает порисовать с испанским художником Рикардо Каволо.

Я задумывала, что моя работа будет находиться в ласковых отношениях с окружающей средой. Постаралась гармонизировать цвета, сделать так, чтобы они подходили под архитектуру места. Структура надписей и квадратов в работе играет с городскими вывесками и рекламой. Эта стена должна эмоционально смягчать людей, проходящих мимо. Мне бы хотелось, чтобы в их душе возникало чувство ласки, которого многим из нас не хватает.

Фуга

Автор 5307.

Адрес Сакко, 32

Под псевдонимом 5307 скрывается Валентин Бобров — уличный художник из Челябинска. Он рисует уже 10 лет в Челябинске, Ростове-на-Дону, Санкт-Петербурге и Нижнем Новгороде. Последние годы увлекается абстрактной живописью.

«Фуга» — его работа о визуализации музыкальной формы. Если проще — 5307 изобразил звуки и непроизвольно возникающие в связи с ними абстрактные образы. Художник понимает, что понятной картина может быть не каждому, но главное — контакт с изображением на уровне эмоций.

«В моей работе звуки вызывают ощущение цвета, появляется разнообразие форм, которое постепенно деформируется в более сложные сочетания. Обычно я не вкладываю какие-то смыслы в свои работы. Для меня это в первую очередь работа с пространством, цветом и композицией», — отметил Бобров

Мы разные

Автор Тина Прохорова (Tinstwin).

Адрес Сакко, 32

Мы все очень разные. Это помогает нам не замыкаться в глобальном масштабе, смотреть на мир под разными ракурсами и видеть больше. Идея проекта — поддержать индивидуальность в человеке. На стене есть композиция из разных персонажей — крупных и миниатюрных, угловатых и круглых, веселых и грустных. А еще есть свободное место, куда может встать любой желающий, сфотографироваться и показать себя — особенного, ни на кого не похожего.

Тина Прохорова (Tinstwin) — графический дизайнер и стрит-арт художница из Санкт-Петербурга. Рисовала не только в своем городе, но и в Москве, Тбилиси, Новотроицке и Всеволожске. «Когда ты начинаешь заниматься стрит-артом, это означает, что ты хочешь обратиться к людям. Это желание впервые появилось у меня в 2010 году — тогда началась моя история на улице. В то время я делала плакаты, выбегала из дома под покровом ночи, клеила их и убегала обратно. Когда у тебя есть какая-то идея, ей хочется поделиться, обратить внимание людей. И вот тогда ты выходишь на улицу. А так, в принципе, можно и дома спокойно рисовать».

Идея этой работы «Мы разные» — поддержать индивидуальность.  Быть другим — не значит не вписываться, это значит дополнять общую картину так, как не может никто другой. Быть исключительным и единственным — не значит быть одиноким, это значит быть уникальным алмазом среди других драгоценных камней.

Всем привет, я в домике

Автор Эрик Железка.

Адрес Сакко, 32.

Примитивная и наивная работа с наивным и примитивным сюжетом: главный герой, уличный художник, спрятался в домике, сложив характерным образом руки над головой.

Он на время отстранился от круговорота событий, взял передышку. Слева и справа от него – несколько других персонажей: машина – олицетворение опасностей, трехголовая акула – символ внутренних демонов, рядом с ней – ангел-хранитель на велосипеде, который уравнивает ситуацию и помогает главному герою справиться со всеми опасностями.

Арка — это всегда эхо

Автор Анастасия Думаева

Адрес арка дома на Свердлова, 22.

Арка — это всегда эхо, звуковое эхо или метафоричное эхо воспоминаний. В работе заложены одновременно моя личная история и общий контекст места. Тема фестиваля — внутренний дом.

Личное: я рисую текстуры из квартиры моей покойной тети, по которой я очень скучаю. Там прошла часть моего детства. Моя сестра записала мне аудио, как все там выглядит. Я использую свои детские и подростковые воспоминания и одновременно аудиозапись сестры для воспроизведения текстур из квартиры на стене в реальном времени.

Общее: работа находится в арке дома, и я выношу текстуры из квартиры на улицу, они будто проступают через стены многоквартирного дома. В Тюмень переезжают люди с севера жить, переезжают учиться, дети вырастают и находят отдельное жилье. Мне кажется, что яркие обои, ковры — это общая постсоветская традиция. И части дома из моего детства могут напомнить прохожим об их доме, из которого они уехали, вспомнить его тепло и уют, ведь это то, что всегда с тобой в твоем сердце.

Литературный Бульвар

Автор арт-группа «Цвет города».

Адрес в районе улиц Советская, Ванцетти, Елецкая.

Расположен на «крыше» подземного паркинга, так художественно обыграны наземные выводы вентиляционных шахт и въезд в паркинг. Открыт летом 2013-го.

Начинается путешествие, конечно же, с Тюмени. Далеко не Европа, но это единственное исключение. Жители города легко угадают знаменитую тюменскую водонапорную башню, расположенную в самом центре города. Наличие фламинго говорит не о том, что здесь что-то не так, просто Тюмень в данном случае по мотивам произведений Владислава Крапивина, а в них возможно все.

Дальше из крапивинской Тюмени попадаем в булгаковскую Москву. Что вполне естественно и с географической точки зрения.

Из Москвы в Европу попадаем через средневековый Париж и шпаги мушкетеров.

Потом Лондон, на одной стороне, конечно же, Бейкер стрит, 12 В.

Дальше Ромео и Джульетта, слившиеся в объятиях.

Социум

Автор — Александра Мельникова.

Адрес пересечение улиц Хохрякова и 8 Марта.

Работа посвящена социуму и месту личного пространства в нем.

«Мне всегда хочется говорить о том, что тревожит и волнует, затрагивает внутренний мир. Очень круто иногда смотреть на окружающее закрытыми глазами, замечать то, что скрыто. Эскиз не привязан к конкретной локации. Он про людей и для людей, а место — это люди».

Арт сделан в технике freehand. «Свободной рукой создаются такие наивные, казалось бы, рисунки. Работа получается очень сочная и яркая — надеюсь, она будет влиять на настроение прохожих».

На кирпичных домах с ремонтными мастерскими и автосервисом на улице Северная расположилась целая арт-галерея.

Без названия

Авторы команда MORS

Адрес Северная, 9.

На стене Северной, 9 художники тюменской творческой команды изобразили яркую загадочную девушку, которая отворачивается от шума и суеты города. Она хочет раствориться в его архитектуре, распадается на простые фигуры и собирается снова.

Взгляд в прошлое

Автор Вячеслав Moff.

Адрес Северная, 9.

Пермский художник Вячеслава Каменских вообще любит технологии и размышления о будущем. Вот и в Перми он изобразил 15-метровую девушку в стиле киберпанк: «В рисунке есть только отголоски общего смысла, но четкого посыла — нет.  Он рассчитан на зрителя, который увидит, сам придумает историю, выдвинет теорию и поделится мнением с другом, в социальных сетях. Это и интересно в творчестве».

Картина расколота на две части: новый мир выглядит насыщенно и ярко, но туманный отголосок древности накрывает зрителя мягкой вуалью сакуры и влаги. Героиня сюжета ищет в прошлом идеи, вдохновение и ответы, а тенденции прошлого повторяются снова и снова, зацикливая эпохи.

Танец

Автор Максим Има.

Адрес Северная, 9.

Работа является примером двойственности, характерной для его искусства. На первый взгляд — это просто абстрактная композиция, но если присмотреться повнимательнее, то становится ясно, почему она называется «Танец». Это оммаж на знаковую эрмитажную картину французского художника-фовиста Анри Матисса, «спрятанный» за фантазийным сюжетом с изгибающимися формами и цветами, далекими от оригинала. Отсылка к амбивалентности прослеживается и в технике создания работы. Помимо сиреневого фона, здесь есть слой структур, выполненных в темных тонах. Поверх них были нанесены более графичные и яркие элементы, которые сплетаются словно звенья цепи в основной массив изображения.

Счастье — это не просто быть вместе, а прочный союз, помогающий двигаться по жизни в такт с музыкой.

Смешанные чувства

Автор Kreemos.

Адрес Северная, 9.

Роман Kreemos — художник из Подольска. Рисует на улицах уже 13 лет. Отличительной чертой его работ стали типографика и геометрические композиции.

«Возможно, мы слегка стопоримся, когда не можем проанализировать пестрый клубок чувств. В таком состоянии мы видим героиню моей картины. Неизвестно, кто она и в какой именно момент жизни мы ее застали. Внешне героиня спокойна, но на нее явно нахлынул поток смешанных чувств», — поясняет автор.

Женский образ на арте погружен в авторскую шрифтовую композицию. Попробуйте разобрать текст — перекрученные буквы формируют смешанные чувства, нахлынувшие на героиню сюжета.

В работе можно найти пасхалки. Смартфон, изображенный с обратной перспективой, — это отсылка к русским иконам. Сумка символизирует багаж с жизненным опытом. А растение в сумке — наше настоящее, которое произрастает из того, что мы посеяли в прошлом.

Тотемы

Автор — команда «Айфо».

Адрес Северная, 11.

Алина и Степа Айфо — уличные художники из Екатеринбурга. Создают муралы-тотемы в уличном пространстве. Их работы можно встретить в городах России и Израиля.

На улице Северной Алина и Степа оставили театральную работу — четыре тотема, на которые их вдохновили показы мод. Мурал в Тюмени состоит из четырех частей, выполненных в одних цветах и объединены общим временем. В нем герои уже зашли в театр, но спектакль еще не начался.

Муралы Алины и Степы Айфо создавались дольше остальных работ фестиваля «Морфология улиц» 2021 — 19 дней. Вместе с работой художника Романа Kreemos они дополнили арт-квартал на улице Северной.

Вечера

Автор Илья Мозги.

Адрес ул. Мориса Тореза, 1.

Илья Мозги — уличный художник из Шадринска. Участник фестиваля «Стенограффия» и «Карт-бланш» в Екатеринбурге, «Место» в Нижнем Новгороде, Urban morfoginezis в Москве. Работы Ильи выставляли в питерском «Манеже», Street Art Museum и Уральской индустриальной биеннале современного искусства.

Илья приехал, чтобы вызвать у тюменцев ностальгию. На улице Мориса Тореза, 1 он оставил яркий маркер времени — Winamp, который проигрывает песню «Как упоительны в России вечера» группы «Белый орел».

Поверхность во дворе многоэтажного сектора напомнила художнику молодость с такими же застройками, песнями из окон, «девятками» и ребятами во дворе. Название песни в проигрывателе отражает всю работу и пространство вокруг.

Вот и завершилась моя прогулка по маралам Тюмени в центральной части города. Надеюсь, они вам понравились.

The post Муралы Тюмени — стрит арт appeared first on Блог Милы.

Название улицы

Почти никто из тюменцев не знает, чьим именем назвали улицу Осипенко. Многие предполагают, что Осипенко — герой революции или войны, в честь которого назвали одну из улиц областного центра. Но это советская летчица, пятикратная рекордсменка мира, имя которой в 30-е годы было у всех на устах. Полина Осипенко установила пять мировых авиационных рекордов высоты и дальности полетов для женщин. В 1937 году она поднялась на высоту 9100 метров, на которую до нее не поднималась ни одна женщина-летчица в мире.

Улица Осипенко была первой улицей Тюмени, получившей «авиационное» название еще в 1939 году. Сто двадцать лет назад эта короткая улица называлась Томской. В августе 1938 года она стала улицей Ежова, очередного народного комиссара внутренних дел, которого уже через три месяца сняли с должности и вскоре расстреляли как «врага народа». Улицу срочно переименовали в честь погибшей Героя Советского Союза, майора авиации Полины Денисовны Осипенко.

Пожарная каланча

Расположен по адресу: Тюмень, ул. Осипенко, 35

Это единственная сохранившаяся в городе дозорная башня — когда-то их было шесть. Строение, которое еще называют «белой башней», вызывает неизменный интерес у людей, интересующихся историей и мистикой. Комплекс построили в начале XX века, пожарная каланча использовалась как смотровая площадка. В этой башне жили и работали пожарные, спасая тогда еще деревянный город от неминуемой гибели в случае огня. Нижнюю часть каланчи некогда занимал пожарный сарай и помещения для отдыха пожарных. 

В старые времена пожарные несли здесь круглосуточную вахту. Внимательно смотрели: не вспыхнул ли где «красный петух». По запаху могли даже определить: или просто где-то жгут мусор, или случилось возгорание жилой постройки. На каланче постоянно дежурили два пожарных: два раза в день по шесть часов каждый. Называли их «вперед смотрящие». Для этого дела специально выбирали людей с острым зрением.

Высота – примерно 12 метров: на уровне современного четвертого этажа.

Изнутри каланча деревянная, а снаружи обложена огнеупорным красным кирпичом, который может выдержать температуру огня в течение 10-15 минут. Сейчас башня обложена сверху еще и белым кирпичом.

Стоящее рядом с каланчей двухэтажное каменное административное здание также решили предельно скупыми средствами, напоминающими казённые постройки эпохи классицизма. Простые прямоугольные и ложные окна, широкий карниз, торцевые фронтоны формируют облик фасадов.

Представляет ценность как уникальный образец промышленной архитектуры с единственно сохранившейся в городе пожарной каланчой.

Дом и флигель усадьбы Ф.Ф. Волковой

Расположен по адресу: Тюмень, ул. Осипенко, 32.

Усадьба Ф.Ф. Волковой на улице Осипенко состоит из дома и флигеля, выстроенных в конце XIX века.

Жилой дом – это двухэтажное деревянное здание, рубленное пятистенком под четырехскатной кровлей. Компактный первоначальный его объем впоследствии увеличили вдвое боковой пристройкой. Обшитые тесом фасады служат фоном для оконных наличников. В традициях тюменского зодчества крупные подоконные доски верхних окон покрывают пышный стилизованный растительный орнамент глухой резьбы. Нижние наличники более просты, но их также украсили резьбой.

Одноэтажный, прямоугольный в плане, деревокаменный жилой флигель стоит на высоком кирпичном цоколе и развернули внутрь двора. Со стороны бокового фасада имеется старая пристройка крыльца с внутренней лестницей и крытой верандой в уровне второго этажа. Декоративность гладких, обшитых тесом фасадов достигается формой оконных наличников, ограниченных завитками волют, и резным их украшением в виде стилизованных побегов и розетт. Облик здания дополняет развитый, большого выноса карниз с гладким фризом, деликатно подчеркнутый легкими подзорами пропильной резьбы.

Дом усадьбы представляет ценность как представитель деревянного зодчества Тюмени, элемент в застройке исторического района «Потаскуй». Формирует колорит исторически сложившейся градостроительной среды города Тюмени конца ХIХ века.

В советское время тут размещалась районная Инспекция рыбоохраны. В 2000-е в этом небольшом здании разместился целый букет культурно-просветительных учреждений: фонд развития бизнес-образования «Жизнь и дело», театр танца «Мистерия» и центр внутреннего развития человека «Свобода».

Дом Г.Е. Иванова

Расположен по адресу: Тюмень, ул. Осипенко, 29/ ул. Орджоникидзе, 6.

Дом Гавриилы Егоровича Иванова — торговца хлебом (зерном) и солью, построили на углу квартала в 1908-1909 году. Двухэтажный, с прямоугольным планом, его сложили из кирпича, не оштукатурен, детали выделяются побелкой. Парадный вход и внутренняя лестница размещаются в угловой части здания со стороны ул. Орджоникидзе.

Созданный в «кирпичном стиле» дом отличается насыщенной декорацией лицевых фасадов. Это рустованные пилястры, разнообразные пояски, разделяющие этажи, оконные наличники с плоскорельефными перемычками и замками, дополненные на втором этаже рустовкой боковых откосов, широкий карниз, выложенный многослойными кронштейнами. Дворовые фасады решаются просто, один из них завершается щипцовым фронтоном с угловыми тумбами.

После революции и до 2000-х – аптека. В начале ХХI века здесь были магазин канцтоваров и кафе-закусочная «Альхо».

Дом мещанина П.А. Трофимова

Расположен по адресу: Тюмень, ул. Осипенко, 25.

Деревянный двухэтажный дом конца XIX века с богатым декоративным убранством. Представляет ценность как один из немногих сохранившихся архитектурных ансамблей-усадеб. Принадлежал тюменскому мещанину, торговцу рыбными товарами П.А. Трофимову.

Усадьба купца П.А. Трофимова, занимавшегося рыбной торговлей. Деревянный двухэтажный дом построили в конце XIX века. Во дворе находились амбары для хранения и обработки рыбы. Один из них сохранился до наших дней.

Отдельного внимания заслуживает архитектура усадьбы. Это двухэтажный рубленый, обшитый тесом дом, шестистенок-крестовик. Он стоит короткой стороной вдоль улицы и его развернули вглубь двора. Здесь высокие окна с легкими закруглениями оконной рамы сверху и фигурными наличниками. Красоту опять же можно разглядеть в деталях – объемной резьбе на доме в виде распустившихся цветов и стилизованных листьев.

После революции судьба хозяина дома неизвестна. Его жену Елену Трофимову расстреляли в 1938 году. В советские годы использовался как многоквартирный жилой дом. Во время Великой Отечественной войны в доме три года жила Александра Александровна Есенина, сестра поэта Сергея Есенина. В 1990 году Осипенко 25 включили в перечень объектов культурного наследия регионального значения. Последние годы стоял расселённым. 28 сентября 2017г. в нем произошел пожар, уничтоживший крышу и часть второго этажа. Первый этаж пострадал от воды. Сейчас идет реставрация.

Дом и флигель на усадьбе Д.Г. Барышникова

Расположен по адресу: Тюмень, ул. Осипенко, 19.

Яркий образец деревянной жилой застройки Тюмени конца ХIХ начала ХХ веков. Дом с уникальным резным фасадным декором (в технике накладной объемно-пластической резьбы), основанным на местной переработке мотивов классических стилей и растительного орнамента. Здание характеризует тюменскую школу архитектурной деревянной резьбы.

Дом на усадьбе Барышниковых является одним из самых ярких образцов деревянной городской архитектуры второй половины 19-го века. Этот дом в числе первых в городе подвергся реставрации резных наличников, еще в 1990 году.

Двухэтажный деревянный, обшитый тесом, дом – характерный и один из лучших в городе образцов деревянного зодчества. Обладая общностью композиционных и декоративных приемов с другими тюменскими двухэтажными домами, украшенными объемным резным декором, здание выделяется среди них особой стройностью.

Большой вынос карниза и филенчатые пилястры создают четкое обрамление, в которое заключаются наличники окон. В их декоре органично соседствуют стилизованные изящные капители, тугие валики-свитки, круглые розетки на сочных упругих волютах и растительный орнамент, интересный также изображением кедровых шишек. Ряды нарядных барочных наличников двух этажей, почти соприкасаясь друг с другом, создают сложные динамичные ритмы на фасаде и яркий живописно-пластический эффект.

Вместе с домом по ул. Осипенко, 21А, входил в состав усадьбы гласного городской думы Дмитрия Григорьевича Барышникова.

Флигель разобрали. На его месте построили современную копию.

Расположен с восточной стороны усадьбы, представляет деревянный с открытым срубом одноэтажный жилой дом. Выстроенный в начале XX века, достаточно скромен. Высокие окна обрамлены несложными наличниками с треугольными карнизами очелий и филенчатыми ставнями. Представительность уличному фасаду придает парадный угловой вход. Его оформляет односкатный козырек с резными, подзорами поддерживаемый резными брусками консолей.

Дом и торговая лавка на усадьбе О.А. Рогожникова

Расположен по адресу: Тюмень, ул. Водопроводная, 3 / Осипенко, 13.

Усадьба, принадлежавшая тюменскому купцу II гильдии Осипу Антоновичу Рогожникову, состоит из кирпичного дома и флигеля, вход в который устроен с боковой стороны. 

В 1990-х фасады памятника отреставрированы по проекту А.И. Клименко, воссоздана галерея. Внутри дом переделан.

Жилой дом, в два этажа с подвалом, имеет компактный прямоугольный план, усложнённый капитальным боковым объёмом крыльца, за которым вдоль всего фасада на четырёх деревянных столбах устроена открытая галерея. Декоративное убранство здания выполнено в «кирпичном стиле». Это – пилястры, рустованные на уровне первого этажа, лучковые и прямые сандрики над окнами, орнаментированные пояски и карниз с сухариками. Ось главного фасада выделена аттиком и парадным открытым крыльцом под навесом.

Одноэтажный небольшой жилой флигель показателен характерной представительностью и насыщенным кирпичным декором уличного трёхчастного фасада.

Украшенный разнообразной выкладкой геометрического рисунка, он завершается сочным многослойным карнизом и высоким фигурным аттиком, сплошь покрытым кирпичными узорами. Вход в дом устроили с боковой стороны.

Ремесленное училище

Расположен по адресу: Тюмень, ул. Дзержинского, 7 / Осипенко,2.

Здание ремесленного училища с момента его появления и до настоящего времени является значительным градоформирующим элементом исторической части Тюмени.

Возводилось по инициативе и на средства городского головы, купца первой гильдии А. И. Текутьева, образовано учебным корпусом и литейной мастерской. Строительство здания завершилось в 1911 году. После ремонта на фасаде появилась дата «1914 год».

На стыке XIX и XX веков город активно развивался, промышленность была на большом подъеме, транспортные узлы росли, и Тюмень остро нуждалась в рабочих кадрах. С целью их подготовки городской голова Андрей Иванович Текутьев и воздвиг ремесленное училище с трехлетним сроком обучения. Училище для мальчиков имело слесарно-кузнечное и столярно-токарное отделения. Отбоя от желающих учиться не было, это и стало причиной расширения здания. В литейной мастерской мальчики проходили практические занятия.

Главный учебный корпус – это двухэтажное с подвалом, продолговатое кирпичное здание, состоящее из двух разностилевых частей. Фасады ранней северо-западной части, датируемой 1911 годом, выполнили в эклектическом духе с применением междуэтажных и подоконных поясков, несложных наличников с лучковыми сандриками, нишек, рустованных пилястр и традиционного карниза из сухариков.

Пристроенная в 1914 году по проекту архитектора К. П. Чакина юго-западная часть корпуса с трапециевидным планом обладает более выразительной архитектурой в стиле модерн. Главный фасад симметрично расчленён двумя фланкирующими и одним центральным ризалитами с возвышенными над карнизом изогнутыми аттиками-пилонами. Своеобразную ритмику фасаду задают разные по форме оконные проёмы, объединённые широкими лучковыми перемычками. Плоскости простенков заполняет характерный для модерна тонкий линейный орнамент.

В противоположность фасаду интерьеры здания решены сугубо рационально. На первом этаже расположен большой зал каркасной конструкции с перекрёстно-ребристой, новой для того времени системой перекрытий.

The post Улица Осипенко в Тюмени — историческая улица appeared first on Блог Милы.

Ингредиенты:

• 180 г редиса,
• 180 г свежего огурца,
• 70 г листьев салата,
• 50 г твёрдого сыра,
• 20 г зеленого лука,
• 3 веточки укропа,
• 3 веточки петрушки,
• 1 зуб. чеснока,
• 1/2 ст. л. сока лимона,
• 2 ст. л. подсолнечного масла,
• соль по вкусу,
• перец черный молотый по вкусу

Приготовление:

Овощи и зелень вымойте под холодной проточной водой и высушите. Редис нарежьте тонкими кружочками или полукружьями. Огурец нарежьте так же, как и редис. Листья зелёного салата нашинкуйте или порвите руками на небольшие части. Петрушку и укроп измельчите. Зелёный лук нарежьте тонкими колечками.

В глубокой миске или большом салатнике соедините редис, огурец, листья салата, укроп, петрушку и зелёный лук. Твёрдый сыр натрите на крупной тёрке. Можно сыр нарезать маленькими кубиками, но в тёртом виде он лучше распределиться среди остальных ингредиентов. Добавьте сыр к ранее соединённым ингредиентам салата.

Всыпьте соль, чёрный молотый перец, влейте лимонный сок и подсолнечное масло (по желанию берите рафинированное или нерафинированное масло). Зубчик чеснока очистите, измельчите и добавьте к остальным ингредиентам салата. Салат перемешайте. Подавайте к столу сразу после приготовления.

Итак, салат с огурцами, редиской и сыром готов. Приятного аппетита!

The post Салат с огурцами, редиской и сыром appeared first on Блог Милы.

Ул. Семакова, 1

Начинается наша прогулка с улицы Семакова, которая с середины 19 века до 1922 года называлась Подаруевской, в честь известного в Тюмени купца. 

Перед вами — образец жилого деревянного дома застройки Тюмени конца XIX — начала XX веков. Деревянная усадьба была построена как дом причта Знаменской церкви. В нем жила семья настоятеля и законоучителя женской гимназии, отца Петра Ребрина. 

Мемориальная доска гласит, что в 1897 году в этом здании останавливался русский флотоводец, океанограф, вице-адмирал Степан Осипович Макаров, создатель первого в мире ледокола «Ермак», близкий друг известного в Тюмени политического ссыльного, журналиста Петра Рогозинского. 

В 1944 году, когда Тюмень стала областным центром, здесь находилась служебная квартира, в которой жили первые секретари обкома партии, позже размещался детский сад, квартировала строительная фирма. 

В архитектурной композиции и декоре дома — черты «русского стиля» и модерна. На центральной части фасада небольшой выступ — ризалит, который венчается башенкой с фигурным куполом.

На башенке — ложные окна и карниз, обрамленные ажуром. В декоративном оформлении дома особенно хороша пропильная резьба под карнизом крыши. Рисунок резного декора дома был не случаен. Во всем скрыт тайный смысл, зашифрованы оберегающие знаки. Так, на этом доме в большом количестве знаки оберегающего креста – символа жизни и огня со времен каменного века, когда необходимый для жизни огонь добывался трением палочек.

Использование архаичных знаков, таких как круг, квадрат, крест, ромб со временем приобрело декоративный характер, и только знающему человеку понятен их смысл.

Наличники оформлены накладными деталями в геометрическом стиле, где все строго, лаконично и красиво. Такой стиль тюменских наличников наиболее простой из встречающихся, но в нем есть все декоративные элементы оформления: очелье – верхняя часть наличника (от устаревшего слова «чело» или «лоб»), пилястры – боковые полуколонны вдоль окна и подоконная доска.

Далее, проходя по маршруту,  вы увидите, насколько разнообразными могут быть эти элементы.

Ул. Володарского, 9. Дом купца Чиралова

Типичный для Тюмени особняк был возведен в конце XIX века. В 1915 году здание украсили роскошной резьбой. Для изготовления резного декора в Тюмени использовали хвойные породы деревьев.

Взгляните на орнамент резных наличников этого особняка — другого такого в Тюмени нет. Резьба здесь объемная, барочного стиля.  Верхняя часть наличника  напоминает кокошник — старинный женский головной убор. Это означало, что в этом доме жили девушки на выданье.

Хозяин дома, Сергей Степанович Чиралов, владел кожевенным производством, известным не только в Тюмени, но и в России.

У Чиралова было две дочери — Виринея и Филанида. Старшая удачно вышла замуж.

А младшей дочери найти семейное счастье так и не удалось. Окончив женскую гимназию, которая располагалась напротив родительского дома, Филанида осталась там преподавать рукоделие.

После смерти отца именно она унаследовала дом. А вот кожевенное дело осталось без продолжателя. Со временем некогда знаменитая фамилия забылась. На память нам остался это прекрасное здание. 

В 1920-х годах в доме размещалось управление милиции, позднее в нем жили сотрудники педагогического училища. Сейчас находится в частном владении.

Ул. Володарского, 7. Дом В.С. Поповой

Дом принадлежал Виринее, старшей дочери купца Чиралова. Её мужем стал Константин Васильевич Попов, известный в городе общественный деятель. Имел чин титулярного советника, служил юрисконсультом в Тюменской городской Думе.

Место для своего дома на Знаменской улице Поповы выбрали не случайно. Рядом находился отчий дом Виринеи Сергеевны, где жила сестра Филанида. Напротив — женская гимназия, в которой девочки когда-то учились, дальше — любимый с детства Знаменский собор.

Сегодня это тихое, спокойное место, а тогда из окон нового дома была видна Александровская площадь, где происходили самые важные городские события и праздники. 

Начали строительство в 1911 году, а в конце 1912-го праздновали новоселье. В нижнем, кирпичном этаже здания разместилась контора хозяина. Второй этаж был жилым. В усадьбу, кроме каретника, конюшни, сеновала, бани, прачечной, входил ещё и флигель.

Дом был типичным для тюменской деревянной архитектуры начала ХХ века, но также и особенным. Обратите внимание на полукруглый эркер на чугунных колоннах и веранду второго этажа.

В декоративной отделке дома чувствуется веяние модерна.

Наличники оформлены накладными геометрическими деталями. Среди них — солярные знаки: круг и лучи солнца, которые охраняют от болезней и несчастья.

Нарядность дому придают угловые башенки с миниатюрными куполами и фигурный аттик на крыше с накладной резьбой растительного орнамента, где лилии – оберегающий символ чистоты.

Трехрядный  ажур пропильной резьбы под карнизом крыши украшает дом по всему периметру. Мы можем видеть здесь множество знаков оберегающего креста.

Пропильная резьба не получила в Тюмени широкого распространения, как в других регионах, но здесь – очень удачное ее применение для украшения фасада.

Общий силуэт дома оставляет ощущение основательности, но в то же время лёгкости и праздничности.

Ул. Тургенева,12. Дом Ларионова

Двухэтажный деревянный жилой флигель был построен в 1852 году. В начале ХХ века дом принадлежал владельцу музыкальной мастерской Ларионову. Здесь продавали гармошки, гусли, гудки, смычковые инструменты, волынки.

В этом доме на три дня останавливался адмирал Колчак, направлявшийся в Омск. 

В свое время дом был отреставрирован: разобран и собран вновь, каждое третье бревно старого дома пошло в дело. Два вида наличников и их подоконные доски, а также редкое двойное окно на боковом фасаде восстановлены с максимальным сохранением старой резьбы. 

Известен интересный факт, возникший при восстановительных работах. Были обнаружены трех- и четырехгранные гвозди с буквой «М» на шляпке, что означало – сделаны на местном заводе Машарова. Эти гвозди были использованы повторно при монтаже наличников.

С архитектурной точки зрения перед нами — характерный образец деревянной застройки Тюмени ХIX века. Главная роль в украшении фасада принадлежит наличникам с резными подоконными досками-панно. Накладная резьба выполнена в стиле плоского рельефа.

Растительный орнамент резьбы на подоконном щите изображает гибкие, крестообразно сплетенные стебли с завитками и листьями — флористический крест. Крестообразная четырехчастная композиция резного декора имеет древние истоки. С языческих времен такой узор играл роль оберега жизни людей. 

Со двора боковой фасад украшен более простым и древним видом резьбы. Это глухая резьба тонкой проработки. Высота рельефа не превышает 1 см. Выполняется такая резьба на доске путем углубления фона, и рисунок здесь имеет свое смысловое значение. Верхняя часть наличника символизирует небесный свод, нижняя — землю, плодородие, все это отражает представление человека об окружающем мире.

Ул. Тургенева,9. Усадьба Козловых

Деревянные жилые дом, флигель и ворота были выстроены в конце XIX века. В  усадьбу входили также конюшня, амбар, хранилище и склад.

В 1915 году дом купила тюменская мещанка Козлова.

В начале 2000-х годов, когда строили корпус университета, усадьба подверглась сильной переделке, были утрачены старые ворота XIX века.

Главное украшение дома – это наличники окон обоих этажей, выполненные в технике объемной резьбы барочного стиля, богато украшенные растительным орнаментом.

Мы видим мощные очелья с крутыми завитками волют, окружающих пальметту. По бокам и наверху — точеные вазоны. На больших подоконных досках — тугие свитки, вьющиеся стебли, листья, цветы и ягоды.

Каждый из резных элементов наличника несет свое символичное значение. 
Пальметка — деталь в центре верхней части наличника, стилизованное изображение пальмовой ветви или других растений. Это символ возрождения, плодородия, жизненной силы. Пальмовая ветвь — это священный образ, ее приносили паломники со Святой земли. 

Стилизованные резные свитки — прообраз царской грамоты. Они несут информацию о владельце дома как об образованном человеке или государственном служащем.

Все растительные элементы резного декора, включая розетки, символизируют нарождающуюся жизнь и плодородие. Таким образом, резной декор домов старой Тюмени был не только украшением дома и города, а создавал настрой на процветание и благополучие.

Именно такая объемно-рельефная резьба в стиле русского барокко и является отличительной особенностью Тюмени. Каждая деталь вырезалась отдельно, а потом крепилась на основу наличника. Разная высота рельефа — от 1 до 15 см — создает интересную игру света и тени. Такую дорогую объемную резьбу могли позволить себе только очень состоятельные заказчики.

Ул. Республики, 18. Дом усадьбы Колокольникова

Изначально усадьба принадлежала тюменскому купцу, городскому голове Ивану Васильевичу Иконникову.

А радикальные перемены в облике усадьбы произошли в начале XX века, когда ею владел представитель другой известной купеческой династии – Степан Иванович Колокольников, предприниматель, меценат, известный также благодаря своему вкладу в развитие народного образования в Тюмени. Именно при Колокольникове особняк приобрел существующий ныне облик. За проект, выполненный в Санкт-Петербурге, было заплачено 20 тысяч золотом.

Фасад здания, украшенный в стилях барокко и неоклассицизма с элементами традиционной тюменской резьбы, кажется каменным, настолько деревянная резьба приближена к образцам декора каменного домостроения.

Со стороны улицы Республики обратите внимание на колонны с великолепными капителями. Они окружают неглубокую нишу с резной раковиной в верхней части. Выше – полукруглый фронтон с гирляндой из фруктов, листьев и завивающихся лент. Над фронтоном – аттик, элементы которого напоминают царский герб с короной и двуглавым орлом. В нише когда-то стояла деревянная скульптура ангела в память об Александре II. Он был в этом доме в 1837 году, будучи цесаревичем, во время путешествия по городам России. Его сопровождал наставник, известный поэт Василий Жуковский.

На западном фасаде можно полюбоваться резными колоннами, обвитыми вьющимися стеблями. Верх колонны украшают капители коринфского ордера. На крыше – аттик барочного стиля. У окон дома наличники трех видов. На них – разнообразные свитки, пальметки, вазоны, волюты с мотивом рога изобилия, растительные орнаменты, капители тончайшей работы, медальоны и многое другое. Все эти резные элементы заряжены символами благополучия и процветания.

Вазоны по периметру крыши были в свое время утрачены и восстановлены по фотографии. По углам – вазоны, украшенные резьбой, изображающей рог изобилия, по периметру – вазоны с растительным орнаментом, напоминающие греческие амфоры.

Многое повидал этот дом. После реконструкции здесь проходили купеческие собрания. В 1918-1919 годах в доме  размещался Комитет помощи раненым воинам Белой армии, а  в августе-сентябре 1919 года располагалась штаб-квартира командующего стрелковой дивизией Красной армии Василия Блюхера.

В настоящее время в доме находится музей с постоянной экспозицией, посвященной истории купеческих семей Иконниковых и Колокольниковых.

Улица Дзержинского

Далее наша экскурсия продолжится на улице Дзержинского, где сохранилось большое количество памятников истории, культуры и зодчества на сравнительно небольшой территории. Сейчас это пешеходная улица.

До 1926 года эта улица называлась Садовой. Она появилась на плане города еще в XVIII веке. Улица никогда не была центральной, но именно здесь строили свои усадьбы самые богатые и известные тюменские купцы и мещане. Здесь они жили, здесь же вели торговлю. Почти каждый приусадебный участок украшал сад —  яблоневый, вишневый, черемуховый…

Эта улица сегодня является одной из немногих, сохранивших свой исторический облик. Во многом — благодаря реставрационной мастерской Почетного гражданина города Тюмени Вадима Макаровича Шитова. Большинство объектов этого маршрута восстановлены его руками.

Ул. Дзержинского, 40. Дом мещанина Бровцына

Дом был построен на рубеже XIX-XX веков для  тюменского мещанина, городского оценщика Сергея Степановича Бровцына. 

Есть красивая легенда о том, как богатый и образованный Сергей Бровцын влюбился в девушку из низшего сословия и предложил ей руку и сердце. Но избранница отказала, понимая, что она ему не ровня. Тогда Бровцын нашел невесту из своего круга. Заезжая перед свадьбой за невестой, которая примеряла венчальное платье у портнихи, он узнал в мастерице свою прежнюю любовь. К этому времени девушка обрела хорошие манеры, освоила грамоту, стала финансово независимой и… дождалась своего счастья — Бровцын расторг предстоящую свадьбу и женился на возлюбленной. Для нее он и построил этот дом. 

В 40-60-е годы 20-го столетия здесь жила любимая тюменцами артистка театра драмы Нина Яковлевна Кардонская.

В конце 1990-х годов фасадная резьба памятника была отреставрирована. Тогда же был сделан двухэтажный пристрой с парадным входом с улицы и двойным окном наверху. 

Основной декор фасадов — наличники с накладной рельефно-объемной резьбой, именно такая резьба отличала дома богатых купцов города.

Декор наличников на центральном фасаде и во дворе — различен.

В центре уличной подоконной доски — крупная розетка, от которой в обе стороны расходятся побеги листьев и стеблей с цветами. На подоконной доске во дворе — остролистные симметричные стебли. Здесь нет выпуклых свитков, как на многих купеческих домах, но есть богатый растительный, цветочно-ягодный орнамент.

Исключение составляет только двойное окно над бывшим парадным входом, здесь без свитка не обошлось.

Обратите внимание на резной декор ворот и калиток – это единственный сохранившийся в Тюмени старинный образец. Здесь и пальметки в виде павлиньего хвоста, и изящные свитки, и пышная резная растительность. 

Использование растительного орнамента в декоре имеет символичное значение: все растительные мотивы — это символ нарождающейся жизни и плодородия. И выбор именно такого декора для дома объясним, если вспомнить историю его создания.

Ул. Дзержинского, 36. Дом усадьбы крестьянина Горбунова

Жилой дом расположен на пересечении улиц Дзержинского и Володарского (в прошлом – улиц Садовой и Знаменской), и был выстроен в начале ХХ века в составе усадьбы, принадлежавшей Маковецкому, о котором история не сохранила данных.

Позднее усадьба стала собственностью Горбунова. Дмитрий Тарасович Горбунов – трудолюбивый крестьянин Камышловского уезда, занимался торговлей рогожами и ломовым извозом, разбогатев, перешел в купеческое сословие. Именно он и обустроил двухэтажный дом заново. 

Основное украшение дома – наличники второго этажа. Декор наличников сдержанный, не такой обильный деталями, как декор других купеческих домов, но нарядный. Центральная часть очелья наличника напоминает орден, но, скорее всего, это образ путеводной Полярной звезды, служившей компасом в Белом море. По бокам пилястр тоже имеются маленькие звездочки.

В 2002 году дом горел и был восстановлен, резной декор дома воссоздан по старым образцам. Украшение подоконной доски напоминает движение морской волны. Вероятнее всего, такие мотивы были созданы резчиками-поморами, которые украшали резьбой свои корабли и постепенно перешли на украшение резьбой своих домов. Такая резьба стала называться домовой.

Рядом – второй жилой дом усадьбы (ул. Володарского, 27), построенный в 1909 году. Оформление наличника строгое, с высоким очельем, боковыми пилястрами, подоконной доской и объёмными накладными деталями геометрического рисунка.

Широкое распространение в тюменской домовой резьбе получили архаичные знаки, важные для людей со времен каменного века. Круглый элемент в очелье означает солнце, вертикальные линии вдоль окна – дождь, а ромб, квадрат или прямоугольник – землю. Именно эти знаки мы находим в наличнике дома по улице Володарского, 27.

Так в наличнике отражается окружающая человека природа: сверху – очелье – небесный свод с солнцем, по бокам – пилястры – струи дождя, падающие на землю, подоконную доску. Поэтому окно с наличником – это и глаза дома, отрытые в мир, и сам окружающий нас мир.

Ул. Дзержинского, 34. Дом мещанки Рубцовой

Дом построен в конце XIX века. Это характерный для Тюмени тип дома жителя среднего достатка. Владелица дома, мещанка Рубцова из Екатеринбурга, сдавала его в аренду.

В 1913 году в здании располагалось фотоателье Луки Ивановича Родионова, известного в Тюмени фотографа, дело которого продолжил его сын. Выходец из крестьян, Родионов чаще других фотографов снимал представителей крестьянского сословия, бедных горожан и пейзажи Тюмени.

В советское время дом был жилым, располагались в нем различные организации. Тогда же был сделан правый пристрой. 

Основное украшение дома — наличники второго этажа. По старой фотографии были восстановлены и наличники первого этажа. Они со ставнями и меньше по размеру.

Декор наличника незамысловат. Здесь мы видим точеные полуколонны-пилястры, которые поддерживают изогнутые волюты очелья. Наверху наличника — пальметка, уже не похожая на пальмовые листья, в сочетании с волютами напоминает образ совы, символ мудрости.

В различных розетках стилизован образ цветка и листьев крина или водяной лилии, символа чистоты, олицетворяющего плодородие и начало жизни, оберегающего хозяев дома.

А на калитках и воротах, которые были воссозданы в наше время,

размещены солярные знаки – розетки в виде солнца.

А во дворе соседнего дома Дзержинского, 34а проводят театрализованную экскурсию «Тюменская купчиха».

Наличники на нем примерно такие, как на старом доме 34. Это может говорить лишь о том, что обе усадьбы когда-то принадлежали одному человеку.

Ул. Дзержинского, 32. Дом мещанина Бровцына

С 1909 по 1917 годы здание принадлежало тюменскому мещанину Сергею Степановичу Бровцыну. На бывшей Садовой улице это был второй дом в его владении, который служил доходным, то есть сдавался под квартиры.

Этот дом характерен для застройки Тюмени на рубеже XIX-XX-го веков. После революции был передан врачу по фамилии Френкель. Позднее красивый двухэтажный деревянный дом был разделен на отдельные квартиры, которые заняли горожане. 

С 1993 года это здание принадлежит Центру эстетического воспитания детей «В доме Буркова». 
В 2002 году здание серьезно пострадало от пожара, после чего были проведены реставрационные работы.

Несмотря на простую архитектуру, дом кажется нарядным за счет большого количества окон с резными наличниками. Здесь все те же элементы декора, но их рисунок не повторяется. У каждого дома он уникальный.

Обратите внимание на сдвоенное окно над бывшим парадным входом.

Все наличники — с богатым растительным орнаментом накладной рельефно-объёмной резьбы. Здесь пышные, разнообразно закрученные стебли и цветы очелья, на подоконной доске — выступающий свиток, проросший листьями. Всё это символы плодородия и процветания, способствующие благополучию хозяина дома.

Ул. Дзержинского, 30. Дом Буркова

Усадьба Буркова – одна из самых известных в Тюмени, в конце XIX века принадлежала тюменской мещанке Поспеловой, а с 1899 года перешла в собственность одного из богатейших людей Тюмени, купца первой гильдии Василия Петровича Буркова. Усадьба включает в себя не только роскошный дом, но и каменный флигель в глубине двора и торговую лавку, в которой и по сей день работает магазин «Хозтовары» (ул. Дзержинского, 28).

Бурков успешно занимался торговлей зерном и мукой, был владельцем кирпичного завода, типографии, издателем нескольких газет, а также активным общественным деятелем, меценатом, разносторонняя деятельность которого была отмечена золотой медалью на ленте ордена св. Святослава.

Семья Бурковых в Тюмени пользовалась особым уважением. Василий Петрович женился поздно. Евдокия Ивановна была на 20 лет моложе своего мужа. В семье было десять детей.

Это старинный особняк с богатой историей.

В 1905–1906 годах здесь с согласия хозяина дома в цокольном этаже находился легальный Клуб союза рабочих Тюмени. В советское время в доме был устроен детский сад. По иронии судьбы внучка Василия Петровича Буркова в 1920-е годы ходила в этот детский сад — бывший дом своего деда. С 1993 года дом принадлежит Центру эстетического воспитания детей, который так и называется – «В доме Буркова». 

Дом имеет великолепный дворцовый внешний вид. Возвышающиеся аттики соединены по периметру крыши резными балясинами. Под карнизом крыши – объемные кронштейны замысловатого узора.

Превосходная резьба на деревянных наличниках.

Парадное резное крыльцо.

Резной декор дома неповторим

— четыре вида наличников, удивляющих разнообразием деталей, мощный объем резного растительного орнамента с ананасами, грушами, яблоками, обилие деталей фантазийного рисунка.

На главном фасаде размещены самые богатые по декору наличники, а на боковом и дворовом фасадах декор проще.

Обойдите дом со всех сторон, прочувствуйте его красоту, рассмотрите все это резное великолепие, оно заряжено символами богатства, процветания и жизненной силы.

Ул. Дзержинского, 26. Дом П. Г. Катаева – М. Е. Дементьева

В середине XIX века в доме поселился военный врач Павел Григорьевич Катаев. Известно, что он принимал пациентов на дому, такая практика тогда была обычной.

Около 1907 года дом перешел к екатеринбургскому мещанину Михаилу Ефимовичу Дементьеву, управляющему Товариществом Западно-Сибирского пароходства и торговли, совладельцу чугунолитейного завода Н. Д. Машарова.

Среди деревянных жилых домов Тюмени памятник выделяется композицией мезонинного типа и характером обработки деревянных фасадов, оштукатуренных «под камень». Полутораэтажное на цокольном этаже здание имеет П-образную конфигурацию, образованную двумя небольшими дворовыми открылками. Парадный вход устроен в угловой части фасада с улицы Советской. Другие входы размещены со двора.

Своеобразие облика дома во многом достигается наличием большого мезонина с широким, далеко выступающим балконом. Балкон поддерживается двумя кронштейнами и несет, кроме того, колонны, антаблемент и крышу с треугольным «разорванным» фронтоном. Необычна здесь и штукатурная измельченная отделка фасадов. Это рустовка углов, рамочные мелкопрофилерованные обрамления окон, межоконные фигурные филенки, пояски, широкий фриз с подкарнизными кронштейнами. Все эти элементы восходят к классицизму, однако их сочетание, насыщенность и дробный рисунок отражают влияние эклектики.

Особую привлекательность и нарядность дому придают венчающий карниз парапет из балясин и круглые вазоны на постаментах. Парадный вход выделен лучковым фронтоном.

Ул. Дзержинского, 13. Дом Рогозиной

Этот одноэтажный деревянный дом построен в 1910 году. Принадлежал павлодарской купчихе Рогозиной. Никакой информации о хозяйке дома не сохранилось. По словам краеведов, домовладелица сдавала квартиры в своем доме постояльцам. 

С 1922 по 1926 годы в доме проживал вольнопрактикующий врач Френкель, принимавший своих пациентов на дому. Он занимал квартиру из трех комнат и платил 30 рублей в месяц. В советское время в доме располагался детский сад-ясли. С конца 90-х годов XX века в доме находится кафе.

Это один из немногих сохранившихся образцов шестистенного жилого дома, вытянутого вдоль улицы, с уникальным резным фасадным декором.

Наличники во дворе оформлены проще – это подоконные доски с глухой резьбой в виде занавеса. Такой вид декора – еще одна особенность тюменской резьбы. 

Уже в наше время по лучшим  старинным образцам были восстановлены ворота и калитки с богатым резным декором.

Стройный ряд наличников центрального фасада украшен традиционной для тюменского зодчества объемной резьбой. Здесь вы найдете уже знакомые вам элементы – пальметки, волюты, свитки, розетки, растительный декор с виноградными листьями, цветками и гроздьями.

Виноградная лоза, как известно, — один из символов Христа. Ее ветви — символы учеников и последователей Христовых, а плоды — символы добрых дел, совершаемых людьми.

Не случайно излюбленным мотивом резьбы, украшающей иконостасы русских церквей, является виноградная лоза с созревшими гроздьями. Тюменские резчики еще с XVII века славились изготовлением резных иконостасов на Урале и в Сибири. В дальнейшем элементы иконостаса, особенно растительного орнамента, стали появляться и на наличниках. 

Ул. Дзержинского, 20. Дом М. Ф. Черепанова

На противоположной стороне улицы Дзержинского стоит дом тюменского мещанина М. Ф. Черепанова, построенный в конце XIX века.

При всем своем скромном облике дом органично поддерживает фронт исторической застройки улицы и представляет архитектурно-художественную ценность как хороший образец деревянного двухэтажного шестистенка со скромным декоративным убранством.

Он вытянут во двор, а к улице обращен торцевой фасад в три окна. Стены закрыты тесовой горизонтальной обшивкой, углы и перерубы выделены филенчатыми пилястрами.

Окна верхнего этажа украшают несложные наличники с геометрическими объемными деталями.

Ул. Дзержинского, 18. Дом Т. И. Шаровой

Дом построили в 1895 году. Двухэтажный деревянный, на невысоком кирпичном фундаменте, он отражает характерные приёмы городского рубленого жилья.

Является образцом деревянного двухэтажного шестистенка с поперечными перерубами. Окна декорированы наличниками с объёмными орнаментальными накладками.

Несколько лет назад его восстановили.

Как пишут: «При производстве элементов декора использовалась только ручная резьба, что позволило полностью воссоздать первоначальный облик здания и сохранить общий архитектурный стиль русского деревянного зодчества конца 19 века».

Ул. Дзержинского, 12. Дом Н. О. Сергеева

Дом, который входил в состав усадьбы тюменского купца, гласного городской думы Н. О. Сергеева, включает жилой дом, флигель и ворота.

Этот одноэтажный особняк с мезонином, построенный в 1909 году, — редкий в Тюмени образец деревянного модерна. Жилой дом усадьбы стал одним из ценнейших украшений города. Хозяин не поскупился на причудливую кровлю, украшенную шатровыми башенками.

Сохраняя некоторые традиционные черты дома мезонинного типа, он вместе с тем примечателен живописной объёмно-пространственной композицией. Последняя в значительной степени обусловлена устройством в мезонине навесного балкона-фонарика и усложнением кровли угловой и центральной шатровыми башенками.

В характере модерна выполнены крупные полуовальные окна с мягким очертанием фрамуги, рисунок ажурной металлической решётки балкона, а также плоская линейно-графическая резьба парадных дверей в виде текучих тонких переплетающихся линий. Присутствие в отделке фасада наряду с новыми мотивами традиционных элементов – сдвоенных арок с «висячей» гирькой, колонок (балкон) облегчает облик памятника.

Одноэтажный кирпичный флигель (ул. Дзержинского, 14) торгово-складского назначения также несёт в себе черты модерна. Миниатюрный лицевой фасад охвачен мягкими текучими линиями плоскостного декора. Центр выделен небольшим окном. Предположительно проект принадлежит городскому архитектору К. П. Чакину.

Неплохо восстановили историческую застройку на улице Комсомольской, которая до революции называлась Тобольской.

Ул. Комсомольская, 6. Дом С. Г. Селеверстова — Л. Х. Брандта

Дом построен в 1905 году, в разное время он принадлежал купцу второй гильдии, тюменскому судовладельцу С. Г. Селиверстову и купцу Л. Х. Брандту, торговавшему галантерейными товарами.

Здание с гладкими стенами, обшитыми тесом, украшают богатые резные наличники в барочной форме с характерными для объемной резьбы мотивами: листьями, цветами, фруктами. Дополняют убранство фасада также угловые филенчатые пилястры, филенчатый фриз, за которым скрывается третий антресольный полуэтаж, и ажурный навес над входом.

Ул. Комсомольская № 17 и № 19. Усадьба

Усадьба, состоящая из жилого дома и жилого флигеля, была построена в начале 1900-х годов. Есть две версии, кому она принадлежала, но, думаю, что это и не важно. Усадьба отреставрирована в 2006 году по проекту архитектора Г. М. Дубоноса. Сейчас в здании размещается кафе «Базилик», но оно пока не работает.

Уличные фасады здания украшают оконные наличники, выполненные в характерной тюменской объемной манере резьбы. Оформление фасадов со стороны двора проще.

Нарядно оформлен и жилой флигель усадьбы, но его оформление в ином стиле: и уличный, и дворовой фасад украшает обильная ажурная пропильная резьба.

Ул. Комсомольская, 16. Дом Ф. И. Минина

Дом, построенный в 1906 году, по своей структуре и наружному оформлению типичный для мещанского жилья этого периода. В каменном цокольном полуэтаже могли находиться различные хозяйственные и подсобные помещения. Верхний этаж рубленый и обшитый тесом.

Фасад украшен фигурными наличниками с несложными элементами объемной накладной резьбы с растительным орнаментом.

Ул. Комсомольская, 18. Дом Д. Е. Машарова

Интересно смотрится дом, построенный в конце XIX — начале XX века, на фоне современного бизнес-центра «Губернский».

Когда-то это была усадьба, куда еще входил одноэтажный жилой флигель, погреб, каретник и конюшни, все было утрачено в процессе строительства окружающих зданий. Дом принадлежал купцу Г. А. Андрееву, позже перешел во владение Д. Е. Машарову.

Богатый декор фасадов здания соответствовал положению владельца усадьбы.

Дом по ул. Сакко, 25

Построен в конце XIX — начале XX века. Обшитые тесом фасады здания завершаются красивым многослойным фризом пропильной резьбы. На кровле по углам — фигурные башенки с миниатюрными куполами. Здание, видимо, только что отреставрировано. Восстановлен балкон в правой части главного фасада и вход под ним на первом этаже. Окна второго этажа обрамляют наличники геометрической формы, завершенные вверху и внизу треугольными щипцами.

Дом по улице Ленина, 46

Это Дом М. Г. Игнатьевой; З. И. Зеневича, построенный в конце XIX — начале XX века. Дом украшает уникальный резной декор с чертами модерна.

Теперь вы, я думаю, точно понимаете, что любителям деревянной архитектуры в Тюмени скучать не придется.

The post Тюменская резьба — деревянное кружево Тюмени appeared first on Блог Милы.

Ингредиенты:

• белый шоколад 150 гр.
• поликарбонатная или силиконовая форма в виде половинок яиц

или готовые шоколадные яйца

Крем:

• сливки — 200 мл
• сахарная пудра — 2-3 ст. л.
• сыр маскарпоне — 200 мл

Начинка:

• густой апельсиновый джем

или кусочки консервированных абрикосов или персиков

или вареная сгущенка

Приготовление:

Растопить белый шоколад на водяной или паровой бане. Процесс держать под контролем, все время помешивая, помогая кусочкам расплавиться быстрее, так как белый шоколад легко сворачивается.

Растопленную массу остудить до того момента, когда она чуть загустеет, но не потеряет текучести. Размазать шоколад по стенкам формы, перемещая массу по всей внутренней поверхности скорлупки. Лишний шоколад слить. Поставить в холодильник для застывания.

Как застынет (через несколько часов или на следующий день), вынуть из формы. Делать это нужно осторожно. Здесь могут быть такие трудности: яйцо не выскакивает из формы. Тогда на несколько часов нужно положить его в морозилку. Из силиконовой формы достать, отгибая края.

Если использовать готовые шоколадные яйца, то у каждого яйца острым ножом горизонтально срезать верхушку. Старайтесь делать это аккуратно, чтобы не раскрошить шоколад. Нож можно предварительно нагреть, чтобы легче резалось.

Сливки взбить с сахарной пудрой, затем добавить маскарпоне. Перемешать на низкой скорости миксера.

Наполнить кремом шоколадные яйца.

Посередине выложить «желток» из густого апельсинового джема.

Или использовать консервированные абрикосы или персики. Для этого консервированные фрукты выложить на бумажные полотенца или на мелкое сито, чтобы стек сироп. Затем каждый очень осторожно отжать. В середину каждого яйца аккуратно положить половинку консервированного абрикоса или кусочек консервированного персика.

Перед подачей на стол шоколадные пасхальные яйца лучше убрать в холодильник. В этом случае оболочка станет твердой, а крем уплотнится, что наилучшим образом скажется на вкусе десерта.

The post Шоколадные пасхальные яйца appeared first on Блог Милы.

История Трафальгарской площади

Раньше, в XIV-XVII веках на территории современной Трафальгарской площади располагались помещения, где содержались королевские соколы, позже – конюшни Уайтхолльского дворца, который был одной из самых больших королевских резиденций в мире.

В начале XIX века решено было реконструировать территорию и снести конюшни. Сначала архитектор Джон Нэш предложил проект просторной площади как места отдыха горожан. В начале своего существования площадь носила имя короля Вильгельма IV. А в 1830 году ее переименовали в честь победы Англии в битве у мыса Трафальгар, состоявшейся в 1805 году.

В этой битве английскому флоту удалось победить объединенную франко-испанскую армию. В битве погиб Горацио Нельсон – командующий флотом Британии. И память о нем увековечили, возведя 44-метровую колонну в центре Трафальгарской площади в 1842 году.

Завершить оформление площади по плану Джона Нэша в 1845 году удалось другому архитектору – Чарльзу Берри, который известен также проектом по восстановлению Вестминстерского дворца после пожара.

Современная Трафальгарская площадь

Trafalgar Square не зря в народе называется «сердцем Англии», ведь это одно из самых красивых и любимых горожанами и туристами мест. Кроме красоты площади с фонтанами и окружающими известными зданиями, туристов привлекают интересные скульптуры и памятники на ее территории.

Памятники площади

Монумент лорду Нельсону

Центром Трафальгарской площади считается колонна Горацио Нельсона (монумент лорду Нельсону), выполненная из темно-серого гранита скульптором У. Рейлтоном. Сама статуя Нельсона составляет 5,5 метров в высоту.

Статуя Нельсона «смотрит» в сторону Адмиралтейства и Портсмута. Там навечно ошвартован его корабль, флагман королевского флота линкор «Виктори». Вправо от монумента, если встать к нему спиной, уходит церемониальная аллея Мэлл. На ней установлены флагштоки, на вершине каждого – изображения кораблей английской эскадры.

Самый верх колонны украшают бронзовые листья, отлитые из британской корабельной пушки. Квадратный пьедестал декорирован четырьмя панелями с барельефами батальных сцен. Они отлиты из трофейных французских орудий. Также при сооружении колонны были использованы 29 пушек с линейного корабля «Георг», однотипного с нельсоновским «Виктори». Изображены на панелях знаменитые сражения Нельсона: сражения при Сент-Винсенте (1797 г), при Абукире (1798 г), при Копенгагене (1801 г) и при Трафальгаре (1905 г).

Несколько лет назад колонна Нельсона пережила масштабную реставрацию. В ходе работ выяснилось, что памятник значительно ниже, чем считали ранее. Не 56 метров от основания до верхушки адмиральской треуголки, а 52.

Огромные бронзовые львы у подножия колонны Нельсона появились через четверть века после установки самого памятника. По одной из версий, художник сэр Эдвин Ландсир, ни разу в жизни живого льва не видел, а эскизы делал со своих собак. Поэтому, мол, грозные звери так, совершенно по-собачьи, высунули языки. И это не единственный миф о трафальгарских львах. Ещё говорят, что каждую полночь, с боем часов Биг-Бена, бронзовые хищники встают, зевают и потягиваются.

В 1925 году пронеслась весть, что шотландский мошенник Артур Фёргюсон продал колонну Нельсона какому-то американцу. Фёргюсон вообще торговал лондонскими достопримечательностями оптом и в розницу. Кроме колонны, он якобы продал Биг-Бен и Букингемский дворец. И ещё колонна Нельсона почему-то пользовалась особой любовью Адольфа Гитлера. В случае завоевания Британии фюрер собирался перевезти монумент в Берлин. Однако Нельсон так и продолжает стоять в центре Лондона.

На вершину колонны Нельсона не раз забирались. Цели у верхолазов были самые разные. Кто-то выражал недовольство политикой апартеида в Южной Африке или китайского правительства в Тибете. Кто-то поддерживал канадских эскимосов. А кто-то поднимался к адмиралу Нельсону просто так – чаю с сэндвичами попить.

Фонтаны на площади

Огромные фонтаны на Трафальгарской площади планировались с самого начала. Но в XIX веке они служили вовсе не эстетическим целям. Их построили, чтобы сократить свободное пространство, уменьшить количество собирающихся на площади людей. А вдруг они задумают дурное? Как контролировать слишком большую толпу? Воду в фонтаны из артезианской скважины нагнетал паровой двигатель.

Около 80 лет назад на месте старых фонтанов установили новые, с каменными чашами и новым насосом. А старые фонтаны продали меценатам, которые, в свою очередь, подарили их Канаде. Так что в Оттаве и Реджайне лондонские фонтаны красуются до сих пор. Недавно на Трафальгарской площади сменили и насосы.

Новые способны выбрасывать воду на 24-метровую высоту. Это примерно высота восьмиэтажного дома.

Памятник Карлу I

С южной стороны площади находится бронзовый монумент, посвященный Карлу I, сидящему на коне. Этот памятник является первым конным монументом в Англии, создан он в 1630 году французским скульптором Хубертом Лёсюёром (Hubert Le Sueur) по заказу лорда Ричарда Вэстона.

Во время гражданской войны статую конфисковали и отправили на переплавку, но памятник сохранили и установили на площади во время правления Карла II в 1675 году. Каждый год к монументу в день казни короля (30 января) возлагают венок.

Раньше на месте памятника располагался Чаринг-Кросс – один из крестов, установленный в честь остановки похоронной процессии Элеоноры Кастильской – супруги Эдуарда I – по пути в Вестминстерское аббатство.

Затем это место было известно как место казни цареубийц. После установления памятника Карлу I рядом с ним установили т.н. позорный столб, где публично наказывали преступников. Место монумента считается центральной точкой города, т.к. от него отсчитывают все расстояния в Лондоне.

Постаменты на площади

По углам площади расположены 4 постамента, три из которых занимают памятники: генералу Чарльзу Напиру, присоединившему пакистанскую провинцию Синд к британским владениям в Индии,

генералу Генри Хейвлоку, сумевшему подавить восстание в Индии,

и королю Георгу IV.

На последнем постаменте до 1999 года не было никакой скульптуры. Сейчас на нем выставляются произведения современного искусства, которые привлекают как туристов, так и местных жителей.

Самыми интересными работами за время существования 4 постамента как выставки современного искусства стали: «Корабль Нельсона в бутылке» работы Й. Шонибаре, «Модель отеля» Т. Шютте, фигура мальчика на игрушечной лошади работы Элмгрина и Драгсета, фигура синего петуха работы К. Фритч.

Еще одной интересной инсталляцией была работа скульптора Э. Гормли «Один и другой», в которой принимали участие обычные жители Лондона, каждый час меняющие друг друга. На пьедестале за 100 дней инсталляции в 2009 году побывали около 2400 человек.

Окружение площади

Интерес представляют музеи и другие достопримечательности Лондона, окружающие Трафальгарскую площадь.

Лондонская национальная галерея

Единственное на Трафальгарской площади здание с куполом – Национальная галерея. Её фронтон с несколькими портиками занимает всю северную сторону Трафальгарской площади.

В первой половине XIX века британское правительство приобрело 38 полотен у наследников Юлиуса Ангерштейна. Этот брокер и меценат, наполовину русский, наполовину англичанин, родился в Санкт-Петербурге, жил в Лондоне. Потом коллекция пополнялась за счёт частных пожертвований.

В результате собрание получилось относительно небольшим, если сравнивать его с другими подобными музеями Старого Света. Но специалисты ценят Национальную галерею за хронологическое разнообразие. В галерее хранится более 2300 работ, которые охватывают период с XIII по XX века.

Важное отличие лондонской галереи в том, что в основе её собрания не национализированные королевские или герцогские коллекции, как, например, в парижском Лувре или мадридском Прадо. То есть коллекция с самого начала принадлежала, да и теперь принадлежит гражданам Соединенного Королевства. Потому и вход в галерею бесплатный, за исключением специальных экспозиций.

Здание галереи регулярно критиковали за эстетические недочёты и тесноту. В результате чуть больше ста лет назад в Лондоне появилась другой комплекс того же профиля – галерея Тейт.

А к Национальной галерее в 1991 году пристроили ещё одно, западное крыло. Пристройку назвали именем лорда Сэйнсбери и двух его братьев, которые стали главными спонсорами строительства. Снаружи крыло Сэйнсбери представляет собой яркий пример постмодернистской архитектуры. А внутри его – прекрасная коллекция живописи итальянского Возрождения.

Церковь Святого Мартина в полях

Северо-восточный угол Трафальгарской площади занимает знаменитая приходская лондонская церковь – Церковь Святого Мартина в полях (St Martin-in-the-Fields).

Находится она на северо-восточном углу Трафальгарской площади, в самом центре города. Между прочим, среди её прихожан — обитатели Букингемского дворца, в том числе и королевское семейство. У церкви имеется и собственный оркестр — академия Святого Мартина в полях.

Впервые вестминстерская церковь во имя св. Мартина Турского упоминается в 1222 году. Нынешнее здание церкви возведено в 1720-е годы по классицистическому проекту Джеймса Гиббса, который в своё время был принят неоднозначно, но впоследствии стал чтимым образцом английской церковной архитектуры, особенно в Новой Англии, где многие старые храмы повторяют облик церкви на Трафальгарской площади.

Здание по композиции представляет собой храм типа базилики («кораблём») с шестиколонным портиком коринфского ордера, напоминающим античные постройки, над которым возносится стройная колокольня, а её шпиль венчает золотая корона. Композиция с ярусной колокольней, расположенной по оси храма, но сдвинутой в глубину относительно фасада, необычна, но характерна для лондонских церквей периода классицизма.

Вместе с церквями Сент-Мэри-ле-Бау (1670—1683, К. Рен), Сент-Мэри-ле-Стрэнд (1714—1717, Дж. Гиббс) и Сент-Мартин, построенной Кристофером Реном в 1677—1684 годах, «Церковь в полях» считают одним из возможных прототипов композиции Петропавловского собора в Санкт-Петербурге.

Интерьер храма также необычен с классицистическими колоннами и хором второго яруса по обе стороны от алтаря. Кстати, в церкви захоронен выдающийся английский художник эпохи Тюдор-Ренессанса Николас Хиллиард.

Также вокруг Трафальгарской площади находятся некоторые посольства.

Представительство Южно-Африканской Республики

Здание, закруглённым углом выходящее на Трафальгарскую площадь, с балюстрадой и балконом, который подпирают четыре гигантские колонны, – представительство Южно-Африканской Республики.

Представительство ЮАР в Лондоне не называется посольством. Это не исключение. Почти все бывшие колонии и зависимые территории Британии, плюс Мозамбик и Руанда, входят в состав Содружества наций, бывшего Британского Содружества. По числу участников эта организация уступает только ООН: в ней 54 суверенных государства. И дипломатические миссии внутри Содружества называются не посольствами, а представительствами высокого комиссара.

Полвека назад ЮАР стала независимой от Британии, вышла из состава Содружества и стала проводить политику расовой сегрегации. В восьмидесятые у её представительства на Трафальгарской площади проходили громкие акции против апартеида. Здание даже поджигали, а один активист забрался на колонну Нельсона. Сейчас аналогичные пикеты проходят у посольства Зимбабве – через квартал отсюда на улице Стрэнд. Апартеид продержался в ЮАР 33 года. В середине девяностых в стране прошли выборы, и она вернулась в Содружество.

В 2001 году, в очередную годовщину отмены апартеида, с балкона этого здания выступал Нельсон Мандела, бывший президент ЮАР, который в своё время был одним из самых известных в мире политзаключённых.

Если вы собираетесь посетить столицу Англии, Трафальгарская площадь не должна ускользнуть из поля вашего зрения, т.к. здесь находятся многочисленные достопримечательности, культурные объекты и, естественно, атмосфера самого «сердца» Лондона.

The post Трафальгарская площадь — сердце Англии appeared first on Блог Милы.

Ингредиенты:

• 500 гр. кабачков,
• 0,5 ч. л. соли.
• 100-150 гр. редиса

Для маринада:

• 2 ст. л. оливкового масла,
• 1,5 ст. л. винного уксуса (или яблочного, или лимонного сока),
• 1 ст. л. меда,
• 1 — 2 зубчика чеснока,
• молотый черный перец,
• свежая зелень.

Приготовление:

Кабачки помыть и срезать кожуру. Если кабачки молодые, то можно делать и вместе с кожицей. Нарезать овощечисткой тонкими полосками. Также очень интересно будет выглядеть закуска, если нарезать кабачки в виде спагетти на терке для корейской моркови. Сложить в миску, посолить и оставить на 30 мин.

Приготовить маринад. Чеснок пропустить через пресс или мелко нарезать. Смешать его с оливковым маслом, медом (если мед густой, то растопить его на водяной бане или в микроволновке), винным уксусом (или лимонным соком), перцем и мелко порезанной свежей зеленью. Думаю, что сюда отлично подойдет кинза, базилик, эстрагон. У меня была петрушка с базиликом. Подготовленный маринад перемешать.

С кабачков слить образовавшуюся жидкость, отжать их руками. Затем залить маринадом и перемешать. Убрать в холодильник на 1 час.

Редис нарезать соломкой и добавить к кабачку, перемешать.

Итак, салат из свежих кабачков с редисом готов. Приятного аппетита!

The post Салат из свежих кабачков с редисом appeared first on Блог Милы.

Материалы:

Пряжа Divina от Consinee (100% шелк туса, 500 м / 100 гр.) 35 гр., крючок 3,0/

Пряжа из шелковой нити, которая связана в шнурок.

Тусса шёлк — это уникальный материал, который производится из коконов диких дубовых шелкопрядов. В отличие от традиционного шёлка, тусса шёлк собирают после того, как будущая бабочка покидает свой кокон, что делает его одним из самых экологически чистых и безопасных видов шёлка. Изделия из тусса шёлка не только прочные и долговечные, но и обладают естественным блеском и приятной текстурой с характерными утолщениями, добавляющими изысканности любому полотну.

Нить тусса толще нити малберри в 2 раза, из такого волокна получается более теплый, мягкий и прочный материал. Шелк тусса красиво мерцает и драпируется, он хорошо впитывает влагу, при этом он совсем не скользкий.

Он не только красив, но и обладает отличными воздухопроницаемыми свойствами, что делает изделия из него идеальными для тёплого времени года.

Стирка при температуре не более 30 градусов очень бережно.

Описание работы:

Размеры косынки 80 см от уголка до уголка и 36 см в высоту.

Вяжется крючком по схеме от нижнего уголка вверх до достижения желаемых размеров.

Получается шикарная вещица.

Можно примерять — и на прогулку!

The post Ажурная косынка крючком из шелка appeared first on Блог Милы.

Ингредиенты (на 1 порцию):

• 150 г тыквы,
• 100 г груши,
• 1 ч. л. — 1 ст. л. меда,
• 5-6 ядер грецких орехов,
• 1 ст. л. лимонного сока

К выбору тыквы следует подойти обдуманно, можно взять, например, мускатную тыкву, она довольно сладкая и ароматная.

Приготовление:

Тыкву очистить от кожуры и натереть на средней терке. Выложить тыкву на порционную тарелку. Грушу нарезать небольшими кубиками, предварительно удалив семенную коробочку. Переложить кусочки груши к тыкве. Сбрызнуть салат лимонным соком. Полить тыкву и грушу медом. Грецкие орехи слегка измельчить и добавить в салат.

Итак, салат с тыквой, грушей и медом готов. Приятного аппетита!

The post Салат с тыквой, грушей и медом appeared first on Блог Милы.

Стоимость тура: 2400 бат, 1600 бат дети от 3 до 12 лет.
Время проведения примерно 7.30 — 19.00 (хотя нас зачем-то собрали на час раньше, из-за чего пришлось потом нарезать круги и искать место, где можно позавтракать).

Контактный зоопарк

Наше путешествие началось с посещения контактного мини зоопарка с редкими видами животных: альпаки, белые львы, капибары, зебры, олени и другие виды.

Купить билеты в зоопарк можно внутри мини-маркета.  Для входа в ворота получили монету, которую надо потом бросить в турникет. Входная плата для взрослых составляет 100 бат. Дети до 15 лет и пожилые люди старше 60 лет входят бесплатно.

На входе продается корзина овощного микса, цена 100 бат.  Можно кормить животных.

Круговой проход начинается с клеток с кроликами,

капибарами,

гигантскими черепахами,

павлинами,

свиньями,

лошадьми и т. д.

По пути вас ждут альпаки (аккуратнее, самец альпаки довольно навязчив),

козы, овцы, олени,

страусы,

зебры. 

Есть загон с крокодилами и белыми львами.

львов тоже можно покормить, цена за курицу также 100 бат.

 Внутри довольно чисто. 

Проход между загонами закрыт крышей от солнца и дождя.

Еще есть услуга прокатиться верхом, 100 бат.

Загадочный храм Ада и Рая Wat Namtok Thammarot

На северо-востоке провинции Районг стоит Ват Намток Тхаммарот  – нетипичный и уникальный храм.

Храм Ват Намток Тхаммарот расположен на севере провинции Районг в районе Ван Чан.  Построенный в 1983 году, он обязан своим названием расположенному неподалеку водопаду. 

Главным и незабываемым элементом является зал рукоположения на сваях преимущественно розового цвета, установленный на пруду.  Его архитектура поистине уникальна.

В плане зал представляет собой крест, что совсем не характерно для тайских храмов.

Внутри можно полюбоваться множеством оригинальных скульптур,

в том числе изумрудный Будда!

Вокруг храма разбит пруд, в котором кишмя кишит рыба. Ловить ее нельзя, вот и расплодилась. Гид купил каждому по кулечку с кормом (20 бат), покормили.

Более лесистая часть храма также интересна множеством статуй, разбросанных вокруг.

На 80 гектарах (пешком не обойдешь!) посреди цветущей природы разбросаны сотни скульптур из буддийской мифологии, изображающими то муки грешников в аду, то райские блаженства, то истории из жизни Будды или другие божества…

Посмотрите ли вы налево, направо, вперед или назад, они повсюду.

Иногда они расположены относительно далеко друг от друга, что придает ощущение гигантизма месту, которое в некоторых местах кажется заброшенным.

В другом месте встретились несколько грандиозных ворот, о которых не известно, обозначают ли они вход в монастырь, служат ли они для украшения или что-то символизируют.

Вдалеке на вершине холма можно увидеть Будду.  Это гигантская копия знаменитой статуи Луанг По Сотон (หลวงพ่อ​โสธร) в провинции Чаченгсау. На этот холм нас завезли на пикапе.

Кстати, на территории храма обитает множество свободно бродящих собак. 

И одно из развлечений поездки было покормить их, так как несколько стай живут вдоль маршрута и поджидают туристов.

На территории есть озеро с гигантскими метровыми кувшинками, но они не цвели, поэтому мы даже не стали рядом останавливаться.

Обед

Дальше мы заехали в ресторан, где нас ждали блюда тайской национальной кухни. Конечно же, король тайских супов Том Ям с морепродуктами (немного острый), жареный рис с курицей, фарш из свинины и куриные крылышки в кляре. Яркие и насыщенные вкусы делают тайскую кухню одной из самых популярных и необычных.

На заднем дворе кафе разбит небольшой сад, где в ожидании обеда можно посмотреть, как растут фрукты, овощи и приправы.

Пещерный храм Wat Tham Khao Prathun

Следующим пунктом программы был пещерный храм. Оставили машину на парковке и пошли к высокому обрывистому холму.

Впереди стоит большое изображение Будды. Сбоку находится небольшая пещера, где хранится множество изображений Будды для поклонения. Рядом с ней находится невысокий туннель длиной более 100 м.

В сезон дождей он заполнен водой и перемещаться по нему можно только на лодке. Но сейчас, в сухой сезон, легко можно пройти пешком.

Внезапно тоннель выводит в широкий двор-колодец с высокими стенами и небом где-то далеко наверху.

Во дворе и на скалистых стенах растут деревья, стоит необыкновенная тишина, даже птиц не слышно. 

В скалах, окружающих двор, есть несколько пещер.

В каждой из них установлены буддийские статуи.

Так интересно открывать эти залы один за другим!

Одна из пещер используется для практики дхармы.

В пещерном храме установлено освещение, поэтому всё видно, не полагаясь на фонарик.

Здесь прохладно даже в жаркую погоду.

Снаружи также есть обезьяны и пруды с рыбой, за которыми можно понаблюдать. Ну а мы поехали дальше.

Гора обезьян Khao Ha Yot

Небольшая остановка у странного необычного месте.

Здесь живет множество обезьян.

Поднимаемся по лестнице, и на площадке видим небольшую пещерку, в которой лежит череп слоненка с подношениями и свечами.

А за ним в глубине виден череп буйвола.

Чуть в стороне еще один грот, в котором сталагмит напомнил тайцам фигуру богини Гуанинь.

Пещера «Логово дракона»

Последним пунктом нашей программы была огромная пещера Khao Cha-ang Song krueang, или «Логово дракона».

Подъем к пещере очень крут, поэтому на эту экскурсию обязательно нужна удобная обувь, крепящаяся на ноге.

Это большая пещера вмещает тысячу человек. Пещера имеет длину более 100 метров, в ней есть множество красивых сталагмитов и сталактитов. Также она служит местом обитания для нескольких видов летучих мышей.

Правда, обещанных летучих мышей мы не увидели, так как приехали туда значительно раньше заявленного времени заката, мыши еще спали.

Пещера находится в изолированных известняковых горных образованиях Khao Cha-Ang, которые расположены посреди равнины в Bo Thong, примерно в 120 км от Паттайи, на границе четырех провинций восточного Таиланда, включая Районг, Чантабури, Чаченгсао и Чонбури. Группа включает семь известняковых холмов, расположенных в нескольких километрах друг от друга в густом лесу. Эти известняки являются важным источником золота и сурьмы.

Кстати, учеными в пещере были обнаружены каменные топоры, глиняные сосуды, скелеты и раковины. Это свидетельствует о том, что в давние времена в Song Khrueang жили целые общины первобытных людей.

Внутри пещеры можно подняться к расположенному на противоположной стене холма отверстию и полюбоваться на равнину, покрытую лесом, с высоты. Но подошва моих сандалий немного скользила (а про кроссовки не предупредили), поэтому я поднялась только до середины подъема.

Вообще, в программе была заявлена еще ферма с овечками и пещера со сталактитами, напоминающими статуи Родена, но нас почему-то туда не повезли. И домой мы вернулись рано.

The post Экскурсия В логово дракона appeared first on Блог Милы.